Kiedy powinieneś pojechać do Wietnamu na wakacje? Kiedy najlepiej wybrać się na wakacje do Wietnamu? Kiedy najlepiej pojechać do Wietnamu. Mapa z ośrodkami Hoi An, Phu Quoc, Nha Trang, Phan Thiet

"Pory Rosyjskie" - coroczne przedstawienia teatralne rosyjskiej opery i baletu na początku XX wieku w Paryżu (od 1906), Londynie (od 1912) i innych miastach Europy i USA. „Pory roku” zorganizował Siergiej Pawłowicz Diagilew (1872-1929).

SP Diagilew - rosyjska postać teatralna, przedsiębiorca. W 1896 ukończył studia prawnicze na Uniwersytecie Petersburskim, jednocześnie studiował w Konserwatorium Petersburskim w klasie Rimskiego-Korsakowa. Diagilew bardzo dobrze znał malarstwo, teatr, historię. style artystyczne. W 1898 został jednym z organizatorów grupy World of Art, a także redaktorem pisma o tej samej nazwie, które podobnie jak w innych dziedzinach kultury zwalczało „rutynę akademicką” na rzecz nowych środki wyrazu nowa sztuka współczesna. W latach 1906-1907 Diagilew organizował wystawy artystów rosyjskich w Berlinie, Paryżu, Monte Carlo, Wenecji oraz występy artystów rosyjskich.

W 1906 r. odbył się pierwszy rosyjski sezon Diagilewa w Zachodnia Europa, w Paryżu. Rozpoczął pracę w Salon d'Automne, aby zorganizować rosyjską wystawę, która miała prezentować rosyjskie malarstwo i rzeźbę na przestrzeni dwóch wieków. Ponadto Diagilew dodał do niego kolekcję ikon. Szczególną uwagę na tej wystawie poświęcono grupie artystów ze „świata sztuki” (Benoit, Borisov-Musatov, Vrubel, Bakst, Grabar, Dobuzhinsky, Korovin, Larionov, Maliutin, Roerich, Somov, Serov, Sudeikin) i inni . Wystawę otwarto pod przewodnictwem wielkiego księcia Włodzimierza Aleksandrowicza, na czele komitetu wystawienniczego stanął hrabia I. Tołstoj. Diagilew udostępnił dla większej dostępności katalog Wystawy Sztuki Rosyjskiej w Paryżu z artykułem wstępnym Aleksandra Benois na temat sztuki rosyjskiej. Wystawa w Salonie Jesiennym odniosła niebywały sukces - wtedy Diagilew zaczyna myśleć o innych rosyjskich sezonach w Paryżu. Na przykład o sezonie muzyki rosyjskiej. Aranżuje koncert próbny, a jego sukces wyznacza plany na kolejny rok 1907. Wracając triumfalnie do Petersburga, Diagilew rozpoczął przygotowania do drugiego sezonu rosyjskiego. Jego słynne Koncerty Historyczne. W tym celu utworzono komisję pod przewodnictwem A.S. Taneyev - szambelan najwyższego dworu i znany kompozytor. W te koncerty zaangażowane były najlepsze siły muzyczne: Artur Nikish (niezrównany interpretator Czajkowskiego), Rimski-Korsakow, Rachmaninow, Głazunow i inni. Od tych koncertów rozpoczęła się światowa sława F. Chaliapina. „Historyczne Koncerty Rosyjskie” skomponowane zostały z utworów kompozytorów rosyjskich i wykonane przez artystów rosyjskich oraz chór Teatru Bolszoj. Program został starannie opracowany i skomponowany z arcydzieł muzyki rosyjskiej: „Pory roku” zaprezentował w Paryżu rosyjską operę „Borys Godunow” z udziałem Chaliapina. Operę wystawiali w redakcji Rimskiego-Korsakowa iw luksusowej scenerii artyści Golovin, Benois, Bilibin. W programie znalazły się uwertura i pierwszy akt Rusłana i Ludmiły Glinki, obrazy symfoniczne z Noc przedświąteczną i Śnieżynkę Rimskiego-Korsakowa, a także partie Sadko i Cara Saltana. Oczywiście reprezentowani byli Czajkowski, Borodin, Musorgski, Tanejew, Skriabin, Bałakiriew, Kui. Po oszałamiającym sukcesie Musorgskiego i Chaliapina Diagilew in Następny rok sprowadza do Paryża „Borysa Godunowa” z udziałem Chaliapina. Paryżanie odkryli nowy rosyjski cud - Borys Godunow Szaliapina. Diagilew powiedział, że tego spektaklu po prostu nie da się opisać. Paryż był w szoku. Publiczność Wielkiej Opery, zawsze prymitywna, tym razem krzyczała, pukała, płakała.

