Artes y oficios modernos japoneses. arte aplicado. Kanzashi japonés - flores de tela

Los japoneses descubrieron la belleza escondida en las cosas en los siglos IX-XII, en la era Heian (794-1185) e incluso la designaron con el concepto especial de “mono no avare” (jap.???? (???? ??)), que significa "el triste encanto de las cosas". “El encanto de las cosas” es una de las primeras definiciones de belleza en la literatura japonesa, se asocia con la creencia sintoísta de que cada cosa tiene su propia deidad, kami, y su propio encanto único. Avare es la esencia interior de las cosas, lo que causa deleite, excitación.

Washi (wasi) o wagami (wagami).
Elaboración manual de papel. Los japoneses medievales valoraban el washi no solo por sus cualidades prácticas, sino también por su belleza. Era famosa por su sutileza, casi transparencia, que, sin embargo, no la privaba de fuerza. El washi está hecho de la corteza del árbol kozo (morera) y algunos otros árboles.
El papel washi se ha conservado durante siglos, prueba de ello son los álbumes y volúmenes de caligrafía japonesa antigua, pinturas, pantallas, grabados que han llegado a lo largo de los siglos hasta nuestros días.
El papel de Vasya es fibroso, si miras a través de un microscopio, verás grietas a través de las cuales penetran el aire y la luz solar. Esta cualidad se utiliza en la fabricación de biombos y farolillos tradicionales japoneses.
Los souvenirs washi son muy populares entre los europeos. Con este papel se fabrican muchos artículos pequeños y útiles: carteras, sobres, abanicos. Son bastante duraderos pero ligeros.

Komono.
¿Qué queda de un kimono después de haber cumplido su tiempo? ¿Crees que se está tirando? ¡Nada como esto! Los japoneses nunca harán eso. Los kimonos son caros. Es impensable e imposible tirarlo así... Junto con otros tipos de kimonos reciclados, las artesanas elaboraban pequeños souvenirs a partir de pequeños jirones. Estos son pequeños juguetes para niños, muñecas, broches, guirnaldas, joyas para mujeres y otros productos, el antiguo kimono se usa en la fabricación de pequeñas cosas lindas, que colectivamente se llaman "komono". Pequeñas cosas que cobrarán vida propia, siguiendo el camino del kimono. Esto es lo que significa la palabra "komono".

Mizuhiki.
Análogo de macramé. Este es un antiguo arte japonés aplicado de atar varios nudos con cuerdas especiales y crear patrones a partir de ellos. Tales obras de arte tenían un alcance extremadamente amplio, desde tarjetas de regalo y cartas hasta peinados y bolsos. Actualmente, el mizuhiki se usa mucho en la industria de los regalos: para cada evento de la vida, se supone que un regalo debe envolverse y atarse de una manera muy específica. Hay muchísimos nudos y composiciones en el arte del mizuhiki, y no todos los japoneses se los saben todos de memoria. Por supuesto, existen los nudos más comunes y sencillos que se utilizan con mayor frecuencia: para felicitaciones por el nacimiento de un hijo, para una boda o conmemoración, un cumpleaños o ingreso a la universidad.

Gohei.
Talismán de tiras de papel. Gohei: un bastón ritual de un sacerdote sintoísta, al que se unen tiras de papel en zigzag. Las mismas tiras de papel se cuelgan a la entrada de un santuario sintoísta. El papel del papel en el sintoísmo ha sido tradicionalmente muy importante, y siempre se ha atribuido un significado esotérico a los productos hechos con él. Y la creencia de que cada cosa, cada fenómeno, incluso las palabras, contienen un kami, una deidad, explica el surgimiento de un tipo de arte aplicado como el gohei. El sintoísmo es algo similar a nuestro paganismo. Para los sintoístas, el kami está especialmente dispuesto a instalarse en cualquier cosa que se salga de lo común. Por ejemplo, en papel. Y más aún en un gohei retorcido en un intrincado zigzag, que hoy cuelga frente a la entrada de los santuarios sintoístas e indica la presencia de una deidad en el templo. Hay 20 formas de doblar el gohei, y aquellas que se doblan de forma especialmente inusual atraen a los kami. Gohei es predominantemente de color blanco, pero también se encuentran oro, plata y muchos otros tonos. Desde el siglo IX, existe la costumbre en Japón de reforzar el gohei en los cinturones de los luchadores de sumo antes del comienzo de la pelea.

Anesama.
Esta es la fabricación de muñecos de papel. En el siglo XIX, las esposas de los samuráis fabricaban muñecos de papel con los que jugaban los niños, vistiéndolos con diferentes ropas. En tiempos en que no había juguetes, anesama era el único interlocutor de los niños, "desempeñando" el papel de madre, hermana mayor, niña y amiga.
La muñeca está doblada con papel washi japonés, el cabello está hecho de papel arrugado, teñido con tinta y cubierto con pegamento, lo que le da brillo. Una característica distintiva es una bonita nariz pequeña en una cara alargada. Hoy, este simple juguete, que requiere nada más que manos hábiles, de forma tradicional, continúa haciéndose de la misma manera que antes.

Origami.
El antiguo arte de doblar figuras de papel (jap. ???, lit.: "papel doblado"). El arte del origami tiene sus raíces en la antigua China, donde se inventó el papel. Inicialmente, el origami se usaba en ceremonias religiosas. Durante mucho tiempo, esta forma de arte estuvo disponible solo para representantes de las clases altas, donde la posesión de la técnica del plegado de papel era un signo de buen gusto. Solo después de la Segunda Guerra Mundial, el origami fue más allá del Este y llegó a América y Europa, donde inmediatamente encontró a sus fanáticos. El origami clásico se dobla a partir de una hoja de papel cuadrada.
Hay un cierto conjunto de símbolos convencionales necesarios para esbozar el esquema de plegado incluso del producto más complejo. La mayoría de los signos convencionales fueron puestos en práctica a mediados del siglo XX por el famoso maestro japonés Akira Yoshizawa.
El origami clásico prescribe el uso de una hoja de papel cuadrada de color uniforme sin pegamento ni tijeras. Las formas de arte contemporáneo a veces se desvían de este canon.

