La verdad sobre la naturaleza del origen del arte está oculta en la antigüedad. Muchos científicos han estado buscando respuestas a la pregunta sobre el origen del arte durante siglos, pero hasta ahora no se sabe demasiado sobre la actividad artística de la humanidad en las primeras etapas de desarrollo. Aquellas obras que han sobrevivido hasta nuestros días (pinturas rupestres, esculturas hechas de piedra y hueso) aparecieron mucho antes de que se formara la idea consciente del hombre sobre la creatividad artística. Los orígenes del arte pueden considerarse una sociedad primitiva, cuando aparecieron los primeros intentos de representar el mundo que nos rodea. Tal transferencia de las propias ideas contribuyó al surgimiento de una nueva forma de comunicación entre las personas, así como a los primeros rudimentos del aprendizaje, porque. brindó la oportunidad de preservar y transferir conocimientos y habilidades.

Actualmente existen muchas teorías sobre el origen del arte basadas en datos arqueológicos (se trata del descubrimiento de las primeras pinturas rupestres en la cueva de Altamira en España a finales del siglo XIX), investigaciones etnográficas e investigaciones en lingüística (el descubrimiento de capas arcaicas de cultura artística en el arte popular tradicional). Enumeramos solo algunos de ellos:

1. Teoría biológica del origen del arte, basado en la teoría de Ch. Darwin. La teoría afirma que la habilidad para el arte, para la creatividad artística es una habilidad innata de una persona, recibida por ella de la naturaleza. Sin embargo, las "leyes de la belleza" evolucionaron durante muchos miles de años. Después de todo, una persona, al comunicarse con la naturaleza, en el proceso de actividad laboral comenzó a sentir la belleza, luego la incorporó en sus obras y, finalmente, comprendió las leyes de la belleza. En este proceso de creación artística surge y se desarrolla el sentido estético del hombre.

2. Teoría del origen erótico del arte surgió bajo la influencia de las enseñanzas de Sigmund Freud y Carl Jung. Los defensores de la teoría creen que una obra de arte contiene imágenes que nacen de la fantasía de una persona y son una especie de "sueños despiertos", y la creatividad artística es una expresión de un deseo erótico refractado y brinda satisfacción indirecta. Según los investigadores, muchas tramas de creatividad primitiva tocan temas tan importantes para una persona como la maternidad y la muerte, y encuentran erotismo subconsciente en los patrones rítmicos de primitivismo (adornos).

3. Teoría de juegos del origen del arte. Los fundadores de esta teoría, F. Schiller, G. Spencer, G. Allen, K. Gross y K. Lange, ven la razón principal del surgimiento del arte como la necesidad de gastar energía que no se ha gastado en la actividad laboral. Por lo tanto, definen el juego como una actividad asociada a un exceso de poder humano, que no se dirige a fines específicos, sino que se expresa libremente. Según los autores, el juego es siempre imitación.

Hasta cierto punto, esta teoría es una teoría de la libertad, de la libre creatividad. F. Schiller consideraba el juego como la entrada de una persona desde la esfera de la necesidad a la esfera de la creatividad. Tan pronto como una persona tenía tiempo libre, su fuerza comenzaba a manifestarse estéticamente en la creatividad. De hecho, hasta ahora, para crear, estas condiciones son necesarias: tiempo libre y fuerzas no utilizadas. Esta teoría está imbuida del patetismo de la creatividad libre y la salida de una persona de la esfera de la vida cotidiana a una esfera más característica y agradable para él: la creación libre. Los primeros ejemplos de creatividad: las huellas dactilares, las líneas libres en zigzag contienen un carácter espontáneo y lúdico.

4. La teoría mágica del origen del arte fue desarrollado por S. Reynack . Según esta teoría, las raíces del arte se encuentran en numerosos ritos mágicos primitivos y, sobre todo, ritos asociados con una caza exitosa. Para estos rituales, las personas crearon imágenes de animales atravesados ​​por flechas, que tenían un propósito mágico: traer buena suerte, atraer presas y proteger al cazador. De hecho, tales imágenes crean un sentimiento muy natural y poderoso y llevan mucha información para el mago. Además de las imágenes de animales, vemos con frecuencia la imagen de los propios magos realizando el ritual de los chamanes. Según esta teoría, fueron los chamanes los primeros artistas y músicos, y las obras de arte llevaban la huella de una acción mucho más importante: el rito mágico en sí.

5.Teoría del pragmatismo, cuyos adherentes creen que la creación de las primeras obras de arte perseguía objetivos sociales claros. Comunicación, unificación comunitaria, conocimiento del mundo, transferencia de información sobre el mundo de adultos a niños. Es decir, todas estas obras fueron creadas para los objetivos sociales específicos de esta tribu.

Teorías del origen de las artes

1. Teoría biológica del origen del arte.
Esta teoría tiene su origen en las ideas de Charles Darwin. Los partidarios de este concepto ven el comienzo del arte en adornarse para satisfacer la necesidad de llamar la atención de un ser vivo del sexo opuesto.
La teoría se basa en la opinión de que la habilidad para el arte, para la creatividad artística es una habilidad innata de una persona, que la recibe de la naturaleza. Sin embargo, las "leyes de la belleza" evolucionaron históricamente, gradualmente. Comenzaron a surgir a partir del momento en que, en el trabajo, en comunión con la naturaleza, una persona comenzaba a sentir la belleza, luego la encarnaba en sus obras y, finalmente, comprendía las leyes de la belleza. En este proceso de creación artística surge y se desarrolla el sentido estético del hombre.
2. Teoría psicoanalítica del origen del arte.
Z. Freud es considerado el fundador de esta teoría. En su opinión, el arte surge de los conflictos afectivos de la psique, el arte es una forma de represión y sublimación de las pulsiones humanas (el uso de la energía de las pulsiones elementales para fines superiores).
3. Teoría de juegos del origen del arte.
Los fundadores de esta teoría pueden ser considerados G. Spencer, G. Allen, K. Gross y K. Lange. Estos científicos ven que la razón principal del surgimiento del arte es la necesidad de gastar energía, que no se gastó en la actividad laboral. Y también, la razón del surgimiento del arte es la necesidad de “entrenamiento” para la asimilación de roles sociales.

Clasificación.

Clasificación del arte:
- según la forma de existencia
*espacio (pintura, gráfica, escultura, artes decorativas, arquitectura)
* temporal (música, word art)
* espacio-temporal (teatro, cine, danza).
- en relación con el espacio:
Hay tres tipos de artes espaciales:
* caballete (pinturas de 2,3 dimensiones) (pintura de caballete, gráficos de caballete, etc.),
* monumental (escultura monumental, pintura mural, etc.)
* aplicada (arquitectura típica de masas, pequeñas artes plásticas, pintura en miniatura, gráfica industrial, carteles, etc.).
- según el mensaje de la imagen artística a la audiencia y a los oyentes:
* fino (pintura, gráfica, escultura, etc.)
* expresivo (música, danza, arquitectura, etc.)
* verbal (literatura)
* mixta, sintética (teatro, cine, etc.)
- por género (tipos de obras basadas en características comunes):
Principio temático de la selección de géneros (basado en el ámbito de la realidad reflejada en la obra):
*doméstico*amor*batalla*bodegón*aventurero*histórico* paisaje
En el arte contemporáneo, existe una tendencia a negar el género como una forma estable de creatividad artística (posmodernismo).
Hay artes y pseudoartes. Tipos de "pseudo-artes":
el arte como: 1. Entretenimiento2. "magia" 3. "misterio" 4. "instrucción" 5. "sermón". .

Caballete y arte monumental

arte de caballete

término que se refiere a obras de pintura, escultura y gráfica que tienen un carácter independiente y no están destinadas directamente a ningún edificio, publicación, etc. La expresividad ideológica y artística de las obras de S. e. no cambia dependiendo de dónde se encuentren. Los términos. y." desciende de la "máquina" sobre la que se desarrollan las obras de S. y .; en pintura, por ejemplo, es un caballete. Amplio desarrollo de S. y. recibidos desde el Renacimiento y especialmente en el siglo XIX.

arte monumental

especie de artes plásticas. cubre una amplia gama de obras creadas para un entorno arquitectónico específico y que corresponden a él con sus cualidades ideológicas ... incluyen Monumentos y monumentos, decoración escultórica, pictórica, mosaico de edificios, vidrieras, escultura urbana y de parques, fuentes, etc. El arte monumental incluye obras de grandes formas, que actúan en síntesis con la arquitectura, diseñadas para la percepción masiva. Estas son pinturas murales, mosaicos, vidrieras, monumentos, estructuras conmemorativas, esculturas de parques. Síntesis con la arquitectura, la participación en el diseño del espacio urbano deja una huella en las formas del arte monumental, determina el tamaño, la forma, el carácter de las proporciones,

Tipos de artes.

Arquitectura, pintura, escultura, gráfica, artes y oficios, teatro y artes decorativas.

La escultura como un tipo de arte.

La escultura es escultura, cuyas obras plásticas tienen una forma tridimensional tridimensional y están hechas de materiales sólidos o plásticos.
La escultura es un arte espacial y visual que explora el mundo en imágenes plásticas, las cuales están impresas en materiales que pueden transmitir la imagen viva de los fenómenos.
La escultura muestra cierta cercanía con la arquitectura: también trata el espacio y el volumen, obedece a las leyes de la tectónica y es de naturaleza material. Pero a diferencia de la arquitectura, no es funcional, sino pictórica. Las principales especificidades de la escultura son la corporalidad, la materialidad, el laconismo y la universalidad.
La materialidad de la escultura se debe a la capacidad de una persona para sentir el volumen. Tipos de escultura:
- plástico pequeño [glíptica antigua - tallado en minerales semipreciosos; talla de hueso; figuritas de diferentes materiales, amuletos y talismanes; medallas, etc.];
- escultura de formas pequeñas [figurillas de hasta medio metro];
- escultura de caballete [una estatua destinada a la vista circular];
- escultura monumental y decorativa [relieves, frisos en las paredes, estatuas en los frontones, atlantes y cariátides, decoraciones de fuentes, etc.];
- monumental [lápidas, monumentos, monumentos]. Los principales medios estéticos de la escultura son el volumen, la silueta, las proporciones, el claroscuro, es decir. construcción de una forma tridimensional, modelado plástico, desarrollo de una silueta, textura, material, a veces color.

6 arte primitivo y tradicional.este un nombre moderno y arraigado para varios tipos de bellas artes que surgieron en la Edad de Piedra y duraron alrededor de 500 mil años. En el Paleolítico, la antigua Edad de Piedra, estaba representado por música, bailes, canciones y rituales primitivos, así como geoglifos, imágenes en la superficie de la tierra, dendrógrafos, imágenes en la corteza de los árboles e imágenes en pieles de animales, varios las decoraciones corporales con pigmentos de colores y todo tipo de elementos naturales, como cuentas, siguen siendo populares hoy en día. Pero todo lo anterior no es capaz de resistir el embate del tiempo destructivo. Por lo tanto, solo se conservaron y fueron descubriendo signos abstractos, tallados artificialmente en superficies de roca superdura, así como pinturas rupestres animalistas, esculturas antropomórficas de pequeñas formas hechas de hueso y piedra, grabados y bajorrelieves en hueso, azulejos de piedra y un cuerno de la época del Paleolítico Superior (35.000 - 30.000 mil años) A partir de la antigüedad clásica, los artistas se esfuerzan por expresar su estilo individual y originalidad en sus obras. En el arte popular, la individualidad también está presente, pero da paso a la tradición en primer lugar. Y la tradición conserva durante siglos e incluso milenios no solo la forma de las imágenes, sino también sus características compositivas. Esta es la principal similitud entre el arte tradicional y el primitivo. El arte tradicional está íntimamente relacionado con la conciencia colectiva ritual-mitológica, que junto con las creencias y los cultos, precursores de las religiones desarrolladas, acumularon un sistema de conocimientos positivos propios de cada grupo étnico. El arte, de hecho, es un medio de transmisión de este conocimiento genérico.En el arte tradicional, la calidad estética de una obra no es un fin en sí mismo. Las obras de arte tradicional atestiguan que el arte tradicional, muy diverso en sus manifestaciones nacionales, tribales y regionales, tiene profundas raíces locales, conectadas por las leyes de la continuidad histórica con el arte de épocas anteriores. Un sinónimo del concepto de "arte tradicional" puede considerarse "arte popular (arte)". El arte popular se entiende como algo primordial, autóctono, originariamente inherente a una determinada etnia, tribu o nacionalidad.

Géneros de bellas artes.

Según el tema de la imagen:

1Paisaje, 2 Naturaleza muerta , 3 Retrato, Animal - representación de animales 5 Hogar - representación de la vida de las personas , Batalla - la imagen de las hostilidades , épica fabulosa

4Carácter histórico de la imagen (caricatura, caricatura).

8Afirmación del problema de síntesis:

Síntesis de las artes.