I znowu Diagilew wraca do Petersburga, aby rozpocząć prace nad przygotowaniem nowego „sezonu”. Tym razem miał pokazać paryskiemu baletowi rosyjskiemu. Na początku wszystko poszło gładko i genialnie. Diagilew otrzymał dużą dotację, cieszył się najwyższym patronatem, na próby otrzymał Teatr Ermitaż. Niemal każdego wieczoru nieformalny komitet zbierał się we własnym mieszkaniu Diagilewa, aby opracować program na sezon paryski. Z petersburskich tancerzy nakreślono młodą, „rewolucyjną” grupę - M. Fokina, doskonałego tancerza, który w tym czasie zaczynał karierę jako choreograf, Annę Pawłową i Tamarę Karsawinę i oczywiście genialną Kshesinskaya, Bolm , Monachow i bardzo młody, ale zadeklarował się jako o „ósmym cudzie świata” Niżyńskiego. Z Moskwy została zaproszona primabalerina Teatru Bolszoj Koralli. Wydawało się, że wszystko tak dobrze się układa. Ale... Zmarł wielki książę Władimir Aleksandrowicz, a poza tym Diagilew obraził Kszesińską, na którą był przede wszystkim zobowiązany otrzymać dotację. Obraził ją, chcąc wznowić Giselle dla Anny Pawłowej, i zaproponował wspaniałej Kszesińskiej małą rolę w balecie Pawilon Armidy. Pojawiło się burzliwe wyjaśnienie, „podczas którego „rozmówcy” rzucali się na siebie…”. Diagilew stracił dotacje i patronat. Ale to nie wszystko - odebrano mu Ermitaż, dekoracje i kostiumy Teatru Maryjskiego. Rozpoczęły się sądowe intrygi. (Zaledwie dwa lata później pogodził się z baletnicą Kszesińską i trzymał z nią do końca życia dobre relacje.) Wszyscy już wierzyli, że w 1909 roku nie będzie sezonu rosyjskiego. Ale trzeba było mieć niezniszczalną energię Diagilewa, aby powstać z popiołów. Pomoc (prawie zbawienie) przyszła z Paryża, z świeckie panie i przyjaciel Diagilew Sert - umówiła się ze znajomymi na abonament w Paryżu i zebrała niezbędne fundusze aby móc usunąć teatr „Chatelet”. Prace rozpoczęły się ponownie, a Repertuar został ostatecznie zatwierdzony. Były to „Pawilon Armidy” Czerepnina, „Tańce połowieckie” z „Księcia Igora” Borodina, „Uczta” do muzyki Rimskiego-Korsakowa, Czajkowskiego, Musorgskiego, Glinki i Głazunowa, „Kleopatra” Arenskiego, pierwszy akt „Rusłan i Ludmiła” w scenerii ARTYŚCI grupy „Świat Sztuki”. Fokine, Niżyński, Anna Pavlova i T. Karsavina byli głównymi postaciami projektu „Balet rosyjski” Diagilewa. Oto, co Karsavina powiedział o Diagilewie:

"Jako młody człowiek posiadał już to poczucie doskonałości, które jest niewątpliwie własnością geniusza. Potrafił odróżnić ulotną prawdę od wiecznej prawdy w sztuce. Przez cały czas, kiedy go znałem, nigdy się nie mylił jego osądów, a artyści bezwzględnie wierzyli w jego zdanie. Niżyński był dumą Diagilewa - ukończył studia dopiero w 1908 roku i wstąpił do Teatru Maryjskiego i od razu zaczęli mówić o nim jako o cudzie. Opowiadali o jego niezwykłych skokach i lotach, nazywając go człowiekiem-ptaszkiem. „Niżyński”, wspomina artysta i przyjaciel Diagilewa S. Lifara, „oddał się Diagilowowi w jego troskliwe i kochające ręce, w jego testament – ​​czy dlatego, że instynktownie czuł, że w niczyich rękach nie byłby tak bezpieczny i nikt nie potrafił ukształtować swojego tanecznego geniuszu w sposób, w jaki robił to Diagilew, albo dlatego, że był nieskończenie miękki i całkowicie pozbawiony woli, nie był w stanie oprzeć się cudzej woli. Początek 1911 r., kiedy został zmuszony do przejścia na emeryturę z powodu Diagilewa. Niżyński był rzadkim tancerzem i tylko tancerzem. Diagilew wierzył też, że może być choreografem. Jednak w tej roli Niżyński był nie do zniesienia - tancerze baletowi postrzegali i wspominali próby z nim jako straszne męki, ponieważ Niżyński nie mógł jasno wyrazić tego, czego chciał. W 1913 r. Diagilew wypuścił Niżyńskiego na świat w amerykańskiej podróży. I rzeczywiście, biedny Niżyński prawie umarł, całkowicie poddając się ponownie cudzej woli. Ale to już kobieta, Romola Pulska, poślubiła Niżyńskiego dla siebie, a ponadto wciągnęła go do sekty Tołstoja. Wszystko to przyspieszyło proces choroby psychicznej tancerza. Ale nadal będzie. Tymczasem do końca kwietnia 1909 r. rosyjscy „barbarzyńcy” w końcu przybywają do Paryża i zaczyna się gorączkowa praca przed kolejną „sezą rosyjską”. Problemy, które Diagilew musiał przezwyciężyć, to ciemność. Po pierwsze, elita Paryż, widząc rosyjskich tancerzy baletowych na kolacji na ich cześć, był bardzo rozczarowany ich pozorną nudą i prowincjonalizmem, które budziły wątpliwości co do ich sztuki. Po drugie, sam teatr „Chatelet” – państwowy, szary i nudny, zupełnie nie nadawał się jako „rama” dla pięknych rosyjskich przedstawień. Diagilew nawet przebudował scenę, usunął pięć rzędów straganów i zastąpił je pudłami, pokrytymi kolumnowym aksamitem. A pośród całego tego niesamowitego hałasu budowlanego, Fokin prowadził próby, podnosząc głos, by przekrzyczeć cały hałas. A Diagilew był dosłownie rozdarty między artystami i muzykami, tancerzami baletowymi i robotnikami, między gośćmi i krytykami-przeprowadzającymi wywiady, którzy coraz częściej publikowali materiały o rosyjskim balecie i samym Diagilewie.

