imagen literaria- una imagen verbal, diseñada en una palabra, esa forma peculiar de reflejo de la vida, que es inherente al arte.

Entonces, la imaginería es el concepto central de la teoría de la literatura, responde a su pregunta más básica: ¿cuál es la esencia de la creatividad literaria?

Imagen: un reflejo generalizado de la realidad en forma de un solo individuo: una definición tan común de este concepto. Las características más básicas se enfatizan en esta definición: generalización e individualización. De hecho, ambas características son esenciales e importantes. Están presentes en cada trabajo literario.

Por ejemplo, en la imagen de Pechorin, características comunes la generación más joven de la época en la que M.Yu. Lermontov, y al mismo tiempo es obvio que Pechorin es un individuo representado por Lermontov con la máxima concreción de la vida. Y no solo esto. Para comprender la imagen, es necesario, en primer lugar, averiguar: ¿qué es lo que realmente le interesa al artista, en qué se enfoca entre los fenómenos de la vida?

« imagen artistica, - según Gorky, - casi siempre ideas más amplias y profundas, toma a una persona con toda su diversidad de su vida espiritual, con todas las contradicciones de sus sentimientos y pensamientos.

Entonces, la imagen es una imagen de la vida humana. Reflejar la vida con la ayuda de imágenes significa pintar cuadros de la vida humana de las personas, es decir. acciones y experiencias de personas características de un área determinada de la vida, lo que permite juzgarlo.

Hablando sobre el hecho de que la imagen es una imagen de la vida humana, queremos decir precisamente que se refleja en ella de manera sintética, holística, es decir. "personalmente", y no cualquiera de sus lados.

Una obra de arte es valiosa sólo cuando hace creer al lector o espectador en sí misma como un fenómeno de la vida humana, ya sea externa o espiritual.

Sin una imagen concreta de la vida, no hay arte. Pero la concreción en sí misma no es el fin en sí mismo de la representación artística. Se sigue necesariamente de su propio tema, de la tarea que enfrenta el arte: la representación de la vida humana en su totalidad.

Entonces, completemos la definición de la imagen.

Una imagen es una imagen concreta de la vida humana, es decir, su imagen personalizada.

Consideremos más. El escritor estudia la realidad a partir de una determinada cosmovisión; en el proceso de su experiencia de vida, acumula observaciones, conclusiones; llega a ciertas generalizaciones que reflejan la realidad y al mismo tiempo expresan sus puntos de vista. Muestra estas generalizaciones al lector en hechos vivos, concretos, en los destinos y experiencias de las personas. Así, en la definición de "imagen" complementamos: Una imagen es un cuadro específico y al mismo tiempo generalizado de la vida humana.

Pero incluso ahora nuestra definición aún no está completa.

La ficción juega un papel muy importante en la imagen. Sin la imaginación creadora del artista, no habría unidad de lo individual y lo general, sin lo cual no habría imagen. Basado en su conocimiento y comprensión de la vida, el artista imagina tales hechos de la vida por los cuales uno podría juzgar mejor la vida que representa. Este es el significado de la ficción. Al mismo tiempo, la ficción del artista no es arbitraria, le es sugerida por su experiencia de vida. Sólo bajo esta condición el artista podrá encontrar colores reales para representar el mundo en el que quiere introducir al lector. La ficción es un medio de selección por parte del escritor de lo más característico de la vida, es decir. es una generalización del material vital recogido por el escritor. Cabe señalar que la ficción no se opone a la realidad, sino que es una forma especial de reflejo de la vida, una forma peculiar de su generalización. Ahora debemos completar de nuevo nuestra definición.

Entonces, la imagen es una imagen concreta y al mismo tiempo generalizada de la vida humana, creada con la ayuda de la ficción. Pero eso no es todo.

Una obra de arte suscita en nosotros un sentimiento de excitación inmediata, de simpatía por los personajes o de resentimiento. Lo tratamos como algo que nos afecta personalmente, relacionándonos directamente.

Asi que. Este es un sentimiento estético. El propósito del arte es comprender estéticamente la realidad, para evocar un sentimiento estético en una persona. El sentido estético está asociado a la idea de ideal. Es esta percepción del ideal encarnado en la vida, la percepción de lo bello lo que nos provoca sentimientos estéticos: emoción, alegría, placer. Esto quiere decir que el significado del arte radica en el hecho de que debe evocar en una persona actitud estética a la vida. Así, hemos llegado a la conclusión de que el lado esencial de la imagen es su valor estético.

Ahora podemos dar una definición de la imagen, que ha absorbido las características de las que hablamos.

Entonces, resumiendo lo dicho, obtenemos:

IMAGEN - UNA IMAGEN ESPECÍFICA Y AL MISMO TIEMPO GENERALIZADA DE LA VIDA HUMANA, CREADA CON LA AYUDA DE LA FICCIÓN Y QUE TIENE SIGNIFICADO ESTÉTICO.

Introducción

Una imagen artística es una categoría general de creatividad artística: una forma de reproducción, interpretación y dominio de la vida inherente al arte mediante la creación de objetos que afectan estéticamente. Una imagen se entiende a menudo como un elemento o parte de un todo artístico, generalmente un fragmento que tiene, por así decirlo, vida independiente y contenido (por ejemplo, personajes en la literatura, imágenes simbólicas). pero en más sentido general una imagen artística es una forma de existencia de una obra, tomada del lado de su expresividad, energía impresionante y significado.

En una serie de otras categorías estéticas, esta es de origen relativamente tardío, aunque los comienzos de la teoría de la imagen artística se pueden encontrar en la doctrina de Aristóteles de la "mimesis": la libre imitación de la vida por parte del artista en su capacidad para producir integral, objetos dispuestos internamente y el placer estético asociado a esto. Mientras que el arte en su autoconciencia (proveniente de la antigua tradición) estaba más cerca de la artesanía, la destreza, la habilidad y, por consiguiente, en la multitud de las artes, el lugar principal pertenecía a las artes plásticas, el pensamiento estético se contentaba con los conceptos de el canon, luego el estilo y la forma, a través de los cuales se iluminaba la actitud transformadora del artista hacia el material. El hecho de que el material reformado artísticamente capture, lleve en sí mismo una especie de educación ideal, en algo similar al pensamiento, comenzó a realizarse solo con la promoción de artes más "espirituales": la literatura y la música. La estética hegeliana y poshegeliana (incluido V. G. Belinsky) utilizaron ampliamente la categoría de imagen artística, respectivamente, oponiendo la imagen como producto del pensamiento artístico a los resultados del pensamiento abstracto, científico y conceptual: silogismo, inferencia, prueba, fórmula.

Desde entonces, la universalidad de la categoría de imagen artística ha sido repetidamente cuestionada, ya que la connotación semántica de objetividad y visibilidad, que forma parte de la semántica del término, parecía tornarlo inaplicable a “no objetivos”, no finos. letras. Y, sin embargo, la estética moderna, principalmente doméstica, en la actualidad recurre ampliamente a la teoría de la imagen artística como la más prometedora, ayudando a revelar la naturaleza original de los hechos del arte.

El propósito del trabajo: Analizar el concepto de imagen artística e identificar los principales medios de su creación.

Ampliar el concepto de imagen artística.

Considere los medios para crear una imagen artística.

Analizar las características de las imágenes artísticas a partir del ejemplo de las obras de W. Shakespeare.

El tema de la investigación es la psicología de la imagen artística en el ejemplo de las obras de Shakespeare.

Método de investigación - análisis teórico de la literatura sobre el tema.

1. Psicología de la imagen artística

1 El concepto de imagen artística

En epistemología, el concepto de "imagen" se utiliza en un sentido amplio: una imagen es una forma subjetiva de reflejo de la realidad objetiva en la mente de una persona. En la etapa empírica de la reflexión, las imágenes-impresiones, las imágenes-representaciones, las imágenes de la imaginación y la memoria son inherentes a la conciencia humana. Sólo sobre esta base, a través de la generalización y la abstracción, surgen imágenes-conceptos, imágenes-conclusiones, juicios. Pueden ser visuales (imágenes ilustrativas, diagramas, modelos) y no visuales (abstractos).

Junto con un significado epistemológico amplio, el concepto de "imagen" tiene un significado más restringido. Una imagen es una apariencia específica de un objeto integral, fenómeno, persona, su “rostro”.

La mente humana recrea las imágenes de la objetividad, sistematizando la diversidad de movimientos e interconexiones del mundo circundante. La cognición y la práctica de una persona conducen la variedad entrópica, a primera vista, de fenómenos a una correlación ordenada o conveniente de relaciones y, por lo tanto, forman imágenes. mundo humano el llamado medio ambiente, complejo residencial, ceremonias públicas, ritual deportivo, etc. La síntesis de impresiones dispares en imágenes integrales elimina la incertidumbre, designa tal o cual esfera, nombra tal o cual contenido delimitado.