Síntesis de artes, una combinación orgánica de diferentes artes o tipos de arte en un todo artístico, que organiza estéticamente el entorno material y espiritual de la existencia humana. La arquitectura y el arte monumental tienden constantemente a unirse, creando una síntesis arquitectónica y artística en la que la pintura y la escultura, al tiempo que realizan tareas propias, también amplían e interpretan la imagen arquitectónica. Esta síntesis espacio-plástica suele implicar artes y oficios (mediante los cuales se crea un entorno objetivo que rodea a una persona), así como, a menudo, obras de arte de caballete.

Una combinación de diferentes tipos de arte que tiene un impacto estético multilateral. La unidad de los componentes de la síntesis de las artes está determinada por la unidad del diseño ideológico y artístico. La síntesis arquitectónica y artística de las artes está formada por la arquitectura, las bellas artes y las artes decorativas (conjunto arquitectónico, edificio, interior). Performance, cine: una síntesis de dirección, actuación, literatura, música, artes visuales, etc.

Edificios megalíticos.

estructuras prehistóricas hechas de grandes bloques de piedra, conectados sin el uso de cemento o mortero de cal Un grupo separado son las estructuras megalíticas, es decir, los objetos que consisten en gran parte en megalitos. Se distribuyen por todo el mundo. En Europa, por ejemplo, se trata de Stonehenge, edificios de la cultura cretense-micénica o Egipto. Su rasgo característico común son los bloques de piedra que a veces pesan más de cien toneladas, a menudo extraídos de canteras ubicadas a decenas de kilómetros de distancia, a veces con una gran diferencia de altura con respecto al sitio de construcción. Como regla general, las estructuras megalíticas no sirvieron como vivienda, y desde el período de construcción hasta el día de hoy, no se han registrado registros sobre las tecnologías y el propósito de la construcción. El tipo de monumento megalítico más complejo en términos de planificación son los cromlechs. Se trata de hileras concéntricas de pilares-menhires conectados por bloques de piedra-vigas. En los cromlechs, incluido el más grande, situado en Stonehenge (Inglaterra) y pertenecientes a la Edad del Bronce, existe un sistema estrictamente pensado para la disposición de los bloques de piedra. Los dólmenes están muy extendidos (del bretón "tol" - una mesa, que representa un tipo de estructura arquitectónica completamente terminada, ya que además del volumen externo, también hay uno interno en ellos. Se han derrumbado restos de otros tipos de estructuras megalíticas para nosotros, incluidos los sitios para realizar ritos mágicos, debido a las peculiaridades de la existencia de las personas de esa época.

Arte del Reino Medio

La literatura del Reino Medio nos trajo reflexiones sobre los problemas del ser, dudas sobre la posibilidad de una vida futura, como lo demuestran los monumentos escritos de esa época: "Lamento de Ipuwer" y "Profecía de Neferti".

El faraón sigue siendo deificado, pero ya no reina tan absolutamente. Las grandes tumbas piramidales fueron sustituidas durante el Imperio Medio por tumbas excavadas en la roca o pequeñas pirámides hechas de ladrillo en bruto, lo que no era tan ruinoso para el país, pero resultaba muy frágil. La entrada a las tumbas rupestres estaba decorada con pórticos, en los que se puede ver el prototipo del orden dórico griego.

Los murales se están volviendo muy populares en la decoración de las tumbas. Las paredes de las tumbas de los nomarcas estaban decoradas en su mayoría con murales y no con relieves multicolores. Poco a poco, se están produciendo cambios en los cánones de la construcción en relieve, los artistas se esfuerzan por representar a una persona tal como es.

Frisos estrictos y tranquilos dan paso a escenas agrupadas con mayor libertad, los colores se vuelven más suaves y transparentes.

desarrolló un nuevo tipo de escritura cursiva: la escritura hierática comercial. Se diferenciaba de la antigua escritura egipcia y la escritura jeroglífica.

Síntesis de isk en el antiguo Egipto

La síntesis de las artes es una combinación orgánica de varios tipos de bellas artes y artes decorativas con la arquitectura, con el objetivo de crear una obra arquitectónica y artística holística. La síntesis de las artes en el antiguo Egipto se podía observar en el ejemplo de: Estatuas de templos rupestres (arco + escultura) Escritos en las paredes (arco + caligrafía) Columnas decoradas (arco + pintura)

Un ejemplo destacado de la síntesis del egipcio pueden considerarse las catacumbas de Kom-esh-Shuqaf en Alejandría, que representan imágenes complejas de deidades greco-egipcias. La fusión sintética de las culturas grecorromana y egipcia condujo a nuevas formas en el arte y la religión, pero Egipto nunca fue romanizado ni nivelado en la medida en que las provincias occidentales del Imperio Romano fueron romanizadas y latinizadas. La síntesis de las tradiciones egipcias antiguas y antiguas en las artes visuales dio lugar a un nuevo tipo de arte greco-egipcio.m

Vidrieras en el arte gótico

VIDRIOS: una composición decorativa ornamental o de trama (en una ventana, puerta, en forma de panel independiente) hecha de vidrio u otro material que transmite luz. Las vidrieras de colores en las ventanas (por ejemplo, en las catedrales góticas) crean un juego de luces de colores en el interior. Fresco reemplazado vitral. Las vidrieras colocadas en los huecos de las ventanas llenaron de luz el interior de la catedral, pintadas en colores suaves y sonoros, que creaban un efecto artístico extraordinario.

Casi hasta mediados del siglo XII, las ventanas de los templos permanecieron relativamente pequeñas, por lo que solo cabían vidrieras pequeñas que representaban varias escenas o una figura grande. Pero después de 1150, comenzó el proceso de "disolución" gradual del muro: el tamaño de las ventanas aumentó constantemente. Al final, quedaron tan pocas superficies de pared lisas que la arquitectura se redujo esencialmente a marcos de ventanas. El primer pico en el desarrollo de esta tendencia fueron las catedrales construidas a finales del siglo XII en Soissons, Bourges y Chartres (Francia) y en Canterbury (Inglaterra). Los grandes ventanales de estos edificios estaban decorados con placas de vidrio coloreado, formando ciclos narrativos cuyos numerosos episodios creaban una única estructura geométrica. Es cierto que las vidrieras de las ventanas del nivel superior de la nave central todavía contenían solo una o dos escenas o una figura. En la primera mitad del siglo XIII, en las regiones de habla alemana, se formó un estilo pictórico especial y, junto con variantes del gótico francés temprano, entró en uso, basado en gran parte en las tradiciones del arte bizantino. Las obras sostenidas en este estilo están repletas de líneas afiladas y esquinas afiladas, razón por la cual el estilo en sí mismo fue llamado "angular". En la segunda mitad del siglo XIII, el estilo "angular" se acercó gradualmente en carácter al gótico maduro que se desarrolló en Francia. Existe la opinión de que la obra pictórica más alta creada en Europa occidental antes de Giotto, es decir, antes de la formación inicial de la gran pintura renacentista italiana, debe reconocerse no como un fresco, una pintura o una miniatura de un libro, sino

43. Periodización del arte bizantino. Trabajos mayores Imperio Bizantino - El Imperio Romano en la Edad Media con su capital en Constantinopla - Nueva Roma. 1 Período de Constantino el Grande y Justiniano. (5-8 siglos) 2período macedonio. (siglos IX-XI) Tercer período Komnin. (11-13) 4 Periodo Paleólogo. (13-15)

El edificio de Ravenna más notable del siglo VI. es la Iglesia de San Vitale, fundada en 526. y consagrada en el 547. Este es un templo abovedado céntrico. Desde el exterior, el edificio tiene poco interés: el volumen principal octogonal está seccionado por simples varillas verticales y horizontales; un tambor facetado, de forma seca, se eleva sobre ellos. Mosaico de Hagia Sophia en Constantinopla. Bizancio heredó el arte del mosaico de la antigua Roma. El mosaico estaba formado por muchas piezas de esmaltado, una aleación de vidrio con pinturas minerales. Los maestros bizantinos del mosaico utilizaron toda la gama de colores.

44. Símbolos del templo El espacio del templo y su diseño decorativo..

El altar, la parte más importante del templo, siempre se encuentra en el lado este del templo. El altar es el santuario principal del templo, consagrando todo el edificio, representa simbólicamente el "pueblo de Dios".

La parte media del templo, la “nave”, representa todo el espacio terrenal donde se encuentra la Iglesia universal de Cristo. La parte media del templo simboliza el mundo creado, pero ya deificado, santificado, justificado.

Iconostasio: consta de varias filas de iconos dispuestos en un orden determinado.

El lado occidental del templo simboliza el "país de los muertos" y el infierno. Las bóvedas, la cúpula, coronando la cúpula con la imagen de Cristo, es un símbolo de Cristo, la Cabeza de la Iglesia Universal.

pilares. - Sobre los cuatro pilares que sostienen la cúpula, están representados los que predicaron la palabra de Dios: apóstoles, obispos, ascetas, mártires.

En los siglos IX-X murales de templos integrado en un sistema coherente. Los muros y bóvedas de las iglesias están cubiertos de mosaicos y frescos, dispuestos en estricto orden jerárquico y subordinados a la composición del templo. El interior crea un ambiente artístico imbuido de un único contenido, que incluye los iconos colocados en el iconostasio

45. Arte bizantino de los siglos XI-XII Características generales. Trabajos mayores . El arte bizantino fue el producto de una combinación de elementos grecorromanos y orientales.

Arquitectura continuó desarrollando los tipos de edificios existentes, dándoles una nueva interpretación. En la arquitectura de la iglesia, hay un definitivo a mediados del siglo XI. tendencia hacia las proporciones verticales de los edificios. La pintura está imbuida del espíritu de rigor y espiritualidad. Los mosaicos de este período son gráficos, cultivan la línea y el contorno cerrado. Las formas se vuelven más decorativas, ornamentales, se dibujan sutil y magistralmente, pero no tienen plasticidad terrenal. El artista buscó transmitir solo energía espiritual abstracta, la expresividad emocional de la imagen.

En la segunda mitad del siglo XI. se creó un gran ciclo de mosaicos en la iglesia del monasterio de Daphne, cerca de Atenas. Las parcelas se distribuyen en una estricta secuencia jerárquica. Continuó desarrollándose el tipo de iglesia con cúpula cruzada con una cúpula sobre un tambor ligero alto. En la segunda mitad del siglo XI Difundir joyas manera cuidadosa de la ejecución de pequeños dibujos, entretejidos en el texto, decorando. - crucifixión. Mosaicos de la iglesia del monasterio de Daphni. Este mosaico destaca por su especial elegancia decorativa. Las figuras de Cristo, María y Juan, perfiladas por líneas suaves, son equilibradas y armoniosas. Incluso un hilo de sangre se representa con una línea suave.

46. Síntesis de las artes en la arquitectura de los templos bizantinos. Habiendo tomado prestadas formas de la arquitectura antigua, la arquitectura bizantina las modificó gradualmente y durante el siglo V desarrolló, principalmente para la construcción de templos, un tipo de estructura que, según el plan y todo el sistema constructivo, era significativamente diferente del tipo de las antiguas basílicas cristianas. . Su característica principal es el uso de una cúpula para cubrir la parte media del edificio. La decisión de los arquitectos bizantinos fue cortar las esquinas del paralelepípedo de tal manera que las partes superiores de sus paredes adquirieran una forma arqueada. Dentro de los templos bizantinos alrededor del espacio central de la cúpula, con la excepción del lado del altar, había una galería como un coro. Los capiteles de las columnas en la arquitectura bizantina perdieron su ábaco y adoptaron la forma de una pirámide tetraédrica troncocónica, con la base más pequeña hacia abajo y recubierta de una ornamentación no especialmente convexa, cuyos motivos son hojas de acanto y otras formas del reino vegetal. El interior del edificio no se distinguía por la riqueza y complejidad de los detalles arquitectónicos, pero sus paredes estaban revestidas desde abajo con costosas variedades de mármol, y en la parte superior, al igual que las bóvedas, estaban ricamente decoradas con imágenes doradas y mosaicos. sobre fondo dorado o pintura al fresco. En relación con la difusión de la ortodoxia en todo el mundo, se hizo posible una gran variedad de arquitectura de templos. Basado en las tradiciones de la arquitectura bizantina, es una síntesis de técnicas y cánones de construcción y decoración antiguos con rasgos estilísticos característicos de la arquitectura de una región en particular. Por lo tanto, dentro del marco de una denominación cristiana, se han incorporado estructuras de templo originales y únicas, que reflejan no solo la esencia de la enseñanza cristiana, sino también la cosmovisión de un pueblo individual.

Creatividad de Teófanes el Griego.

