De ringer upp skådespelarna. Skådespelare: det har alltid funnits avskyvärda gycklare, och nu - "elit", fan. Ursprunget till detta koncept
Hur många tidskrifter ägnas åt dem, hur mycket papper av god kvalitet som har lagts på publiceringen av vanliga stjärntuttar och stjärnegendomar. Hur mycket bra, användbar litteratur kan publiceras på detta papper, hur många skogar att rädda ...
Och jag tänkte: vad, alltid var denna hycklare shobla "eliten" och "samhällets kräm"? Vad, i gamla tider, folket också "plattade" från någon handling av gycklaren från scenen?
Nej, det var inte så...
I en tid präglad av existensen av det primitiva kommunala systemet hade varje stam sina egna ritualer: danser, spel, heliga handlingar, olika scener förknippade med de grundläggande ögonblicken i samhällets liv (ritualer som syftar till relationer med naturens krafter och naturens krafter). förfäders andar, årstidernas förändring och handlingar som ökar skörden, jakt och ritualer för att locka till sig rika byten). Vanligtvis utfördes de av shamaner, ofta arrangerade en hel föreställning utifrån ritualen. För att ge betydelse åt bilden och deras handlingar, för att behålla sin individuella konst, började shamaner använda kostymer och masker. Men huvuduppgiften var den känslomässiga påverkan på medlemmarna i stammen. Detta delade sedan in människor i artister och observatörer, kan man säga - i utförare av handlingar - artister och åskådare, där artisten var en mot en med publiken. Detta kan beskrivas som början på teaterns framväxt.
Vidare skisseras två sätt att utveckla teatern i allmänhet och skådespelarkonsten i synnerhet. Det första sättet kan spåras på exemplet från länderna i öst, här upprätthåller teatern en stabil förbindelse med religion, och skådespelerikonsten bildas under inflytande av de allegoriska uttrycksmetoderna som är inneboende i religionen, föreställningar arrangeras huvudsakligen om religiösa, mytologiska, episka teman.
I ett annat fall handlar det om det antika Grekland, där sekulära, sociala motiv blir mer och mer uttalade inom dramaturgi och teaterkonst, vilket bidrar till en mer flexibel utveckling av olika former av teater och skådespeleriteknik. Scenkonst, i just den form som vi är vana vid att se den, har sitt ursprung i det antika Grekland. Här var skådespelarens yrke mycket populärt. Varje berömd befälhavare ansåg det som sin plikt att med sig ha en stab av skådespelare, som bland annat lärde honom oratorium. Namnen på bra skådespelare var kända i hela staden och publiken hade ofta inte tillräckligt med platser vid föreställningarna. Skådespelarens skicklighet finslipades under åren, och det var svårare för antika grekiska artister att spela än för våra samtida. Teatrarna var enorma, det fanns inga mikrofoner, skådespelarna var tvungna att höras och ses var som helst på teatern, så deras ansikten var nödvändigtvis täckta med stora masker som skildrade sorg i tragedier och glädje i komedier.
Kända, de är kända, men bara på scenen. Vem känner igen dem utan mask, inte i cothurns och inte i teatralisk klädsel? All kärlek till skådespelare var begränsad till amfiteatrar i sten. Vilket är rätt – det är där de hör hemma.
I antikens Rom var skådespelaryrket mindre prestigefyllt. Endast de som uppnådde lysande framgång i skådespelarfärdigheter fick ära och respekt. Till en början gick skådespelarkonsten i det antika Rom parallellt med Grekland, men under kejsarnas era började teatern ersättas av cirkus och pantomime, skådespelarkonsten föll i nedgång.
Tja, vad hände i senare tider?
I början av vår tideräkning slutade detta yrke att vara populärt alls, så de började se på skådespelarnas spel som gladiatorkamper. Denna tradition stöddes fullt ut av det medeltida Europa, där teaterföreställningar ansågs demoniska under lång tid, vandrande folktrupper förföljdes hänsynslöst av kyrkan, även om alla kungar under många århundraden hade gycklare och skådespelare vid hovet som ständigt underhöll sin härskare och hans gäster. Vissa föraktades av allmänheten, medan andra hade makt jämförbar med en ministers eller kungens rådgivare.
Här! Det är just de gycklarna under makterna som finns, och inte den oberoende "eliten", som representanterna för detta yrke nu har förvandlats till.
Jag undrar hur skådespelarna behandlades i Ryssland fram till nyligen (1800-talet)?
I Ryssland på medeltiden var skådespelarens yrke (i början var de buffoner) helt förknippat med fara, för för en ogillad prestation kunde en buffoon bli slagen, bryta verktyg, släppa sina djur och sätta honom i fängelse .
Och om gycklaren blev full som en gris, och till och med attackerade någon, då kunde de lätt ha gjort "huvudyxan". Och motivera inte hans beteende med hans påstådda "talang"
Utöver resande trupper fanns det även hemmabiografer som ägdes av den tidens inflytelserika personer. Och dessa personer ägde inte bara teaterns lokaler, utan också skådespelarna själva. Och det var omöjligt att ens föreställa sig att någon livegen Dunya från scenen för en greve eller prins skulle bli "världens drottning", och upphöjda unga damer beundrade hennes porträtt.
Förändringen i attityd till teater och skådespeleri i en annan riktning började med tillkomsten av renässansen, men skådespelarna kunde inte räkna med andras respekt under lång tid. Här är ett exempel. På 1800-talet ville en av de berömda ryska entreprenörerna, Savva Mamontov, medan han var i Italien, bli operasångare, men han fördes hem med tvång under hotet av en fars förbannelse, och dessutom var alla ryska affärskretsar extremt skandaliserade av det som hände.
Och när började denna bacchanalia med erkännandet av skådespelare som "grädde", "idoler" etc., när de galna massorna började fanatisera om dem?
På 1900-talet, upplyst.
Skådespeleriet blev ett prestigefyllt yrke först i slutet av 1800-talet och början av 1900-talet, när regissörsteatern dök upp, vilket i sin tur ledde till utvecklingen och implementeringen av nya skådespelsmetoder och utbildningar. Nuförtiden är det ett av de mest intressanta och unika yrkena, eftersom det enda verktyget i en skådespelares arbete är han själv. Han blir en strass och ett instrument i regissörens skickliga händer, och en mästare och en produkt av professionell verksamhet. Trots teaterns enorma möjligheter och mångfalden av konstnärliga uttryckssätt tar varje skådespelare ändå kontakt med publiken ensam. Oavsett hur vördnadsvärd och berömd föreställningens regissör, konstnären, kompositören, det slutliga resultatet beror på skådespelarens skicklighet, eftersom han är ackumulatorn och ledaren för produktionsteamets idéer.
Det är skådespelarna som blir de sanna mästarna över publikens tankar, som förkroppsligar och symboliserar teatern. Framgångsrika skådespelare som högljutt deklarerade sin talang och förmåga åtnjuter framgång inte bara på scenen utan också bland urbana eliter på alla nivåer, blir permanenta deltagare i det offentliga livet, hedersmedborgare och är ett exempel på en aktiv livsposition. Allmänheten ignorerar dem inte. För närvarande kallas kända skådespelare för samhällets sanna kräm och världens utsmyckning.
Här är dina idoler och världens utsmyckning. Tycka om? Inte för mig. Berusad jävel. Ingen talang, ingen röst, ingen förmåga att bete sig. Och det finns många sådana "stjärnor" på vår scen, och inte bara på vår scen
Jag är inte emot skådespelaryrket som sådant. Det finns också väldigt duktiga skådespelare, bara lysande. Den gamla, nästan medeltida inställningen till detta hantverk ligger mig dock närmare. Det här är en gycklare, en hycklare, vars hela ära måste upphöra när teaterridån stängs eller orden "The end of the film" blinkar på skärmen. Det är möjligt och ofta nödvändigt att beundra dem – men bara i deras arbete, i deras roll, i deras prestationsförmåga. Det vill säga – på scen, på bio, på en konsert. Och absolut inte för att göra idoler av dem i vardagen. Bli full som ett odjur, slå en man - svara som en vanlig människa, och inte som en "stjärna". Hur vanliga arbetare, vanliga militärer, vanliga lärare eller läkare reagerar. Varför är ingen fanatisk när det gäller arbetande människor, men alla dras med av skådespelerskor och skådespelerskor?