Aspecto perfecto El objeto que surge en la cabeza humana es un determinado sistema. Sin embargo, a diferencia de la filosofía de la Gestalt, que introdujo estos términos en la ciencia, se debe enfatizar que la imagen de la conciencia es esencialmente secundaria, es un producto del pensamiento que refleja las leyes de los fenómenos objetivos, es una forma subjetiva de reflexión de objetividad, y no una construcción puramente espiritual dentro de la corriente de la conciencia.

Una imagen artística no es sólo una forma especial de pensamiento, es una imagen de la realidad que surge a través del pensamiento. El principal significado, función y contenido de la imagen del arte radica en el hecho de que la imagen representa la realidad en una cara concreta, su mundo objetivo y material, una persona y su entorno, representa los eventos de la vida pública y personal de las personas, su relaciones, sus características externas y espirituales y psicológicas.

En estética, durante muchos siglos ha habido una cuestión discutible de si la imagen artística es un molde de impresiones directas de la realidad o está mediada en el proceso de emergencia por la etapa del pensamiento abstracto y los procesos de abstracción de lo concreto por el análisis. , síntesis, inferencia, conclusión, es decir, el procesamiento de impresiones sensualmente dadas. Los investigadores de la génesis del arte y de las culturas primitivas distinguen el período del "pensamiento prelógico", pero incluso para las últimas etapas El concepto de "pensar" es inaplicable al arte de esta época. La naturaleza sensual-emocional, intuitiva-figurativa del antiguo arte mitológico le dio a K. Marx una razón para decir que las primeras etapas del desarrollo de la cultura humana se caracterizaron por un procesamiento artístico inconsciente. materiales naturales.

En el proceso de la práctica del trabajo humano, no solo tuvo lugar el desarrollo de las habilidades motoras de las funciones de la mano y otras partes del cuerpo humano, sino también, en consecuencia, el proceso de desarrollo de la sensibilidad humana, el pensamiento y el habla.

La ciencia moderna defiende el hecho de que el lenguaje de los gestos, señales, signos Hombre anciano era todavía sólo el lenguaje de las sensaciones y las emociones, y sólo más tarde el lenguaje de los pensamientos elementales.

El pensamiento primitivo se distinguió por su inmediatez y elementalidad originales, como pensar sobre la situación presente, sobre el lugar, el volumen, la cantidad y el beneficio inmediato de un fenómeno particular.

Sólo con la aparición discurso sonoro y el segundo sistema de señales comienza a desarrollar el pensamiento discursivo y lógico.

Por esto, podemos hablar de la diferencia en ciertas fases o etapas en el desarrollo del pensamiento humano. Primero, la fase de pensamiento visual, concreto, de señal primaria, que refleja directamente la situación experimentada momentáneamente. En segundo lugar, esta es la fase del pensamiento figurativo, que va más allá de los límites de lo que se experimenta directamente gracias a la imaginación y las ideas elementales, así como la imagen externa de algunas cosas específicas, y su posterior percepción y comprensión a través de esta imagen (una forma de comunicación).

El pensar, como otros fenómenos espirituales y psíquicos, se desarrolla en la historia de la antropogénesis de lo más bajo a lo más alto. El descubrimiento de muchos hechos que atestiguan la naturaleza prelógica, prelógica del pensamiento primitivo, dio lugar a muchas interpretaciones. famoso explorador cultura antigua K. Levy-Bruhl señaló que el pensamiento primitivo está orientado de manera diferente al pensamiento moderno, en particular, es "prelógico", en el sentido de que "se reconcilia" con la contradicción.

En la estética occidental de mediados del siglo pasado está muy extendida la conclusión de que el hecho de la existencia del pensamiento prelógico da pie a la conclusión de que la naturaleza del arte es idéntica a la conciencia inconscientemente mitificadora. Existe toda una galaxia de teorías que buscan identificar el pensamiento artístico con el mitologismo elemental-figurativo de las formas prelógicas del proceso espiritual. Esto se aplica a las ideas de E. Cassirer, quien dividió la historia de la cultura en dos eras: la era del lenguaje simbólico, el mito y la poesía, en primer lugar, y la era del pensamiento abstracto y el lenguaje racional, en segundo lugar, mientras se esforzaba por absolutizar la mitología como una base ancestral ideal en la historia el pensamiento artístico.

Sin embargo, Cassirer solo llamó la atención sobre el pensamiento mitológico como una prehistoria de las formas simbólicas, pero después de él A.-N. Whitehead, G. Reid, S. Langer intentaron absolutizar el pensamiento no conceptual como la esencia de la conciencia poética en general.

Los psicólogos domésticos, por el contrario, creen que la conciencia de una persona moderna es una unidad psicológica multilateral, donde las etapas de desarrollo de los lados sensual y racional están interconectadas, interdependientes, interdependientes. La medida del desarrollo de los aspectos sensoriales de la conciencia del hombre histórico en el curso de su existencia correspondía a la medida de la evolución de la razón.

Hay muchos argumentos a favor de la naturaleza sensual-empírica de la imagen artística como su característica principal.

Como ejemplo, detengámonos en el libro de A.K. Voronsky "El arte de ver el mundo". Apareció en los años 20, tenía suficiente popularidad. El motivo de escribir esta obra fue una protesta contra la artesanía, el cartel, la didáctica, la manifestación, el arte "nuevo".

El patetismo de Voronsky se centra en el "misterio" del arte, que vio en la capacidad del artista para captar la impresión inmediata, la emoción "primaria" de percibir un objeto: "El arte sólo entra en contacto con la vida. Tan pronto como la mente del espectador, del lector, comienza a trabajar, desaparece todo el encanto, toda la fuerza del sentimiento estético.

Voronsky desarrolló su punto de vista, apoyándose en una experiencia considerable, en una comprensión sensible y un conocimiento profundo del arte. Aisló el acto de la percepción estética de la vida cotidiana y cotidiana, creyendo que es posible ver el mundo "directamente", es decir, sin la mediación de pensamientos e ideas preconcebidas, solo en momentos felices de verdadera inspiración. La frescura y la pureza de la percepción son raras, pero es precisamente este sentimiento directo el que es la fuente de la imagen artística.

Voronsky llamó a esta percepción “irrelevante” y la contrastó con fenómenos ajenos al arte: la interpretación y la “interpretación”.

El problema del descubrimiento artístico del mundo recibe de Voronsky la definición de un “sentimiento creativo complejo”, cuando se revela la realidad de la impresión primaria, independientemente de si una persona la conoce.

El arte “silencia la mente, logra que una persona crea en el poder de sus impresiones más primitivas, más directas”6.

Escrita en la década de 1920, la obra de Voronsky se centra en la búsqueda de los secretos del arte en un antropologismo puro e ingenuo, "irrelevante", que no apela a la razón.

Las impresiones inmediatas, emocionales e intuitivas nunca perderán su significado en el arte, pero ¿son suficientes para el arte del arte, no son los criterios del arte más complicados de lo que sugiere la estética de los sentimientos directos?

La creación de una imagen artística del arte, si no es un estudio o un boceto preliminar, etc., sino una imagen artística completa, es imposible solo fijando una impresión hermosa, directa e intuitiva. La imagen de esta impresión será insignificante en el arte si no está inspirada por el pensamiento. La imagen artística del arte es tanto el resultado de la impresión como el producto del pensamiento.

VS Solovyov hizo un intento de "nombrar" lo que es bello en la naturaleza, de dar un nombre a la belleza. Dijo que la belleza de la naturaleza es la luz del sol, la luna, la luz astral, los cambios de luz durante el día y la noche, el reflejo de la luz en el agua, los árboles, la hierba y los objetos, el juego de luces de los relámpagos, el sol , la luna.

Estos fenómenos naturales evocan sentimientos estéticos, placer estético. Y aunque estos sentimientos también están conectados con el concepto de las cosas, por ejemplo, sobre una tormenta, sobre el universo, todavía se puede imaginar que las imágenes de la naturaleza en el arte son imágenes de impresiones sensoriales.

La impresión sensual, el disfrute irreflexivo de la belleza, incluida la luz de la luna, las estrellas, son posibles, y tales sentimientos pueden descubrir algo inusual una y otra vez, pero la imagen artística del arte incorpora una amplia gama de fenómenos espirituales, tanto sensuales como intelectual. En consecuencia, la teoría del arte no tiene por qué absolutizar ciertos fenómenos.

La esfera figurativa de una obra de arte se forma simultáneamente sobre un conjunto de varios niveles conciencia: sentimientos, intuición, imaginación, lógica, fantasía, pensamiento. La representación visual, verbal o sonora de una obra de arte no es una copia de la realidad, aunque sea óptimamente realista. La representación artística revela claramente su naturaleza secundaria, mediada por el pensamiento, como resultado de la participación del pensamiento en el proceso de creación de la realidad artística.