19 maja 1909 odbył się pierwszy spektakl baletowy. To było święto. To był cud. Jedna z francuskich babć wspominała, że ​​to „święty ogień i święte delirium ogarnęły całe audytorium”. Przed publicznością było naprawdę coś, czego nigdy wcześniej nie widziano, niepodobnego do niczego, nieporównywalnego z niczym. Całkowicie wyjątkowy piękny świat, czego żaden z paryskich widzów nawet nie podejrzewał. Ta „bzdura”, ta pasja trwała sześć tygodni. Występy baletowe przeplatały się z operami. Diagilew mówił o tym czasie: „Wszyscy żyjemy jak zaczarowani w ogrodach Armidy. Samo powietrze otaczające rosyjskie balety jest pełne narkotyków”. Słynny Francuz Jean Cocteau napisał: „Czerwona kurtyna wznosi się nad świętami, które wywróciły Francję do góry nogami i które wprowadziły tłum w ekstazę po rydwanie Dionizosa”. Balet rosyjski został natychmiast zaakceptowany przez Paryż. Przyjmowany jako wielkie objawienie artystyczne, które stworzyło całą epokę w sztuce. Prawdziwe hymny śpiewano dla Karsaviny, Pawłowej i Niżyńskiego. Natychmiast stali się ulubieńcami Paryża. Krytyk powiedział, że Karsavina „wygląda jak tańczący płomień, w świetle i cieniu, w którym mieszka ospała błogość”. Ale rosyjski balet fascynował wszystkich tym, że był to zespół, że wielką rolę odegrał w nim corps de ballet. Do tego malowanie scenografii i kostiumów - wszystko było znaczące, wszystko tworzyło artystyczny zespół. Mniej powiedziano o choreografii rosyjskiego baletu - po prostu trudno było to od razu zrozumieć. Ale wszystkie wakacje dobiegają końca. Paryżanin się skończył. Był to oczywiście sukces ogólnoświatowy, ponieważ rosyjscy artyści otrzymali zaproszenia na różnych krajów pokój. Karsavina i Pavlova zostali zaproszeni do Londynu i Ameryki, Fokine - do Włoch i Ameryki. Diagilew po powrocie do Petersburga rozpoczął przygotowania do nowego sezonu, w którym konieczne było utrwalenie sukcesu. A Diagilew, który ma fantastyczne wyczucie talentu, wiedział, że Igor Strawiński ze swoimi baletami, w szczególności Ognistym ptakiem, będzie nowym rosyjskim cudem w przyszłym sezonie. „Człowiek predestynowany wszedł w jego życie”. I od tej pory losy Baletu Rosyjskiego będą nierozerwalnie związane z tą nazwą - od Strawińskiego. Wiosną 1910 roku Balet i opera Diagilewa ponownie wstrząsnęły Paryżem. Program był po prostu niesamowity. Diagilew przywiózł pięć nowych dzieł, w tym balet Strawińskiego. To były luksusowe balety, to było nowe podejście do tańca, muzyki, malarstwa spektaklu. Francuzi zdali sobie sprawę, że muszą uczyć się od Rosjan. Ale triumf tego sezonu zadał również cios trupie Diagilewa - niektórzy artyści podpisali zagraniczne kontrakty, a Anna Pawłowa opuściła Diagilewa w 1909 roku. Diagilew postanowił w 1911 roku zorganizować stałą trupę baletową, która powstała w 1913 roku i otrzymała nazwę „Balet Rosyjski Siergieja Diagilewa”. W ciągu dwudziestu lat istnienia Diagilewa Baletów Rosjan wystawił osiem baletów Strawińskiego. W 1909 r. Anna Pavlova opuściła zespół baletowy, a inni poszli za nią. Stała trupa baletowa zaczyna się uzupełniać zagranicznymi tancerzami, co oczywiście traci swój narodowy charakter.

W repertuarze baletowym „Pory roku” znalazły się „Pawilon Armidy” Czerepnina, „Szeherezada” Rimskiego-Korsakowa, „Giselle” Czajkowskiego, „Pietruszka”, „Ognisty ptak”, „Święto wiosny” Strawińskiego, „ Kleopatra” („Noce egipskie”) Arensky'ego, „Wizja róży” Webera, „Legenda o Józefie” R. Straussa, „Popołudnie Fauna” Debussy'ego i inne. Do tej trupy objazdowej Diagilew zaprosił M. Fokina i grupę czołowych solistów baletowych Teatru Maryjskiego i Teatru Bolszoj, a także artystów z prywatnej opery S.I. Zimin - A. Pavlov, V. Nizhinsky, T. Karsavin, E. Geltser, M. Mordkin, V. Koralli i inni. Oprócz Paryża trupa baletowa Diagilewa koncertowała w Londynie, Rzymie, Berlinie, Monte Carlo iw miastach Ameryki. Przedstawienia te zawsze były triumfem rosyjskiej sztuki baletowej. Przyczynili się do odrodzenia baletu w wielu krajach Europy i wywarli ogromny wpływ na wielu artystów.

Wycieczki odbywały się z reguły bezpośrednio po zakończeniu zimowego sezonu teatralnego. W Paryżu spektakle odbywały się w Grand Opera (1908, 1910, 1914), Châtelet (1909, 1911, 1912) i Théâtre des Champs Elysées (1913).

Nie mniej prestiżowe teatry gościły trupę również w Londynie. Były to teatr Covent Garden (1912), Drury Lane (1913, 1914).