Theophan the Greek (alrededor de 1340 - alrededor de 1410) - el gran pintor de iconos ruso y bizantino, miniaturista y maestro de las pinturas al fresco monumentales.
Feofan piensa una figura tridimensionalmente, plásticamente. Imagina claramente cómo se ubica el cuerpo en el espacio, por lo que, a pesar del fondo convencional, sus figuras parecen estar rodeadas de espacio, viviendo en él. Fn concedió gran importancia a la transferencia de volumen en la pintura. Su método de modelado es eficaz, aunque a primera vista parezca incompleto e incluso descuidado. Un milagro siempre está invisiblemente presente en el arte de F-n. Teófanes el griego fue uno de los maestros bizantinos. Antes de llegar a Novgorod, el artista pintó más de 40 iglesias de piedra. Trabajó en Constantinopla, Calcedonia, Galata, Caffa. Poseedor de un gran talento pictórico, Feofan pintó figuras con grandes trazos. Sobre el relleno original, aplicó reflejos blancos intensos, grises azulados y rojos.
Teófano el griego hizo sus primeras obras en Rusia en Novgorod. Se trata de los frescos de la Catedral de la Transfiguración del Salvador, entre los que destaca el busto del Salvador Todopoderoso en la cúpula central. Lo principal en la pintura es la exaltación de la hazaña ascética, la expectativa del apocalipsis. El griego trabajó más tarde en Nizhny Novgorod, participando en la creación de iconostasios y frescos en la Catedral Spassky, que no han sobrevivido hasta nuestros días. Teófanes el griego fue mencionado por primera vez en Moscú en 1395. La producción del icono de doble cara "Nuestra Señora del Don" está asociada con el taller de Feofan, en cuyo reverso se representa la "Asunción de la Virgen".
La "Asunción" representa lo que generalmente se representa en los íconos de esta gráfica. En el lecho del entierro de María están los apóstoles, no como los estrictos hombres griegos. Se acurrucaron alrededor de la cama sin ningún orden en particular. No es un dolor ilustrado conjunto, sino el sentimiento personal de cada uno: confusión, sorpresa, desesperación, reflexión dolorosa sobre la muerte, se lee en sus rostros sencillos. Muchos parecen no poder mirar a la María muerta. Sobre el lecho de María, sobre las figuras de los apóstoles y santos, Cristo, resplandeciente de oro, se eleva con el alma de la Madre de Dios en sus manos. Los apóstoles no ven a Cristo, su mandorla es ya una esfera de lo milagroso, inaccesible al ojo humano. El sonido agudo de los colores de la Asunción, por así decirlo, revela el grado extremo de tensión espiritual en el que residen los apóstoles. Hay un detalle en la "Asunción" de Theophan que parece concentrar el dramatismo de la escena que se desarrolla. Esta vela encendida en el lecho de la Madre de Dios. Situada en el mismo centro, en el mismo eje que la figura de Cristo y el querubín, la vela del icono de Teófano parece estar llena de un significado especial. Según la tradición apócrifa, María lo encendió antes de enterarse por un ángel de su muerte. La vela se apaga, lo que significa que se acaba el tiempo de la despedida terrenal de María. Dentro de unos instantes desaparecerá el Cristo radiante, su mandorla, clavada como una clave de bóveda, un querubín de fuego. Hay pocas obras en el arte mundial que con tanta fuerza te hagan sentir el movimiento, la fugacidad del tiempo, indiferente a lo que cuenta, llevando inexorablemente todo a su fin.
En la Catedral Spaso-Preobrazhensky de Pereyaslavl-Zalessky, Feofan pintó la Iglesia del Arcángel Miguel en 1399, y en 1405, la Catedral de la Anunciación junto con Andrei Rublev. El iconostasio de la Anunciación es el más antiguo de los iconostasios rusos que han sobrevivido hasta nuestros días.

56 Creatividad de Andrey Rublev.
La formación de la cosmovisión de Rublev estuvo muy influenciada por la atmósfera del levantamiento nacional de la segunda mitad del siglo 14 - principios del siglo 15. En sus obras, encarnó una comprensión nueva y sublime de la belleza espiritual y la fuerza moral del hombre. Ejemplo: los íconos del rango de Zvenigorod ("Salvador", "Apóstol Pablo", "Arcángel Miguel"), que se caracterizan por contornos suaves y lacónicos, una amplia forma de pintar está cerca de las técnicas de pintura monumental.
En 1405, Rublev, junto con Theophan the Greek y Prokhor de Gorodets, pintaron la Catedral de la Anunciación del Kremlin de Moscú (los frescos no han sobrevivido), y en 1408 Rublev, junto con Daniil Cherny y otros maestros, pintaron la Catedral de la Asunción en Vladimir. (la pintura se conservó parcialmente) y creó íconos para su monumental iconostasio de tres niveles, que se convirtió en una etapa importante en la formación del alto sistema de iconostasio ruso. De los frescos de la Catedral de la Asunción, la composición más significativa es El Juicio Final, donde la escena tradicionalmente formidable se convirtió en una brillante celebración del triunfo de la justicia, afirmando el valor espiritual del hombre.
En 1425-27, Rublev, junto con Daniil Cherny y otros maestros, pintó la Catedral de la Trinidad del Monasterio Trinity-Sergius y creó los íconos de su iconostasio. están hechos de diferentes maneras y son desiguales en calidad artística. En una serie de obras posteriores, logró crear imágenes impresionantes, sienten notas dramáticas que antes no eran características de él ("El apóstol Pablo"). El colorido de los íconos es más sombrío en comparación con los primeros trabajos; en algunos iconos se realza el inicio decorativo.
También se le atribuyen varias obras, cuya pertenencia al pincel de Rublev no ha sido definitivamente probada: los frescos de la Catedral de la Asunción en el "Gorodok" en Zvenigorod, íconos - "Vladimir Madre de Dios", "Salvador en el Fuerza”, parte de los íconos del rango festivo (“Navidad”, “Bautismo”, “La Resurrección de Lázaro”, “Transfiguración”, “Entrada a Jerusalén”), parte de las miniaturas del Evangelio de Khitrovo
Casi todos los personajes están inmersos en un estado de contemplación silenciosa, que puede llamarse "pensamiento en Dios" o "especulación divina"; no tienen influencias internas.
El sentido clásico de la composición, los ritmos, cualquier forma individual, encarnada en la claridad, la armonía, la perfección plástica, Andrei Rublev es tan impecable como los maestros griegos del primer tercio del siglo XV.
El trabajo de Rublev es uno de los picos de la cultura rusa y mundial.. Ya durante la vida de Andrei, sus íconos fueron muy valorados y venerados como milagrosos.

57 "Trinidad" de Andrey Rublev . alrededor de 1412 creó su obra maestra: el icono "La Trinidad que da vida". Rublev llenó la historia bíblica tradicional con un profundo contenido teológico. La historia bíblica formó la base de la iconografía de la Trinidad. El que dijo que la primera persona que vio a Dios fue el justo anciano Abraham. Dios se le apareció en forma de tres ángeles. Abraham supuso que bajo la apariencia de tres extraños estaba aceptando las tres caras de la Trinidad. Lleno de alegría, los sentó bajo el dosel del roble Mamre, ordenó a su esposa Sarah que cociera panes sin levadura con la mejor harina, y al joven sirviente que sacrificara un tierno ternero.Alejándose de la iconografía tradicional, André Rublev colocó un solo cuenco en el centro de la composición, y repetía sus contornos en los contornos laterales de los ángeles. Las vestiduras del ángel del medio (túnica roja, himation azul, raya cosida - clave) nos remiten claramente a la iconografía de Jesucristo. Dos de los que están sentados a la mesa con la cabeza y el movimiento del campamento se vuelven hacia el ángel, escrito a la izquierda, en el que se lee la autoridad paterna. Su cabeza no está inclinada, su campamento no está inclinado y su mirada está dirigida a otros ángeles. El color púrpura claro de la ropa atestigua la dignidad real. Todo esto es una indicación de la primera persona de la Santísima Trinidad. Finalmente, el ángel del lado derecho está representado con una prenda exterior de color verde humo. Esta es la hipóstasis del Espíritu Santo, detrás de la cual se eleva la montaña. Hay varios símbolos más en el icono: un árbol y una casa. El árbol, el roble Mamvrian, se convirtió en Rublev en el árbol de la vida y se convirtió en una indicación del poder vivificante de la Trinidad. La casa encarna la dispensación de Dios. La casa está representada detrás de la espalda de un ángel con los rasgos del Padre (Creador, Jefe de la construcción de la Casa), el Árbol está detrás de la espalda del ángel del medio (Hijo de Dios), la Montaña es un símbolo de la admiración del espíritu, es decir, ascensión espiritual, a espaldas del tercer ángel (Espíritu Santo).En el ángel central se destaca un expresivo contraste de manchas de colores cereza oscuro y azul, así como una exquisita combinación de ocre dorado con un delicado "repollo relleno" y vegetación. Y los contornos exteriores forman un 5-ágono, simbolizando la estrella de Belén. "Trinity" está diseñado para puntos de vista lejanos y cercanos, cada uno de los cuales revela la riqueza de matices, el trabajo virtuoso del pincel de una manera diferente. La armonía de todos los elementos de la forma es una expresión artística de la idea principal de la "Trinidad": el autosacrificio como el estado más alto del espíritu, creando la armonía del mundo y la vida.

58 obras de Dionisio
DIONISY (c. 1440 - después de 1502), pintor de iconos y pintor, uno de los más grandes artistas de la Santa Rusia.

Dionisio pintó la Catedral de la Natividad del Monasterio Pafnutiev Borovsky (1467-76); iconos pintados para el iconostasio de la Catedral de la Asunción del Kremlin de Moscú; íconos y frescos de la iglesia catedral del Monasterio Joseph-Volokolamsky (después de 1485). En los íconos y frescos de Dionisio, en comparación con el arte de la era de Andrei Rublev, se manifiesta la uniformidad de las técnicas, las características de la festividad y la decoración, ante lo cual la expresividad psicológica de las imágenes retrocede un poco. Los iconos de Dionisio, con su dibujo delicado y colorido exquisito, con figuras gráciles fuertemente alargadas, se caracterizan por la elegancia y solemnidad ("Odegetria la Madre de Dios", 1482; "El Salvador en la Fuerza", "Crucifixión", ambos 1500; íconos para el Monasterio de Ferapontov, 1500-02, junto con sus hijos Vladimir y Theodosius Muchas obras se atribuyen al pintor de íconos sobre la base del análisis estilístico. A pesar de la vulnerabilidad de esta situación, aún debemos estar de acuerdo con ejemplos individuales que se han establecido. en historia del arte. Las pinturas creadas por Dionisio y sus hijos en la catedral del Monasterio Ferapontov cerca de la ciudad de Kirillov (1500-02) se encuentran entre los ejemplos más perfectos del arte monumental medieval ruso, donde las tareas ideológicas, figurativas y decorativas son orgánicamente resuelto en un armonioso e integral sistema de murales gama cromática fría, el predominio de la luz sombras. El hecho de que Dionisio sintiera la necesidad de comprender las Sagradas Escrituras de una manera nueva, comprender los textos dogmáticos y expresar su comprensión mediante los métodos de pintura, creando imágenes completamente nuevas y vívidas, sugiere que la comunicación con los herejes de Moscú (el círculo de diáconos Fyodor Kuritsyn) no pasó por artista sin dejar rastro.

Un rasgo característico de su arte eran las figuras estrechas y elegantes, el dibujo delicado y seguro y, a menudo, los colores claros y transparentes. Pintó frescos en el Monasterio de Pafnutiev, la Catedral de la Asunción, donde trabajó junto con los pintores de iconos Timothy, Horse y Yarez. Trabajó en el Monasterio Joseph-Volotsky y con sus hijos pintó frescos e íconos en el Monasterio Ferapontov. Creó el famoso icono "Bautismo".

59 Arte italiano del período prerrenacentista. Características generales. Obras principales., En la cultura italiana de los siglos XIII-XIV. en el contexto de tradiciones bizantinas y góticas aún fuertes, comenzaron a aparecer características de un nuevo arte: el futuro arte del Renacimiento. Por lo tanto, este período de su historia se denominó protorrenacentista. En la cultura italiana de los siglos XIII-XIV. en el contexto de tradiciones bizantinas y góticas aún fuertes, comenzaron a aparecer características de un nuevo arte: el futuro arte del Renacimiento. Por lo tanto, este período de su historia se denominó protorrenacentista. El arte del protorrenacimiento se caracteriza por una tendencia al reflejo visual de la realidad, un comienzo secular y un interés por el patrimonio antiguo, desde las primeras décadas del siglo XIV. el protagonismo en el arte comienza a trasladarse paulatinamente a cuadro.

Los pintores italianos estuvieron estrechamente asociados con el estilo de pintura bizantino y, por lo tanto, se retrasaron en la transición al arte protorrenacentista. Pero cuando a finales del siglo XIII. hubo un gran avance, luego la sólida base de la tradición bizantina sirvió como un apoyo confiable y los artistas italianos hicieron una verdadera revolución en el pensamiento pictórico.