La imagen artística es el centro de gravedad, la síntesis de sentimiento y pensamiento, intuición e imaginación; la esfera figurativa del arte se caracteriza por el autodesarrollo espontáneo, que tiene varios vectores de condicionamiento: la “presión” de la vida misma, el “vuelo” de la fantasía, la lógica del pensamiento, la influencia mutua de las conexiones intraestructurales de la obra , las tendencias ideológicas y la dirección del pensamiento del artista.

La función del pensamiento también se manifiesta en el mantenimiento del equilibrio y la armonización de todos estos factores en conflicto. El pensamiento del artista trabaja sobre la integridad de la imagen y la obra. La imagen es el resultado de impresiones, la imagen es fruto de la imaginación y la fantasía del artista ya la vez producto de su pensamiento. Sólo en la unidad e interacción de todos estos aspectos surge un fenómeno artístico específico.

En virtud de lo dicho, es claro que la imagen es relevante y no idéntica a la vida. Y puede haber un número infinito de imágenes artísticas de la misma esfera de objetividad.

Siendo un producto del pensamiento, la imagen artística es también el foco de la expresión ideológica del contenido.

Una imagen artística tiene sentido como “representante” de ciertos aspectos de la realidad, y en este sentido es más compleja y multifacética que el concepto como forma de pensamiento, en el contenido de la imagen es necesario distinguir entre los diversos ingredientes de significado El significado de una obra de arte hueca es complejo: un fenómeno "compuesto", el resultado del desarrollo artístico, es decir, el conocimiento, la experiencia estética y la reflexión sobre el material de la realidad. El significado no existe en la obra como algo aislado, descrito o expresado. "Fluye" de las imágenes y de la obra en su conjunto. Sin embargo, el sentido de la obra es producto del pensamiento y, por tanto, su especial criterio.

El significado artístico de la obra es el producto final del pensamiento creativo del artista. El significado pertenece a la imagen, por tanto el contenido semántico de la obra tiene un carácter específico, idéntico a sus imágenes.

Si hablamos del contenido de información de una imagen artística, entonces este no es solo un sentido que expresa certeza y su significado, sino también un sentido estético, emocional, de entonación. Todo esto se llama información redundante.

Una imagen artística es una idealización multilateral de un objeto material o espiritual, presente o imaginario, no es reducible a la unambigüedad semántica, no es idéntica a la información de signos.

La imagen incluye la inconsistencia objetiva de elementos de información, oposiciones y alternativas de significado, propios de la naturaleza de la imagen, ya que representa la unidad de lo general y lo individual. El significado y el significante, es decir, la situación de signo, sólo pueden ser un elemento de la imagen o una imagen-detalle (una especie de imagen).

Dado que el concepto de información ha adquirido no solo un significado técnico y semántico, sino también un significado filosófico más amplio, una obra de arte debe interpretarse como un fenómeno específico de información. Esta especificidad se manifiesta, en particular, en el hecho de que el contenido figurativo-descriptivo, figurativo-tramático de una obra de arte como arte es informativo en sí mismo y como “receptáculo” de ideas.

Por lo tanto, la representación de la vida y la forma en que se representa está llena de significado en sí misma. Y el hecho de que el artista eligió ciertas imágenes, y el hecho de que por el poder de la imaginación y la fantasía les adjuntó elementos expresivos, todo esto habla por sí mismo, porque no solo es un producto de la fantasía y la habilidad, sino también un producto. del pensamiento del artista.

Una obra de arte tiene sentido en la medida en que refleja la realidad y en la medida en que lo reflejado es el resultado de pensar la realidad.

El pensamiento artístico en el arte tiene una variedad de áreas y la necesidad de expresar sus ideas de manera directa, desarrollando un lenguaje poético especial para tal expresión.

2 Medios para crear una imagen artística

La imagen artística, que posee una concreción sensual, se personifica como algo separado, único, en contraste con la imagen preartística, en la que la personificación tiene un carácter difuso, artísticamente subdesarrollado y, por lo tanto, carece de originalidad. La personificación en el pensamiento artístico y figurativo desarrollado es de fundamental importancia.

Sin embargo, la interacción artístico-figurativa de producción y consumo es de un carácter especial, ya que la creatividad artística es, en cierto sentido, también un fin en sí mismo, es decir, una necesidad espiritual y práctica relativamente independiente. No es casualidad que la idea de que el espectador, el oyente, el lector son, por así decirlo, cómplices del proceso creativo del artista, haya sido expresada a menudo tanto por teóricos como por practicantes del arte.

En la especificidad de las relaciones sujeto-objeto, en la percepción artístico-figurativa, se pueden distinguir al menos tres rasgos esenciales.

La primera es que la imagen artística, nacida como respuesta del artista a determinadas necesidades sociales, como diálogo con el público, en el proceso de educación adquiere vida en la cultura artística, independiente de este diálogo, ya que entra en relaciones cada vez más nuevas. diálogos, sobre las posibilidades de las que el autor no podía sospechar en el proceso de creatividad. Las grandes imágenes artísticas continúan viviendo como un valor espiritual objetivo no solo en la memoria artística de los descendientes (por ejemplo, como portadores de tradiciones espirituales), sino también como una fuerza real y moderna que anima a una persona a actividad social.

El segundo rasgo esencial de las relaciones sujeto-objeto inherentes a la imagen artística y expresado en su percepción es que la “bifurcación” en creación y consumo en el arte es distinta de la que se produce en el ámbito de la producción material. Si en la esfera de la producción material el consumidor trata solo con el producto de producción, y no con el proceso de creación de este producto, entonces en la creatividad artística, en el acto de percibir imágenes artísticas Participación activa recibe la influencia del proceso creativo. Cómo se logra el resultado en los productos de producción material es relativamente poco importante para el consumidor, mientras que en la percepción artístico-figurativa es sumamente significativo y constituye uno de los puntos principales del proceso artístico.

Si en la esfera de la producción material los procesos de creación y consumo son relativamente independientes, como cierta forma de vida humana, entonces la producción y el consumo artísticos no pueden separarse sin comprometer la comprensión de las especificidades mismas del arte. Hablando de esto, debe tenerse en cuenta que el ilimitado potencial artístico y figurativo se revela solo en el proceso histórico de consumo. No puede agotarse sólo en el acto de percibir directamente el "uso único".

También hay una tercera característica específica de las relaciones sujeto-objeto inherente a la percepción de una imagen artística. Su esencia se reduce a lo siguiente: si en el proceso de consumo de productos de producción material, la percepción de los procesos de esta producción no es necesaria y no determina el acto de consumo, entonces en el arte el proceso de creación artística las imágenes, por así decirlo, "cobran vida" en el proceso de su consumo. Esto es más obvio en aquellos tipos de creatividad artística que están asociados con la actuación. Se trata de sobre la música, el teatro, es decir, aquellas formas de arte en las que la política en cierta medida es testigo del acto creativo. De hecho, esto está presente de diversas formas en todo tipo de arte, en unos es más, y en otros es menos evidente y se expresa en la unidad de qué y cómo comprende una obra de arte. A través de esta unidad, el público percibe no solo la habilidad del intérprete, sino también el poder directo de la influencia artística y figurativa en su significado significativo.

Una imagen artística es una generalización que se revela en una forma concreto-sensual y es esencial para una serie de fenómenos. La dialéctica de lo universal (típico) y lo individual (individual) en el pensamiento corresponde a su interpenetración dialéctica en la realidad. En el arte, esta unidad no se expresa en su universalidad, sino en su individualidad: lo general se manifiesta en lo individual ya través de lo individual. La representación poética es figurativa y muestra no una esencia abstracta, no una existencia accidental, sino un fenómeno en el que, a través de su apariencia, de su individualidad, se conoce lo sustancial. En una de las escenas de la novela de Tolstoi "Anna Karenina", Karenin quiere divorciarse de su esposa y acude a un abogado. Una conversación confidencial tiene lugar en una acogedora oficina, alfombrada. De repente, una polilla vuela por la habitación. Y aunque la historia de Karenin se refiere a las circunstancias dramáticas de su vida, el abogado ya no escucha nada, es importante para él atrapar la polilla que amenaza sus alfombras. Un pequeño detalle conlleva una gran carga semántica: en su mayor parte, las personas son indiferentes entre sí, y las cosas tienen un significado para ellas. gran valor que la personalidad y su destino.

El arte del clasicismo se caracteriza por la generalización: una generalización artística al resaltar y absolutizar una característica específica del héroe. El romanticismo se caracteriza por la idealización: la generalización a través de la encarnación directa de los ideales, imponiéndolos en el material real. La tipificación es inherente al arte realista: la generalización artística a través de la individualización a través de la selección de los rasgos esenciales de la personalidad. En el arte realista, cada persona representada es un tipo, pero al mismo tiempo una personalidad bien definida: un "extraño familiar".

El marxismo concede especial importancia al concepto de tipificación. Este problema fue planteado por primera vez por K. Marx y F. Engels en su correspondencia con F. Lassalle sobre su drama Franz von Sickingen.

En el siglo XX desaparecen las viejas ideas sobre el arte y la imagen artística, y también cambia el contenido del concepto de "tipificación".