Fuente de la foto: http://sibanime.ru/2152-yaponskie-tradicii-origami.html

Kirigami.
Kirigami es el arte de cortar varias formas de una hoja de papel doblada varias veces con la ayuda de unas tijeras. Un tipo de origami que permite el uso de tijeras y recortes de papel en el proceso de elaboración del modelo. Esta es la principal diferencia entre kirigami y otras técnicas de plegado de papel, que se enfatiza en el nombre: ?? (kiru) - para cortar,? (gami) - papel. A todos nos encantaba cortar copos de nieve en la infancia: una variante de kirigami, puedes cortar no solo copos de nieve, sino también varias figuras, flores, guirnaldas y otras lindas cosas de papel con esta técnica. Estos productos se pueden utilizar como plantillas para impresiones, decoraciones de álbumes, postales, marcos de fotos, diseño de moda, diseño de interiores y otras decoraciones diversas.

Ikebana.
Ikebana, (jap ??? o ????) traducido del japonés - ike "- vida", bana "- flores, o" flores que viven. El arte japonés de los arreglos florales es una de las tradiciones más bellas del pueblo japonés. Al compilar arreglos florales, junto con las flores, se utilizan ramas cortadas, hojas y brotes.El principio fundamental es la exquisita simplicidad, para lograr lo cual intentan enfatizar la belleza natural de las plantas. Ikebana es la creación de una nueva forma natural, en la que se combinan armoniosamente la belleza de una flor y la belleza del alma del maestro que crea la composición.
Hoy en Japón hay 4 escuelas principales de ikebana: Ikenobo (Ikenobo), Koryu (Koryu), Ohara (Ohara), Sogetsu (Sogetsu). Además de ellos, hay alrededor de mil direcciones y tendencias diferentes que se adhieren a una de estas escuelas.

Oribana.
A mediados del siglo XVII, dos escuelas de ohara (la forma principal de ikebana - oribana) y koryu (la forma principal - sek) partieron de ikenobo. Por cierto, la escuela ohara todavía estudia solo oribanu. Como dicen los japoneses, es muy importante que el origami no se convierta en origami. Gomi significa basura en japonés. Después de todo, da la casualidad de que doblaste una hoja de papel y luego, ¿qué hacer con ella? Oribana ofrece muchas ideas de ramos para decorar el interior. ORIBANA = ORIGAMI + IKEBANA

Equivocado.
Un tipo de bellas artes nacidas de la floristería. La floristería apareció en nuestro país hace ocho años, aunque en Japón existe desde hace más de seiscientos años. En algún momento de la Edad Media, los samuráis comprendieron el camino de un guerrero. Y oshibana era parte de ese camino, al igual que escribir jeroglíficos y empuñar una espada. El significado del error fue que en el estado de presencia total en el momento (satori), el maestro creó una imagen de flores secas (flores prensadas). Entonces esta imagen podría servir como clave, guía para aquellos que estaban listos para entrar en el silencio y experimentar ese mismo satori.
La esencia del arte de "oshibana" es que, al recolectar y secar flores, hierbas, hojas, cortezas bajo presión y pegarlas en la base, el autor crea con la ayuda de plantas una verdadera obra de "pintura". En otras palabras, mal es pintar con plantas.
La creatividad artística de los floristas se basa en la preservación de la forma, el color y la textura del material vegetal seco. Los japoneses han desarrollado una técnica para proteger las pinturas "oshibana" de la decoloración y el oscurecimiento. Su esencia es que se bombea aire entre el vidrio y la imagen y se crea un vacío que evita que las plantas se echen a perder.
Atrae no solo la falta de convencionalismo de este arte, sino también la oportunidad de mostrar imaginación, gusto, conocimiento de las propiedades de las plantas. Los floristas crean adornos, paisajes, bodegones, retratos y pinturas de cuentos.

Temari.
Estas son bolas bordadas geométricas japonesas tradicionales hechas con puntadas simples que alguna vez fueron un juguete para niños y ahora se han convertido en una forma de arte con muchos fanáticos no solo en Japón sino en todo el mundo. Se cree que hace mucho tiempo estos productos los fabricaban las esposas de los samuráis para entretenerse. Al principio, en realidad se usaban como una pelota para jugar a la pelota, pero gradualmente comenzaron a adquirir elementos artísticos y luego se convirtieron en adornos decorativos. La delicada belleza de estas bolas es conocida en todo Japón. Y hoy en día, los productos coloridos y cuidadosamente elaborados son uno de los tipos de artesanía popular en Japón.

Yubinuki.
Dedales japoneses, al coser o bordar a mano, se colocan en la falange media del dedo medio de la mano de trabajo, con la ayuda de las yemas de los dedos, se le da a la aguja la dirección deseada y se empuja la aguja a través del anillo en el medio. dedo en el trabajo. Inicialmente, los dedales yubinuki japoneses se fabricaban de manera bastante simple: una tira de tela densa o cuero de aproximadamente 1 cm de ancho en varias capas se envolvía firmemente alrededor del dedo y se unía con unas pocas puntadas decorativas simples. Como los yubinuki eran un artículo necesario en todos los hogares, comenzaron a decorarse con bordados geométricos con hilos de seda. A partir del entrelazado de puntadas, se crearon patrones coloridos y complejos. Yubinuki de un simple artículo para el hogar también se ha convertido en un objeto para "admirar", decoración de la vida cotidiana.
Los yubinuki todavía se usan para coser y bordar, pero también se pueden encontrar simplemente en las manos en cualquier dedo, como anillos decorativos. El bordado estilo yubinuki se usa para decorar varios objetos en forma de anillo: servilleteros, pulseras, soportes temari, decorados con bordado yubinuki, y también hay lechos de agujas bordadas en el mismo estilo. Los patrones de Yubinuki pueden ser una gran inspiración para el bordado temari obi.