Detta är en perverterad uppfattning om detta yrke. En skådespelare är inte en elit, och borde inte vara det. Detta är ett av den moderna världens yrken, och det är det. Inget mer. De är inte gudar eller halvgudar, de arbetar bara i det här området.
Proscenium- scenens utrymme mellan ridån och auditoriet.
Som lekplats används prosceniet flitigt i opera- och balettföreställningar. På dramateatrar fungerar prosceniet som huvudmiljön för små scener framför en stängd ridå som binder ihop scenerna i pjäsen.
Vissa regissörer tar fram huvudhandlingen och utökar scenområdet.
Skådespelare- en levande koppling mellan författarens text, regissörens scenanvisningar och betraktarens uppfattning. I teaterns historia har denna svåra uppgift förvandlat skådespelaren till en person, älskad och mystifierad, eller till en varelse som föraktas av samhället med en nästan instinktiv rädsla. Under lång tid betecknade termen "skådespelare" pjäsens huvudperson; sedan - utföraren av rollen, scenens hantverkare, komikern.
I den västerländska traditionen förkroppsligar skådespelaren karaktären, imiterar honom, representerar hans fysiska närvaro på scenen, upprätthåller en verkligt "kroppslig" förbindelse med publiken, som uppmanas att känna det omedelbart upplevda köttsliga, såväl som det tillfälliga och tillfälliga. svårfångade sidan av hans utseende. Skådespelaren sägs ofta vara besatt av en annan varelse, vilket förvandlar honom. Därav den romantiska myten om skådespelaren "från Gud", för vilken det inte finns någon skillnad mellan scenen och livet.
Skådespelaren kan dock också visa avståndet som skiljer honom från rollen. Här ligger det gamla argumentet mellan anhängarna till den "uppriktiga" skådespelaren, som upplever alla känslor hos sin karaktär, och skådespelaren som kan dämpa och gestalta dem.
På vår hemsida i avsnittet "Gästbok" ges publiken en unik möjlighet att ställa frågor till teaterns skådespelare. ÄR. Turgenev, lär dig av dem alla finesser och hemligheter i yrket.
Paus- tidsperioden mellan åtgärder under vilken spelet avbryts och publiken kan lämna hallen. Denna "paus" betyder återkomsten av verklig social tid, förstörelsen av illusionen, möjligheten till reflektion. Uppehåll är nödvändigt för att byta miljö, under en lång paus, blackout eller förändringar framför betraktaren.
I renässansens hovteater hade pausen en speciell betydelse. Det var vid den här tiden som publiken kunde visa varandra sina chica toaletter.
Paus är en vila för publiken, men inte alls för handlingen. Det antas att karaktärerna fortsätter att leva sina liv mellan akterna.
Uppehåll är också en psykologisk nödvändighet för betraktaren, vars uppmärksamhet är svår att hålla utan avbrott i mer än två timmar. Återgången till verkligheten får dessutom betraktaren att tänka på vad han sett, bedöma teaterarbetet, generalisera och systematisera en massa intryck. Detta är ögonblicket av uppvaknande kritik. Det är inte förvånande att episk dramaturgi bidrar till ökningen av sådana pauser i föreställningen, vilket tvingar publiken att "ingripa" i ögonblicken då illusionen förstörs. Och vice versa, föreställningar baserade på hypnotisk påverkan och föremål för en specifik rytm, vägrar idag ofta helt en sådan andrum.
Paus på OGAT dem. ÄR. Turgenev varar vanligtvis 15 minuter. Vid denna tidpunkt kan allmänheten besöka teaterbuffén, som ligger på andra våningen, såväl som Museum of the History of the Oryol Stage.
Roll- skådespelarens typ av roll, som motsvarar hans ålder, utseende och spelstil. I synnerhet finns det komiska, tragiska roller.
Applåder - uppriktigt möte mellan betraktaren och artisten bortom fiktion. I strikt mening är applåder (klappande händer) ett ganska universellt fenomen. Först och främst vittnar det om betraktarens så kallade fysiska reaktion, som efter påtvingad orörlighet släpper sin energi.
Applåder utför alltid kontaktens funktion, vilket betyder: "Jag uppfattar och utvärderar dig."
Vanan att applådera skådespelare går tillbaka till antiken. För denna typ av aktivitet kom de gamla grekerna till och med på en liten charmig gud - Krotos.
På 1600-talet Vanan att klappa händerna var vanlig i hela Europa. I vissa kulturer visar allmänheten sitt godkännande genom att skrika, vissla. Skådespelarna i OGAT uppkallad efter I.S. Turgenev ber sina tittare i denna mening att inte avvika från den ryska traditionen och artighetens lagar.
Det kan diskuteras om det går att applådera under föreställningen och på så sätt förstöra illusionen. När allt kommer omkring är applåder ett element av främlingskap, verklighetens invasion i konsten.
För närvarande applåderar publiken villigt skådespelarna, deras kvickhet, kulisser i början av handlingen, vilket avbryter föreställningens gång. Den mer intellektuella eller "avantgardistiska" publiken visar sin entusiasm först efter att ridån stängts, för att inte uppmuntra individuella skådespelar- eller regissörsfynd, utan för att tacka alla artister på en gång efter föreställningen, ringande till regissören och dekoratören. , och till och med författaren.
Det händer att applåder "levereras" genom regi.
Hela tiden betalade teatraliska entreprenörer för tjänsterna från en professionell klack för att få publiken att acceptera föreställningen positivt. Det finns ingen sådan praxis i Turgenevs teater. Så var säker på uppriktigheten i dina grannars impulser på stånden eller amfiteatern.
Men skådespelarnas utgångar och avgångar från scenen "före ridån" kan iscensättas: skådespelarna verkar fortsätta spela en roll eller spela en komisk scen för att framkalla skratt från allmänheten.
Glöm inte att konstnärerna i OGAT dem. I.S. Turgenev, åsikten från tittaren är mycket viktig. Därför är applåder för dem den dyraste belöningen!
bakom kulisserna- utrymmet bakom stora scenen. Backstage är en fortsättning på huvudscenen, som används för att skapa en illusion av ett stort djup av rymden, och fungerar som ett reservrum för att ställa in sceneriet. Furkar eller en roterande rullande cirkel med förinstallerade dekorationer placeras på kulisserna. Den övre delen av den bakre scenen är utrustad med galler med dekorativa stigare och belysningsutrustning. Lager av monterade dekorationer placeras under golvet på den bakre scenen.
Fördel - en föreställning som sätts upp för att hedra en av skådespelarna eller teaterarbetarna som ett uttryck för ett erkännande av förmånstagarens skicklighet. Oftast hålls det i samband med olika minnesvärda evenemang, årsdagar för artister.
Förmånsföreställningar på Turgenev-teatern är alltid mycket varma och generösa möten med gamla vänner, bland vilka en speciell hedersplats tillhör publiken.
Sidoficka för scen- ett rum för en dynamisk förändring av landskap med hjälp av speciella rullande plattformar. Sidofickor finns på båda sidor av scenen. Deras dimensioner gör det möjligt att helt passa på furka landskapet som upptar hela spelområdet på scenen. Vanligtvis gränsar dekorativa lagerhus till sidofickor.
rekvisita - specialgjorda föremål (skulptur, möbler, fat, smycken, vapen etc.) som används i teaterföreställningar istället för riktiga saker. Rekvisita är kända för sin billighet, hållbarhet, betonade uttrycksfullhet hos den yttre formen. Samtidigt vägrar rekvisita vanligtvis att återge detaljer som inte är synliga för tittaren.
Tillverkning av rekvisita är en stor gren av teaterteknik, inklusive arbete med pappersmassa, kartong, metall, syntetmaterial och polymerer, tyger, fernissor, färger, mastik etc. Utbudet av rekvisita som kräver specialkunskaper inom stuckaturområdet , kartong, efterbehandling och låssmedsarbeten, målning av tyger, jagning på metall...
Rekvisita av den akademiska teatern uppkallad efter I.S. Turgenev från enkla material i deras arsenal gör verkliga mirakel. Ibland överträffar de till och med den berömda älvan i skicklighet, som byggde en vagn för sin inte mindre berömda guddotter Zoloshka från en pumpa. Tro mig inte - se själv. Förresten, barnföreställningar är alltid särskilt ljusa.