Hay dos enfoques interrelacionados de esta manifestación de la conciencia artística y figurativa.

En primer lugar, la máxima aproximación a la realidad. Hay que subrayar que el arte documental, como deseo de un reflejo detallado, realista y fidedigno de la vida, se ha convertido no sólo en la tendencia dominante en la cultura artística del siglo XX. Arte Moderno mejoró este fenómeno, lo llenó de contenidos intelectuales y morales hasta ahora desconocidos, definiendo en gran medida el ambiente artístico y figurativo de la época. Cabe señalar que el interés por este tipo de convencionalidad figurativa no disminuye aún hoy. Esto se debe al asombroso éxito del periodismo, las películas de no ficción, la fotografía artística, la publicación de cartas, diarios, memorias de los participantes en diversos eventos históricos.

En segundo lugar, el máximo fortalecimiento de la convencionalidad, y en presencia de una conexión muy tangible con la realidad. Este sistema de convenciones de la imagen artística implica poner en primer plano los aspectos integradores del proceso creativo, a saber: selección, comparación, análisis, que están en conexión orgánica con las características individuales del fenómeno. Por regla general, la tipificación presupone una mínima deformación estética de la realidad, razón por la cual en la historia del arte se dio a este principio el nombre de viviente, recreando el mundo “en las formas de la vida misma”.

Una antigua parábola india habla de unos ciegos que querían saber qué era un elefante y empezaron a palparlo. Uno de ellos agarró la pata del elefante y dijo: "El elefante es como un pilar"; otro palpó el vientre del gigante y decidió que el elefante era una jarra; el tercero tocó la cola y entendió: "El elefante es la cuerda de un barco"; el cuarto tomó la trompa en sus manos y declaró que el elefante es una serpiente. Sus intentos de comprender qué es un elefante no tuvieron éxito, porque no conocían el fenómeno como un todo y su esencia, sino sus partes constituyentes y propiedades aleatorias. Un artista que eleva los rasgos de la realidad a un típico rasgo fortuito actúa como un ciego que confundió un elefante con una cuerda solo porque no podía agarrar nada más que la cola. Un verdadero artista capta la característica, lo esencial en los fenómenos. El arte es capaz, sin romper con el carácter concreto-sensorial de los fenómenos, de hacer amplias generalizaciones y de crear un concepto del mundo.

La tipificación es una de las principales regularidades de la exploración artística del mundo. En gran parte gracias a la generalización artística de la realidad, la identificación de los fenómenos característicos, esenciales en la vida, el arte se convierte en un poderoso medio de comprensión y transformación del mundo. imagen artística de Shakespeare

La imagen artística es la unidad de lo racional y lo emocional. La emotividad es un fundamento históricamente temprano de la imagen artística. Los antiguos indios creían que el arte nacía cuando una persona no podía reprimir sus abrumadores sentimientos. La leyenda sobre el creador del Ramayana cuenta cómo el sabio Valmiki caminó por un sendero del bosque. En la hierba vio a dos aves zancudas llamándose suavemente el uno al otro. De repente apareció un cazador y atravesó a uno de los pájaros con una flecha. Abrumado por la ira, el dolor y la compasión, Valmiki maldijo al cazador, y las palabras que escapaban de su corazón rebosante de sentimientos se convirtieron en una estrofa poética con la métrica ahora canónica "sloka". Fue con este verso que el dios Brahma ordenó posteriormente a Valmiki que cantara las hazañas de Rama. Esta leyenda explica el origen de la poesía a partir de un discurso emocionalmente rico, agitado y ricamente entonado.

Para crear una obra perdurable, no solo es importante una amplia cobertura de la realidad, sino también una temperatura mental y emocional suficiente para derretir las impresiones del ser. Una vez, al moldear una figura de un condotiero de plata, el escultor italiano Benvenuto Cellini encontró un obstáculo inesperado: cuando se vertió el metal en el molde, resultó que no había suficiente. El artista se dirigió a sus conciudadanos, y ellos trajeron cucharas, tenedores, cuchillos y bandejas de plata a su taller. Cellini comenzó a arrojar este utensilio al metal fundido. Cuando se completó el trabajo, una hermosa estatua apareció ante los ojos de los espectadores, sin embargo, el mango de un tenedor sobresalía de la oreja del jinete y un trozo de cuchara de la grupa del caballo. Mientras la gente del pueblo transportaba los utensilios, la temperatura del metal vertido en el molde bajó ... Si la temperatura mental-emocional no es suficiente para fundir el material vital en un todo único (realidad artística), entonces sobresalen los "tenedores". de la obra, con la que tropieza el que percibe el arte.

Lo principal en la cosmovisión es la actitud de una persona hacia el mundo y, por lo tanto, está claro que no es solo un sistema de puntos de vista e ideas, sino el estado de la sociedad (clase, grupo social, nación). La cosmovisión como horizonte especial de la reflexión pública del mundo por parte del hombre se relaciona con la conciencia pública como el público con lo general.

La actividad creativa de cualquier artista depende de su visión del mundo, es decir, su actitud conceptualmente formalizada ante diversos fenómenos de la realidad, incluido el ámbito de las relaciones entre diversos grupos sociales. Pero esto ocurre sólo en proporción al grado de participación de la conciencia en el proceso creativo como tal. Al mismo tiempo, el área inconsciente de la psique del artista también juega aquí un papel importante. Los procesos intuitivos inconscientes, por supuesto, juegan un papel importante en la conciencia artístico-figurativa del artista. Esta conexión fue enfatizada por G. Schelling: "El arte ... se basa en la identidad de la actividad consciente e inconsciente".

La cosmovisión del artista como vínculo mediador entre él mismo y la conciencia pública del grupo social contiene un momento ideológico. Y dentro de la misma conciencia individual, la visión del mundo, por así decirlo, se eleva en algunos niveles emocionales y psicológicos: visión del mundo, visión del mundo, visión del mundo. La cosmovisión es más un fenómeno ideológico, mientras que la cosmovisión tiene una naturaleza sociopsicológica, que contiene aspectos históricos tanto universales como concretos. La cosmovisión se incluye en el área de la conciencia cotidiana e incluye mentalidades, gustos y disgustos, intereses e ideales de una persona (incluido un artista). Desempeña un papel especial en el trabajo creativo, ya que solo con su ayuda el autor realiza su visión del mundo, proyectándola en el material artístico y figurativo de sus obras.

La naturaleza de ciertos tipos de arte determina el hecho de que en algunos de ellos el autor logra plasmar su cosmovisión solo a través de su cosmovisión, mientras que en otros la cosmovisión entra directamente en el tejido de las obras de arte que crean. Por lo tanto, la creatividad musical puede expresar la cosmovisión del sujeto de la actividad productiva solo indirectamente, a través del sistema de imágenes musicales creado por él. En literatura, el autor-artista tiene la oportunidad, con la ayuda de la palabra, dotada por su propia naturaleza de la capacidad de generalizar, de expresar más directamente sus ideas y puntos de vista sobre varios aspectos de los fenómenos representados de la realidad.

Para muchos artistas del pasado, la contradicción entre la visión del mundo y la naturaleza de su talento fue característica. Así que M. F. Dostoievski, en su opinión, era un monárquico liberal, además, claramente gravitaba hacia la resolución de todas las úlceras de la sociedad contemporánea a través de su curación espiritual con la ayuda de la religión y el arte. Pero al mismo tiempo, el escritor resultó ser el dueño del talento artístico realista más raro. Y esto le permitió crear muestras insuperables de las imágenes más veraces de las contradicciones más dramáticas de su época.

Pero en épocas de transición, la perspectiva misma de la mayoría de los artistas, incluso de los más talentosos, resulta ser internamente contradictoria. Por ejemplo, las opiniones sociopolíticas de L.N. Tolstoi combinó extrañamente las ideas del socialismo utópico, que incluían críticas a la sociedad burguesa y búsquedas y consignas teológicas. Además, la visión del mundo de una serie de grandes artistas, bajo la influencia de los cambios en la situación sociopolítica de sus países, puede sufrir, a veces, un desarrollo muy complejo. Así, el camino de evolución espiritual de Dostoievski fue muy difícil y complicado: del socialismo utópico de los años 40 al monarquismo liberal de los años 60-80 del siglo XIX.

Las razones de la inconsistencia interna de la cosmovisión del artista radican en la heterogeneidad de sus partes constituyentes, en su relativa autonomía y en la diferencia de su significado para el proceso creativo. Si para un científico natural, debido a las peculiaridades de su actividad, los componentes de historia natural de su cosmovisión son de importancia decisiva, entonces para un artista, sus puntos de vista y creencias estéticas son lo primero. Además, el talento del artista está directamente relacionado con su convicción, es decir, con "emociones intelectuales" que se han convertido en motivos para crear imágenes artísticas perdurables.