Kanzashi.
El arte de decorar horquillas (la mayoría de las veces decoradas con flores (mariposas, etc.) hechas de tela (principalmente seda). El kanzashi japonés (kanzashi) es una horquilla larga para un peinado femenino japonés tradicional. Estaban hechos de madera, laca, plata , carey utilizado en los peinados tradicionales chinos y japoneses. Hace unos 400 años, en Japón, el estilo de los peinados de las mujeres cambió: las mujeres dejaron de peinarse en la forma tradicional: taregami (pelo largo y liso) y comenzaron a peinarse en intrincados y formas extrañas - nihongami.Usó varios elementos: horquillas, palos, peines.Fue entonces cuando incluso un simple peine kushi se convierte en un elegante accesorio de extraordinaria belleza, que se convierte en una verdadera obra de arte.El traje tradicional de las mujeres japonesas no permitía joyas de muñeca y collares, por lo que las decoraciones de peinados fueron la belleza principal y el campo para la autoexpresión, además de demostrar el sabor y el grosor de la bolsa. como el dueño. En los grabados puedes ver, si miras de cerca, cómo las mujeres japonesas colgaban fácilmente hasta veinte caros kanzashi en sus peinados.
Ahora hay un resurgimiento en la tradición de usar kanzashi entre las jóvenes japonesas que desean agregar sofisticación y elegancia a sus peinados, los pasadores modernos se pueden adornar con solo una o dos delicadas flores hechas a mano.

Kumihimo.
Kumihimo es un cordón trenzado japonés. Al tejer se obtienen hilos, cintas y encajes. Estos cordones se tejen en máquinas especiales: Marudai y Takadai. La máquina Marudai se utiliza para tejer cordones redondos y Takadai para los planos. Kumihimo en japonés significa "tejer cuerdas" (kumi - tejer, doblar juntos, himo - cuerda, encaje). A pesar de que los historiadores insisten obstinadamente en que se pueden encontrar tejidos similares entre los escandinavos y los habitantes de los Andes, el arte japonés de kumihimo es, de hecho, uno de los tipos de tejido más antiguos. La primera mención se remonta al año 550, cuando el budismo se extendió por todo Japón y las ceremonias especiales requerían decoraciones especiales. Más tarde, los cordones kumihimo comenzaron a usarse como fijador para el cinturón obi en un kimono de mujer, como cuerdas para "empacar" todo el arsenal de armas de los samuráis (los samuráis usaban kumihimo con fines decorativos y funcionales para atar su armadura y armadura de caballo) y también para atar objetos pesados.
Una variedad de patrones de kumihimo moderno se tejen muy fácilmente en telares de cartón caseros.

Suibokuga o sumie.
Pintura de tinta japonesa. Este estilo chino de pintura fue adoptado por artistas japoneses en el siglo XIV y a fines del siglo XV. se convirtió en la corriente principal de la pintura en Japón. Suibokuga es monocromo. Se caracteriza por el uso de tinta negra (sumi), una forma dura de carbón o tinta china producida a partir del hollín de la tinta china, que se muele en un tintero, se diluye con agua y se aplica con brocha sobre papel o seda. Monochrome ofrece al maestro una selección infinita de opciones tonales, que los chinos reconocieron hace mucho tiempo como los "colores" de la tinta. Suibokuga a veces permite el uso de colores reales, pero lo limita a trazos finos y transparentes que siempre quedan subordinados a la línea de tinta. La pintura con tinta comparte con el arte de la caligrafía características esenciales como la expresión estrictamente controlada y el dominio técnico de la forma. La calidad de la pintura en tinta se reduce, como en la caligrafía, a la integridad y la resistencia al desgarro de la línea dibujada con tinta, que, por así decirlo, sujeta la obra de arte sobre sí misma, como los huesos sujetan los tejidos sobre sí mismos.

Etegami.
Postales dibujadas (e - imagen, tagged - carta). La fabricación de postales por cuenta propia es generalmente una actividad muy popular en Japón, y antes de las vacaciones su popularidad aumenta aún más. A los japoneses les encanta enviar postales a sus amigos y también les encanta recibirlas. Este es un tipo de carta rápida en espacios en blanco especiales, se puede enviar por correo sin sobre. No hay reglas o técnicas especiales en etegami, cualquiera puede hacerlo sin entrenamiento especial. Etagami ayuda a expresar con precisión el estado de ánimo, las impresiones, esta es una postal hecha a mano que consta de una imagen y una breve carta, que transmite las emociones del remitente, como calidez, pasión, cuidado, amor, etc. Envían estas postales para las fiestas y así, representan las estaciones, actividades, verduras y frutas, personas y animales. Cuanto más simple se dibuja esta imagen, más interesante se ve.