Después de todo, con todo el esquematismo de la pintura bizantina, mantuvo una conexión con la herencia helenística. En los cánones estáticos y abstractos se conservan las antiguas técnicas de modelado en claroscuro y escorzo. Lo que se necesitaba era un artista brillante capaz de superar el hechizo de la rigidez bizantina para entrar en un nuevo espacio artístico.

El arte italiano encontró tal genio frente a Pintor florentino Giotto di Bondone. En el mayor ciclo de frescos de la Capilla del Arena en Padua, se puede ver una desviación de la tradición medieval: en lugar de un número limitado de evangelios canónicos completo, cada uno de los cuales adquirió un significado simbólico, Giotto creó una narrativa histórica coherente, que incluía una amplia gama de temas. Los frescos están dispuestos en filas pares y encerrados en rectángulos. Entre los frescos más famosos se encuentra la "Muerte de San Francisco".

La Última Cena de Leonardo

La ÚLTIMA CENA es la última cena, en ideas cristianas, la última comida (cena) conjunta de Jesucristo y los doce apóstoles en la víspera del día (Viernes Santo) de la muerte de Cristo en la cruz. Durante la Última Cena, Cristo predice que Judas Iscariote lo traicionará y establece el sacramento de la Eucaristía (comunión), dando a los discípulos de comer pan y beber de una copa de vino.

En el refectorio del monasterio de Santa Maria delle Grazie, Leonardo crea el cuadro "La Última Cena" (1495-97; debido al arriesgado experimento que realizó el maestro, utilizando óleo mezclado con témpera para el fresco, la obra ha llegado hasta nosotros en una forma muy dañada). El alto contenido religioso y ético de la imagen, que presenta la tormentosa y contradictoria reacción de los discípulos de Cristo a sus palabras sobre la traición venidera, se expresa en claros patrones matemáticos de la composición, subyugando imperiosamente no solo lo pintado, sino también lo real arquitectónico. espacio. La clara lógica escénica de las expresiones faciales y los gestos, así como la combinación emocionantemente paradójica, como siempre con Leonardo, de estricta racionalidad con un misterio inexplicable hicieron de La última cena una de las obras más significativas de la historia del arte mundial. 21 años. El 28 de mayo de 1999, la pintura se abrió para su visualización.

Teorías del origen del arte. LA TEORÍA DEL ORIGEN DEL ARTE - 1) según la teoría religiosa del origen del arte, la belleza es uno de los nombres de Dios, y el arte es una expresión concreto-sensorial de la idea divina; 2) la teoría del juego (G. Spencer, K. Bucher, W. Fritsche, F. Schiller) interpreta el arte como un juego en sí mismo, desprovisto de todo contenido. Dado que el juego es más antiguo que el trabajo, el arte como fenómeno natural es más antiguo que la producción de objetos útiles. Su finalidad principal es el placer, el disfrute; 3) la teoría erótica (N. Nardau, K. Lange, 3. Freudi, etc.) intenta justificar el surgimiento del arte por la necesidad de atraer la atención de representantes del sexo opuesto (decoración, sonidos musicales atractivos, etc.) ; 4) la teoría de la imitación (Demócrito, Aristóteles, etc.) busca conectar la causa del surgimiento del arte con el fin social del hombre. Las razones del nacimiento del arte, Aristóteles consideró la inclinación natural del hombre a imitar, imitar a la naturaleza; 5) El marxismo pone en primer plano la práctica sociohistórica, la actividad productiva de las personas.

Clasificación del arte.

Según la dinámica del arte se puede dividir en espacial y temporario. Según la utilidad del arte, se dividen en aplicado y agraciado(limpio).

Por materiales el arte puede

Caballete y arte monumental.

arte de caballete- un tipo de bellas artes, cuyas obras son de naturaleza independiente y no tienen una finalidad decorativa o utilitaria directa (a diferencia, por ejemplo, de las obras de arte monumental o de las ilustraciones de libros). En pintura, estos son cuadros; en escultura: estatuas, bustos, grupos, relieves de caballete; en gráficos - grabados, dibujos de caballete.

arte monumental(lat. monumento, de moneo - recordar) - una de las bellas y no bellas artes plásticas espaciales; este tipo de ellas incluye obras de gran formato, creadas de acuerdo con el entorno arquitectónico o natural, la unidad compositiva y la interacción con las que ellas mismas adquieren plenitud ideológica y figurativa, y las comunican al entorno. Las obras de arte monumental son creadas por maestros de diferentes profesiones creativas y en diferentes técnicas. El arte monumental incluye monumentos y composiciones escultóricas conmemorativas, pinturas y paneles de mosaico, decoración decorativa de edificios, vidrieras, así como obras realizadas con otras técnicas, incluidas muchas formaciones tecnológicas nuevas (algunos investigadores también refieren las obras de arquitectura al arte monumental) .

Tipos de artes.

Literatura, arquitectura, música, bellas artes (incluye pintura, gráfica, escultura). Artes sintéticas: cine, teatro, etc.). artes y oficios (a menudo denominados bellas artes). Además, también comparten artes espaciales, temporales, espacio-temporales

1. La escultura como forma de arte

.

Escultura(lat. escultura, de escultura- cortar, tallar) en el sentido más amplio de la palabra, el arte de crear a partir de arcilla, cera, piedra, metal, madera, hueso y otros materiales la imagen de una persona, animales y otros objetos de la naturaleza en sus formas corporales táctiles .

Un artista que se ha dedicado al arte de la escultura se llama escultor o escultora. Su tarea principal es transmitir la figura humana en una forma real o idealizada, los animales juegan un papel secundario en su trabajo y otros objetos solo tienen el significado de oraciones subordinadas o se procesan exclusivamente con fines ornamentales.

Arte primitivo y tradicional. http://teologia.ru/www/biblioteka/esthetika/trad.iscusstvo.htm

Géneros de bellas artes. AUTORRETRATO - un retrato pintado de uno mismo.

ALEGORÍA: la imagen de conceptos abstractos a través de imágenes, criaturas y objetos específicos cercanos asociativos, generalmente dotados de atributos que explican su contenido.

ANIMALISTA - asociado con la representación de animales en pintura, escultura y gráficos; combina las ciencias naturales y los principios artísticos.

BATALLA - dedicado a representar la guerra y la vida militar.

HOGAR: asociado con la imagen de la vida cotidiana privada y pública de una persona.

GALLANT - una especie de hogar.

HISTÓRICO: uno de los principales géneros de las bellas artes, dedicado a eventos históricos del pasado y del presente, fenómenos socialmente significativos en la historia de los pueblos.

CARICATURA - un género de bellas artes que utiliza los medios de la sátira y el humor, grotesco, caricatura, hipérbole artística; imagen en la que el efecto cómico se crea mediante la exageración y la nitidez de los rasgos característicos.

MITOLÓGICO - dedicado a los eventos y héroes que cuentan los mitos.

BODEGÓN - un género de bellas artes que muestra objetos inanimados colocados en un entorno doméstico real y organizados en un grupo específico; una imagen que representa artículos para el hogar, flores, frutas, juegos rotos, peces capturados.

Desnudo: un género de bellas artes dedicado al cuerpo desnudo, su interpretación artística.

PASTORAL - una imagen de la idílica vida pacífica de pastores y pastoras en el seno de la naturaleza.

PAISAJE - una imagen de cualquier área, fotos de la naturaleza: ríos, montañas, campos, bosques, paisaje rural o urbano; según el tema de la imagen, se distinguen el paisaje arquitectónico, industrial, veduta, marina (representa el mar), paisaje histórico y fantástico (futurológico).

RETRATO - un género de bellas artes dedicado a la imagen de una persona o grupo de personas; Variedades: autorretrato, retrato de grupo, ceremonial, cámara, retrato de vestuario, retrato en miniatura, parsuna.

SUJETO Y IMAGEN TEMÁTICA: la definición de una especie de cruce de géneros tradicionales de pintura, que contribuyó a la creación de obras a gran escala sobre temas socialmente significativos con una trama claramente definida, una acción de trama y una composición de múltiples figuras.

DIBUJOS ANIMADOS: una especie de caricatura, una imagen humorística o satírica en la que se cambian y enfatizan los rasgos característicos de una persona.

El problema de la síntesis del arte. síntesis de las artes

una combinación de diferentes tipos de arte, que tiene un impacto estético multilateral. La unidad de los componentes de la síntesis de las artes está determinada por la unidad del diseño ideológico y artístico. La síntesis arquitectónica y artística de las artes está formada por la arquitectura, las bellas artes y las artes decorativas (conjunto arquitectónico, edificio, interior). Una performance, una película es una síntesis de dirección, actuación, literatura, música, bellas artes, etc.

2. Las principales etapas en el desarrollo del arte primitivo (paleolítico, mesolítico, neolítico). Ubicación de los principales monumentos.

   Pinturas rupestres y pinturas en cuevas. Lasko fr, altamira isp

Edificios megalíticos.megalitos(del griego μέγας - grande, λίθος - piedra) - Estructuras hechas de enormes bloques de piedra (aparecieron en 9-1 mil antes de Cristo) (templos de la isla de Malta, menhires, cromlechs, dólmenes)

Periodización de la cultura egipcia. Formación de los rasgos característicos del estilo egipcio.. Los pueblos del Antiguo Egipto crearon una cultura original, interesante y rica, muchos de cuyos valores ingresaron al tesoro de la cultura mundial, se convirtieron en su parte orgánica.

Ya en el arte aplicado de las comunidades primitivas, en la pintura de vasijas de barro, en las elegantes figurillas de hueso y cuerno, se pueden sentir los rasgos característicos del arte egipcio: el deseo de un despliegue frontal de las escenas representadas, la atención realista al detalle, una tendencia desarrollar cánones. Con el surgimiento de una sociedad de clases, el arte se convierte en un poderoso medio de influencia ideológica, dirigido principalmente a exaltar el poder del faraón, a afirmar la inviolabilidad del sistema existente. Hay cánones de imágenes de reyes, una especie de retratos oficiales con énfasis en cuerpos poderosos sobrehumanos, rostros dominantes y severos. La arquitectura monumental sirvió a los mismos propósitos en muchos aspectos. Ya en el período del Imperio Antiguo, esa monumentalidad grandiosa, que se convierte en un sello distintivo de la arquitectura egipcia, recibe una expresión distinta. Tales son las enormes tumbas reales: pirámides, cuya forma inicial era tumbas en forma de banco (mastabas).

La forma más antigua de pirámide es la pirámide escalonada de Djoser en Sakara. Gracias al relleno de espacios vacíos entre las repisas, se obtuvo un tipo clásico de pirámide monumental, más claramente expresado en las grandiosas pirámides construidas por los faraones de la IV dinastía: Khufu, Khafre y Menekuar. Los templos mortuorios de los faraones se construyeron cerca de las pirámides. Las paredes de estos templos estaban decoradas con relieves que representaban la vida y los hechos del rey deificado. En el templo mortuorio del faraón Sakhur y en el templo del Sol, erigido cerca de Abusir, se han conservado las columnas más antiguas, reproduciendo esquemáticamente la forma de un tallo de papiro o de una palmera. La arquitectura del Imperio Medio es el vínculo entre la arquitectura del Antiguo y el Nuevo Reino. El centro del templo monumental de Mentuhotep (XI dinastía) es una pirámide que se levanta sobre una terraza elevada. El uso extensivo de galerías con columnas, así como el carácter de semi-cueva del templo, dan testimonio de nuevas formas arquitectónicas que solo se desarrollaron por completo durante el Nuevo Reino, como se puede ver en el templo de la Reina Hatshepsut en Deir el-Bahri. Las ruinas grandiosas de los templos del Nuevo Reino, en particular la época de las dinastías XVIII-XIX, dan una idea vívida del apogeo de la arquitectura de los templos. Uno de los mayores complejos arquitectónicos de esta época fue el grandioso templo de Amón en Tebas, cuyas ruinas están bastante bien conservadas en Karnak. La colosal sala de columnas de este templo, construida bajo Seti I y Ramsés II, consta de 134 columnas macizas dispuestas en 16 filas. Las 12 columnas centrales de la gran sala tienen 21 metros de altura, el área de la sala es de 5000 metros cuadrados. metro.