La conciencia artístico-figurativa moderna debe ser antidogmática, es decir, caracterizada por un rechazo decidido a cualquier tipo de absolutización de un solo principio, actitud, formulación, evaluación. Ninguna de las opiniones y declaraciones más autorizadas debe ser deificada, convertirse en la verdad última, convertirse en estándares y estereotipos artísticos y figurativos. La elevación del enfoque dogmático al “imperativo categórico” de la creatividad artística absolutiza inevitablemente la confrontación de clases, lo que en un contexto histórico concreto acaba desembocando en la justificación de la violencia y exagera su papel semántico no solo en la teoría, sino también en la práctica artística. La dogmatización del proceso creativo se manifiesta también cuando determinados métodos y actitudes adquieren el carácter de única verdad artística posible.

La estética doméstica moderna también necesita deshacerse del epigonismo que la ha caracterizado durante muchas décadas. Deshacerse del método de citar interminablemente a los clásicos sobre temas de especificidad artística y figurativa, de la percepción acrítica de los puntos de vista, juicios y conclusiones de otras personas, incluso los más tentadoramente convincentes, y esforzarse por expresar sus propios puntos de vista personales. y creencias, es necesario para cualquier y todo investigador moderno, si quiere ser un verdadero científico, y no un funcionario en un departamento científico, no un funcionario al servicio de alguien o algo. En la creación de obras de arte, el epigonismo se manifiesta en la adhesión mecánica a los principios y métodos de cualquier escuela de arte, dirección, sin tener en cuenta la situación histórica cambiada. Mientras tanto, el epigonismo no tiene nada que ver con un desarrollo verdaderamente creativo de la herencia y las tradiciones artísticas clásicas.

Así, el pensamiento estético mundial ha formulado varios matices del concepto de "imagen artística". En la literatura científica, se pueden encontrar características de este fenómeno como "misterio del arte", "célula de arte", "unidad de arte", "formación de imágenes", etc. Sin embargo, independientemente de los epítetos que se adjudiquen a esta categoría, debe recordarse que la imagen artística es la esencia del arte, una forma significativa que es inherente a todos sus tipos y géneros.

La imagen artística es la unidad de lo objetivo y lo subjetivo. La imagen incluye el material de la realidad, procesado fantasía creativa el artista, su actitud ante el retratado, así como toda la riqueza del individuo y del creador.

En el proceso de creación de una obra de arte, el artista como persona actúa como sujeto de la creatividad artística. Si hablamos de percepción artístico-figurativa, entonces la imagen artística creada por el creador actúa como objeto, y el espectador, oyente, lector es el sujeto de esta relación.

El artista piensa en imágenes, cuya naturaleza es concretamente sensual. Esto vincula las imágenes del arte con las formas de la vida misma, aunque esta relación no puede tomarse literalmente. formas tales como palabra de arte, un sonido musical o un conjunto arquitectónico, no existe ni puede existir en la vida misma.

Un componente importante que forma la estructura de la imagen artística es la visión del mundo del tema de la creatividad y su papel en la práctica artística. Cosmovisión: un sistema de puntos de vista sobre el mundo objetivo y el lugar de una persona en él, sobre la actitud de una persona hacia la realidad que lo rodea y hacia sí mismo, así como las posiciones básicas de vida de las personas, sus creencias, ideales, principios de cognición y actividad. , orientaciones de valor condicionadas por estas visiones. Al mismo tiempo, la mayoría de las veces se cree que la visión del mundo de los diferentes estratos de la sociedad se forma como resultado de la difusión de la ideología, en el proceso de transformación del conocimiento de los representantes de un estrato social particular en creencias. La cosmovisión debe ser considerada como el resultado de la interacción de la ideología, la religión, la ciencia y la psicología social.

Una característica muy significativa e importante de la conciencia artística y figurativa moderna debería ser el dialogismo, es decir, un enfoque en el diálogo continuo, que tiene la naturaleza de polémicas constructivas, discusiones creativas con representantes de cualquier escuela de arte, tradiciones y métodos. La constructividad del diálogo debe consistir en el continuo enriquecimiento espiritual de las partes que debaten, ser creativo, de naturaleza verdaderamente dialógica. La existencia misma del arte está condicionada por el eterno diálogo entre el artista y el destinatario (espectador, oyente, lector). El contrato que los vincula es indisoluble. La imagen artística recién nacida es una nueva edición, nueva forma diálogo. El artista paga completamente su deuda con el destinatario cuando le da algo nuevo. Hoy, más que nunca, el artista tiene la oportunidad de decir algo nuevo y de una manera nueva.

Todas las direcciones anteriores en el desarrollo del pensamiento artístico e imaginativo deberían conducir a la afirmación del principio del pluralismo en el arte, es decir, la afirmación del principio de coexistencia y complementariedad de los puntos de vista múltiples y más diversos, incluidos los conflictivos. posiciones, puntos de vista y creencias, corrientes y escuelas, movimientos y enseñanzas.

2. Característica de las imágenes artísticas en el ejemplo de las obras de W. Shakespeare.

2.1 Características de las imágenes artísticas de W. Shakespeare

Las obras de W. Shakespeare se estudian en las lecciones de literatura en los grados 8 y 9. escuela secundaria. En el grado 8, los estudiantes estudian Romeo y Julieta, en el grado 9 estudian los sonetos de Hamlet y Shakespeare.

Las tragedias de Shakespeare son un ejemplo de "resolución clásica de conflictos en una forma de arte romántico" entre la Edad Media y los tiempos modernos, entre el pasado feudal y el mundo burgués emergente. Los personajes de Shakespeare son "interiormente coherentes, fieles a sí mismos ya sus pasiones, y en todo lo que les sucede se comportan de acuerdo con su firme certeza".

Los héroes de Shakespeare "cuentan solo con ellos mismos, individuos", se fijan un objetivo que es "dictado" solo por "su propia individualidad", y lo llevan a cabo "con una inquebrantable consistencia de pasión, sin reflejos secundarios". En el centro de cada tragedia está este tipo de personaje, y alrededor de él hay otros menos prominentes y enérgicos.

En las obras modernas, el personaje de buen corazón cae rápidamente en la desesperación, pero el drama no lo lleva a la muerte ni siquiera en peligro, lo que deja a la audiencia muy complacida. Cuando la virtud y el vicio se oponen en el escenario, ella debe triunfar y él debe ser castigado. En Shakespeare, el héroe muere "precisamente como resultado de una fidelidad resuelta a sí mismo ya sus objetivos", lo que se denomina el "desenlace trágico".

El lenguaje de Shakespeare es metafórico, y su héroe está por encima de su "dolor", o "mala pasión", incluso "vulgaridad ridícula". Cualesquiera que sean los personajes de Shakespeare, son hombres de "un libre poder de imaginación y un espíritu de genio... su pensamiento los coloca por encima de lo que son en su posición y sus objetivos específicos". Pero, buscando "un análogo de la experiencia interior", este héroe "no siempre está libre de excesos, a veces torpe".

El humor de Shakespeare también es maravilloso. Aunque sus imágenes cómicas están "sumergidas en su vulgaridad" y "no les faltan chistes planos", al mismo tiempo "muestran inteligencia". Su "genio" podría convertirlos en "grandes personas".

Un punto esencial del humanismo de Shakespeare es la comprensión del hombre en movimiento, en desarrollo, en devenir. Esto también determina el método de caracterización artística del héroe. Este último en Shakespeare siempre se muestra no en un estado inmóvil congelado, no en la calidad estatuaria de una instantánea, sino en movimiento, en la historia de una persona. El dinamismo profundo distingue el concepto ideológico y artístico del hombre en Shakespeare y el método de representación artística del hombre. Por lo general, el héroe del dramaturgo inglés es diferente en diferentes fases de la acción dramática, en diferentes actos y escenas.

El hombre en Shakespeare se muestra en la plenitud de sus posibilidades, en la perspectiva creadora plena de su historia, de su destino. En Shakespeare, es esencial no solo mostrar a una persona en su movimiento creativo interno, sino también mostrar la dirección misma del movimiento. Esta dirección es la revelación más alta y completa de todos los potenciales de una persona, todas sus fuerzas internas. Esta dirección - en algunos casos hay un renacimiento de una persona, su interior crecimiento espiritual, el ascenso del héroe a algún nivel superior de su ser (el príncipe Enrique, el rey Lear, Próspero, etc.). (“King Lear” de Shakespeare es estudiado por estudiantes de 9º grado en actividades extracurriculares).

"No hay nadie a quien culpar en el mundo", proclama King Lear después de los tumultuosos cambios de su vida. En Shakespeare, esta frase significa una profunda conciencia de la injusticia social, la responsabilidad de todo el sistema social por el incontable sufrimiento de los pobres Toms. En Shakespeare, este sentido de responsabilidad social, en el contexto de las experiencias del héroe, abre una amplia perspectiva para el crecimiento creativo del individuo, su último renacimiento moral. Para él, esta idea sirve como plataforma para afirmar mejores cualidades su héroe, para afirmar su sustancialidad heroicamente personal. Con todos los ricos cambios y transformaciones multicolores de la personalidad de Shakespeare, el núcleo heroico de esta personalidad es inquebrantable. La dialéctica trágica de la personalidad y el destino en Shakespeare conduce a la claridad y claridad de su idea positiva. En el "Rey Lear" de Shakespeare el mundo se derrumba, pero el hombre mismo vive y cambia, y con él el mundo entero. El desarrollo, el cambio cualitativo en Shakespeare se distingue por su plenitud y diversidad.