furoshiki.
Técnica de envoltura japonesa o el arte de doblar telas. Furoshiki entró en la vida de los japoneses durante mucho tiempo. Se han conservado antiguos pergaminos del período Kamakura-Muromachi (1185 - 1573) con imágenes de mujeres que llevan fardos de ropa envueltos en telas sobre la cabeza. Esta técnica interesante se originó ya en 710 - 794 dC en Japón. La palabra "furoshiki" se traduce literalmente como "alfombra de baño" y es una pieza cuadrada de tela que se usaba para envolver y transportar objetos de todas las formas y tamaños.
En los viejos tiempos, era costumbre caminar en los baños japoneses (furo) con kimonos de algodón ligero, que los visitantes traían de casa. El bañista también trajo una alfombra especial (shiki) sobre la cual se paró mientras se desvestía. Después de cambiarse a un kimono de "baño", el visitante envolvió su ropa en una alfombra y, después del baño, envolvió un kimono mojado en una alfombra para llevarlo a casa. Así, la alfombrilla de baño se ha convertido en un bolso multifuncional.
Furoshiki es muy fácil de usar: la tela toma la forma del objeto que envuelves y las asas facilitan el transporte de la carga. Además, un regalo envuelto no en papel duro, sino en un tejido suave de varias capas, adquiere una expresividad especial. Hay muchos esquemas para doblar furoshiki para cualquier ocasión, todos los días o festivos.

Kinusaiga.
Un tipo increíble de costura de Japón. Kinusaiga (???) es un cruce entre batik y patchwork. La idea principal es que las nuevas pinturas se reconstruyen a partir de viejos kimonos de seda, verdaderas obras de arte.
Primero, el artista hace un boceto en papel. Luego este dibujo se transfiere a una tabla de madera. El contorno del patrón se corta con surcos, o surcos, y luego se cortan pequeños jirones, que combinan en color y tono, del viejo kimono de seda, y los bordes de estos jirones llenan los surcos. Cuando miras una imagen de este tipo, tienes la sensación de que estás mirando una fotografía, o incluso simplemente viendo el paisaje fuera de la ventana, son tan realistas.

amigurumi
El arte japonés de tejer pequeños animales de peluche y criaturas humanoides. Los amigurumis (en japonés ????, lit.: "envueltos en punto") suelen ser animales lindos (como osos, conejitos, gatos, perros, etc.), hombrecitos, pero también pueden ser objetos inanimados dotados de propiedades humanas. Por ejemplo, cupcakes, gorros, carteras y otros. El amigurumi es de punto o de punto o de ganchillo. Recientemente, los amigurumis de ganchillo se han vuelto más populares y más comunes.
tejido con hilo en un método de tejido simple: en espiral y, a diferencia del método de tejido europeo, los círculos generalmente no están conectados. También se tejen en un tamaño más pequeño en relación con el grosor del hilo para crear un tejido muy denso sin espacios para que salga el relleno. Los amigurumis suelen estar hechos de partes y luego ensambladas, con la excepción de algunos amigurumis, que no tienen extremidades, sino solo cabeza y torso, que son un todo. Las extremidades a veces se rellenan con piezas de plástico para darles peso vivo, mientras que el resto del cuerpo se rellena con relleno de fibra.
La difusión de la estética amigurumi se ve facilitada por su ternura ("kawaii").

Bonsái.
El bonsái, como fenómeno, apareció hace más de mil años en China, pero esta cultura alcanzó su punto máximo de desarrollo solo en Japón. (bonsai - Jap. ?? Lit. "plantar en una maceta") - el arte de cultivar una copia exacta de un árbol real en miniatura. Estas plantas fueron cultivadas por monjes budistas varios siglos antes de nuestra era y posteriormente se convirtieron en una de las ocupaciones de la nobleza local.
Bonsai adornaba casas y jardines japoneses. En la era Tokugawa, el diseño de parques recibió un nuevo impulso: el cultivo de azaleas y arces se convirtió en un pasatiempo para los ricos. También se desarrolló la producción de cultivos enanos (hachi-no-ki - "árbol en una maceta"), pero los bonsáis de esa época eran muy grandes.
Ahora los árboles ordinarios se usan para bonsai, se vuelven pequeños debido a la poda constante y varios otros métodos. Al mismo tiempo, la proporción de los tamaños del sistema de raíces, limitado por el volumen del cuenco, y la parte del suelo del bonsái corresponde a las proporciones de un árbol adulto en la naturaleza.

Serie de mensajes " ":
Parte 1 - Tipos japoneses de costura.

El pueblo chino ha creado muchas artesanías de fama mundial a lo largo del tiempo. Desde la antigüedad, las habilidades y los secretos de hacer productos de varios tipos de piedra, madera, arcilla y barniz, los secretos de la producción de telas y bordados se han transmitido. Ya en la antigüedad, los maestros de China, habiendo aprendido a identificar y mostrar las cualidades artísticas del material, utilizaron para este propósito el juego de sus colores, manchas, diferencia de figuras, suavidad de la superficie. Las vasijas más antiguas hechas de arcilla y piedra se distinguen, como las antiguas, por una perfecta armonía de formas y claridad de articulación.

Los artesanos chinos adoptaron muchas habilidades, modales y técnicas, formas tradicionales de patrones de la antigüedad. Sin embargo, las propias necesidades que planteó la nueva era histórica dieron lugar a numerosos nuevos tipos y técnicas de oficio artístico. Relacionado con la vida cotidiana, con las crecientes necesidades de la población urbana, la artesanía artística en las bellas artes de China no solo fue una de las más masivas y populares, sino también una de las más activas.

Todo el mundo usa jarrones, tazas y otros artículos chinos. En el hogar, la porcelana china, junto con otros tipos de arte, tiene la aplicación más amplia. La cerámica china también se utiliza para hacer frente a esculturas.