översta scenen- del av scenboxen, placerad ovanför scenspegeln och avgränsad uppifrån av ett galler. Den är utrustad med fungerande gallerier och gångvägar och tjänar till att rymma hängande dekorationer, takbelysningsanordningar och olika scenmekanismer.
Vaudeville - ett komedispel med kuplettsånger och danser, samt en genre av dramatisk konst.
Detta namn uppstod på 1600-talet som en kontaminering av två sånggenrer.
I slutet av 1400-talet dök det upp sånger som hette Val de Vire- bokstavligen "Virskaya-dalen" (Vir - en flod i Normandie). På 1500-talet utvecklades Paris voix de ville("Stadens röster") - strofiska sånger med övervägande kärleksinnehåll.
På 1600-talet uppträdde urbana folkliga satiriska sånger, framförda med eller utan enkelt instrumentellt ackompanjemang. De fick namnet vaudeville.
Under andra hälften av 1600-talet i Frankrike började dessa sånger ingå i små teaterstycken, som sedan också blev kända som "vaudevilles".
Smink- konsten att ge skådespelaren det utseende som behövs för rollen.
Kosmetisk smink har använts i teatern sedan 1500-talet. Bland dess huvudfunktioner är "förbättring av naturen." Denna vanliga användning av smink är särskilt välkommen på scenen, eftersom denna konst inte så mycket består i att få karaktären att se gammal ut, utan i att göra honom yngre.
Vissa teatraliska sminktraditioner, till exempel i den kinesiska teatern, bygger på ett rent symboliskt system för att matcha olika färger till sociala egenskaper: vitt för intelligentian, rött för oförgängliga hjältar, blått för de stolta, silver för gudarna.
Dessutom är sminket en slags levande dräkt för skådespelaren, som tävlar med masken på grund av ansiktets rörlighet. Grim använder den definierande tvetydigheten i en teaterföreställning: den är en blandning av naturlighet och konstgjordhet, en sak och ett tecken.
Utan att karaktärisera karaktären psykologiskt bidrar han till skapandet av teatraliska former tillsammans med andra komponenter i föreställningen, och blir ett lika estetiskt inslag i föreställningen.
Dekoration- skapande av ett visuellt handlingssätt på scenen med bildmässiga, bildmässiga, arkitektoniska medel.
Själva ursprunget till begreppet (målning, ornament, dekoration) pekar på den dekorativa infrastrukturens mimetiska och bildmässiga funktion.
Dekoration ska vara användbar, effektiv, funktionell.
Bland de viktigaste funktionerna i sceneriet är illustration och skildring av element som förmodas existera i det dramatiska universum, den fria konstruktionen och förändringen av scenen, betraktad som en spelmekanism.
Drama- litterär (dramatisk), scenisk och filmisk genre. Den fick en särskild spridning i litteraturen under 1700- och 2000-talen, och ersatte gradvis en annan genre av dramaturgi - tragedi, och motarbetade den med en övervägande vardaglig handling och en stil närmare den vardagliga verkligheten. I och med filmens intåg flyttade han också in i denna typ av konst och blev en av dess vanligaste genrer.
Dramer skildrar specifikt, som regel, en persons privatliv och hans konflikt med samhället. Samtidigt läggs ofta tonvikten på universella mänskliga motsättningar som förkroppsligas i specifika karaktärers beteende och handlingar.
Intrig- huvudsituationen för dramat kring vilken handlingen utvecklas.
Vaktmästare- en teaterarbetare som kontrollerar biljetter, eskorterar publiken till sina platser och håller ordning i salen.
Rutnät- gittergolv (trägolv), placerat ovanför scenen. Det tjänar till att installera block av scenmekanismer, används för arbete relaterat till upphängning av prestandadesignelement. Gallren kommunicerar med de arbetande gallerierna och scenen med stationära trappor.
Komedi- från grekiska. komedia är en rituell sång som ackompanjerar kortegen till guden Dionysos ära. Tidigare betecknade detta ord vilken pjäs som helst, oavsett genre.
Enligt traditionen definieras komedi av tre kriterier som är motsatta till tragedi: karaktärerna i komedin är människor med blygsam ställning, upplösningen är nödvändigtvis lycklig, pjäsens slutmål är allmänhetens skratt. Därav dess lätthet att anpassa sig i vilket samhälle som helst, den oändliga variationen av manifestationer och svårigheten att bygga en sammanhängande teori om komedi.
Komedi kommer nästan alltid till en optimistisk slutsats (äktenskap, försoning, erkännande). Åskådarens skratt i den är nu en medbrottslings skratt, nu överlägsenhetens skratt: det skyddar åskådaren från tragisk ångest.
Varje komisk pjäs är motsvarigheten och motpolen till den tragiska mekanismen. Tragedi spelar på våra djupaste oro, komedi spelar på våra försvarsmekanismer mot dessa oro.
Båda genrerna svarar alltså på samma mänskliga fråga. Övergången från det tragiska till det komiska tillhandahålls av graden av känslomässigt deltagande från allmänheten. I slutändan, i komedi, löses alla motsättningar i en lekfull eller frätande ton, världen hittar sin balans.
Men återupprättandet av ordningen och det lyckliga slutet måste föregås av en period av instabilitet, följt av en optimistisk slutsats och slutlig försoning.
bakom kulisserna- vertikala tygremsor som ramar in scenen.
stuga- i en traditionell teatralisk interiör, en grupp sittplatser separerade från angränsande av sidoväggar eller barriärer.
Historiskt sett var lådan ett litet rum med separat ingång, i vissa fall som ledde genom en liten hall, där man kunde lämna sina kläder eller till och med spendera tid under pausen. Detta rum kallades utedass. Lådorna var placerade både i nivå med stånden (lådan av benoir) och på högre nivåer (av vilka den första, den mest prestigefyllda, kallades mellanvåningen).
På många teatrar tillhandahölls privilegierade lådor - de kungliga (kungliga, presidentens), guvernörens, regissörens, som stod till teaterledningens förfogande. Andra loger tecknades oftast av de rika och ädla finsmakarna under hela säsongen.
Fördelen med lådan bestod inte bara i en separat ingång, utan också i möjligheten att observera scenhandlingen, i mindre utsträckning avslöja sig själv.
Melodrama- ursprungligen - en pjäs där de mest akuta dramatiska ögonblicken ackompanjerades av musik för att uttrycka känslorna hos en tyst karaktär.
Med tiden blir melodrama en ny självständig genre. Genom att visa goda och onda människor i tragiska eller rörande situationer försöker melodrama att upphetsa tittaren inte så mycket med textens betydelse som med sceneffekter.
Den lyfter fram de heroiska, sentimentala och tragiska sidorna så mycket som möjligt, multiplicerar oväntade upplösningar, erkännanden och tragiska kommentarer från karaktärerna. Den narrativa strukturen är orubblig: kärlek, svek, att föra med sig olycka, dygdens triumf, straff och belöning, förföljelse som "intrigernas kärna".
Denna form utvecklas vid en tidpunkt då produktionen börjar skapa spektakulära effekter, för att ersätta den harmoniska texten med oväntade utfall.
Karaktärerna i melodrama, tydligt uppdelade i positiva och negativa, berövas möjligheten till ett tragiskt val. De är fulla av goda eller dåliga känslor, de plågas inte av tvivel, de slits inte isär av motsägelser.
Situationerna för melodrama är ofta osannolika, men klart definierade: fullständig förtvivlan eller outsäglig lycka; hjältens grymma öde, som slutar i ett lyckligt slut (i ett optimistiskt melodrama), eller ett dystert och spänt öde, som i en skräckroman; social orättvisa eller belöning för dygd och medborgerlig dygd.
mise-en-scene - i ordets vida, allmänt accepterade bemärkelse - en uppsättning medel för scentolkning: kulisser, ljus, musik och skådespeleri.
I en snäv bemärkelse betecknar denna term en verksamhet som består i att sammanföra olika delar av scentolkningen av ett dramatiskt verk till en viss tid och rumsram. Inledningsvis uttrycker mise-en-scenen det klassiska konceptet om ett teaterverk som en enda harmonisk helhet, som inte reduceras till en enkel summa av material eller scenkonst, utan är en kvalitativt ny enhet på en högre nivå. Mise-en-scenen förklarar underordnandet av varje enskild konst eller bara vilket tecken som helst till en enda harmonisk princip, en förenande idé.