Shakespeare posee un ciclo de 154 sonetos, publicado (sin el conocimiento y consentimiento del autor) en 1609, pero aparentemente escrito ya en la década de 1590 y que fue uno de los ejemplos más brillantes de la lírica europea occidental del Renacimiento. La forma que logró hacerse popular entre los poetas ingleses bajo la pluma de Shakespeare brilló con nuevas facetas, acomodando una amplia gama de sentimientos y pensamientos, desde experiencias íntimas hasta profundas reflexiones filosóficas y generalizaciones.

Durante mucho tiempo, los investigadores han llamado la atención sobre la estrecha conexión entre los sonetos y la dramaturgia de Shakespeare. Esta conexión se manifiesta no sólo en la fusión orgánica de lo lírico con lo trágico, sino también en el hecho de que las ideas pasionales que inspiran las tragedias de Shakespeare viven en sus sonetos. Como en las tragedias, Shakespeare toca en sonetos los problemas fundamentales del ser que han preocupado a la humanidad desde siempre, habla de la felicidad y del sentido de la vida, de la relación entre el tiempo y la eternidad, de la fragilidad de la belleza humana y de su grandeza, sobre el arte que puede vencer el inexorable correr del tiempo. , sobre la alta misión del poeta.

El tema eterno e inagotable del amor, uno de los centrales de los sonetos, está estrechamente entrelazado con el tema de la amistad. En el amor y la amistad, el poeta encuentra una verdadera fuente de inspiración creativa, sin importar si le traen alegría y dicha o las punzadas de los celos, la tristeza y la angustia mental.

En la literatura del Renacimiento, el tema de la amistad, especialmente la amistad masculina, ocupa un lugar importante: se la considera la manifestación más alta de la humanidad. En tal amistad, los dictados de la mente se combinan armoniosamente con una inclinación espiritual, libre del principio sensual.

La imagen del Amado en Shakespeare es enfáticamente poco convencional. Si en los sonetos de Petrarca y sus seguidores ingleses se solía cantar la belleza angelical de cabellos dorados, orgullosa e inaccesible, Shakespeare, por el contrario, dedica reproches celosos a la morena morena, inconsistente, obedeciendo solo a la voz de la pasión.

El leitmotiv del dolor sobre la fragilidad de todo lo terrenal, pasando por todo el ciclo, la imperfección del mundo, claramente percibida por el poeta, no viola la armonía de su visión del mundo. La ilusión de la dicha en el más allá le es ajena: ve la inmortalidad humana en la gloria y la descendencia, y le aconseja a un amigo que vea su juventud renacer en niños.

Conclusión

Así, una imagen artística es un reflejo artístico generalizado de la realidad, revestida bajo la forma de un fenómeno individual específico. La imagen artística es diferente: accesibilidad para la percepción directa e impacto directo en los sentimientos humanos.

Cualquier imagen artística no es completamente concreta, los puntos de referencia claramente fijados están investidos en ella con el elemento de certeza incompleta, semiapariencia. Se trata de una cierta "insuficiencia" de la imagen artística en comparación con la realidad de un hecho de la vida (el arte se esfuerza por convertirse en realidad, pero rompe con sus propios límites), pero también una ventaja que asegura su ambigüedad en un conjunto de interpretaciones complementarias, cuyo límite lo pone únicamente la acentuación aportada por el artista.

La forma interior de la imagen artística es personal, lleva una huella indeleble del ideario del autor, de su iniciativa aisladora y transformadora, por lo que la imagen aparece como una realidad humana apreciada, un valor cultural entre otros valores, una expresión de tendencias e ideales relativos. Pero como un “organismo” formado según el principio de la revitalización visible del material, desde el punto de vista del arte, la imagen artística es una arena de la acción última de armonizar estéticamente las leyes del ser, donde no hay “infinidad mala”. ” y un final injustificado, donde el espacio es visible, y el tiempo reversible, donde el azar no es absurdo, y la necesidad no es gravosa, donde la claridad triunfa sobre la inercia. Y en esta naturaleza, el valor artístico pertenece no sólo al mundo de los valores socioculturales relativos, sino también al mundo valores de vida conocido a la luz del significado eterno, al mundo de posibilidades de vida ideal de nuestro Universo humano. Por tanto, un supuesto artístico, a diferencia de una hipótesis científica, no puede ser descartado por innecesario y sustituido por otro, aunque parezcan evidentes las limitaciones históricas de su creador.

Ante el poder inspirador de la asunción artística, tanto la creatividad como la percepción del arte están siempre asociadas a un riesgo cognitivo y ético, y al momento de evaluar una obra de arte, es igualmente importante: someterse a la intención del autor, recreando el objeto estético. en su integridad orgánica y en su autojustificación y, sin someterse por completo a esta intención, conservar la libertad del propio punto de vista, proporcionada por la vida real y la experiencia espiritual.

estudiando trabajos individuales Shakespeare, el maestro debe llamar la atención de los estudiantes sobre las imágenes que creó, citar textos, sacar conclusiones sobre la influencia de dicha literatura en los sentimientos y acciones de los lectores.

Para concluir, queremos enfatizar una vez más que las imágenes artísticas de Shakespeare tienen un valor eterno y siempre serán relevantes, sin importar el tiempo y el lugar, porque en sus obras plantea preguntas eternas que siempre han preocupado y preocupado a toda la humanidad: cómo lidiar con el mal, ¿qué significa y es posible vencerlo? ¿Vale la pena vivir si la vida está llena de maldad y es imposible vencerla? ¿Qué es verdad en la vida y qué es falso? ¿Cómo pueden distinguirse los verdaderos sentimientos de los falsos? ¿Puede el amor ser eterno? ¿Cuál es el significado de la vida humana?

Nuestro estudio confirma la relevancia del tema elegido, tiene un enfoque práctico y puede recomendarse a los estudiantes de pedagogía. Instituciones educacionales dentro de la asignatura "La Enseñanza de la Literatura en la Escuela".

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imagen artistica

imagen artistica es una expresión generalizada de la realidad, una propiedad esencial del arte. Es el resultado de la comprensión del artista de un fenómeno o proceso. Al mismo tiempo, la imagen artística no sólo refleja, sino que, sobre todo, generaliza la realidad, revela lo eterno en lo individual, lo transitorio. Una imagen artística es inseparable de su prototipo material objetivamente existente. Sin embargo, debe recordarse que una imagen artística es, ante todo, una imagen, una imagen de la vida, y no la vida misma. El artista se esfuerza por seleccionar tales fenómenos y representarlos de tal manera que exprese su idea de la vida, su comprensión de sus tendencias y patrones.
Entonces, "una imagen artística es una imagen concreta y al mismo tiempo generalizada de la vida humana, creada con la ayuda de la ficción y que tiene valor estético" (L. I. Timofeev).
Una imagen a menudo se entiende como un elemento o parte de un todo artístico, por regla general, un fragmento que parece tener una vida y un contenido independientes (por ejemplo, un personaje en la literatura, imágenes simbólicas, como una "vela" o " nubes" por M. Yu. Lermontov):

Vela blanca solitaria ¡En la bruma azul del mar!.. ¿Qué busca en un país lejano? ¿Qué tiró en su tierra natal??.. o

¡Nubes celestiales, eternos vagabundos! Estepa azul, cadena de perlas Corres como si quisieras, exiliados Del dulce norte al sur.

Una imagen artística se vuelve artística no porque se elimine de la naturaleza y parezca un objeto o fenómeno real, sino porque transforma la realidad con la ayuda de la imaginación del autor. La imagen artística no copia tanto la realidad como busca transmitir lo más importante y esencial. Por lo tanto, uno de los héroes de la novela "El adolescente" de Dostoievski dijo que las fotografías rara vez pueden dar una idea correcta de una persona, porque no siempre cara humana expresa los rasgos del personaje principal. Por eso, por ejemplo, Napoleón, fotografiado en un momento determinado, puede parecer una estupidez. El artista, en cambio, debe encontrar en el rostro lo principal, lo característico. En la novela de Leo Tolstoy "Anna Karenina", el aficionado Vronsky y el artista Mikhailov pintaron un retrato de Anna. Parece que Vronsky conoce mejor a Anna, la comprende cada vez más profundamente. Pero el retrato de Mikhailov se distinguió no solo por la similitud, sino también por esa belleza especial que solo Mikhailov podía detectar y que Vronsky no notó. "Deberías haberla conocido y amado, como yo la amé, para encontrar esta expresión más dulce de su alma", pensó Vronsky, aunque solo reconoció en este retrato "esta es su expresión espiritual más dulce".