Cerámica. Ya en la antigüedad, los chinos usaban variedades de arcilla de alta calidad para su cerámica. Sin embargo, el verdadero mérito de la invención de la porcelana pertenece a los maestros de la China medieval. En la era Tang, durante el período de gran prosperidad en todas las áreas de la vida espiritual china, aparecieron los primeros productos de porcelana y se difundieron rápidamente. La porcelana fue cantada por los poetas, venerada como una joya. La producción de porcelana en China se vio facilitada por ricos depósitos de los materiales necesarios para ello: piedra de porcelana (un compuesto natural de feldespato y cuarzo) y arcilla local - caolín. La combinación de estos dos componentes proporciona la plasticidad y la aleación necesarias. Cada uno de los artículos de porcelana de China está profundamente pensado, ejecutado no como un artículo artesanal, sino como una obra de arte independiente. Las formas de los vasos delgados son redondeadas, blandas y macizas. Particularmente famosa en ese momento fue la porcelana blanca como la nieve producida en la ciudad de Xing-chou, suave y mate, que conservaba la monumentalidad de los productos antiguos. Muchas vasijas de esa época estaban pintadas con esmaltes de colores brillantes, que se mezclaban con óxidos de cobre, hierro y manganeso, que daban ricos tonos amarillos, marrones, verdes y morados. Pero la porcelana alcanza una especial variedad y nobleza en los siglos XI-XIII. Durante el período Tang, la cerámica tiene una variedad de colores. Pero bajo Sun, ya se distingue por la sencillez y la modestia. La cerámica china tiene líneas finas y precisas y sencillez de color. El uso de colores naturales es típico de esta época. Los colores gris azulado y gris verdoso a menudo se pueden encontrar en un plato o jarrón chino. Las pequeñas grietas no son un defecto del maestro, sino un paso finamente pensado. Las irregularidades en el esmalte, las gotas secas del revestimiento y las pequeñas grietas en toda la superficie del producto dan una sensación de integridad.

La porcelana de Minsk, a diferencia de la porcelana Sung, es multicolor. Los maestros usaron su superficie blanca como la nieve como un telón de fondo pintoresco contra el cual se colocaron paisajes completos o composiciones de género. Hay muchas tramas y tipos de pinturas, así como combinaciones de colores: porcelana azul-blanca, pintada bajo esmalte con cobalto de un tipo y patrón suave y noble, esmaltes de colores ricos en colores, tricolor y cinco colores. Incluso más técnicas y tipos de porcelana aparecen en los siglos XVII-XVIII. Aparecen vasijas negras lisas y brillantes, vasijas pintadas encima con esmaltes brillantes y centelleantes. Hasta finales del siglo XVIII, cuando todas las demás formas de arte ya habían caído en declive, el nivel artístico de la porcelana china se mantuvo alto. A diferencia de períodos anteriores, las formas de los productos de porcelana durante la dinastía Qing (siglos XVII-XIX) eran más sofisticadas y refinadas. La repetición de modelos antiguos adquiere proporciones más elegantes, ya a finales del siglo XVIII. se desarrolla una pretensión excesiva de los contornos. Desde entonces, la decoración de la porcelana se ha caracterizado por una variedad y riqueza de motivos y temas, y en algunos casos, una gran riqueza de ornamentación. Esto se nota especialmente en la pintura con cobalto y en la gama de la llamada "familia verde". Escenas complejas de múltiples figuras, pequeños motivos vegetales o cualquiera de los innumerables temas de la pintura se distinguen por una gran complejidad y cuidado en la construcción compositiva.

Los tipos de artes aplicadas Tang y Sung son diversos. En este momento, los espejos de bronce se hicieron de acuerdo con el modelo de la antigüedad, ricamente decorados en el reverso con un magnífico dibujo en relieve de plantas con flores, animales que retozan, pájaros y frutas. A menudo, tales espejos estaban hechos de plata, cubiertos con una capa muy fina de oro, con incrustaciones de nácar y piedras preciosas.

Los patrones de telas "ke-sy" (seda cortada) son especialmente cercanos a la pintura de esta época. Fueron creados de acuerdo con las muestras de artistas famosos. Ke-sy se distingue por su extraordinaria suavidad, ternura, preciosa textura mate granulada. Pájaros de luz en las ramas, paisajes, capullos en flor de la ciruela meihua de color rosa pálido son los principales motivos representados en ke-si.

El surgimiento de talleres para la producción de esmaltes pintados en China se remonta al período Kangxi, asociado a influencias de Europa occidental provenientes de Francia. La influencia de los grabados religiosos traídos por los misioneros jesuitas puede explicar los esmaltes chinos sobre metal del siglo XVIII, que son comunes para las pinturas. técnicas de sombreado, acariciando imágenes a lo largo del contorno y otros, gráficos en su base, medios de expresión artística. Las huellas de las influencias europeas se notan no solo en los temas y la forma de pintar, sino también en las formas de los esmaltes chinos del siglo XVIII. Los artículos de cobre y plata alemanes e ingleses de los siglos XVI al XVIII a menudo sirvieron como prototipos. Los esmaltes hechos para el uso más alto se llamaban "huang zhi" - "vasos amarillos (es decir, "imperiales")", ya que el amarillo se ha considerado durante mucho tiempo el color simbólico del emperador chino. La decoración de tales esmaltes está dominada por imágenes del género “huangyao” (“flores-pájaros”), escenas de tramas chinas y composiciones ornamentales: la imagen de cabezas de flores de loto entretejidas en un brote de planta en forma de vid, y un patrón zoomorfo que se remonta a la decoración de las antiguas vasijas de bronce. En los esmaltes pintados, son populares los conjuntos compuestos de placas de varias formas, que se desarrollaron en porcelana china ya en el período Kangxi. A menudo, los platos tenían la forma de un abanico abierto, decorado con imágenes en el género de "flores-pájaros" sobre un fondo blanco. La porcelana y los esmaltes sobre metal en varios casos están conectados tanto por las formas comunes de llegar a Europa como por la similitud de formas, motivos de pintura y coloración. Sin embargo, con una indudable similitud con la porcelana, los esmaltes pintados sobre metal se caracterizan por una originalidad artística totalmente evidente como un tipo de artesanía china completamente especial, más audaz en comparación con sus tipos tradicionales, que entraron en contacto con el arte europeo.