Kravet på en förenande idé från själva födelsen av begreppet mise-en-scène åtföljdes av en medvetenhet om texternas och iscensättningens historicitet, en förståelse för att det finns en hel sekvens av "konkretisering" av ett och samma verk .
Med ett ord är detta en transformation eller snarare en konkretisering av texten genom skådespelaren, genom scenrummet, inbäddat i den tidsperiod som betraktaren levt.
Utrymmet, så att säga, översätts till ord: texten memoreras och spelas in i skådespelarens gestrum. Konstnären letar efter sådana rörelser, sådana poser som bäst motsvarar den rumsliga inspelningen av texten. Dialogens ord, samlade i texten, finns nu separat, de är inskrivna i scenrummet och tiden, de kan ses och höras.
Mise-en-scène omfattar både den miljö där skådespelarna existerar och det psykologiska gesternas beslut av rollen. Varje mise-en-scene är en tolkning av texten med hjälp av "action"; tillgång till pjäsen är möjlig för oss endast genom en sådan regissörs läsning.
Mise-en-scene innebär alltid en fas av att arbeta med skådespelare. Regissören regisserar skådespelarna och förklarar hur de ska se ut på scenen i enlighet med hans idé om rollen. Han gör justeringar beroende på huruvida deras prestationer är förenliga med andra skådespelares prestationer. Han strävar efter att gester, intonationer och rytm i minsta detalj motsvarar mise-en-scenens hela diskurs, så att de passar in i passagen, scenen, i hela föreställningen.
lägre steg- del av scenboxen under surfplattan, där scenmekanismer, prompter- och ljusstyrningsbås, lyft- och sänkanordningar, apparater för sceneffekter finns.
Opera - en genre av musikalisk och dramatisk konst där innehållet förkroppsligas med hjälp av musikdramaturgi, främst genom vokalmusik. Den litterära grunden för operan är librettot.
Ordet "orega" i översättning från italienska betyder ordagrant arbete, komposition. I den här musikgenren smälts poesi och dramatisk konst, vokal och instrumental musik, ansiktsuttryck, danser, måleri, kulisser och kostymer samman till en helhet.
Nästan varje opera börjar med en uvertyr - en symfonisk inledning som introducerar lyssnaren i allmänna termer till innehållet i hela handlingen.
Parterre(fr. parterre- på marken) - nedre våningen i aulan i teatern med sittplatser för allmänheten i utrymmet från scenen eller från orkestern till den motsatta väggen eller till amfiteatern.
Förfadern till stånden var bänken för senatorer på teatrarna i det antika Rom. På 1600-talet, efter uppkomsten av en teaterbyggnad, förändrades även stånden och fick ett modernare utseende. Parterren var avsedd för den lägre klassen, så länge hade den inte sittplatser – åskådarna på parterren fick se föreställningen stående. Sittplatser i stånden dök upp i början av 1600-talet på privata inomhusteatrar i England. Sedan ordnades platserna efter behov.
För närvarande är platserna oftast ordnade i rader som reser sig från scenen till amfiteatern och är parallella med scenens kant. Sätena är åtskilda av gångvägar för att komma ut ur stånden.
Ramp- ett system med diffusa ljusarmaturer installerade på en surfplatta längs framkanten av proscenium och utformade för att lysa upp scenens utrymme framifrån och underifrån. Gömd för publiken av en låg sida.
Producent- en person vars arbetsuppgifter innefattar att sätta upp en pjäs. Regissören tar ansvar för den estetiska sidan av föreställningen och dess organisation, urvalet av artister, tolkningen av texten och användningen av scenverktyg till sitt förfogande. Utseendet på denna term brukar tillskrivas första hälften av 1800-talet.
I teaterns historia finns det många mer eller mindre legitima föregångare till regissören.
I den antika grekiska teatern spelades rollen som didaskalos (från didiskalos - "lärare") ofta av författaren till föreställningen själv, som agerade som arrangör.
Under medeltiden var chefen för teatertruppen ansvarig för de ideologiska och estetiska aspekterna av iscensättningen av mysterier. Under renässansen och barocken organiserades ofta föreställningar av arkitekter och dekoratörer enligt deras egna planer.
På XVIII-talet. stora skådespelare tar taktpinnen. Och först med den realistiska teaterns blomstring övergår regissörens funktion till proffs, förvandlas till en självständig konst.
Rekvisita- scenmöbler (med undantag för kulisser och kostymer) som skådespelarna använder eller manipulerar under pjäsen.
Repertoar- en uppsättning pjäser framförda av en teater under en säsong eller någon tidsperiod; urval av pjäser av samma stil eller av samma era; en uppsättning roller som en skådespelare kan spela, utbudet av hans skådespelarförmågor, hans roll.
Repetition- arbeta med att lära sig texten och scenframträdandet, framfört av skådespelarna under ledning av regissören.
Denna föreställningsförberedande aktivitet upptar hela truppen och antar en mängd olika former.
Repetitionerna sker på ett nytt, kreativt sätt varje gång.
Roll - en kombination av text och skådespeleri av samma skådespelare. Rollfördelningen görs som regel av regissören, beroende på de utövandes egenskaper och möjligheterna att använda dem i pjäsen.
Då blir rollen skådespelaren själv (rollen som skurk, förrädare etc.) skapad av skådespelaren. När rollen inte överensstämmer med artistens roll talar man om en blandad roll.
I alla pjäser finns så kallade huvud- och biroller. Inställningen till rollen formas antingen av principen om imitation och identifiering (karnationen av karaktären av skådespelaren), eller tvärtom av principen om olikhet och främlingskap.
Scen- från grekiska. skene - monter, scen. Under den grekiska teaterns tidiga dagar var skene en bur eller tält byggt bakom orkestern.
Skene, orchectra, theatron är de tre grundläggande scenografiska elementen i den antika grekiska föreställningen. Orkestern eller lekplatsen kopplade samman scenen och publiken. Skenet utvecklades på höjden, inklusive gudarnas och hjältarnas teologeon eller lekplats, och på ytan, tillsammans med prosceniet, en arkitektonisk fasad, en föregångare till den väggdekor som senare skulle bilda prosceniumutrymmet.
Genom historien har innebörden av termen "scen" ständigt utökats: sceneriet, lekplatsen, handlingsscenen, tidsperioden under akten, och slutligen, i en metaforisk mening, en plötslig och ljus spektakulär händelse ( "sätta någon en scen").
Turgenevteatern har en speciell, mycket vördnadsfull inställning till scenen. Detta är en plats där de oinvigda stängs. När de trampar på det verkar tjänarna i Turgenev-huset ta ett löfte om att spela från hjärtat, att presentera alla aspekter av sin talang för allmänheten.
Men publiken har också en unik möjlighet att besöka scenen genom att köpa en biljett till föreställningen "Beautiful Star of Love": platser för publiken är utrustade direkt på scenen, vilket ger produktionen en speciell intimitet och intimitet.
Scenografi- bland de gamla grekerna - konsten att dekorera teatern och det pittoreska landskapet som härrör från denna teknik.
Under renässansen är scenografi en teknik som består i att måla en dukbakgrund.
I ordets moderna mening är det vetenskapen och konsten att organisera scen- och teaterutrymmet. Metonymiskt: själva sceneriet, resultatet av scenografens arbete.
Denna term ersätts alltmer med ordet "dekoration" om det finns ett behov av att gå längre än begreppet dekoration. Scenografi markerar alltså önskan om att skriva i ett tredimensionellt rum (till vilket även den tidsmässiga dimensionen måste läggas), och inte bara konsten att dekorera duken, som teatern nöjde sig med fram till naturalismen.
Under den moderna scenografins storhetstid lyckades dekoratörer blåsa liv i rymden, liva upp tiden och skådespelarens prestation i den övergripande kreativa handlingen, när det är svårt att isolera regissören, ljuset, skådespelaren eller musikern.
Teater(grekiska θέατρον - huvudbetydelsen är en plats för glasögon, sedan - ett skådespel, från θεάομαι - jag tittar, jag ser) - en form av scenkonst.
Teater är en syntes av all konst, den inkluderar musik, arkitektur, måleri, kinematografi, fotografi, etc. Det främsta uttrycksmedlet är en skådespelare som genom handling, med hjälp av olika teatraliska tekniker och existensformer, förmedlar essensen till betraktaren av vad som händer på scenen.