Sobre el etapas diferentes desarrollo de la humanidad, la imagen artística adopta diversas formas.

Esto sucede por dos razones:

el sujeto de la imagen cambia - una persona,
también cambian las formas de su reflejo en el arte.
Hay algunas peculiaridades en el reflejo del mundo (y por lo tanto en la creación de imágenes artísticas) por parte de artistas realistas, sentimentales, románticos, modernistas, etc. A medida que se desarrolla el arte, la proporción de realidad y ficción, realidad e ideal, general e individual , racional y emocional, etc.
En las imágenes de la literatura clásica, por ejemplo, hay muy poca individualidad. Los héroes están tipificados, plantilla. No cambia a lo largo de la obra. Como regla general, el héroe del clasicismo es el portador de una virtud y un vicio. Como regla general, todas las imágenes de los héroes de una obra del clasicismo se pueden dividir en positivos y negativos (Romeo y Julieta, Hamlet de Shakespeare, Mitrofanushka y la Sra. Prostakova en Fonvizin). Y los artistas románticos, por el contrario, prestan atención al individuo en una persona, representan a un héroe rebelde, un solitario que rechazó a la sociedad o fue rechazado por ella. La imagen del héroe de una obra romántica siempre tiene dos caras, nos atormentan las contradicciones que se dan por la diferencia entre el mundo real en el que todos vivimos y el mundo ideal, como debería ser el mundo (Quasimodo y Esmeralda Hugo, Don Quijote de Cervantes, Mtsyri y parcialmente Pechorin Lermontov). Los realistas se esforzaron por un conocimiento racional del mundo, la identificación de relaciones causales entre objetos y fenómenos. Sus imágenes son las más realistas, tienen muy poca ficción artística (Chichikov de Gogol, Raskolnikov de Dostoyevsky). Y los modernistas anunciaron que es posible conocer el mundo y el hombre solo con la ayuda de medios irracionales (intuición, intuición, inspiración, etc.). En el centro de las obras realistas está una persona y su relación con el mundo exterior, mientras que los románticos, y luego los modernistas, se interesan principalmente por el mundo interior de sus héroes.
Si bien los creadores de imágenes artísticas son artistas (poetas, escritores, pintores, escultores, arquitectos, etc.), en cierto sentido, quienes perciben estas imágenes, es decir, lectores, espectadores, oyentes, etc., también resultan ser sus co-creadores Entonces, el lector ideal no solo percibe pasivamente la imagen artística, sino que también la llena con sus propios pensamientos, sentimientos y emociones. Gente diferente y diferentes épocas revelan diferentes aspectos de ella. En este sentido, la imagen artística es inagotable y multifacética, como la vida misma.

imagen artistica

imagen artistica - cualquier fenómeno recreado creativamente por el autor en una obra de arte. Es el resultado de la comprensión del artista de un fenómeno o proceso. Al mismo tiempo, la imagen artística no sólo refleja, sino que, sobre todo, generaliza la realidad, revela lo eterno en lo individual, lo transitorio. La especificidad de la imagen artística está determinada no solo por el hecho de que comprende la realidad, sino también por el hecho de que crea un nuevo mundo ficticio. El artista se esfuerza por seleccionar tales fenómenos y representarlos de tal manera que exprese su idea de la vida, su comprensión de sus tendencias y patrones.

Entonces, "una imagen artística es una imagen concreta y al mismo tiempo generalizada de la vida humana, creada con la ayuda de la ficción y que tiene valor estético" (L. I. Timofeev).

Una imagen a menudo se entiende como un elemento o parte de un todo artístico, por regla general, un fragmento que parece tener una vida y un contenido independientes (por ejemplo, personajes en la literatura, imágenes simbólicas, como la "vela" de M. Yu. Lermontov ”).

Una imagen artística se vuelve artística no porque se elimine de la naturaleza y parezca un objeto o fenómeno real, sino porque transforma la realidad con la ayuda de la imaginación del autor. La imagen artística no sólo copia y no tanto la realidad, sino que tiende a transmitir lo más importante y esencial. Por lo tanto, uno de los héroes de la novela "El adolescente" de Dostoievski dijo que las fotografías rara vez pueden dar una idea correcta de una persona, porque el rostro humano no siempre expresa los rasgos principales del personaje. Por eso, por ejemplo, Napoleón, fotografiado en un momento determinado, puede parecer una estupidez. El artista, en cambio, debe encontrar en el rostro lo principal, lo característico. En la novela de Leo Tolstoy "Anna Karenina", el aficionado Vronsky y el artista Mikhailov pintaron un retrato de Anna. Parece que Vronsky conoce mejor a Anna, la comprende cada vez más profundamente. Pero el retrato de Mikhailov se distinguió no solo por la similitud, sino también por esa belleza especial que solo Mikhailov podía detectar y que Vronsky no notó. “Deberías haberla conocido y amado, como yo amé, para encontrar esta expresión más dulce de su alma”, pensó Vronsky, aunque solo reconoció en este retrato “esta es su expresión espiritual más dulce”.

En las diferentes etapas del desarrollo humano, la imagen artística adopta diversas formas.

Esto sucede por dos razones:

el sujeto de la imagen cambia - una persona,

también cambian las formas de su reflejo en el arte.

Hay peculiaridades en el reflejo del mundo (y por lo tanto en la creación de imágenes artísticas) por parte de artistas realistas, sentimentales, románticos, modernistas, etc. A medida que se desarrolla el arte, la proporción de realidad y ficción, realidad e ideal, general e individual, racional y emocional, etc.

En las imágenes de la literatura clásica, por ejemplo, se pone de manifiesto la lucha entre el sentimiento y el deber, y golosinas invariablemente optan por lo último, sacrificando la felicidad personal en nombre de los intereses del Estado. Y los artistas románticos, por el contrario, exaltan al héroe-rebelde, al solitario que rechaza a la sociedad o es rechazado por ella. Los realistas se esforzaron por un conocimiento racional del mundo, la identificación de relaciones causales entre objetos y fenómenos. Y los modernistas anunciaron que es posible conocer el mundo y el hombre solo con la ayuda de medios irracionales (intuición, intuición, inspiración, etc.). En el centro de las obras realistas está una persona y su relación con el mundo exterior, mientras que los románticos, y luego los modernistas, se interesan principalmente por el mundo interior de sus héroes.

Si bien los creadores de imágenes artísticas son artistas (poetas, escritores, pintores, escultores, arquitectos, etc.), en cierto sentido, quienes perciben estas imágenes, es decir, lectores, espectadores, oyentes, etc., también resultan ser sus co-creadores Entonces, el lector ideal no solo percibe pasivamente la imagen artística, sino que también la llena con sus propios pensamientos, sentimientos y emociones. Diferentes personas y diferentes épocas revelan diferentes lados del mismo. En este sentido, la imagen artística es inagotable, como la vida misma.

Medios artísticos para crear imágenes.

El discurso característico del héroe. :

- diálogo- una conversación entre dos, a veces más personas;

- monólogo- el discurso de una persona;

- monólogo interno- declaraciones de una persona, que toman la forma de discurso interno.

Trasfondo - tácito directamente, pero adivinado por la actitud del autor hacia el significado oculto, implícito y representado.

Retrato - la imagen de la apariencia del héroe como medio para caracterizarlo.

Detalle -detalle expresivo en la obra, con una importante carga semántica y emocional.

Símbolo - una imagen que expresa el significado de un fenómeno en forma objetiva .

interiores -ambiente interior, ambiente humano.

1. Imagen artística: el significado del término

2. Propiedades de la imagen artística

3. Tipología (variedades) de imágenes artísticas

4. Rutas de arte

5. Imágenes-símbolos artísticos

1. Imagen artística: el significado del término

En el sentido más general, una imagen es una representación sensorial de una determinada idea. Las imágenes se denominan objetos percibidos empíricamente y verdaderamente sensuales en una obra literaria. Se trata de imágenes visuales (imágenes de la naturaleza) y auditivas (ruido del viento, susurro de juncos). Olfativo (olores a perfume, aromas a hierbas) y gustativo (sabor a leche, galletas). Imágenes táctiles (tacto) y cinéticas (relacionadas con el movimiento). Con la ayuda de imágenes, los escritores designan una imagen del mundo y una persona en sus obras; detectar movimiento, dinámica de acción. La imagen es también una especie de formación holística; pensamiento encarnado en un objeto, fenómeno o persona.

No todas las imágenes se vuelven artísticas. El arte de la imagen radica en su especial propósito estético. Capta la belleza de la naturaleza, la vida silvestre, el hombre, las relaciones interpersonales; revela la perfección secreta del ser. La imagen artística está llamada a testimoniar lo bello, que sirve al Bien común y afirma la armonía del mundo.