Po wybuchu I wojny światowej Diagilew przeniósł swoje przedsiębiorstwo do Stanów Zjednoczonych. Do 1917 jego trupa baletowa występowała w Nowym Jorku. W 1917 zespół się rozwiązał. Większość tancerze pozostali w Stanach Zjednoczonych. Diagilew wraca do Europy i wraz z E. Cecchetti tworzy nową trupę, w której wraz z rosyjskimi aktorami emigracyjnymi, pod fikcyjnymi rosyjskimi nazwiskami występują zagraniczni tancerze. Zespół istniał do 1929 roku. Diagilew, ze swoim delikatnym smakiem, błyskotliwą erudycją, wielkimi planami, najciekawsze projekty, całe życie był duszą swojego potomstwa „Balet Rosyjski”, całe życie poszukiwał artystycznych, wiecznie kipiącym twórcą. Ale w 1927 oprócz baletu miał nowy biznes, który go namiętnie zafascynował - książkę. Rozwijał się szybko, osiągając proporcje Diagilewa. Zamierzał stworzyć w Europie olbrzymią rosyjską księgarnię. Robił wspaniałe plany, ale śmierć go powstrzymała. Diagilew zmarł 19 sierpnia 1929 r. On i jego „Rosyjskie pory roku” pozostają wyjątkową i najjaśniejszą kartą w historii światowej i rosyjskiej kultury.

Nieco ponad sto lat temu Paryż i cała Europa były oszołomione żywe kolory, piękno i oczywiście talent aktorów Baletu Rosyjskiego. „Rosyjskie pory roku”, jak je też nazywano, przez kilka lat pozostawały w Paryżu wydarzeniem niedoścignionym. To właśnie w tym czasie sztuki sceniczne wywarły tak wielki wpływ na modę.

Kostiumy wykonane według szkiców Baksta, Gonczarowej, Benois i wielu innych artystów, ich dekoracje wyróżniały się jasnością i oryginalnością. Doprowadziło to do eksplozji twórczego entuzjazmu w tworzeniu luksusowych tkanin i garniturów, a nawet zdeterminowało przyszły styl życia. Orientalny luksus ogarnął cały świat mody, pojawiły się transparentne, przydymione i bogato haftowane tkaniny, turbany, agrette, pióra, orientalne kwiaty, ozdoby, szale, wachlarze, parasole - wszystko to zostało zawarte w modne obrazy czas przedwojenny.

„Balet Rosyjski” dosłownie spowodował rewolucję w modzie. Jak można porównać nagą nagość Maty Harry lub ledwo zakrytą Isadorę Duncan z fantastycznymi kostiumami rosyjskiego baletu? Przedstawienia dosłownie zszokowały cały Paryż, dla którego nowy Świat.

Królowa kosmetyków tamtych czasów przez całe życie wspominała występy Baletu Rosyjskiego, po których pewnego dnia, gdy tylko wróciła do domu, zmieniła całą dekorację swojego domu na jasne, błyszczące kolory. Genialny impresario S. Diagilew determinował styl życia paryskiego społeczeństwa. Fajerwerki „Baletu Rosyjskiego” na scenie zainspirowały słynnego Paula Poireta do stworzenia jasnych kolorowych ubrań. Orientalna egzotyka i luksus znalazły również odzwierciedlenie w tańcach tamtych czasów, do których należy przede wszystkim tango.

W przededniu wydarzeń rewolucyjnych 1905 r. Siergiej Diagilew, były wydawca magazynu Mir Art w Rosji, założył nową grupę teatralną, w skład której weszli artyści Lew Bakst, Aleksander Benois, Nikołaj Roerich, kompozytor Igor Strawiński, baleriny Anna Pawłowa, Tamara Karsavina, tancerz Wacław Niżyński i choreograf Michaił Fokin.

Potem dołączyło do nich wielu innych utalentowanych artystów i tancerzy, których połączyła umiejętność dostrzegania i odnajdywania tych talentów przez S. Diagilewa i oczywiście zamiłowanie do sztuki. Liczne powiązania S. Diagilewa z komercyjnymi i artystyczny świat przyczynił się do zorganizowania nowej trupy, która zasłynęła pod nazwą „Balety Rosyjskie”.

Michaił Fokin, były uczeń genialnego Mariusa Petipy, na początku XX wieku zaczął rozwijać własne idee choreografii baletowej, które bardzo dobrze łączyły się z ideami S. Diagilewa.

Wśród wybitnych artystów skupionych wokół Diagilewa szczególne uznanie na świecie zdobyła twórczość Lwa Baksta. W czasopiśmie „World of Art” Bakst był głównym grafikiem. Po ukończeniu Cesarskiej Akademii Sztuk artysta malował portrety i pejzaże, a następnie zainteresował się scenografią. Już w 1902 r. zaczął opracowywać scenografię do Teatru Cesarskiego i już tutaj pokazał się jako zdolny, nowatorski twórca.

Bakst pasjonował się scenografią, dużo myślał o tym, jak zrobić balet zdolny do wyrażania myśli i uczuć. Podróżował po drugiej stronie północna Afryka, był na Cyprze, w , studiował starożytna sztukaŚródziemnomorski. Lew Bakst zapoznał się z twórczością rosyjskich badaczy sztuki i dobrze znał twórczość artystów zachodnioeuropejskich.

Podobnie jak Michaił Fokin śledził i dążył do emocjonalnej treści przedstawienia. Aby przekazać uczucia i emocje, opracował własną teorię kolorów, która stworzyła fajerwerki w rosyjskim balecie. Bakst wiedział, gdzie i jakich kolorów można użyć, jak je łączyć, aby oddać wszystkie emocje w balecie i oddziaływać kolorem na publiczność.

Bakst stworzył luksusowe dekoracje i kostiumy, a jednocześnie Wacław Niżyński swoim tańcem podbił publiczność, sprawił, że serca trzepotały. Recenzent francuskiej gazety „Le Figaro” napisał, że „…miłość do sztuki orientalnej została przywieziona do Paryża z Rosji poprzez balet, muzykę i scenografię…”, rosyjscy aktorzy i artyści „stali się mediatorami” między Wschodem a Zachodem.