I det här fallet behöver skådespelaren inte vara en levande person. Det kan vara en docka eller något föremål som kontrolleras av en person.
Teatern anses vara det mest kraftfulla sättet att påverka människor, eftersom tittaren associerar sig med en eller annan karaktär när han ser vad som händer på scenen. Genom katarsis (rening genom lidande) sker förändringar inom honom.
Teaterns huvudarbetare: regissörer, skådespelare, make-up artister, garderober, illuminatorer, vaktmästare, koreografer, artister, scenarbetare.
Teaterkonst- en kombination av ord som innehåller teaterns alla motsägelser: är denna konst autonom, tillsammans med sina egna lagar och estetiska särdrag, eller är det bara det kumulativa resultatet (syntes, konglomerat eller kombination) av flera konster (måleri, poesi, arkitektur, musik, dans och gester)? I estetikens historia finns båda synpunkter.
1. Teaterns ursprung
En oändlig rikedom av former och teatertraditioner som har utvecklats genom historien, möjligheten till en, till och med den mest allmänna, definitionen av teaterkonst. Etymologin för det grekiska ordet theatron, som betyder en plats där åskådare samlades för att titta på en föreställning, förmedlar endast delvis en av komponenterna i denna konst. Faktum är att en konst som i första hand utformats för visuell perception, ett slags institutionaliserad kontemplation, teater har dock ofta reducerats till dramaturgikonsten, en litterär genre, vars skådespel, sedan Aristoteles tid, har betraktats som en tillbehör, oundvikligen beroende av texten. Mångfalden av teatraliska former och dramatiska genrer motsvarar teaterarbetets mångfald av materiella, sociala och estetiska förhållanden: vad som är gemensamt, till exempel mellan en primitiv rit, en boulevardpjäs, en medeltida mysteriepjäs eller en föreställning skapad i Indisk eller kinesisk tradition?
Sociologer och antropologer har svårt att identifiera helheten av skäl som avgör en persons behov av teater. Men oberoende av varandra, och ibland enhälligt, pekade de på lusten att imitera; en smak för lek, både bland barn och vuxna, den ursprungliga ceremoniella funktionen; behovet av att berätta historier och ostraffat skratta åt det ena eller det andra tillståndet i samhället; nöjet upplevt av en skådespelare i reinkarnation. Teaterns ursprung tycks ha haft en rituell eller religiös grund, och individen, bland en grupp personer, deltog själv i ceremonin innan han anförtrodde denna uppgift till en skådespelare eller en präst. Teatern avvek bara gradvis från sitt magiska eller religiösa väsen och för att utmana samhället måste den bli tillräckligt stark och självständig: därav de svårigheter som uppstod i dess historia, som kännetecknar inställningen till makt och lag. Modern teater har ingenting gemensamt med en kultkälla, förutom några experiment med att återvända till myten eller till ceremoni, som efter Artauds experiment söker efter den ursprungliga renheten hos den teatrala handlingen, och dess former är så olika att den helt överensstämmer med många nya estetiska och sociala funktioner. Utvecklingen av teatern är nära förbunden med utvecklingen av socialt och teknologiskt medvetande: är det inte av denna anledning som de då och då förutsäger dess oundvikliga död på grund av medias och masskonstens dominans.
2. Västerländsk tradition
Om frågan om teaterkonstens väsen och särart alltid har innehållit något idealistiskt och metafysiskt, mycket långt ifrån teaterns faktiska praktik, så kan man åtminstone räkna upp några av de drag i denna konst som är karakteristiska för vår västerländska tradition fr.o.m. Antikens Grekland till nutid. Begreppet "konst" skiljer sig från begreppen "hantverk", "teknik" eller "rit": teatern, även om den förfogar över en mängd olika tekniska medel (pjäs, scenografi etc.) och en viss antal traditionella och orubbliga handlingar, går utöver räckvidden för var och en av dessa beståndsdelar. Varje gång representerar han en handling (eller en mimetisk representation av någon handling) tack vare att skådespelarna förkroppsligar skådespelarna eller visar dem för en publik samlad samtidigt på ett ställe, mer eller mindre utrustad. Texten (eller handlingen), skådespelarens kropp, scenen, åskådaren – sådan är den nödvändiga kedjan för all teatralisk kommunikation. Varje länk i denna kedja tar mycket olika former. Ibland respekteras inte texten och ersätts med en icke-litterär spelstil, även om det är en specifik, tänkt att läsas text; skådespelarens kropp förlorar sin funktion av mänsklig närvaro när regissören förvandlar den till en surmarionett eller när den ersätts av ett föremål eller scenmekanism som scenografin tillhandahåller; scenen är inte nödvändigtvis utrustad i en byggnad speciellt byggd för teaterföreställningar: ett torg, en hangar, etc. perfekt för teateraktiviteter; åskådaren kan inte helt uteslutas utan att förvandla teaterkonsten till ett dramatiskt spel där alla deltar, som en ritual som inte behöver en utomståendes öga för sitt framförande, eller till en "sekteristisk verksamhet", helt isolerad och utan kritisk utgång till samhället ...
En teaterföreställning förutsätter ett helt komplex av direktiv, råd och order som finns i scenmusik, text och scenanvisningar.
Det finns inget fast och slutgiltigt i distinktionen mellan genrer och deras hierarki. Den moderna teaterkonsten förnekar alltså kategoriskt uppdelningen i tre delar: drama/lyrik/epos. Den tragedi-komedi-polaritet, som noteras i den dubbla traditionen av genrer - "ädel" (tragedi, högkomedi) och "vulgär" (fars, skådespel) - förlorar också sin betydelse när sociala relationer utvecklas.
3. Teater i konstens system
De flesta teoretiker är överens om att teaterkonst har alla de konstnärliga och tekniska medel som finns tillgängliga under en given era. Craig, till exempel, ger denna (nästan tautologiska) definition: ”Teaterns konst är varken skådespeleriets konst, inte teaterspelet, inte scenbilden eller dansen ... Det är helheten av elementen i som dessa olika sfärer är sammansatta av. Den består av rörelse, vilket är betydelsen av skådespeleri, ord som bildar pjäsens kropp, från linje och färg, som ger upphov till scenscenens själ, från rytmen, som bestämmer dansens väsen.
Det råder ingen enighet i frågan om förhållandet mellan dessa olika konster.
För andra teoretiker är kombinationen av olika konster omöjlig; i bästa fall kan du bygga ett ostrukturerat konglomerat; det är viktigt att skapa en hierarki mellan medlen och kombinera dem för att uppnå önskat resultat och enligt regissörens smak. Den hierarki som Appia föreslår - skådespelare, rymd, ljus, måleri - är bara en av estetikens otaliga möjligheter.
En annan grupp teoretiker ser två sidor av samma mynt i begreppen Wagner och Appia, samtidigt som de kritiserar begreppet teaterkonst som Gesamtkunstwerk eller totalteater och ersätter det med teaterarbete (Brecht). Scenkonsten finns och är meningsfull endast i sin mångfald och motsägelser. Iscensättningen tvingar scenen att stå emot texten, musiken till den språkliga betydelsen, teckenspråket till musiken eller texten osv.
4. Specifikitet och gränser för teaterkonsten
En kort genomgång av teoretiska verk om teatern bevisar att ingen teori kan reducera teaterkonsten till de nödvändiga och tillfredsställande termerna. Det är omöjligt att begränsa denna konst till en arsenal av tekniska medel. Övningen syftar till den oändliga utvidgningen av scenens horisont: att visa transparenser eller filmer, förvandla teatern till skulptur, dans eller pantomimkonst, politisk propaganda eller en händelse. Därmed förgrenar sig programmet för att studera teaterkonst till det oändliga.
PavieP. Teaterns ordbok. Förlag: Progress, 1991.
teatergardin- ett tyg som täcker scenen från auditoriet. Gardiner sys av tätt färgat tyg med ett tätt foder, dekorerat med teaterns emblem eller en bred frans, fållad till botten av gardinen. Gardinen låter dig göra processen att förändra situationen osynlig, för att skapa en känsla av ett gap i tiden mellan handlingar.
Tragedi(forntida grekiska tragōdía, bokstavligen - "getsång") - en genre av fiktion baserad på utvecklingen av händelser, vilket som regel är oundvikligt och nödvändigtvis leder till ett katastrofalt resultat för karaktärerna, ofta fyllt med patos; en form av dramatik som är motsatsen till komedi.