Los rasgos distintivos de la escultura egipcia - frontalidad y estática casi geometrizada - aparecen por primera vez en las obras escultóricas de la época del Reino Antiguo. Representando a un dios, un rey deificado o un noble, el artista trató de dar una imagen idealizada de una persona bella y superpoderosa en una pose de grandeza solemne y tranquila. Tales son las estatuas expresivas del faraón Khafre y el noble Rahotep. Al mismo tiempo, en el relieve y en el dibujo, en particular en las imágenes de sirvientes, esclavos y gente común en general, aparecen tendencias bastante claras hacia el realismo y el movimiento. Los maestros egipcios se liberaron gradualmente de las antiguas reglas de estilización, tratando de representar el cuerpo humano en forma dinámica. A veces, estos intentos se manifestaron incluso en las imágenes de sacerdotes, funcionarios y personas nobles. Tales son las estatuas de Kaaper (el llamado jefe de la aldea) o el escriba sentado. Los mismos rasgos aparecen en los relieves y dibujos que adornan las paredes de tumbas y templos. Las tramas de los relieves y dibujos revelan toda la vida de los egipcios. Aquí se representan combatientes, agricultores, pastores y pescadores, dolientes siguiendo el cortejo fúnebre. Tales son los notables relieves de las tumbas de Saqqara y Giza. El deseo de realismo, especialmente en el retrato escultórico, se intensifica durante el Reino Medio. El artista está tratando de transmitir las experiencias internas de una persona, por ejemplo, en la colosal cabeza de Senuset III o en la cabeza de Mentuhotep. La magnífica arquitectura del Nuevo Reino fue acompañada por una escultura madura, que proporcionó ejemplos de un realismo muy artístico y, al mismo tiempo, una estilización refinada. El arte de la ilustración alcanzó un gran desarrollo en esta época, por ejemplo, magníficos dibujos sobre papiros de la colección de textos religiosos “El Libro de los Muertos”. El arte de la XVIII Dinastía culminó en la turbulenta era de Amarna, cuando se hizo un audaz intento de romper con las viejas tradiciones, no solo en el campo de la religión, sino también en el del arte. Los artistas que trabajaron en la nueva capital de Akhetaten, siguiendo las nuevas tendencias, intentaron combinar el viejo realismo con una expresividad más aguda. En el arte ha surgido un nuevo estilo artístico, basado en una peculiar representación del cuerpo humano. Al enfatizar los rasgos marcadamente individuales de una persona, el artista llegó a la caricatura y lo grotesco, incluso en las imágenes del faraón y los miembros de su familia. También se conservaron elementos de estilización, cuyo desarrollo inevitablemente condujo a nuevas formas, el arte surgió sobre la base del desarrollo anterior de la cultura egipcia y tuvo su influencia en su desarrollo posterior. Su influencia se puede rastrear en la fluidez suave de las líneas de las obras de principios de la dinastía XIX, en los relieves del templo de Abydos y el templo de Medinet-Abu, saturados de movimiento interno, en el relieve elegantemente estilizado que representa a los dolientes, almacenados en el Museo Estatal de Bellas Artes. A. S. Pushkin en Moscú.

Arte

1. Pintura egipcia, ca. 1400 aC mi.

   Durante más de 3500 años, los artistas se han adherido a las formas y cánones que se desarrollaron en la época del Imperio Antiguo, siguiendo un estricto conjunto de principios que persistieron incluso durante períodos de influencia extranjera y cambios internos. Estos estándares artísticos se expresaron en líneas simples, formas, proyección plana característica de figuras, sin indicar profundidad espacial, lo que creó una sensación de orden y equilibrio en la composición. Las imágenes y el texto estaban estrechamente entrelazados en tumbas y paredes de templos, tumbas, estelas y estatuas. Las pinturas se obtenían de minerales como el hierro (ocre rojo y amarillo), los minerales de cobre (azul y verde), el hollín o el carbón (negro) y la piedra caliza (blanca). Podrían mezclarse con goma arábiga para aumentar la viscosidad y cortarse en trozos que podrían humedecerse con agua si fuera necesario.

   Aunque los cánones del arte egipcio antiguo persistieron durante milenios, el estilo artístico de algunos períodos reflejó actitudes culturales y políticas cambiantes. Así, se encontraron frescos en estilo minoico en Avaris, que aparecieron después de la invasión de los hicsos, y durante el reinado de Akenatón Se desarrolló el "arte Amarna", que se caracteriza por una representación realista del mundo circundanteref.

   El arte del Antiguo Egipto fue redescubierto por científicos durante la campaña egipcia de Napoleón. Como resultado de la expedición, se recogieron y llevaron a Europa una gran cantidad de monumentos históricos.

   Arquitectura[editar | editar fuente]

   Articulo principal:Arquitectura del Antiguo Egipto , ver también:Pirámides de Egipto, Lista de pirámides egipcias

   La arquitectura del Antiguo Egipto es conocida por la construcción de las tumbas, las pirámides de Giza, los complejos de templos y palacios, el Templo de Luxor, los palacios de Amarna: 281.

   Las paredes exteriores e interiores de los edificios, así como las columnas, estaban cubiertas con jeroglíficos y frescos y estaban pintadas en colores brillantes. Los motivos de muchos ornamentos egipcios, como las imágenes del escarabajo o escarabajo sagrado, el disco solar y el halcón gerifalte, son simbólicos. Otros motivos comunes incluyen hojas de palma, la planta de papiro y capullos y flores de loto. Los jeroglíficos se aplicaron con fines decorativos, así como para registrar hechos históricos o hechizos. El diseño de muchos edificios religiosos se correlacionó con los fenómenos del solsticio y el equinoccio.

   

2. Pirámides de Giza

   Las pirámides de Egipto son los mayores monumentos arquitectónicos del Antiguo Egipto, entre los cuales una de las "siete maravillas del mundo" es la pirámide de Keops. Las pirámides son enormes estructuras piramidales de piedra. Algunos de ellos fueron utilizados como tumbas para los faraones del Antiguo Egipto. La palabra "pirámide" es griega. Según algunos investigadores, una gran pila de trigo se convirtió en el prototipo de la pirámide. Según otros científicos, esta palabra proviene del nombre de la torta funeraria de forma piramidal. Se han descubierto un total de 118 pirámides en Egipto. Según la versión generalmente aceptada, la primera pirámide egipcia fue construida por orden del faraón de la tercera dinastía Djoser: la pirámide escalonada en Saqqara, cuyo arquitecto, según la antigua tradición egipcia, es el más alto dignatario (chati) de Zoser Imhotep. Según los egiptólogos, esta pirámide es el desarrollo de mastaba, la tumba tradicional de la nobleza en el antiguo Egipto durante los períodos de los Reinos Antiguo y Antiguo. Las pirámides más famosas son las Grandes Pirámides de la meseta de Giza (las pirámides de Keops, Khafre y Mykerin).

Arte del Reino Antiguo. Características realistas en el arte del retrato.

http://dic.academic.ru/dic.nsf/enc_pictures/3971/%D0%94%D1%80%D0%B5%D0%B2%D0%BD%D0%B5%D0%B3%D0%BE '

En los entierros de la era del Reino Antiguo no había imágenes de dioses, el sol y la luna. El mundo impreso en las paredes no era una imagen especular de la existencia terrenal; era un ambiente creado artificialmente que proveía todas las necesidades del dueño de la tumba. Los relieves y las pinturas se dividen en tiras y se "leen" como texto; transmiten la vida cotidiana de los egipcios con tanta precisión y detalle que sirven como fuente confiable para estudiarla. Sin embargo, en comparación con la realidad, se realizaron ciertos cambios en la imagen del "mundo gemelo" del más allá. No hubo escenas de servicio público, lo que indica una posición subordinada. Las pinturas murales se distinguen por la planitud, el brillo de los colores. Los maestros egipcios trabajaron con pinturas adhesivas, generalmente sin mezclarlas; los semitonos aparecieron solo en el período tardío. La expresividad de la pintura se basaba en la claridad de las siluetas, cuyos contornos se llenaban de colores vivos. La persona no se representó como se ve, sino de tal manera que brinde la imagen más completa de él: los hombros, el torso y el ojo en la cara de una persona se representaron de frente, la cara y las piernas, de perfil. '

Arte del Reino Medio.

Las obras más famosas de esta época incluyen imágenes de escenas de pesca y caza en los matorrales del Nilo (la tumba del nomarca Khnumhotep, finales del siglo XX a. C.). Los peces se capturan con una lanza, las aves se cazan con un boomerang y una red. Un gato montés se esconde en un tallo de papiro en flor que se hunde bajo su peso, una elegante bandada de pájaros brillantes se esconde en el calado follaje de acacia, entre ellos una hermosa abubilla, naranja, con alas blancas y negras. Se encontraron muchas estatuillas de madera en las tumbas, a veces formando grupos completos: sirvientes, labradores, lavanderas, pastores, guerreros, barqueros. Como los juguetes de los niños, son ingenuos y atractivos. Desde mediados de la era del Reino Medio, las estatuas de los faraones, destinadas a la vista del público, comenzaron a erigirse en los templos. Esto requirió más atención a la reconstrucción de los rasgos característicos del retrato, incluidos los cambios relacionados con la edad. En las imágenes de Senusret III y Amsnemkhet III (siglo XIX a. C.), los rasgos faciales grandes y afilados, los pliegues en las mejillas les dan una expresión severa, casi triste. Bajo Senusret III, floreció el arte de la joyería de la corte. Sus magníficos ejemplos se encontraron en el entierro de la hija del faraón, Sithator. En un joyero rectangular de ébano, con incrustaciones de marfil y cornalina rosa, había un espejo de bronce adornado con oro, recipientes para incienso de obsidiana y oro, y un platillo de plata. El tocado de la princesa en forma de aro dorado con la imagen de una cobra sagrada (uraeus), su cinturón de conchas doradas es solo una pequeña parte de las joyas creadas en esa época. Los pectorales se encuentran entre los más exquisitos. A menudo contienen imágenes de un escarabajo (un símbolo del sol y la resurrección de los muertos) y varias deidades. El pectoral de Senusret III, tallado en lámina de oro y decorado con turquesa, lapislázuli y cornalina, es el más armonioso entre muchas obras de arte similares del Antiguo Egipto que han sobrevivido hasta nuestros días.

Síntesis de las artes en el antiguo Egipto.

La verdadera síntesis de las artes es la forma más alta de desarrollo artístico, ya que implica no solo la perfección estética de sus componentes individuales (obras de un tipo particular de arte), sino también la calidad estética que surge como resultado de la interacción artística. de estas obras.

La síntesis de las artes permite, sobre la base de una combinación de medios de expresión específicos y posibilidades figurativas de varios tipos de arte, lograr la encarnación y divulgación más completas del contenido ideológico y artístico del conjunto y su influencia activa en una persona. . Por lo tanto, la base de la genuina S.I. siempre ha existido y permanece la integridad del diseño ideológico. S. i. puede ser un conjunto, que incluye orgánicamente componentes (arquitectura, escultura, pintura) creados en diferentes épocas y que no poseen cualidades estilísticas uniformes.

El desarrollo de la escultura monumental en el antiguo Egipto.

Escultura del Antiguo Egipto- una de las áreas de arte más originales y estrictamente desarrolladas canónicamente del Antiguo Egipto. La escultura fue creada y desarrollada para representar a los dioses, faraones, reyes y reinas del antiguo Egipto en forma física. También había muchas imágenes de ka en las tumbas de los egipcios comunes, en su mayoría hechas de madera, algunas de las cuales han sobrevivido. Las estatuas de dioses y faraones se exhibieron públicamente, por regla general, en espacios abiertos y fuera de los templos. La Gran Esfinge de Giza nunca se ha repetido en tamaño completo en ningún otro lugar, pero los callejones de copias reducidas de la Esfinge y otros animales se han convertido en un atributo indispensable de muchos complejos de templos. La imagen más sagrada del dios estaba en el templo, en la parte del altar, por regla general, en un bote o barca, generalmente hecha de metales preciosos, sin embargo, no ha sobrevivido ni una sola imagen de este tipo. Se ha conservado una gran cantidad de estatuillas talladas, desde figuras de dioses hasta juguetes y platos. Estas figurillas no solo estaban hechas de madera, sino también de alabastro, un material más caro. Se colocaron imágenes de madera de esclavos, animales y propiedades en las tumbas para acompañar a los muertos en el más allá.

Las estatuas, por regla general, conservan la forma original de un bloque de piedra o una pieza de madera de la que están talladas. En las estatuas tradicionales de escribas sentados, se encuentran con la misma frecuencia similitudes con la forma de una pirámide (estatua cúbica).

Había un canon muy estricto para la creación de la escultura egipcia antigua: el color del cuerpo de un hombre tenía que ser más oscuro que el color del cuerpo de una mujer, las manos de una persona sentada tenían que estar exclusivamente sobre las rodillas. Había ciertas reglas para representar a los dioses egipcios: por ejemplo, el dios Horus debería haber sido representado con la cabeza de un halcón, el dios del muerto Anubis con la cabeza de un chacal. Todas las esculturas fueron creadas de acuerdo con este canon y el seguimiento fue tan estricto que durante casi tres mil años de existencia del Antiguo Egipto no ha cambiado.

Arte del Nuevo Reino. La escala de la construcción monumental.