Artesanía artística, el arte aplicado en Japón se llama la palabra "kogei". La fuente de la mayoría de las ideas artísticas de las obras de arte fue un profundo amor por la naturaleza. La gente ha sentido durante mucho tiempo su belleza en los fenómenos cotidianos más ordinarios e insignificantes.

Las obras de artes y oficios japoneses tradicionalmente incluyen productos de laca, porcelana y cerámica, tallas de madera, hueso y metal, telas y ropa decoradas artísticamente, obras de arte con armas, etc. La especificidad de las obras de arte aplicadas es la siguiente: tienen un aplicación puramente práctica, utilitaria, pero al mismo tiempo también juegan un papel puramente estético, sirviendo como adorno de la vida cotidiana de una persona. La estética de los objetos circundantes para los japoneses no era menos importante que su propósito práctico.

Suerte. Desde la antigüedad, la laca se conoce en Japón, sus restos se encuentran en sitios arqueológicos de la era Jomon. En un clima cálido y húmedo, los revestimientos de laca protegían la madera, el cuero e incluso los productos metálicos de la destrucción. Los productos de laca en Japón han encontrado la aplicación más amplia: platos, utensilios domésticos, armas, armaduras. Los barnices japoneses tradicionales son rojos y negros, además de dorados; hacia el final del período Edo, comenzó la producción de laca amarilla, verde y marrón. Volver arriba

siglo 20 Se obtuvo un barniz de colores blanco, azul y violeta. Hay muchas técnicas decorativas asociadas con el uso de laca: maki-e - el uso de polvo de oro y plata; urushi-e - pintura de laca; hyomon - una combinación de pintura de laca con incrustaciones de oro, plata y nácar. Hasta aproximadamente mediados del siglo XVII. Kioto siguió siendo el principal centro para el desarrollo del arte de la laca. Fue allí donde Ogato Korin comenzó su carrera. Su laca estaba marcada por una unidad especial de formas y decoración, que "fluía" suavemente de un lado al otro del producto. La combinación de diferentes materiales creó una textura de superficie inusual y un esquema de color raro.

Cerámica. Los japoneses son especialmente aficionados a los productos cerámicos. Los primeros de estos se conocen a partir de excavaciones arqueológicas y se remontan al período Jōmon (Edad de Piedra). El desarrollo de la cerámica japonesa y, más tarde, de la porcelana estuvo significativamente influenciado por las tecnologías chinas y coreanas, en particular, la cocción y el vidriado de colores. Una característica distintiva de la cerámica japonesa es la atención no solo a la forma, el adorno decorativo y el color del producto, sino también a las sensaciones táctiles que evoca cuando entra en contacto con la palma de la mano de una persona. El enfoque japonés de la cerámica supuso irregularidades en la forma, rugosidad de la superficie, grietas, vetas de esmalte, huellas dactilares del maestro y demostración de la textura natural del material. Los productos de cerámica artística incluyen principalmente cuencos para ceremonias de té, teteras, jarrones, ollas, platos decorativos, vasijas para sake. Inicialmente, la forma de la vasija se hizo con ramitas y hierba, luego se cubrió con arcilla y, durante la cocción, las ramas y la hierba se quemaron, dejando sus huellas en las paredes de las vasijas. Las vasijas del período medio y tardío de Jōmon ya parecen vasijas escultóricas. En los siglos VI-XI. Bajo la influencia de los alfareros coreanos, los artesanos japoneses empezaron a cocinar productos de arcilla con un esmalte de color amarillo verdoso. Casi al mismo tiempo, aparecieron productos hechos de loza real: arcilla higroscópica cubierta con esmalte.

Los productos de porcelana son principalmente jarrones de paredes delgadas con una decoración exquisita, juegos de té y vino y varias figurillas. En la masa de productos de porcelana, que se produjeron en los siglos XVII-XVIII. en todo el país se distinguían dos tipos principales: los productos caros y finamente pintados de los talleres de Kutani y Nabeshima, y ​​la porcelana de Arita y Seto, que se lanzaba en grandes series. Los productos de los talleres de Kutani tenían una forma plástica irregular. Su pintura se realizó utilizando grandes manchas de color y ubicadas libremente en la superficie de los recipientes. Los artículos de Nabeshima generalmente estaban decorados con una sola pintura bajo vidriado de un motivo vegetal, a veces complementada con pintura policromada sobre vidriado. Los talleres de Arita y Seto elaboraban productos en masa. Estos platos estaban decorados con elegantes composiciones decorativas de flores, mariposas, pájaros. Una parte significativa de la porcelana japonesa se fabricó especialmente para exportar a países occidentales.