Tragedin präglas av allvarligt allvar, skildrar verkligheten mest tillspetsat, som ett gäng inre motsättningar, avslöjar verklighetens djupaste konflikter i en extremt intensiv och rik form, som får betydelsen av en konstnärlig symbol. Det är ingen slump att de flesta tragedier är skrivna på vers.
Begreppet "tragedi" är förknippat med sång av satyrer (i grekisk mytologi, varelser med getben), vars bilder användes i de religiösa riterna i det antika Grekland för att hedra guden Dionysos.
Fars- en komedi av lätt innehåll med rent externa komiska trick.
På medeltiden kallades en fars också en typ av folkteater och litteratur, vanlig under XIV-XVI-talen i västeuropeiska länder. Efter att ha mognat inom mysteriet får farsen på 1400-talet sin självständighet och under nästa århundrade blir den den dominerande genren inom teater och litteratur. Tekniker av farsartad buffring har bevarats i cirkusclowning. På modern ryska brukar en fars kallas svordomar, en imitation av en process, till exempel en rättegång.
Farsens huvudelement var inte en medveten politisk satir, utan en tillbakalutad och sorglös skildring av stadslivet med alla dess skandalösa incidenter, obscenitet, elakhet och nöje. I den franska farsen varierade ofta temat för skandalen mellan makarna.
Foajén- ett rum i en teater, biograf, cirkus, avsett för publiken att stanna i väntan på en session, föreställning, föreställning, samt för allmänheten att koppla av under pausen.
Foajén till State Academic Theatre uppkallad efter I.S. Turgenev lockar inte bara med en vinterträdgård, en mängd fotografier som berättar om de mest minnesvärda föreställningarna, utan också med ett unikt projekt "Theater i foajén", som är värd för föreställningar för unga åskådare.
furka- del av scenutrustningen; en mobil plattform på rullar, som tjänar till att flytta delar av sceneriet på scenen. Rörelsen av furca utförs av en elektrisk motor, manuellt eller med hjälp av en kabel, vars ena ände är bakom kulisserna och den andra är fäst vid furcas sidovägg.
I förberedelse "Theatrical Dictionary" använt material från Internetresurser, såväl som "Dictionary of the Theatre" av P. Pavi (Publisher: Progress, 1991)
AVANLOJA- sittplatser i aulan, ett rum framför ingången till boxen.
PROSCENIUM- framsidan av scenen (mellan gardinen och rampen).
SPELA TEATER- den färdiga delen av ett dramatiskt verk eller en teaterföreställning; samma som handling.
SKÅDESPELARE, skådespelerska - utförare (performer) av roller.
ROLL- roller av liknande karaktär, motsvarande talang och externa data hos en viss aktör.
AMFITEATER- 1) en gammal byggnad för glasögon: en oval arena, runt vilken säten för åskådare var placerade i avsatser; 2) sittplatser i auditoriet bakom stånden.
ENGAGEMANG- en inbjudan till en skådespelare för en viss tid att delta i föreställningar eller konserter.
MEDDELANDE- tillkännagivande av kommande turnéer, uppträdanden, konserter.
ANTIHJÄLTE- en avsiktligt reducerad, deheroized karaktär i pjäsen, som upptar en av huvudplatserna.
PAUS- en paus mellan föreställningens handlingar (akter), mellan konsertens avsnitt.
ENTREPRENÖR- ägare, ägare, hyresgäst av en privat teater.
FÖRETAG- Privat teater.
FULLT HUS- ett meddelande om att alla biljetter (till en föreställning, föreställning) är sålda.
APOTEOS- en högtidlig sista mässscen av en föreställning eller ett festligt konsertprogram.
ARRIERSCENE- den del av scenen som är längst bort från aulan.
BALAGAN- en teaterföreställning av komisk karaktär, som visas på mässor och festligheter (i Ryssland sedan 1700-talet).
BALKONG- platser i auditoriet, beläget i en amfiteater i olika nivåer.
ENTRESOL- den första nivån av balkonger ovanför stånden och amfiteatern i auditoriet eller konserthuset.
FÖRDEL- 1) en teaterföreställning till en skådespelares ära; 2) en föreställning av vilken jag fick förmånen av en eller flera skådespelare, samt andra teaterarbetare.
BENOIR- Teaterboxar i nivå med sienna eller något lägre på båda sidor om stånden.
BERIKAOBA- Georgisk improvisations folkteater av masker. Den fanns från urminnes tider fram till början av 1900-talet.
BURLESK- en överdriven komisk bild på scenen.
EGENSKAPER- en teaterarbetare som ansvarar för rekvisita. Den är gjord av en rekvisitör.
REKVISITA- föremål specialtillverkade och använda istället för riktiga saker i teateruppsättningar.
PAJAS- rollen som en skådespelare som använder buff för att spela rollen.
BUFFARE- 1) prestanda med hjälp av clowntekniker; 2) utåt betonad komisk överdrift, ibland karikerande karaktärer.
Julkrubba- Ukrainsk folkdockteater, som blev utbredd under XVII-XIX århundradena. Dockorna, fixerade på en tråd inuti en tvåvåningslåda - en håla, sattes i rörelse av en julkrubba. Scener från bibliska berättelser. De satiriska mellanspelen ackompanjerades av musik.
GALLERI- den övre delen av salen.
HUVUD en skådespelare i antikens Rom.
TURNÉ- framträdande av skådespelare på väg i andra teatrar.
HJÄLTEär huvudpersonen i pjäsen.
GENREP- det sista före föreställningen, konsert.
MORFOR- rollen som en skådespelerska som spelar rollen som ädla damer.
GRANDCOCKET- rollen som en vuxen ädel dam.
SMINK- 1) konsten att ändra utseendet på en skådespelare (främst ansiktet) med hjälp av speciella färger, klistermärken, peruker, frisyrer etc.; 2) färger och andra sminktillbehör.
stylist- Stylist.
STÄDA RUMMET- rum för smink och påklädning av skådespelare.
HANDLING- den färdiga delen av föreställningen. Samma som handling.
DEKLARATION- Tydlig, uttrycksfull högläsning.
DEKORATION- konstnärlig utformning av scenen på teaterscenen, vilket skapar en visuell bild av föreställningen.
DZYORURI en typ av dockteater i Japan. Jyoruri-pjäser spelas på scenen i kabuki-teatern.
AVLEDNING- en musikalisk eller dramatisk föreställning från en serie individuella nummer, vanligtvis ges utöver föreställningen.
DRAMATURGI- 1) dramatisk konst, teorin om konstruktionen av dramatiska verk; 2) helheten av sådana verk; 3) den handlingskompositiva grunden för ett separat teaterverk.
SKURKEN- rollen som en skådespelare som spelar negativa karaktärer.
INGENUE- rollen som en skådespelerska som spelar rollen som en naiv tjej.
INTERMEDIA- ett kort stycke framfört mellan akterna i en dramatisk eller operaföreställning; infoga scen.
KABUKI- en av typerna av klassisk teater i Japan. Inkluderar musik, dans, drama, bildat på 1600-talet. Sedan 1652 har endast män uppträtt i sådana trupper.
MÅLNING del av en akt i ett drama.
Klaka- en speciell grupp människor som anställts för att skapa en artificiell framgång eller misslyckande för föreställningen, skådespelaren.
KOKET- rollen som skådespelerskan, agerar som en vacker tjej.
RIST- den övre (osynliga för betraktaren) delen av scenen för installation av block, scenmekanismer och upphängningselement i sceneriet.
KOMIKER- rollen som en skådespelare som utför komiska roller.
FÖRTROLIG- en skådespelare som spelar rollen som en ungefärlig huvudperson.
KOTURNY- en sorts sandaler med väldigt tjocka sulor bland antika grekiska och romerska skådespelare för att öka tillväxten.
bakom kulisserna- platta delar av sceneriet (mjuk, utsträckt på ramar), placerade på scenens sidor.
TEXTFÖRFATTARE- rollen som en skådespelare som spelar lyriska karaktärer.
SKÅDESPELARE- namnet på skådespelaren i det antika Ryssland.
STUGA- en grupp sittplatser i auditoriet (runt stånden och på våningarna), åtskilda av skiljeväggar eller barriärer.