ESTÁ BIEN. 1700 aC mi. Egipto sobrevivió a la invasión de las tribus asiáticas: los hicsos (gobernantes extranjeros egipcios). El tiempo de su reinado de 150 años fue un período de decadencia. La expulsión de los hicsos del país en un principio. siglo 16 antes de Cristo mi. marcó el comienzo de la era del Nuevo Reino, durante la cual Egipto alcanzó un poder sin precedentes. La arquitectura de este período se caracteriza por un alcance grandioso, una decoración lujosa y un esplendor imperial. En el siglo 16 antes de Cristo mi. fue desarrollado, que más tarde se convirtió en un tipo clásico de templo de tierra ( Karnak y Lúxor en Tebas). El templo mortuorio de piedra de la reina Hatshepsut en Deir el-Bahri (principios del siglo XV a. C., arquitecto Senmut), dedicado a la diosa Hathor, se erigió al pie de acantilados escarpados. Consta de tres terrazas conectadas por rampas, dentro de las cuales hay salas excavadas en el espesor de la roca. Las líneas estrictas y geométricamente correctas de cornisas y columnas con capiteles en forma de cabeza de Hathor están sombreadas por las líneas sinuosas de espolones rocosos. Durante el reinado de Ramsés II, se erigió un grandioso complejo de templos en Abu Simbelé(primera mitad del siglo XIII a.C.).

La escultura y la pintura se distinguen por la sofisticación y la atención al detalle. Las siluetas en relieves y estatuas se vuelven más refinadas y suaves. Hay intentos de transmitir movimientos rápidos: carreras de carros, animales corriendo (relieve que representa las campañas militares del faraón Seti I, siglo XIII a. C.), sentimientos fuertes (relieve que representa a los dolientes, finales del siglo XIV - principios del siglo XIII a. C. e.); las figuras a veces se oscurecen entre sí. Imágenes del otro mundo y dioses aparecen en las pinturas murales, escenas de fiestas y caza se convierten en temas favoritos (las tumbas de los nobles de Nakht, siglo XV a. C., y Sennedzhem, siglo XIII a. C., ambas en Tebas). A través de la ropa transparente de la mujer, el cuerpo brilla. Los sirvientes desnudos, contrariamente al canon, se representan de frente o de perfil, de espaldas; las poses se distinguen por su facilidad natural. Rollos de papiro con textos (" libro de los Muertos", etc.) comenzó a dibujar en dibujos a color. Las artes y oficios alcanzaron un especial florecimiento. La máscara de oro, el trono, las vasijas, los ataúdes y demás utensilios de la tumba del faraón Tutankamón (siglo XIV a. C.) están elaborados con buen gusto y elegancia. Como resultado de la reforma del faraón Akenatón, se estableció un culto único del dios del disco solar Atón (el relieve "Adoración de Atón", siglo XIV a. C.). Se erigió una nueva capital, Akhetaten ("Horizonte de Atón"). El arte de esta época se distingue por la vivacidad y la libertad, un lirismo especial. Cánones rígidos suavizados: el rey apareció por primera vez en el círculo de su familia, abrazando a su esposa y acariciando a sus hijas (el relieve del altar de la casa que representa a la familia de Akhenaton, la primera mitad del siglo XIV aC). Las verdaderas obras maestras son los bustos de retratos de la reina Nefertiti y Akhenaton (c. 1340 aC, escultor Thutmes). En el 332 a. mi. Egipto fue conquistado por Alejandro Magno, quien fundó la ciudad de Alejandría en el delta del Nilo. En el contexto de la cultura helenismo Las tradiciones egipcias estaban intrincadamente entrelazadas con las grecorromanas. Los monumentos más interesantes del período tardío son las lápidas. retratos de Fayum, que influyó en la formación del arte romano y, más tarde, cristiano oriental.

El arte de la época de Akhetaton.

La ciudad erigida con templos, jardines, palacios, ricos barrios de nobles, parques y estanques fue declarada "la tierra del dios Atón". En esta ciudad, incluso el tipo de templo del antiguo Egipto se volvió completamente diferente. Todos los templos anteriores conducían de la luz a la oscuridad de la capilla de culto, que estaba iluminada solo por lámparas en los altares. El estado sombrío del alma fue exigido por la naturaleza misma de los dioses antiguos, diseñados para una reverencia aterradora.

El culto al dios Atón tenía un carácter completamente diferente. El rito ritual principal estuvo acompañado por la salida del sol, en la que las orillas del Nilo cobraron vida, florecieron lotos azules y blancos, bandadas de pájaros se elevaron de los matorrales de papiro, anunciando el despertar del mundo con sus gritos. En ese momento, en el templo, que era un gran patio abierto al sol, los habitantes de Akhetaton trajeron sus regalos al sol: flores, verduras y frutas. El templo estaba decorado festivamente con pilones, estatuas de faraones y pinturas. De pie en la plataforma superior del altar principal, Akhenaton agitó un incensario con incienso, y los músicos que lo acompañaban con arpas y laúdes, cortesanos, sacerdotes y todos los fieles cantaron las palabras del himno:

Hermoso es tu amanecer en el horizonte, oh Atón viviente, creador de la vida. La gente se levanta, se lava el cuerpo, levanta las manos, regocijándose por el nacimiento de un nuevo día!.. Tú das vida a países lejanos, fertilizando sus tierras con la lluvia. ¡Cuán numerosas y hermosas son tus creaciones: personas, animales, flores, hierbas, todo lo que está en la tierra, en el agua y en el aire!

Las nuevas ideas del faraón reformador también aparecieron en la poesía y la pintura, la arquitectura, la escultura e incluso en la vida cotidiana. Akhenaton no hizo la guerra, por lo que en ninguna parte se lo representa conquistando tierras o castigando a los enemigos. Por eso, relieves, retratos pictóricos y escultóricos lo representan como un hombre inmerso en reflexiones filosóficas, con un rico mundo interior: en las imágenes del faraón, cierta contemplación, un sentimiento elevado, casi sensual, de la plenitud del ser con todas sus alegrías y penas, se adivina.

Akhenaton murió temprano, cuando aún no tenía 35 años, y no dejó hijos ni compañeros dignos. Algunos investigadores incluso sugieren que fue envenenado, ya que una de las pinturas representa un atentado contra su vida.

Los nuevos faraones hicieron todo lo posible para borrar de la historia la memoria de su antecesor y su nuevo dios. Borraron, pisotearon y destruyeron todo lo creado por Akenatón. El líder militar Heremheb, que reinó en el trono egipcio, supuestamente por "voluntad del dios Amón", se esforzó especialmente. Al no tener derechos legales al trono, persiguió la memoria del faraón Akhenaton con especial celo. Por orden de Heremheb, comenzó la destrucción de Akhetaten, en ese momento ya completamente abandonada. La hermosa ciudad fue aplastada por el odio: magníficos templos y palacios, estatuas y relieves fueron aplastados y destruidos. Luego, las ruinas de Akhetaten se cubrieron gradualmente con arena, y el desierto las cubrió durante varios milenios. En el lugar donde una vez brillaron

los terraplenes eran blancos, hasta 1880 una estrecha franja de cultivos se extendía en el reino del sol y el silencio, y tres pequeñas aldeas enclavadas a la sombra de tupidos palmerales.

Una casa rica típica en Akhetaton suele ser una finca completa, que ocupaba un área de 68x55 metros. En el centro había un edificio residencial, alrededor del cual había un jardín, una capilla y otros edificios. Toda la finca estaba rodeada por un muro con dos entradas: desde la entrada principal, el camino conducía a un pequeño patio, desde donde, después de subir varios escalones, llegaron a la entrada cubierta de la casa. Una pequeña habitación contigua a la entrada, a través de la cual se pasó a una gran sala oblonga con 4 columnas redondas: era una especie de recepción para invitados y al mismo tiempo una habitación donde descansaban los propietarios.

Los sacerdotes del dios solar Atón se ubicaban en una vasta zona con lujosos portales y calles para procesiones, con capillas decoradas con columnas, con esculturas y relieves. Según el plan de Akhenaton, todas las habitaciones a veces se diseñaron con la forma de la orilla del Nilo: columnas delgadas que se asemejaban a tallos de papiro, flores y capullos de loto, así como pájaros revoloteando en los matorrales, se repetían en las pinturas de paredes y pisos. Estos motivos se han encontrado antes en el arte egipcio, pero nunca antes habían tenido tanta riqueza de tramas y colores, tanta libertad y gracia de ejecución, tanta pasión por la belleza de las líneas y los colores...

La misma naturalidad, que sustituyó a la estilización canonizada de posturas y gestos, se manifestó en la representación de personas. Por ejemplo, Akhenaton a menudo se representa en el círculo familiar, con su esposa Nefertiti y sus hijas. Entre los monumentos encontrados en el-Amarna, son pocos los que representan al faraón sin Nefertiti. Al fundar la nueva capital de Akhetaten, el faraón Akhenaton prometió a la reina erigir su propio lugar en ella para honrar al sol: el "pabellón de Re". Nefertiti tenía su propio barco grande y magnífico, meciéndose en el muelle del palacio al lado del barco del faraón. Desafortunadamente, ahora solo quedan ruinas del palacio de Nefertiti, pero se sabe que en el extremo noreste del jardín había un edificio largo que se extendía a lo largo del muro norte del palacio. Dentro de esta sala, los pilares que sostenían el techo estaban en una sola fila, cada uno en una pequeña isla entre estanques intermitentes. Estos depósitos se hicieron en forma de grandes letras "T": en la fila superior se giraron con un extremo vertical hacia abajo y en la parte inferior hacia arriba. Clavadas fila por fila con sus extremos verticales, las letras "T" formaban un patrón estricto. La barandilla y el piso alrededor de los depósitos, así como las paredes inclinadas de la barandilla, fueron completamente pintadas con adornos florales e imágenes de flores. Así era esta “magnífica finca del Sol”, decorada con pequeños templos, llena de actividades acuáticas e inmersa en verdor y flores. Después de Nefertiti, estas posesiones pasaron a su hija Miyot.

Arte de los Dos Ríos. Características generales. Obras principales.

El arte de Mesopotamia a finales del IV - III milenio antes de Cristo (Estados de Sumer y Akkad)

Mosaico de la tribu cultural sumeria

En la segunda mitad del IV milenio antes de Cristo. en las fértiles llanuras del sur de Mesopotamia surgieron las primeras ciudades-estado. Las principales entre ellas eran las ciudades de Sumer. En ellos crecieron los primeros monumentos de la arquitectura monumental, florecieron las formas de arte asociadas con ellos: escultura, relieve, mosaico, diversos tipos de artesanías decorativas. La comunicación cultural entre diferentes tribus fue promovida activamente por la invención de la escritura por parte de los sumerios, primero pictográfica y luego cuneiforme. Escribían con palos afilados en tablillas de arcilla mojadas, que luego quemaban.

Cada ciudad honraba a sus propios dioses. Cada una de las deidades estaba dedicada a su propio templo, que se convirtió en el centro de la ciudad-estado. Los primeros edificios poderosos de Sumer a finales de 4 mil antes de Cristo. estaban los llamados "Templo Blanco" y "Edificio Rojo" en Uruk. De planta rectangular, sin ventanas, con paredes divididas en el Templo Blanco por estrechos nichos verticales, y en el Edificio Rojo por poderosas semicolumnas, simples en sus volúmenes cúbicos, estas estructuras claramente asomaban sobre la cima de una montaña artificial. Tenían un patio abierto, un santuario, en cuyas profundidades se colocaba una estatua de una deidad venerada. El Templo Blanco recibió su nombre del encalado de las paredes. El edificio rojo estaba decorado con una variedad de adornos geométricos de claveles zigatti en forma de cono de arcilla cocida, cuyos sombreros estaban pintados en rojo, blanco y negro. Desde la distancia, este adorno, fusionándose, adquirió un único tono rojizo suave.

Los mosaicos, con incrustaciones de gemas, nácar y conchas, desempeñaron un papel especial, que se utilizaron ampliamente en la decoración de paredes, columnas y estatuas. También entró en uso la decoración de columnas con láminas de cobre, la inclusión de composiciones en relieve. El templo de la diosa, la "madre de todos los dioses" y la "diosa de las montañas boscosas" Ninhursag, erigido cerca de la ciudad de Ur a mediados del tercer milenio antes de Cristo, está marcado por una serie de tales innovaciones. Sobre la entrada rectangular del templo había un dosel que descansaba sobre delgados pilares de madera, tapizados en cobre y decorados con incrustaciones de nácar, gemas y asfalto. Los muros del templo, además de nichos verticales, también estaban divididos horizontalmente por cintas de frisos de mosaico. La cornisa del templo estaba decorada con un patrón de claveles de cerámica, cuyas tapas estaban hechas en forma de flores con pétalos rojos y blancos. El friso superior también incluía imágenes en mosaico de palomas blancas, realizadas sobre un fondo de pizarra, el friso inferior estaba formado por figuras de cobre de gobios. La entrada estaba enmarcada por dos figuras de madera de leones guardianes. Estaban cubiertos con láminas de cobre, y los ojos y las lenguas estaban incrustados con piedras de colores. Sobre la puerta de entrada hay una placa de cobre rectangular que representa las figuras en relieve del águila con cabeza de león Imdugud, sosteniendo firmemente dos ciervos con sus patas, una especie de símbolo del poder de la deidad sobre todos los habitantes de las montañas y valles boscosos. Asimilado a un pico de montaña, se elevaba sobre una plataforma y una terraza, la más baja de las cuales, en términos de área, totalizaba 32x25 metros.