Esmalte. Periodo comprendido entre mediados y finales del siglo XVII. se volvió muy fructífero en la historia del desarrollo del arte del esmalte en Japón. En este momento, los maestros japoneses han logrado la perfección en el color. Usando el método de prueba, seleccionaron la fusión óptima del vidrio, que sirvió de base para el esmalte, y varias variaciones de óxidos, dándole uno u otro tono, transparencia o reflejo de perla lechosa, brillo misterioso. Todas las recetas que se justificaban se convertían en un secreto cuidadosamente guardado en la familia del maestro. En Japón, los esmaltes se llamaban "sippo", que significa "siete piedras preciosas". Esto significó que en joyería, el esmalte puede reemplazar al oro, la plata, la esmeralda, el coral, el ágata, el cristal, las perlas. El ejemplo más antiguo de esmalte encontrado en Japón data de finales del siglo VII a. Dos técnicas de esmalte ampliamente conocidas, champlevé y cloisonné, se extendieron en Japón casi simultáneamente. Los artesanos usaban esmalte cloisonné para decorar las guardas (tsuba) de las espadas samuráis, arcos y flechas decorativas, al decorar casas, cofres, cajones para guardar pinceles y tinta para caligrafía, té en polvo e incienso. Los talleres de los primeros artesanos que trabajaron el esmalte estaban ubicados en Kioto, más cerca de los palacios de emperadores y nobles, que eran los principales compradores de este producto.

El renacimiento de la técnica del esmalte está asociado al trabajo del maestro Tsunekichi Kaji (1803-1883), que vivía en las afueras de Nagoya. Estudió artesanías extranjeras, en su mayoría europeas, que llegaban a Japón, ya partir de ahí desarrolló nuevas tecnologías para trabajar el esmalte cloisonné. El éxito de Kaji inspiró a otros artesanos. Se inició la búsqueda de nuevos métodos de trabajo. Entonces, en ese momento, apareció la tecnología del “contraesmalte”, la técnica del gin-bari, que consistía en pegar una lámina de plata sobre una superficie de cobre cubierta con una fina capa de esmalte. La tecnología Musen-jippo, desarrollada por el maestro Sosuke Namikawa (1847-1910), preveía la eliminación de los hilos de separación después del secado de la primera capa de recubrimiento de esmalte y un nuevo relleno con esmalte transparente. Hubo varias docenas de variaciones en la técnica: moriage, utidasi, akasuke, my kodai, nagare-gusuri y otras, que permitieron lograr excelentes resultados cuando se combinaron. Japón es el primer país del mundo donde se aplicó el esmalte no solo a los espacios en blanco de metal, sino también a la cerámica y la porcelana. Famoso en la técnica del esmalte sobre cerámica fue el maestro Yasuyuki Namikawa (1845-1927), quien trabajó en Kioto.

Las imágenes de flores (crisantemos, peonías, inflorescencias de paulownia, ciruelas, cerezas) y las imágenes algo japonesizadas de dragones, leones y otras bestias míticas, pájaros y mariposas se convirtieron en un patrón típico tomado de China para los productos de esmalte japoneses. A menudo, el simbolismo de buenos deseos estaba incrustado en las imágenes. Los tonos de la paleta variaron según el propósito del producto. Por lo tanto, los productos de exportación se realizaron en colores brillantes, incluso llamativos, que eran los preferidos por los clientes europeos y destinados al uso doméstico, en una gama tranquila, más en línea con la cosmovisión estética de los japoneses.

El arte y la cultura de China y Japón son extremadamente distintivos, lo que siempre ha interesado y atraído a los europeos. A partir del siglo XVII, tanto los motivos chinos como los japoneses penetraron en las tendencias artísticas y estilísticas de Europa Occidental. Hasta el día de hoy, la cultura de estos dos países es interesante tanto para estudiar como para endeudarse.

Artes Decorativas y Aplicadas de Japón El alcance de los productos metálicos artísticos incluía la escultura y los utensilios del templo, las armas y los elementos decorativos utilizados en la vida cotidiana, la variedad y la perfección del procesamiento de los metales tradicionales (bronce, hierro, cobre, acero) se combinaron con la uso de aleaciones complejas, que se distinguen por la riqueza de colores, matices y propiedades plásticas, siendo las más comunes el shakudo, que da varios tonos de negro, marrón, azul y púrpura, y el shibuichi, que sirve como fuente casi inagotable de gris tonos

Las recetas para hacer aleaciones eran un secreto profesional y se transmitían de maestro a alumno en los siglos XVII-XVIII. A pedido de los pobladores adinerados, se realizaron imágenes escultóricas para altares domésticos, así como imágenes que tenían un significado benévolo y protegían el hogar familiar. Entre ellos se encuentran Daruma, el monje legendario cuyo nombre está asociado con el origen del té en Japón, Daikoku es la deidad de la felicidad y la riqueza, Jurojin es la deidad de la felicidad y la longevidad.

Junto con esto, algunos artículos para el hogar sirvieron para fines decorativos. Se trataba de incensarios, jarrones, platos, ataúdes, bandejas, que se caracterizaban por la combinación de varios metales en un solo producto, el uso de tallas caladas, grabados, muescas e incrustaciones. La tradición de aplicar una decoración de esmalte a una base de metal llegó a Japón desde China a fines del siglo XVI. La técnica del esmalte tenía 4 variedades: cloisonné, champlevé, grabado y pintado.Los esmaltes se llamaban “siplo” - siete joyas: oro, plata, esmeralda, coral, diamante, ágata, perlas, que, según las creencias populares, traían felicidad a las personas .

Los esmaltes cloisonné japoneses de los siglos XVII y XVIII, basados ​​en gran parte en muestras chinas, se distinguían por una paleta limitada de tonos ligeramente apagados, un patrón geométrico claro y un fondo verde oscuro intenso. A mediados del siglo XIX. La técnica del esmalte experimentó un renacimiento, se obtuvieron esmaltes brillantes de varios colores, que se adhirieron firmemente a la base metálica y se prestaban bien al esmerilado.

El apogeo del arte del esmalte cloisonné a finales del siglo XIX. se asoció con el nombre del famoso maestro Namikawa Yasuyuki. De su taller salían pequeñas piezas, totalmente recubiertas de esmaltes, aplicados con esmero de joyero. Imágenes de flores, pájaros, mariposas, dragones y fénix, numerosos tipos de adornos tradicionales encontraron un lugar en el intrincado patrón de encaje tejido.El uso de láminas de oro creó un brillo resplandeciente en la superficie pulida del producto.