MARIONETT- en teaterdocka, som dockspelaren sätter i rörelse med hjälp av trådar.
mise-en-scene- var skådespelarna befinner sig på scenen vid ett eller annat tillfälle av föreställningen. Konsten att mise-en-scène är en av de viktigaste delarna av regi.
MIMA- mimar skådespelare
HÄRMA- en av de viktiga delarna av skådespelarens konst, den uttrycksfulla rörelsen av ansiktsmusklerna.
MONOLOG- skådespelarens tal, riktat till publiken eller till honom själv.
MUSIKSAL- en typ av varietéteater som kombinerar variation, cirkus, dans och musikgenrer. De första musiksalarna dök upp i Storbritannien i mitten av 1800-talet.
FOLKETEATER- 1) en teater som finns bland folket, organiskt förbunden med muntlig folkkonst; 2) professionell teater under andra hälften av 1800-talet, vars verksamhet riktade sig till en bred publik; 3) oprofessionell amatörteater (uppträdde i Ryssland i mitten av 1800-talet).
NEJ DU- en av typerna av traditionell japansk teater. Inkluderar musik, dans, drama. Karakteristiska särdrag: sceneriets konventionella karaktär, huvudpersonerna är maskerade, kostymen saknar vardaglig konkrethet.
PADUGA- en gardinlist längs toppen av scenen.
PANTOMIM- en typ av scenkonst där en konstnärlig bild skapas utan hjälp av ord, med hjälp av uttrycksfulla rörelser, gester, ansiktsuttryck.
PARTER- golvplanet i auditoriet med sittplatser för åskådare, vanligtvis under scennivå.
PELZHENT- en mobil scen i form av en stor vagn i en medeltida teater. Det användes när man arrangerade mysterier, mirakel, processioner.
PETIMETER- bilden av en dandy i en satirisk komedi.
PERSILJA- huvudpersonen i ryska folkdockor; känd sedan första hälften av 1600-talet.
SKEDE- synonymt med ordet "scen".
PÅSTÅENDE- den kreativa processen att skapa en föreställning; samma som prestationen.
PREMIER (PRIMIER)- en skådespelare, skådespelerska, som har en ledande position i truppen och spelar huvudrollerna.
PREMIÄR- den första (eller en av de första) offentliga betalda föreställningarna av en ny föreställning.
DIVA- Huvudrollsinnehavare.
DUMBOM- rollen som en skådespelare som spelar en enkelsinnad person.
RAMP- belysningsutrustning på scenens golv längs dess framkant, gömd för allmänheten av styrelsen.
REVY- en variation eller teaterföreställning, bestående av flera nummer, förenade av ett tema.
PRODUCENT- Föreställningschef, baserat på sin egen plan, skapar en ny scenverklighet, som kombinerar skådespelarnas, konstnärens, kompositörens arbete.
RESONER- rollen som en skådespelare som uttrycker moraliserande bedömningar.
REKVISITA- Föremål som används i teateruppsättningar.
REPETITION- huvudformen för att förbereda en teaterföreställning.
REPERTOAR- en uppsättning verk som framförs på teatern.
OLEG Strizhenov är inte bara en av den sovjetiska generationens bästa artister. Han är en skådespelare på den högsta nivån som "höjer ribban" för rysk film utomlands. Han själv anser sig dock inte vara en stjärna, eftersom den är "offensivt rolig". Strizhenov har alltid en originell åsikt om allt. Till exempel, en gång vägrade han till och med rollen som Andrei Bolkonsky, vilket orsakade en verklig skandal i filmvärlden. Den 10 augusti fyllde Oleg Strizhenov 75 år, men till denna dag fortsätter Oleg Alexandrovich att arbeta på bio. Fast han säger att det inte finns någon bio i vårt land.
OLEG ALEKSANDROVICH, kritiker talar om återupplivandet av vår biograf och nämner den senaste filmfestivalen i Moskva som ett exempel, där inhemska filmer tog nästan alla priser.
Vilka är priserna? Vem distribuerar dem? Jag vill fråga: varför ges utmärkelser till utländska artister för deras bidrag till film på var och en av våra festivaler? Vadå, vi har inte våra egna skådespelare som har berikat världsfilmen? Varför bryr sig Nikita Sergeevich, ordförande för Union of Cinematographers, inte alls om hur våra stora skådespelare lever idag? Mikhalkov bjöd inte in mig till sin filmfestival, han skickade inte ens biljetter till filmshowen till mig. Jag såg på TV hur alla dessa stjärnor gick uppför trappan. Jag märkte inte några skapare bland dem. Kreatörer orkar inte med den här festivalen. Föreställningarna på teatern börjar trots allt klockan sju på kvällen. De riktiga skådespelarna och regissörerna är där. Västerländska stjärnor är inbjudna till festivalen, för det är billigt. För ingen kommer bara så till oss.
Förmodligen finns det en viss efterfrågan på dessa stjärnor om tv-kanaler köper filmer med deras medverkan. Men se vilket årtal och vilken sorts dessa utländska målningar är! Moderna barn känner inte till riktig film, som kan kallas konst. En gång, under inspelningen av filmen "Istället för mig" (min sista filmroll), som utspelade sig i den tidigare adelsgården i Fryazino, gick jag ut på gatan på morgonen. Pojkar från internatskolan gick där, som tydligen bara tittar på amerikanska militanter på "lådan", men de såg inte våra artister i ögonen. Jag var redan i bilden av min hjälte - en miljonär, i en chic kostym. Jag hör viska: "Titta, den här kommer inte att vara värre än Bruce Willis."
Min tittare är död
IDAG bjuds du ofta på filmer?
De är rädda för att bjuda in mig. Den som har hjärnor ringer inte ens. För han förstår vad hans scenario är. Om du listar hur mycket jag erbjöds kanske det för någon skulle vara en hel kreativ väg. Men ett dåligt sätt, för du kan inte göra gott av dåligt. Jag tål inte serier. Begåvad - det är när romanen passar om en och en halv timme och efter att ha sett personen kommer ut gråtande. Här i detta var vi mästare. Å andra sidan kommer jag aldrig att avråda en ung skådespelare från "seriellt" arbete. Tvärtom, jag kommer att säga: "Spring snabbare, agera medan du är ung. Annars kommer de inte att erbjuda det senare. Jag visste detta i min ungdom: Jag väntar en vecka, och sedan kommer intressanta erbjudanden att dyka upp . arbete, om du är inbjuden." I allmänhet gillar jag inte att döma skådespelare, eftersom alla stötar flyger mot dem. Operatören filmade dåligt, regissören är en dåre, och skådespelaren är skyldig till resultatet. I Hollywood är det annorlunda. Varför finns det inte fula skådespelerskor? Ja, för när en skådespelerska inte blir bra på filmduken tas hon inte bort från rollen, utan kameramannen körs iväg. Och om du kopierar Hollywood, då i allt!
I vårt land kan situationen som utvecklas i biografen beskrivas med orden "svår, dålig, ganska svag." Mosfilm överlever, skapar inte. Teatern är också i en svår situation, utlämnad åt sig själv. En del av lokalen måste hyras ut. Ja, och biljetter måste säljas, publiken måste på något sätt lockas. Och vad ska du göra för att locka denna nya tittare? Trots allt har de flesta av mina tittare redan dött, jag känner ingen ny tittare. Andra regissörer eller skådespelare "översätter" till och med klassikerna till ett annat språk.
Klassiker i dag översätts till seriespråk, även om det finns en åsikt att verken av Dostojevskij och Bulgakov inte kan spelas in i denna genre.
Vissa hävdar: "Du behöver inte skjuta klassikerna." Nej, du måste! Och du behöver också läsa. Läs och titta. Och vilken typ av bild som kommer att visa sig beror på talangen hos dess skapare, och inte bara på skådespelarna. En skådespelare är trots allt en missbrukare. De tar dig inte för att skjuta - det är allt. Jag har lycka till. Det ser ut som en skyddsängel hjälpte till. Fram till nu är folk förvånade: "Hur levde den här personen så självständigt och framgångsrikt?"
Det är inte sant att någon förr i tiden kunde tvinga någon att spela en roll som skådespelaren inte ville spela. Kanske kommunist och kunde. Jag vet inte - jag har inte sett den. Men jag är en fri man. Jag blev aldrig ens inbjuden till festen. Och många säger nu att de nästan släpades dit med våld. Titta, mina händer är intakta, ingen släpade mig till SUKP för dem.