En cuanto a la estructura de una obra literaria, la imagen artística es el componente más importante de su forma. Una imagen es un patrón sobre el “cuerpo” de un objeto estético; el principal engranaje "transmisor" del mecanismo artístico, sin el cual el desarrollo de la acción, la comprensión del significado es imposible. Si una obra de arte es la unidad básica de la literatura, entonces la imagen artística es la unidad básica de la creación literaria. Con la ayuda de imágenes artísticas, se modela el objeto de reflexión. Los objetos de paisaje e interior, los acontecimientos y acciones de los personajes se expresan en una imagen. La intención del autor se trasluce en las imágenes; se plasma la idea general principal.

Entonces, en la extravagancia de A. Green "Scarlet Sails", el tema principal del amor en el trabajo se refleja en la imagen artística central: velas escarlatas, lo que significa un sentimiento romántico sublime. La imagen artística es el mar, en el que se asoma Assol, esperando un barco blanco; la posada descuidada e incómoda de Menners; un insecto verde arrastrándose a lo largo de la línea con la palabra "mira". Como imagen artística (la imagen de los esponsales) está el primer encuentro con Gray Assol, cuando el joven capitán se pone el anillo de su prometida en el dedo; equipo de la nave de Gray velas escarlatas; bebiendo vino que nadie debería haber bebido, etc.

Las imágenes artísticas que hemos señalado: el mar, el barco, las velas escarlatas, la taberna, el escarabajo, el vino son los detalles más importantes de la forma extravaganza. Gracias a estos detalles, la obra de A. Green comienza a "vivir". Recibe a los personajes principales (Assol y Gray), el lugar de su encuentro (el mar), así como su condición (un barco con velas escarlata), los medios (una mirada con la ayuda de un insecto), el resultado ( compromiso, boda).

Con la ayuda de imágenes, el escritor afirma una verdad simple. Es "hacer los llamados milagros con tus propias manos".

En el aspecto de la literatura como forma de arte, la imagen artística es la categoría central (así como un símbolo) de la creatividad literaria. Actúa como forma universal de dominar la vida y al mismo tiempo como método de comprensión de la misma. Las imágenes artísticas comprenden la actividad social, cataclismos históricos específicos, sentimientos y caracteres humanos, aspiraciones espirituales. En este aspecto, la imagen artística no reemplaza simplemente al fenómeno que denota o lo generaliza. rasgos de personaje. Habla de los hechos reales de la vida; los conoce en toda su diversidad; revela su esencia. Se dibujan modelos de vida de forma artística, se verbalizan intuiciones e intuiciones inconscientes. Se vuelve epistemológico; abre el camino a la verdad, al prototipo (en este sentido, estamos hablando de la imagen de algo: el mundo, el sol, el alma, Dios).

Así, la función de “guía” del Prototipo de todas las cosas (la imagen divina de Jesucristo) la adquiere todo un sistema de imágenes artísticas en el cuento “Callejones oscuros” de I. A. Bunin, que habla de encuentro inesperado personajes principales: Nikolai y Nadezhda, una vez atados por los lazos del amor pecaminoso y vagando en el laberinto de la sensualidad (en " callejones oscuros", según el autor).

El sistema figurativo de la obra se basa en una fuerte oposición entre Nikolai (un aristócrata y un general que sedujo y abandonó a su amada) y Nadezhda (una campesina, dueña de una posada que nunca olvidó, no perdonó su amor).

La apariencia de Nikolai, a pesar de su avanzada edad, es casi impecable. Todavía es guapo, elegante y en forma. En su rostro se lee evidentemente devoción por su trabajo y lealtad. Sin embargo, todo esto es solo una cáscara vacía; capullo vacío. En el alma de un brillante general, solo hay suciedad y la "abominación desoladora". El héroe aparece como una persona egoísta, fría, insensible e incapaz de un acto incluso para alcanzar su felicidad personal. No tiene una meta elevada, ni aspiraciones espirituales y morales. Nada a voluntad de las olas, murió en el alma. Literal y figurativamente, Nikolai viaja por el "camino sucio" y, por lo tanto, se parece mucho al propio "tarantass arrojado por el barro" del escritor con un cochero que parece un ladrón.

La apariencia de Nadezhda, la ex amante de Nikolai, por el contrario, no es muy atractiva. La mujer conservó rastros de su antigua belleza, pero dejó de cuidarse: engordó, se puso más fea y “se volvió loca”. Sin embargo, en su alma, Hope guardó la esperanza de lo mejor e incluso el amor. La casa de la heroína es limpia, cálida y cómoda, lo que no da testimonio del simple celo o cuidado, sino también de la pureza de los sentimientos y pensamientos. Y "una nueva imagen dorada (icono - P. K.) en la esquina" indica claramente la religiosidad de la anfitriona, su fe en Dios y en Su Providencia. Por la presencia de esta imagen, el lector adivina que Nadezhda encuentra la verdadera fuente del Bien y de todo Bien; que no muere en el pecado, sino que renace a la vida eterna; lo que se le da es a costa de pesado sufrimiento mental a costa de renunciar a ti mismo.

La necesidad de contrastar a los dos personajes principales de la historia surge, según el autor, no sólo de su desigualdad social. El contraste enfatiza las diferentes orientaciones de valor de estas personas. Muestra lo pernicioso de la indiferencia predicada por el héroe. Y al mismo tiempo afirma el gran poder del amor mostrado por la heroína.

Con la ayuda del contraste, Bunin logra otro, objetivo mundial. El autor enfatiza la imagen artística central: el ícono. El icono que representa a Cristo se convierte para el escritor en un medio universal de transformación espiritual y moral de los personajes. Gracias a esta imagen, que conduce al Prototipo, Nadezhda se salva, olvidándose gradualmente de los "callejones oscuros" de pesadilla. Gracias a esta Imagen, Nikolai también toma el camino de la salvación, besando la mano de su amada y recibiendo así el perdón. Gracias a esta Imagen, en la que los personajes encuentran una paz total, el propio lector reflexiona sobre su vida. La imagen de Cristo lo saca del laberinto de la sensualidad a la idea de la Eternidad.

En otras palabras, una imagen artística es una imagen generalizada de la vida humana, transformada a la luz del ideal estético del artista; la quintaesencia de la realidad creativamente cognoscible. En la imagen artística hay un marco para la unidad de lo objetivo y lo subjetivo, lo individual y lo típico. Es la encarnación del ser social o privado. También se denomina imagen artística a toda imagen que tiene visibilidad (apariencia sensual), esencia interior(significado, propósito) y una lógica clara de auto-revelación.

2. Propiedades de una imagen artística

La imagen artística tiene características especiales (propiedades) que son inherentes solo a ella. Este es:

1) tipicidad,

2) organicidad (vivacidad),

3) orientación de valor,

4) subestimación.

La tipicidad surge a partir de la estrecha vinculación de la imagen artística con la vida y presupone la adecuación del reflejo del ser. Una imagen artística se convierte en tipo en el caso de que generalice rasgos característicos, y no aleatorios; si modela una huella genuina, y no descabellada, de la realidad.

Así, por ejemplo, sucede con la imagen artística del anciano Zosima de la novela de F.M. Dostoievski "Los hermanos Karamazov". El héroe nombrado es la imagen típica (colectiva) más brillante. El escritor cristaliza esta imagen después de un minucioso estudio del monacato como forma de vida. Al mismo tiempo, se centra en más de un prototipo. El autor toma prestada la figura, la edad y el alma de Zosima del anciano Ambrose (Grenkov), a quien conoció y conversó personalmente en Optina. Dostoievski toma la imagen de Zosima del retrato del anciano Macario (Ivanov), quien fue el mentor del mismo Ambrosio. La mente y el espíritu "obtienen" Zosima de St. Tikhon de Zadonsk.

Por tipicidad imagenes literarias los artistas no solo hacen profundas generalizaciones, sino también conclusiones de largo alcance; evaluar con seriedad la situación histórica; incluso mirar hacia el futuro.

Entonces, por ejemplo, M.Yu. Lermontov en el poema "Predicción", donde prevé claramente la caída de la dinastía Romanov:

Llegará un año, un año negro para Rusia,

Cuando la corona de los reyes caerá;

La multitud olvidará su antiguo amor por ellos,

Y la comida de muchos será muerte y sangre...

La naturaleza orgánica de la imagen viene determinada por la naturalidad de su realización, la sencillez de expresión y la necesidad de ser incluida en el sistema figurativo global. Entonces, la imagen se vuelve orgánica cuando ocupa su lugar y se usa para el propósito previsto; cuando parpadea con los significados que se le dan; cuando con su ayuda comienza a funcionar el organismo más complejo de la creación literaria. La naturaleza orgánica de la imagen radica en su vivacidad, emotividad, sentimiento, intimidad; en lo que hace poesía a la poesía.

Tomemos, por ejemplo, dos imágenes de otoño de poetas cristianos poco conocidos como Monk Barsanuphius (Plikhankov) y L.V. Sidorov. Ambos artistas tienen el mismo tema (otoño), pero lo viven y lo pintan de manera diferente.