La fabricación y decoración de armas tiene tradiciones milenarias en Japón. La espada fue vista como un objeto sagrado dado por la diosa del sol Amaterasu Omikami a su nieto, a quien envió a gobernar la tierra y erradicar el mal. Una espada recta de doble filo (Ken o Tsurugi) se convirtió en un atributo del culto sintoísta y se convirtió en una de las insignias imperiales. En la Edad Media, la espada se convirtió en un símbolo de la clase guerrera, que encarnaba el poder, el coraje y la dignidad de los samuráis.También se creía que las almas de los antepasados ​​​​muertos vivían en ella.

En el siglo VII Se creó una forma de espada con una ligera curva en la parte posterior de la hoja de afilado unilateral, que permaneció casi sin cambios hasta el siglo XIX. y fue llamado "nihonto" (espada japonesa). Del siglo XVI los aristócratas y representantes de la clase militar debían usar dos espadas: una larga - "katana" y una corta - "wakizashi”, que estaba destinada a cometer suicidio ritual. En caso de violación del código de honor, los científicos, a los artesanos y campesinos se les permitía usar solo un wakizashi o una espada sin guardias "akuchi". El largo y laborioso proceso de elaboración de la hoja se organizaba como un ritual solemne, acompañado de oraciones especiales, hechizos y la vestimenta del herrero con ropa ceremonial.

La hoja fue soldada a partir de varias tiras, forjada al menos cinco veces, rectificada y pulida.De finales del siglo XII. Las hojas comenzaron a decorarse con ranuras, imágenes del sol, la luna, las estrellas, los dragones, las inscripciones-hechizos realizados por grabado y relieve profundo. Detalles y armazón de la espada del siglo XVI. fueron creados por maestros especiales: armeros-joyeros.

La hoja se insertaba en el mango, que se basaba en dos barras de madera, sujetas con un anillo de metal "futi" y puntas "kashira", el mango a menudo estaba envuelto en piel de tiburón o raya, llamada "same" (tiburón). Existía la creencia de que tal mango mantenía la pureza ritual de la espada y protegía al propietario.Se adjuntaron pequeños detalles de metal en relieve "menuki" al mango en ambos lados, lo que aseguraba un agarre más fuerte de la espada con ambas manos.

Además de esto, el mango estaba envuelto con una cuerda o trenza, creando un patrón trenzado en la superficie. Un detalle importante de la espada era la "tsuba" (protección) - un plástico protector que separa la hoja del mango, la vaina de una espada pequeña a menudo estaba decorada con placas de metal cuidadosamente acabadas "kozuka", que era el mango de un pequeño cuchillo insertado en un bolsillo especial en la vaina. En los siglos XVII-XIX. el arma, que había perdido su valor práctico, se convirtió en una adición decorativa al traje de los hombres.

En su decoración se utilizaron diversos materiales y técnicas de joyería, talla calada, incrustaciones con aleaciones, diversos métodos para crear composiciones en relieve, esmaltes y barnices. La tsuba adquirió una especial plenitud artística, que pasó a ser considerada como una obra de arte independiente. Las tramas de las imágenes eran motivos tradicionales propios de otros tipos de arte: flores, pájaros, paisajes, parábolas budistas, leyendas históricas, incluso estimaciones de vida urbana. Los detalles de una espada se combinaron con estilo y, a menudo, representaron el desarrollo de una trama.

Entre los armeros que se especializaron en decorar espadas, fue especialmente famoso el fundado en el siglo XV. la escuela goto, cuyas diecisiete generaciones de maestros mantuvieron su gloria durante 400 años.

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El desarrollo del estado, el crecimiento del bienestar de la aristocracia cortesana requería la producción de un número cada vez mayor de artículos de lujo. En este sentido, se dio un poderoso impulso al desarrollo del arte aplicado. Se logra la perfección de la técnica de barnizado de productos. El estilo nacional japonés de maki-e pasa a primer plano, en el que el producto se cubrió primero con barniz de color, luego se aplicó un patrón utilizando un metal precioso molido en polvo, después de lo cual se aplicó una capa de barniz incoloro en la parte superior para fijar eso. Poco a poco, los productos lacados y metálicos reemplazarán por completo a la cerámica no solo del uso diario, sino también de los utensilios religiosos.

Las demandas cada vez mayores de la familia imperial y su círculo íntimo estimularon el desarrollo de una amplia variedad de artesanías. Platería, chucherías, jarrones, kimonos de seda pintados, cinturones obi bordados y cordones kihimo eran los pedidos de las familias nobles de la época. Entre otras cosas, era costumbre que las familias más ricas, en particular el emperador, cambiaran la decoración interior de la casa según la temporada. Para la fabricación de nuevos biombos, mamparas y cortinas se requería una cantidad inaudita de telas, papeles, marcos de madera, siempre barnizados y pintados. No todos podían permitirse tales gastos, pero, sin embargo, tales caprichos tenían lugar en los palacios medievales.

La difusión de la literatura, el deseo de los cortesanos de ser conocidos como personas cultas que podían componer tanka o llevar diarios excelentes: todo esto contribuyó a mejorar el proceso de fabricación del papel, cuya producción se inició en el período Asuka. Durante el período Heian, este oficio se convirtió en un verdadero arte: el papel se fabricaba en color, se decoraba con relieves, dibujos y baños de oro o plata. Una variedad de grados de papel incluso hizo posible elegir la opción correcta para un trabajo caligráfico en particular para expresar más completamente la idea deseada.