Furtseva beställde inte
DU SÄGER att du inte blev beordrad att göra det. Men en gång försökte Ekaterina Furtseva tvinga dig att spela Andrei Bolkonsky i War and Peace.
Nej, det är historien. För rollen som Bolkonsky bestämde Bondarchuk sig för att försöka hela Sovjetunionen, men inte jag. Jag trodde att Bondarchuk hade förödmjukat mig genom att inte kalla prins Andrei bland de första att provspela. Och plötsligt ringer han: "Jag behöver akut se dig." Jag tänkte: "Nu kommer han att fråga." Och visst ringde han. Jag spelade auditions. De godkändes av avdelningen för kultur i centralkommittén och ministeriets kollegium. Men jag väntade tills nyheten att jag spelade Bolkonsky publicerades i en tidning, så att ingen senare skulle säga att Strizhenov inte hade godkänts för rollen och inte alls hade prövats. Och när en artikel dök upp i "Sovjetskärmen" med ett foto där jag var i rollen som Bolkonsky, slog jag Bondarchuks nummer och sa: "Jag kommer aldrig att skjuta med dig i mitt liv." Han visste inte vad han skulle säga: "Är du full?" Jag säger: "Samla hela gruppen och ledningen, jag kommer och visar mig." Han kom, sa hej, frågade om det var nödvändigt att ringa en läkare? Och efter en paus upprepade han: "Sergey Fedorovich, jag kommer aldrig att agera i filmer med dig." Och först då kom ett samtal från Furtseva: "Jag vill träffa dig." Hon samlade hela styrelsen. Trodde jag skulle bli rädd. Jag skämdes till och med över henne. Jag tog Furtseva med hennes eget vapen. Han sa: "Du vet, Ekaterina Alekseevna, på sistone har alla försökt skriva om mig:" Det är synd att Strizhenov inte spelar någon enkel sovjetisk person. annorlunda. Men du stod aldrig upp för mig. Så jag kommer att vänta för rollen som en enkel sovjetisk man."
Idag har många av våra unga skådespelare blivit lamslagna av en epidemi av stjärnsjukdom. Fanns det en sådan infektion i sovjetisk film?
För skådespelare i min generation lät ordet "stjärna" som en förolämpning. Om du hette det så betydde det att du var en dålig artist. Stjärnan på skärmen spelar inte, men visar mode. Byter fashionabla kostymer, visas med en fashionabel frisyr, flyttar från en film till en annan. Och min hårfärg och frisyr har alltid varit beroende av min roll, och inte på dagens mode. Tänk dig att kalla Yanshin, Gribov eller Simonov för en stjärna?! Det här är offensivt roligt. En värdig titel är en konstnär, ett svårt och respekterat yrke.
Man tror att en person summerar sitt liv vid 30, 45 och 75 år. Vad kan du sammanfatta nu?
Mitt öde har ägt rum. Jag spelade det jag ville, det jag älskade. 75 är en riktig årsdag, för du kanske inte blir 80, ännu mer till 100. Och vid 75 kan jag redan säga att jag jobbade från och till. Efter släppet av "Gadfly"-skärmen kom berg av bokstäver. Men jag minns bara en sak, från en ung soldat. Han skrev: "Kära far (och jag var då 25 år gammal, han var respektive 19 år), jag var en dålig soldat, jag ville inte tjäna. Men nu, käre far, låt mig rapportera. Efter Jag såg The Gadfly flera gånger, jag blev en utmärkt student i strid och politisk träning." Och nyligen fick jag veta hur en 10-årig pojke, efter att ha sett "Brigaden", gick fram till sin mamma med en klyvkniv och sa: "Om du inte köper mig en kappa till tån, som Sasha Belys, jag" ska klippa det." Och säg mig nu, vad jobbar en skådespelare för idag, vad är konst till för, och var är det, denna konst? Jag spelade med "gamlingarna" från Moskvas konstteater - Yanshin, Gribov, Massalsky, Tarasova, Stepanova. De gick därifrån med den åskådaren. Det är synd för denna förlust, det är en förlust av kultur.
Jag kallas fortfarande romantiker, och jag tror att vår kultur kommer att börja återupplivas. För det kan det inte vara! Vi har ett djupt land, en djup rysk man. Du behöver bara glömma "hur mycket" och "hur mycket", läsa en bra bok, inte serier. Och då, ser du, kommer kulturen att dyka upp igen. Baron Tuzenbach i The Three Sisters säger: "Efter oss kommer de att flyga i ballonger, jackor kommer att förändras ... men livet kommer att förbli detsamma. Livet är svårt och lyckligt. ". Och precis som nu kommer han att vara rädd och inte vilja död."
En konstnär är en ganska tvetydig term, som vanligtvis förstås som en representant för alla spektakulära konst: teater, musik, balett, bio, scen eller cirkus. I den feminina formen används ordet "artist".
Betydelsen av ordet "konstnär"
En konstnär är (fr. artiste, medeltida - lat. artista - en hantverkare, konstnär, mästare från lat. ars - konst) en person som bedriver sin verksamhet inom konstområdet. En artist kallas en sådan person som visar sin begåvade skicklighet inför publiken. Betydelsen av ordet är mycket omfattande i sin essens. Den kombinerar flera riktningar i sitt koncept.
Så en artist kan vara en operasångare, en cirkusarbetare, en dramatisk skådespelare, en scenartist eller en utövare av roller i filmer. Artister är också indelade i musikaliska, koreografiska, sceniska och dansare. En figurativ, ironisk tolkning av detta ord efterfrågas också.
En konstnär är en person som har hög kompetens inom något kreativt område. Av ordet "konstnär" bildas adjektivet "konstnärlig", vilket kännetecknar en person som en person med kreativa färdigheter eller begåvad inom det konstnärliga området.
En konstnär kan också kallas en konstnär i snäv mening: en målare, skulptör, arkitekt, gravör. Ordet "konstnär" var inte känt i antiken. Grekerna och romarna förstod under detta ord två uttryck. Så en konstnär kan vara både en konstnär-konstnär och en hantverkare.
I den moderna världen är det svårt att dra en specifik gräns som skulle kunna avgöra var den konstnärliga verksamheten slutar och hantverksarbetet börjar. Därför är ordet "konstnär" ett begrepp som ibland hänvisar till mästarna i en eller annan bransch, vilket ger dem lite smak och förståelse för det eleganta.
Ursprunget till detta koncept
Konstnärernas förfäder var konstigt nog shamaner och trollkarlar. Bara representanterna för denna typ av aktivitet visade sig vara de första människorna som sjöng sånger och demonstrerade olika dansrörelser, reinkarnerade som klanens beskyddare - totemdjur. Det är dock värt att notera att shamaner och trollkarlar inte gjorde några speciella ansträngningar för att väcka sympati bland sina samtida, eftersom deras huvudsakliga mål var att få kontakt med den andra världen.
Det visar sig att ordet "konstnär" enligt sitt inre innehåll kan appliceras på alla som på något sätt försöker ge intryck av skönhet, nåd eller harmoni. Samtidigt spelar det ingen roll om idén om att skönheten förkroppsligas är en personlig skapelse och en manifestation av talangen hos en viss person, eller om det är ett exempel på skicklig imitation.
Konstnär eller skådespelare
Båda termerna kommer från franska. De är naturligtvis sammanlänkade. Men att anse att de är synonymer är ett felaktigt antagande.
Så en skådespelare är en person som har ett yrke som kan tillämpas på en teaterscen, i en filmram eller en reklamvideo. Skådespelare är artister med olika roller.
Jämförelse av konsonantord
Det främsta utmärkande draget hos skådespelaren är hans smala specialisering. En person är uteslutande engagerad i utförandet av roller. Han kan spela både en komisk roll och en tragisk. Skådespelaren måste ha förmågan att på ett mästerligt sätt imitera och passa perfekt in i bilden av en viss hjälte. Utåt sker en sådan transformation med hjälp av en framgångsrik make-up och urval av kostymer. Skådespelare måste ha de rätta egenskaperna för att bli framgångsrika.
Det är dock värt att notera att en person som har nått höjder i sin kreativa verksamhet kallas konstnär. Detta ord ingår alltid i hedersstatens titel.