Większość Europejczyków zarówno wtedy, jak i teraz uważała Rosję za część Wschodu. Na scenie była muzyka kompozytorów rosyjskich, dekoracje artystów rosyjskich, libretto, kostiumy i tancerze - rosyjscy. Ale kompozytorzy komponowali harmonie muzyki azjatyckiej, a Bakst, Golovin, Benois i inni artyści przedstawiali piramidy egipskich faraonów, haremy perskich sułtanów.

Na scenie było połączenie między Zachodem a Wschodem, a Rosja była obydwoma w tym samym czasie. Jak mówił Benois, od pierwszych przedstawień czuł, że „Scytowie” prezentowani w Paryżu, „stolicy świata”, to najlepsza sztuka, jaka dotychczas istniała na świecie.

Fajerwerki barw Baletu Rosyjskiego sprawiły, że inaczej spojrzałem na świat, co z entuzjazmem przyjęli paryżanie.

Książę Piotr Lieven napisał w swojej książce Narodziny rosyjskiego baletu: „Wpływ rosyjskiego baletu był odczuwalny daleko poza teatrem. Paryscy twórcy mody włączyli go do swoich kreacji…”

Do zmiany przyczyniły się stroje Baletu Rosyjskiego prawdziwe życie kobiety, uwalniając jej ciało z gorsetu, zapewniały jej dużą mobilność. Fotograf Cecil Beaton napisał później, że po przedstawieniach następnego ranka wszyscy znaleźli się w mieście zanurzonym w luksusie Wschodu, w płynnych i jasnych strojach, które odzwierciedlały nowe i szybkie tempo. Nowoczesne życie.

Nowa moda dotknięte i męskie obrazy. Choć nie zamieniły się w bloomersy i jakaś twarda elegancja z wysokim kołnierzem i cylindrem opuściła modę męską, pojawiła się nowa sylwetka - wąski tors, wysoki stan, niskie kołnierzyki i meloniki niemal naciągnięte na oczy.

Nowe obrazy i sylwetki przyciągnęły uwagę projektantów mody, którzy zaczęli studiować twórczość Baksta i innych artystów Baletu Rosyjskiego. A Paul Poiret wyjechał do Rosji w latach 1911-1912, gdzie spotkał się z Nadieżdą Lamanową i innymi rosyjskimi projektantami mody i rozpoznał wpływ rosyjskiej mody.

Do dziś projektanci i artyści tekstyliów przypominają i bawią się wariacjami na temat „Rosyjskich Pór Roku”. Projektanci mody powracają do jasnych egzotycznych obrazów, motywów ludowych, do rosyjskich, indyjskich czy arabskich tradycji zdobniczych. Umiejętnie się różnią formy kulturowe Wschód, łącząc go z Zachodem. Pod sztandarem rosyjskich tradycji artystycznych zjednoczyły się kultury europejskie i rosyjskie.

W tym poście chciałbym bezpośrednio opowiedzieć o samych „Rosyjskich sezonach Diagilewa” i ich wpływie na sztukę światową, zwłaszcza na sztukę baletową XX wieku.

Czym więc były pory roku - to występy tournée rosyjskich tancerzy operowych i baletowych za granicą. Wszystko zaczęło się w 1908 r. w Paryżu, następnie w 1912 r. kontynuowano w Wielkiej Brytanii (w Londynie), a od 1915 r. w innych krajach.

Mówiąc całkiem celnie, początek „Rosyjskich Pór Roku” został opóźniony w 1906 rok, kiedy Diagilew przywiózł do Paryża wystawę rosyjskich artystów. To był niesamowity sukces, więc postanowiono poszerzyć horyzonty i już w 1907 W Wielkiej Operze odbył się cykl koncertów muzyki rosyjskiej („Historyczne koncerty rosyjskie”). Właściwie „Rosyjskie sezony” rozpoczęły się w 1908 w Paryżu, kiedy wystawiano tu operę Modesta Musorgskiego „Borys Godunow”, operę „Rusłan i Ludmiła” Michaiła Glinki, „Książę Igor” Aleksandra Borodina i inne. Paryż po raz pierwszy usłyszał śpiew Chaliapina i muzykę Rimskiego-Korsakowa, Rachmaninowa i Głazunowa. Od tego momentu zaczyna się historia słynnych „Rosyjskich Pór Roku” Diagilewa, który natychmiast uczynił wszystko, co rosyjskie, najmodniejszym i najistotniejszym na świecie.

Fiodor Chaliapin w operze „Książę Igor”

W 1909 pierwsze wspólne przedstawienia operowe i baletowe odbyły się w Paryżu. W kolejnych latach zaczął eksportować głównie balet, co było ogromnym sukcesem. Od tego momentu rozpoczyna się okres sezonów baletowych. Mimo to opera była nadal: in 1913 wystawiono operę „Khovanshchina” (Chaliapin grał rolę Dosifey), w 1914 W Wielkiej Operze odbyła się światowa premiera Słowika Strawińskiego.

Fantastyczny sukces pierwszych sezonów, do których należały balety Ognisty ptak, Pietruszka i Święto wiosny, sprawił, że europejska opinia publiczna zrozumiała, że sztuka rosyjska- pełnoprawna i najciekawsza część światowego procesu artystycznego.