En el 3er milenio antes de Cristo. Los zigurats surgieron en Sumer. Consistían en pequeñas plataformas trapezoidales enormes que descendían hacia arriba. La plataforma superior estaba coronada por un pequeño santuario. Desde la antigüedad, solo unas pocas torres antiguas han llegado hasta nosotros en ruinas. Los zigurats mejor conservados de Elam (en Choga Zambil) y Borsippa (cerca de Babilonia). Ahora, uno de los zigurats más antiguos de Ur a fines del tercer milenio antes de Cristo ha sido parcialmente restaurado. Ahora solo se ve una de sus terrazas inferiores. El área de un enorme trapezoide truncado es de 65x43 metros, y la altura de la base de la torre es de 20 metros. Inicialmente, el zigurat, que constaba de tres pirámides truncadas, como colocadas una encima de la otra, descendiendo hacia arriba, alcanzó una altura de 60 metros. Tres escaleras empinadas y rectas flanqueaban su fachada y convergían en el borde de la parte superior de la primera plataforma, revelando claramente la estructura de toda la estructura elevada.

El relieve narrativo se originó muy temprano en el arte de Mesopotamia. Temas de los relieves de la segunda mitad del IV-principios del III milenio a.C. resucitar ante nosotros el círculo de las principales preocupaciones de los antiguos habitantes del valle del Tigris y el Éufrates, relacionadas con la cosecha. Estos son en su mayoría rituales de adoración a la diosa de la fertilidad Inanna. La procesión de donantes, caminando con regalos a la diosa Inanna, está representada en relieves que llenan la superficie de una monumental vasija de alabastro de Uruk a principios del 3000 a. La forma de un cáliz de piedra de alto ritual dedicado al culto de esta diosa se divide en una serie de cinturones. En el friso inferior se indican motivos de un paisaje rural fluvial, árboles que crecen cerca del agua. El siguiente muestra una línea de carneros moviéndose con mesura a lo largo de la orilla del río. Arriba hay una procesión igualmente medida de personas que llevan platos de comida y fruta. El superior está dedicado a la ceremonia de venerar a la diosa y ofrecerle regalos.

Las figuras escultóricas de “protectores” colocadas en los templos tanto del norte como del sur de Mesopotamia muestran que en la primera mitad del tercer milenio antes de Cristo. en la escultura de Sumer hubo una importante división figurativa. Piedra pequeña (solo 34-40 centímetros de altura) y, a veces, un metro y medio, las estatuas hechas de alabastro, piedra caliza, arenisca, basalto tenían proporciones alargadas, caras alargadas. Las figurillas del sur de Mesopotamia eran rechonchas y de cabeza grande. Al mismo tiempo, ambos parecen estar relacionados entre sí. Todo en ellos: la postura, los ojos levantados hacia el cielo, las palmas de las manos cruzadas sobre el pecho, están dirigidos a revelar el estado interior de iluminación. Estos son la figura de basalto de la cabeza de los graneros de la ciudad de Uruk Kurlil, la estatua de alabastro del dignatario Ebih-Il (de la ciudad de Mari) y la estatua de piedra del dios Ab-U de la ciudad de Eshnun.

Numerosas estatuas del gobernante de la ciudad de Lagash Gudea (siglo 22 a. C.) están marcadas por una genuina monumentalidad, a pesar de su tamaño relativamente pequeño (alrededor de 1,5 metros). Las estatuas transmitían tanto los signos de la edad del gobernante como los rasgos característicos de su rostro. En un bloque de piedra, los artesanos lograron revelar la plasticidad viva del cuerpo humano, sentir la tensión de los músculos.

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Arquitectura y arte.

La riqueza de la clase dominante se reflejó en la poderosa y generalizada actividad constructora de los reyes. La construcción intensiva, que cubrió el país de templos y palacios, fue posible gracias a la presencia de numerosos esclavos prisioneros de guerra, así como al aprovechamiento de la mano de obra de la población libre. Sin embargo, en Mesopotamia, a diferencia de Egipto, debido a las condiciones naturales locales, la construcción de piedra no existía y todos los edificios se construían con ladrillos en bruto.

A diferencia de Egipto, aquí el culto funerario no se desarrolló tanto y no se construyó nada parecido a las masas de piedra de las pirámides o las estructuras funerarias de la nobleza egipcia. Pero, teniendo grandes fondos a su disposición, los arquitectos de Sumer y Akkad erigieron grandiosas torres-templo escalonadas (zigurats). En la arquitectura de Mesopotamia, se han encontrado columnas desde la antigüedad, que, sin embargo, no jugaron un papel importante, al igual que las bóvedas. Muy pronto aparece la técnica del desmembramiento de muros mediante cornisas y hornacinas, así como la ornamentación de muros con frisos realizados en técnica de mosaico.

Los escultores sumerios crearon estatuas de dioses y representantes de la nobleza, así como relieves (por ejemplo, la "Estela de la cometa"). Sin embargo, si incluso durante el período de la cultura Jemdet-Nasr, los artistas sumerios lograron lograr ciertos éxitos al transmitir la imagen de una persona, entonces, durante la existencia de las primeras ciudades-estado, domina la esquematización aproximada: una persona se representa de forma poco natural. en cuclillas, o en proporciones anormalmente alargadas, con ojos, nariz, etc. exagerados. También en el arte de tallar la piedra, la imagen está sujeta a patrones geométricos. Los escultores de la dinastía acadia superaron con creces a los primeros escultores sumerios, pudiendo, en particular, representar seres vivos en movimiento. Los relieves de la época de Sargón y especialmente de la época de su nieto Naramsin asombran por su habilidad artística. Uno de los monumentos artísticos más notables es la estela de Naramsin, dedicada a la victoria sobre las tribus de las montañas. El relieve representa el drama de la batalla en el terreno montañoso donde tuvo lugar esta batalla.

El arte aplicado de Akkad también se encontraba a gran altura. Destacan especialmente las imágenes artísticamente ejecutadas de tramas de mitos y epopeyas, talladas en sellos cilíndricos de piedra de colores. Obviamente, los artistas de este período no perdieron contacto con el arte popular de Mesopotamia.

El arte de Lagash de la época de Gudea (como, por ejemplo, en las estatuas de retratos del propio Gudea hechas de piedra dura - diorita) y la época de la III dinastía de Ur, sin duda utilizó los mejores ejemplos del arte acadio. Sin embargo, desde la III Dinastía de Ur, muerta, se han establecido esquemas canónicos de imágenes en el arte, han prevalecido monótonas tramas religiosas.

Los pueblos de Mesopotamia crearon una serie de instrumentos: una flauta, una flauta, una pandereta, un arpa, etc. Según los monumentos que nos han llegado, estos instrumentos se usaban en el culto del templo. Fueron interpretados por sacerdotes especiales que también actuaron como cantantes.

Arte cretense-micénico. Características generales. Obras principales.

nombre convencional para el arte de la Antigua Grecia de la Edad del Bronce (alrededor de 2800-1100 aC); el nombre más amplio es arte del Egeo.

(Fuente: "Popular Art Encyclopedia". Editado por Polevoy V.M.; M.: Publishing House "Soviet Encyclopedia", 1986.)

Arte cretense-micénico

(Arte Egeo), arte que se desarrolló en las islas del Mar Egeo y en la parte sur de la península de los Balcanes (tercer - segundo milenio antes de Cristo). Arte sobre. Creta y las islas del archipiélago de las Cícladas: Paros, Naxos, Syros, Thera (tercero - mediados del segundo milenio antes de Cristo) generalmente se llaman minoicas con el nombre del rey mítico Minos, el hijo del dios Zeus y la princesa de Europa. . La cultura que se desarrolló en la península de los Balcanes (1600-1100 a. C.), donde vivían las tribus de habla griega de los aqueos y donde la “rica en oro Micenas”, la ciudad del legendario rey Agamenón, ocupaba la posición dominante, se llama micénico.

laberinto columnas, estrechándose hacia abajo, lo que los asemejaba a estalactitas que colgaban de las bóvedas de las cuevas. Más tarde, también se encontraron ruinas de palacios y complejos más pequeños (las llamadas villas) en Phaistos y otros lugares de Creta. Todos los palacios tenían lugares espectaculares: patios pavimentados con losas, enmarcados por escaleras de piedra. Aquí tenían lugar los juegos sagrados con un toro, más peligrosos que la corrida de toros española, ya que los jóvenes y niñas que participaban en ellos estaban desarmados (el fresco "Jugando con el toro", 17-16 siglos aC). El toro era considerado un animal sagrado de la Gran Diosa, en cuya imagen los cretenses veneraban la naturaleza. Imágenes de cuernos sagrados y hachas de doble filo. labris, con la ayuda de los cuales se hicieron sacrificios, uno de los motivos favoritos de los maestros minoicos. Sin embargo, el arte de los cretenses parece “no conocer” el mal y la muerte: en florero pintura labris "brote" con pétalos de lirio; rhytons (vasos en forma) en forma de cabeza de toro, en cuya frente, en el lugar donde se perfora el hacha, florece una flor, sorprende con la perfección. Fresco frisos con paisajes y escenas de fiestas rodean las habitaciones. Las siluetas de figuras y objetos se perfilan con líneas flexibles y “corridas” (“El coleccionista de azafrán”, siglo XVII a. C.). Encantadoramente encantador llamado. "Parisino" (siglo XV aC), la imagen de una de las niñas en la escena de la fiesta en el olivar. Los maestros cretenses estaban familiarizados con los cánones egipcios de la representación de la figura humana ("Rey-Sacerdote", siglo XV a. C.), sin embargo, en general, el arte minoico no estaba sujeto a reglas estrictas: encarnaba una admiración entusiasta por la naturaleza, con el que el hombre se fusiona orgánicamente. Las imágenes del mundo natural también se plasmaron en las formas plásticas y elásticas y en las pinturas de las vasijas cretenses (ver art. florero pintura). No se han descubierto estatuas grandes en Creta; la escultura está representada por pequeñas figurillas de cerámica de diosas (o sacerdotisas) con serpientes en las manos, con cintura de avispa, en faldas abullonadas con volantes y ramilletes, dejando al descubierto un magnífico pecho.
Juegos de toros. Fresco en el Palacio de Knossos. Siglos XVII-XVI antes de Cristo mi. La isla de Creta "Chicos del boxeo". Fresco. siglo XV antes de Cristo mi. Museo Arqueológico Nacional. Atenas. Puerta de los Leones en Micenas. siglo XIV antes de Cristo mi. El declive de la cultura minoica se asocia con una erupción volcánica sobre. Fera (ahora Santorini), que ocurrió c. Ser. 2do milenio antes de Cristo e., que provocó terremotos y un tsunami que azotó Creta. Aprovechando el debilitamiento de Knossos, los aqueos capturaron la isla, mientras experimentaban la fuerte influencia de la cultura minoica. Según otras versiones, los gobernantes aqueos, que se casaron con las princesas de Creta, tomaron gradualmente posesión de la isla durante el período de agravamiento de las luchas internas allí. Del siglo XV antes de Cristo mi. El arte minoico perdió su vivaz espontaneidad, se volvió más seco y duro. Las nuevas características que aparecieron en él reflejaban los gustos de los gobernantes aqueos, que probablemente fueron empleados por muchos maestros cretenses en ese momento. El apogeo de la cultura micénica cae en los siglos XIV-XIII. antes de Cristo mi. Las ciudades de los aqueos (Micenas, Tirinto, Atenas, Pilos, etc.) eran fuertes fortalezas construidas en las laderas de las rocas. Su centro era acrópolis con el palacio del gobernante (megaron). Los poderosos muros de la fortaleza se construyeron con enormes piedras sin tratar sin una solución de unión (la llamada "mampostería ciclópea": según la leyenda, los cíclopes gigantes tuertos levantaron bloques pesados). Las murallas de Tirinto alcanzaron un espesor de 17 m; en su interior había pasajes donde se colocaban tanques de agua, depósitos de armas y alimentos. La entrada a la ciudadela de Micenas era la Puerta de los Leones, decorada con un plato que representaba a dos formidables leonas. En 1876, el arqueólogo alemán G. Schliemann descubrió dentro del pozo de la fortaleza (tallado en la roca) las tumbas de los gobernantes de Micenas, a quienes confundió con Agamenón y sus asociados. Posteriormente, se comprobó que los enterramientos son mucho más antiguos (siglo XVI a. C.). Los pechos de los muertos estaban cubiertos con armaduras doradas, máscaras doradas yacían sobre sus rostros. Los rostros grabados en una fina lámina de oro transmiten de forma lacónica y convincente la apariencia de severos líderes guerreros (la llamada "máscara de Agamenón"). La costumbre de cubrir los rostros de los muertos con máscaras existía en el antiguo Egipto, pero hasta ahora no hay evidencia de que los aqueos hayan tomado prestada esta costumbre de allí. en el siglo XV antes de Cristo mi. Las tumbas de pozo fueron reemplazadas por majestuosas tumbas de piedra: tholos. A los llamados. La “Tumba de Atreo” (siglo XIV a. C.) conduce a un corredor-dromos revestido de losas de piedra de 36 m de largo, el entierro está bloqueado por una falsa bóveda semiesférica formada por filas de piedras que sobresalen unas sobre otras. En la antigüedad, el techo estaba decorado con rosetones dorados (adornos en forma de flor), que personificaban el cielo estrellado. De los palacios micénicos, el palacio de Pylos, descubierto por arqueólogos en la década de 1950, es el mejor conservado. La estricta consideración, la simetría del plan de espaciosas habitaciones rectangulares es una característica distintiva de la arquitectura micénica. En la pintura monumental y la pintura de vasijas, el júbilo festivo del arte minoico fue reemplazado por la glorificación del triunfo de la fuerza física, el espíritu heroico y el coraje severo. Las imágenes pintorescas se distinguen por la estricta simetría y la rigidez de las formas. En las artes plásticas y decorativas predominan las batallas y la caza (un puñal con escena de caza de leones, un anillo de oro con escena de batalla; ambos -siglo XVI a.C.; un cráter -recipiente para vino- con alambres de guerreros, siglo XII siglo a. C. n. e.). La guerra de Troya (siglo XIII a. C.) marcó el comienzo del declive de la cultura micénica. ESTÁ BIEN. 1200, su desarrollo fue interrumpido por la invasión de los dorios. También es posible que los dorios llegaran a tierras ya devastadas por guerras internas. Llegaron las "edades oscuras", tras las cuales el arte experimentó un nuevo florecimiento en la antigua Grecia.