Wacław Niżyński w balecie „Pietruszka”

Wacław Niżyński w balecie „Szeherezada”, 1910

Program premier baletowych „Szeherezada”

Sukces „Sezonu Rosyjskiego” w Paryżu 1909 rok był naprawdę triumfalny. Nadchodzi moda na wszystko, co rosyjskie. Przedstawienia na scenie teatru Chatelet nie tylko stały się wydarzeniem w życiu intelektualnym Paryża, ale wywarły silny wpływ na kulturę Zachodu w jej najróżniejszych przejawach. Francuzi docenili nowość w malarstwie teatralnym i dekoracyjnym oraz choreografii, ale najwyższe uznanie przyznano umiejętnościom wykonawczym czołowych tancerzy Teatru Maryjskiego i Bolszoj: Anny Pawłowej, Tamary Karsaviny, Ludmiły Szollar, Wery Fokiny, Wacława Niżyńskiego, Michaiła Fokine, Adolf Bolm, Michaił Mordkini i Grigorij Rosaya.

Anna Pavlova i Wacław Niżyński w balecie Pawilon Armidy, 1909

Anna Pawłowa

Francuski pisarz Jean Cocteau powiedział o przedstawieniach:"Czerwona kurtyna unosi się nad ucztami, które przewróciły Francję i które niosły tłum w ekstazie za rydwanem Dionizosa".

W 1910 W tym samym roku Diagilew zaprosił Igora Strawińskiego do napisania muzyki do baletu, który miał być wystawiony w ramach Sezonów Rosyjskich, a następne trzy lata stały się być może najbardziej „gwiezdnym” okresem w życiu zarówno pierwszego, jak i drugiego. W tym czasie Strawiński napisał trzy wielkie balety, z których każdy przekształcił „Rosyjskie pory roku” Diagilewa w światową sensację kulturalną – Ognisty ptak (1910), Pietruszka (1911) i Święto wiosny (1911-1913).

Ciekawostka o balecie „Ognisty ptak”: Ognisty ptak to pierwszy balet o tematyce rosyjskiej w przedsiębiorczości Siergieja Diagilewa. Reżyser (choreograf) i wykonawca głównej części męskiej - Michaił Fokin. Zdając sobie sprawę, że Paryż musi być „traktowany” czymś pierwotnie rosyjskim, ogłosił to imię na plakacie pierwszego sezonu w 1909 roku. Ale balet nie miał czasu na scenę. Przebiegły impresario zajął się olinowaniem – choć na plakacie było napisane „Ognisty ptak”, na scenie grano pas de deux Księżniczki Floryny i Błękitnego Ptaka z baletu „Śpiąca Królewna” nowe orientalne stroje Leona Baksta. Dopiero rok później w Paryżu pojawił się prawdziwy „Ognisty ptak” – pierwsza partytura baletowa Igora Strawińskiego, która gloryfikowała imię ówczesnego nowicjusza poza Rosją.

Projekt kostiumu do baletu „Ognisty ptak” autorstwa artystyLeona Baksta,1910

Michaił Fokin w stroju Błękitnego Ptaka, balet „Śpiąca królewna”

W tym samym 1910 roku do repertuaru weszły już wystawione balety Giselle i Carnival do muzyki Schumanna, a następnie Szeherezada Rimskiego-Korsakowa. Anna Pavlova miała pełnić główne role w baletach Giselle i Ognisty ptak, ale z wielu powodów pogorszył się jej związek z Diagilewem i opuściła zespół. Pavlova została zastąpiona przez Tamarę Karsavinę.

Tamara Karsavina i Michaił Fokin w balecie "Ognisty Ptak"

Tamara Karsawina

Tancerze. Balet Igora Strawińskiego „Święta wiosna” na Polach Elizejskich. 29 maja 1913

Afisz do sztuki „Rosyjskie pory roku”, szkic Leona Baksta z Wacławem Nezhinskim

I znowu ogromny sukces wśród paryskiej publiczności! Sukces ten miał jednak minus: część artystów, którzy zasłynęli dzięki sezonom Diagilewa, odeszli z zespołu do zagranicznych teatrów. A po tym, jak Niżyński został zwolniony z Teatru Maryjskiego ze skandalem, Diagilew postanowił zwerbować stałą trupę. Wielu tancerzy Baletu Cesarskiego zgodziło się zawrzeć z nim stałe kontrakty, a ci, którzy zdecydowali się zostać w Maryjskim - na przykład Karsavina i Kshesinskaya - zgodzili się kontynuować współpracę. Miastem, w którym mieściła się firma Diagilewa, gdzie odbywały się próby i przygotowania do przyszłych produkcji, było Monte Carlo.

Interesujący fakt:Monte Carlo zajmowało szczególne miejsce w sercu Diagilewa. To jest tutaj w 1911 „Balet Rosyjski” został przez niego przekształcony w stałą trupę teatralną, tu po raz pierwszy pokazał szereg swoich najważniejszych przedstawień, a tu niezmiennie od 1922 roku spędza zimę. Dzięki hojności rządzącego domu Grimaldi i sławie Kasyna, które umożliwiły taką hojność, Mote Carlo stało się kreatywnym laboratorium Diagilewa w latach dwudziestych XX wieku. Dawne baletnice Teatrów Cesarskich, które już na zawsze opuściły Rosję, podzieliły się tajnikami mistrzostwa z zaproszonymi przez Diagilewa wschodzącymi gwiazdami emigracji. W Monte Carlo ostatni raz uległ pokusie marzenia swojego życia - żyć, oddając się sztuce.

W 1911 Wystawiono 5 nowych baletów: Podwodne królestwo (z opery Sadko), Narcyz, Peri, Upiór z róży, który jest znakomitym pas de deux Karsavina i Niżyński oraz główna nowość sezonu – dramatyczny balet „Pietruszka” Strawińskiego, w którym główną rolę ginie w finale jarmarczny błazen, należał do Niżyńskiego.

Wacław Niżyński jako Pietruszka

„Sadko”, szkic scenografii Borisa Anisfelda, 1911

Ale już w 1912 Diagilew zaczął stopniowo uwalniać się od swoich podobnie myślących Rosjan, którzy go przywieźli światowa sława. Charyzmatyczny lider Diagilew nie tolerował konfrontacji. Człowiek jest dla niego ważny jako nośnik twórczego pomysłu: po wyczerpaniu pomysłu Diagilew przestaje się nim interesować. Po wyczerpaniu pomysłów Fokine i Benois zaczął generować pomysły od europejskich twórców, odkrywać nowych choreografów i tancerzy. Kłótnie w zespole Diagilewa wpłynęły również na produkcje: niestety sezon 1912 nie wzbudził entuzjazmu wśród paryskiej publiczności.

Wszystkie balety tego sezonu wystawił Michaił Fokin, z wyjątkiem jednego - Popołudnia Fauna na wniosek Diagilewa w inscenizacji jego ulubionego Niżyńskiego - spektakl ten był debiutem w jego krótkiej karierze choreografa.

balet „Popołudnie Fauna”

Po klęsce w Paryżu Diagilew pokazał swoje spektakle (plus balety z wczesnego repertuaru) w Londynie, Berlinie, Wiedniu i Budapeszcie, gdzie publiczność przyjęła je przychylniej. Potem były wycieczki Ameryka Południowa znowu ogromny sukces! To właśnie podczas tych tras doszło do konfliktu między Diagilewem i Niżyńskim, po którym Siergiej Pawłowicz odmówił usług tancerza, ale przez jakiś czas kontynuowali współpracę, ale potem nastąpiła ostateczna przerwa.

W latach Pierwsza Wojna Swiatowa trupa baletowa Diagilewa wyjechała na tournée po Stanach Zjednoczonych, ponieważ w tym czasie zainteresowanie sztuką w Europie słabło. Pozostały tylko koncerty charytatywne, w których jednak brali udział.

Służące księżniczki łabędzi w balecie „Baśnie rosyjskie”, 1916

Szkice scenografii Natalii Gonczarowej do jednego z najwybitniejszych przedstawień Diagilewa - Les Noces, 1917

Pełnoprawny powrót sezonów Diagilewa na dawne stanowiska rozpoczął się w 1917 rok. Po powrocie do Europy Diagilew utworzył nowy zespół, w którym jako choreograf Leonid Myasin, młody choreograf Teatru Bolszoj, zajął stałe miejsce. Przedstawienia, które wystawiał, przepełnione były nowatorskim duchem i zostały dobrze przyjęte w Paryżu i Rzymie.

W tym samym roku Diagilew zaprosił Pabla Picassa do zaprojektowania baletu „Parada”, kilka lat później ten sam Picasso wykonał dekoracje i kostiumy do baletu „Cornered Hat”. Rozpoczyna się nowy, ostatni okres rosyjskich sezonów baletowych, kiedy w zespole Diagilewa zaczynają dominować francuscy artyści i kompozytorzy.

Balet „Parada”, wystawiony w 1917 roku przez Leonida Myasina do sarkastycznej muzyki Erica Satie i w kubistycznym projekcie Picassa, wyznaczył nowy trend trupy Diagilewa - chęć odmitologizowania wszystkich elementów baletu: fabuły, sceny, masek aktora ("Parada" przedstawiała życie wędrownego cyrku) i w miejsce mitu postawiła inne zjawisko - modę. Paryska moda codzienna, paneuropejska moda stylistyczna (w szczególności kubizm), światowa moda na swobodny (w mniejszym lub większym stopniu) taniec.

Olga Khokhlova, Picasso, Maria Shabelskaya i Jean Cocteau w Paryżu z okazji premiery baletu „Parada”, 18 maja 1917

Szkic Pabla Picassa do baletu „Parada”, 1917

Scenografia i kostiumy do baletu Trzech rogów, Pablo Picasso, 1919

Lubow Czernyszowa jako Kleopatra, 1918

Zaostrzona sytuacja polityczna w Europie uniemożliwiła wizytę we Francji, więc sezon paryski w 1918 nie było roku, ale były koncerty w Portugalii, Ameryce Południowej, a potem prawie cały rok w Wielkiej Brytanii. Lata 1918-1919 stały się dla Diagilewa trudne: niezdolność do wystawiania baletów w Paryżu, kryzys twórczy, odejście z trupy jednego z czołowych tancerzy Feliksa Fernandeza z powodu choroby (oszalał). Ale na koniec 1919 sezony w Paryżu zostały wznowione. Scenografię jednego z tegorocznych baletów, Słowika Strawińskiego, stworzył artysta Henri Matisse, aby zastąpić zaginione prace Benois.

Lata 1920-1922 można nazwać kryzysem, czasem stagnacji. Choreograf Leonid Myasin, po kłótni z Siergiejem Pawłowiczem, opuścił zespół. Z tego powodu w tym czasie ukazały się tylko 2 nowe produkcje - balet „Jester” do muzyki Siergieja Prokofiewa i suita taneczna „Quadro Flamenco” ze scenerią Picassa.

Jesienią 1921 roku Diagilew przywiózł Śpiącą królewnę do Londynu, zapraszając do roli głównej baletnicę Olgę Spesivtsevą. Ta produkcja została dobrze przyjęta przez publiczność, ale jednocześnie postawiła Diagilewa w katastrofalnej sytuacji: zysk z opłat nie zwracał kosztów. Diagilew był na skraju ruiny, artyści zaczęli się rozpraszać, a jego przedsiębiorstwo prawie przestało istnieć. Na szczęście na ratunek przybył stary znajomy Diagilewa, Misia Sert. Była bardzo zaprzyjaźniona z Coco Chanel, która była tak zainspirowana pracą Diagilewa, że ​​przekazała znaczne fundusze na odbudowę jego trupy. W tym czasie z Kijowa wyemigrowała Bronisława Niżyńska, młodsza siostra Wacława Niżyńskiego, której Diagilew postanowił uczynić nowym choreografem swoich sezonów. Niżyńska zaproponowała odnowienie składu trupy ze swoimi kijowskimi uczniami. W tym samym okresie Diagilew poznał Borisa Kokhno, który został jego osobista sekretarka i autor libretta nowych baletów.

Wiosną 1923 roku Bronisława Niżyńska przygotowała choreografię do jednego z najwybitniejszych spektakli Diagilewa, Les Noces Strawińskiego.

Szkice scenografii Natalii Gonczarowej do baletu „Wesele”

W 1923 1999 trupa została natychmiast uzupełniona o 5 nowych tancerzy, w tym przyszły faworyt Diagilewa - 18-latek Serge Lifar. Jak powiedział o nim Diagilew: „Lifar czeka na swój właściwy czas, aby stać się nową legendą, najpiękniejszą z legend baletu”.

W kolejnych latach, w latach odrodzenia trupy Baletu Rosyjskiego, Picasso i Coco Chanel współpracowali z Diagilewem, trupa dużo koncertuje, prezentuje nie tylko balet, ale także spektakle operowe, koncerty symfoniczne i kameralne. W tym okresie choreografem został George Balanchine. Wyemigrował z Rosji po ukończeniu szkoły teatralnej przy Teatrze Maryjskim i współpracując z Diagilewem znacznie wzbogacił choreografię swoich sezonów.

George Balanchine (alias George Balanchivadze)

Pomimo pozornego dobrobytu Diagilew ponownie popadł w kłopoty finansowe. W rezultacie Diagilew zaciągnął kredyt i pokonując depresję rozpoczął nowy sezon w Paryżu i Londynie. Tak powiedział o sezonie 1926 roku Serge Lifar: " Nie będę pamiętał wspanialszego, bardziej triumfalnego sezonu londyńskiego we wszystkich latach mojego życia w rosyjskim balecie Diagilewa: dosłownie nosiliśmy nas w ramionach, obsypywano kwiatami i prezentami, wszystkie nasze balety – zarówno nowe, jak i stare – spotkały się entuzjastycznie i z wdzięcznością i wywołał niekończącą się burzę oklasków”.

Wkrótce Diagilew zaczął tracić zainteresowanie baletem, poświęcając coraz więcej czasu i energii nowemu hobby - kolekcjonowaniu książek.

W 1928 Najbardziej udaną produkcją sezonu był według Diagilewa „Apollo Musaguet” Balanchine'a do arcydzieła Strawińskiego, ze scenografią Beauchampa i kostiumami Coco Chanel. Publiczność zgotowała Lifarowi, soliście tego baletu, długą owację na stojąco, a sam Diagilew również wysoko ocenił jego taniec. W Londynie „Apollo Musagete” pokazano 11 razy – na 36 produkcji repertuaru.

Alexandra Danilova i Serge Lifar w Apollo Musagete, 1928

1929 stał się rok ostatni rok istnienie Baletu Rosyjskiego Diagilewa. Wiosną i wczesnym latem trupa aktywnie koncertowała w Europie. Następnie na przełomie lipca i sierpnia odbyła się krótka wycieczka po Wenecji. Tam zdrowie Diagilewa nagle się pogorszyło: z powodu zaostrzenia cukrzycy doznał udaru mózgu, na który zmarł 19 sierpnia 1929 r.

Po śmierci Diagilewa jego trupa rozpadła się. Balanchine wyjechał do USA, gdzie został reformatorem amerykańskiego baletu. Myasin wraz z pułkownikiem de Basil założył trupę „Rosyjski Balet Monte Carlo”, która zachowała repertuar „Rosyjskiego Baletu Diagilewa” i pod wieloma względami kontynuowała jego tradycje. Lifar pozostał we Francji i kierował zespołem baletowym Wielkiej Opery, wnosząc ogromny wkład w rozwój baletu francuskiego.

Dysponując genialną intuicją artystyczną, aby przewidzieć wszystko nowe lub odkryć jako nową zapomnianą sztukę minionych epok, Diagilew mógł realizować każdy ze swoich pomysłów z fantastyczną wytrwałością. Stawiając na szali swoje nazwisko i majątek, kusząc swoimi pomysłami przyjaciół, rosyjskich kupców i przemysłowców, pożyczył pieniądze i zainwestował je w nowe projekty. Dla Siergieja Diagilewa było tylko dwóch idoli, których czcił przez całe życie - Sukces i Chwała.

Wybitna osobowość, posiadacz wyjątkowego daru odkrywania talentów i zaskakiwania świata nowością, Siergiej Diagilew wniósł do świata sztuki nowe nazwiska wybitnych choreografów - Fokine, Myasin, Niżyński, Balanchine; tancerze i tancerze - Niżyński, Wiltzack, Woitsekhovsky, Dolin, Lifar, Pavlova, Karsavina, Rubinstein, Spesivtseva, Nemchinova, Danilova. Stworzył i zrzeszył wspaniałą trupę utalentowanych artystów chóralnych.

Wielu współczesnych, a także badaczy życia i twórczości Diagilewa, zgadza się, że główną zasługą Siergieja Pawłowicza był fakt, że organizując swoje „Rosyjskie sezony”, faktycznie rozpoczął proces ożywienia sztuki baletowej nie tylko w Rosji, ale przez cały czas świat. Powstające w jego przedsiębiorstwie balety są nadal chlubą największych scen baletowych świata iz powodzeniem wystawiane są w Moskwie, Petersburgu, Londynie, Paryżu i wielu innych miastach.