Palacio de Knossos.

La cultura minoica experimentó un brillante florecimiento en la primera mitad. 2do milenio antes de Cristo mi. Sus monumentos se abrieron sólo al principio. siglo 20 El arqueólogo inglés A. Evans desenterró las ruinas del palacio de Knossos en aproximadamente. Creta, a la que llamó "el palacio de Minos". El centro del enorme complejo, con una superficie de más de 8.000 m 2 , era un gran patio rectangular; a su alrededor, al nivel de varios pisos, había salones ceremoniales, santuarios, almacenes, conectados por largos pasillos sinuosos y escaleras. Las habitaciones inferiores estaban excavadas en el espesor de la roca, la superior se elevaba sobre la colina. La parte este del palacio se abría al paisaje circundante con galerías con columnas. En la parte occidental, donde aparentemente había una entrada principal, el recinto estaba protegido por poderosos muros. El complejo diseño del palacio, la abundancia de pasajes intrincados, los descensos repentinos y los giros recordaron más tarde a los griegos el construido por el mítico arquitecto y escultor Dédalo. laberinto, en la mazmorra en la que vivía el Minotauro. No había ventanas. Los pasillos estaban completamente oscuros. Solo a veces a la vuelta de la esquina en los lugares de los llamados. los pozos de luz brillaban con una deslumbrante columna de luz que caía desde arriba; para ello se realizaron huecos cuadrados en las cubiertas planas, que se correspondían con los mismos huecos de los pisos inferiores. Las escaleras serpenteaban alrededor de la abertura abierta, adornadas con madera revestida de rojo brillante. columnas, estrechándose hacia abajo, lo que los asemejaba a estalactitas que colgaban de las bóvedas de las cuevas.

arte arcaico. Creación de un sistema de pedidos.

El desarrollo del templo griego pasó de formas simples a complejas, de madera a piedra. Poco a poco, apareció un períptero rodeado de columnas. La entrada era por lo general desde el este. La sala principal, naos o cella, estaba ubicada detrás del umbral, pronaos. Detrás de la cella, en el adyton u opistodoncia, se guardaban los regalos.

En el siglo VII a.C. mi. Surgieron órdenes arquitectónicos, en los que no solo se expresaban las cualidades técnicas del edificio, sino también las artísticas. En un edificio construido en el sistema de orden, hay dos opuestos

Los arquitectos griegos sabían que la proporción de los tamaños de las columnas, las vigas, el arquitrabe y el friso no solo desempeñan un papel constructivo. Al cambiar sus proporciones, los artesanos variaron la interacción de las fuerzas portadoras y portadoras, dando a la arquitectura del edificio una u otra impresión artística en una persona.

durante la era arcaica, el material principal para los constructores es la piedra, primero la piedra caliza y luego el mármol. Los edificios no solo se vuelven más duraderos que los de madera, sino que también se ven más grandiosos. Es de destacar que, a pesar del cambio generalizado de material, la apariencia del orden (columnas y entablamento) sigue siendo la misma que en la arquitectura de madera. A veces elementos que eran constructivos (friso) se convierten en decorativos. A los maestros les encanta decorar los techos de los templos con acroterias y antefijas. Este es el momento de una producción especialmente amplia de metopas primero pictóricas y luego en relieve, composiciones de múltiples figuras en frisos, grupos de tramas complejas en frontones. Para esto, se utilizan terracota, piedra caliza, mármol.

Las estatuas del templo dórico de Artemisa en la isla de Corfú han resistido la prueba del tiempo mejor que otras. Sus relieves muestran varios temas. En el centro está la Gorgona Medusa derrotada por Perseo ( enfermo. quince). A la derecha, la batalla de los olímpicos con los gigantes, a la izquierda, un episodio de la guerra de Troya. Escenas de diferentes tramas están unidas por la idea de una lucha que ha envuelto todas las esferas del mundo.

Escultura redonda y lápidas

El tema principal en el arte de los griegos es, ante todo, un hombre, representado en forma de dios, héroe, atleta. Ya al ​​comienzo del arcaico, hay un breve brote de gigantismo en la representación de una persona a fines del siglo VII a. mi. en Phazos, Naxos, Delos. En los monumentos de la escultura del arcaico, la plasticidad está creciendo, reemplazando el esquematismo inherente a las imágenes de la geometría. Esta característica aparece en la figurilla de bronce de Apolo de Tebas, donde se nota la redondez de los hombros, las caderas y la ornamentación sobria del cabello. Tras la sequedad y rigidez de las formas de las figuras geométricas en los primeros monumentos arcaicos, va creciendo la frescura de la percepción de la imagen, aunque a veces los maestros son ingenuos a la hora de resolver los detalles ( enfermo. veinte). Monumentos peculiares del siglo VII a.C. mi. había los llamados xoanons, imágenes de deidades representadas en un árbol, cuyas copias más raras se encontraron recientemente en las ciudades griegas de Sicilia ( enfermo. 21).

Pintura y pintura de jarrones

Artistas de los siglos VII-VI a.C. mi. utilizaba diferentes materiales. Creaban sus composiciones sobre metopas de arcilla ( enfermo. 35), tablas de madera (escena de sacrificio de Sicyon) ( enfermo. 36), pequeñas tablillas de arcilla dedicadas a los dioses pinakah (Atenas) ( enfermo. 34), en las paredes de sarcófagos de arcilla pintada (Klazomenae), en lápidas de piedra caliza y mármol (la estela de Lysia, la estela de Sounion). Pero no hay muchos de esos monumentos, donde la pintura se aplicó sobre una superficie plana, y los dibujos en las superficies esféricas de los jarrones, que se dispararon, lo que contribuyó a la durabilidad de la pintura, sobrevivieron mejor.

A finales del siglo VIII a. mi. en la sociedad griega se formaron nuevos gustos e intereses. Las imágenes geométricas simplificadas y condicionales dejaron de satisfacer; en dibujos sobre jarrones, artistas del siglo VII a. mi. comenzó a introducir abundantemente motivos vegetales y escenas argumentales. La proximidad del Asia Menor Oriental se expresó en la decoración y el brillo de las composiciones, lo que nos hizo llamar el estilo de pintura de jarrones del siglo VII a. mi. orientalizante, o alfombra. Se fabricaron vasijas ingeniosamente perfectas en Creta, las islas de Delos, Melos, Rodas y en las ciudades de Asia Menor, en particular Mileto. Un centro importante para la producción de jarrones en el siglo VII y principios del VI fue la ciudad de Corinto, y en el siglo VI, Atenas.

En el siglo VII, las formas de los jarrones se vuelven más diversas, pero hay una tendencia notable hacia la redondez de los contornos. Un aumento similar en la riqueza de los volúmenes se produjo en la escultura y la arquitectura. Delgados soportes de madera dieron paso a regordetas columnas de piedra con éntasis. La técnica de dibujar dibujos en jarrones del siglo VII se volvió más complicada, la paleta del artista se hizo más rica. Además de la laca negra, se utilizó pintura blanca, morada de diferentes tonos y rayado para señalar los detalles.

Apolo con las Musas y Artemisa representadas en la vasija de Melian no se muestran tan esquemáticamente como en las composiciones geométricas. En las pinturas de esta época, se nota la admiración de los maestros por los colores brillantes del mundo. Los dibujos son tan decorativos y saturados de adornos, como los himnos homéricos de la época con epítetos expresivos. Hay menos masculinidad en ellos que en las escenas geométricas, pero el principio lírico es más fuerte. La naturaleza de las composiciones de los vasos de esta época está en consonancia con la poesía de Safo.

En la elegancia de los patrones de palmetas, círculos, cuadrados, meandros, zarcillos en espiral, emerge el aroma de la naturaleza estilizada, pasando por el sentimiento del decorador, el pintor de jarrones. La ornamentación, que es un rasgo distintivo de los dibujos de este período, impregna las imágenes figuradas y las absorbe, las disuelve en los ritmos melodiosos de sus motivos. Los contornos de las personas y los animales son ornamentales, los espacios entre las figuras y los objetos se llenan minuciosamente con patrones.

La pintura en los barcos de la isla yace como una alfombra abigarrada. La superficie de una jugosa e hinchada jarra Rhodes - oinohoe está dividida en frisos - rayas con animales que sobresalen regularmente ( enfermo. 37). Los jarrones de Rodas representan a menudo animales pastando o caminando tranquilamente uno tras otro, pájaros, a veces reales, pero a menudo fantásticos: esfinges, sirenas con hermosas líneas dinámicas de contornos elásticos.

Hay mucho en común en la naturaleza de tales murales con el lujo de la ropa amada en ese momento, la abundancia de joyas, cuyas referencias se encuentran en los poemas de los poetas del siglo VII:

"Héctor con una multitud de amigos a través del mar salado

Los monumentos raros del arte pictórico de finales del siglo VII son las metopas de arcilla del templo de Apolo en Ferma. En uno de ellos, el artista interpretó el vuelo de Perseo como una carrera rápida, evitando la rigidez, pero aquí también usó muchos adornos, enmarcando los bordes de la metopa con rosetas y decorando con ellas la túnica del héroe.

Pintura de jarrones de figuras negras y figuras rojas. Tramas y características de la composición.

Pintura de jarrón de figuras negras

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Representación de un gallo en un ánfora corintia de figuras negras ca. 575-550 dC antes de Cristo mi. Lumbrera

Pintura de jarrón de figuras negras- uno de los estilos más significativos de pintura de jarrones junto con la pintura de jarrones de figuras rojas. El apogeo de la pintura de jarrones de figuras negras de la antigua Grecia cae en los siglos VII-IV. antes de Cristo mi.

orígenes[editar | editar fuente]

Ánfora. Potter Andokid. El pintor de vasos Andokides. Guerreros, del lado de Hermes y Atenea. ESTÁ BIEN. 530 aC mi. Lumbrera. París

Los primeros jarrones con el estilo de figuras rojas aparecieron alrededor del 530 a. mi. Se cree que esta técnica fue inventada por el pintor de jarrones Andokid. Inicialmente, Andokides y otros adherentes del nuevo estilo (por ejemplo, Psiax) pintaron jarrones en dos estilos al mismo tiempo: en un lado del jarrón, la imagen estaba hecha con figuras negras y en el otro, con figuras rojas. Dichos recipientes (por ejemplo, en la exposición de la Colección Estatal de Antigüedades en Munich) se denominan bilingües. En comparación con el estilo de figuras negras, esto ya era un gran paso adelante, pero las figuras en ellas parecían bastante limitadas y las tramas rara vez se combinaban entre sí. En estos jarrones, todavía se pueden rastrear técnicas prestadas del estilo antiguo, como muescas en los contornos de las imágenes o cubrir áreas significativas con pintura roja.

Escultura griega del período clásico. Polykleitos Diadumenus La amazona herida

Ménade de Miron Discóbolo Scopas

Phidias Athena-guerreros, Athens-Promachos, Praxiteles AFRODITA KINSKAYAHermes con el bebé Dionisio Lisipo

Atenas del siglo VI antes de Cristo mi. se convirtió en un símbolo de los más altos logros de la cultura griega. Aquí aspiraban artistas, poetas, escultores. Poeta Píndaro , quien vino de Beocia y siempre fue hostil a Atenas, escribió: "Brillante, coronada de violetas, glorificada gloriosa Atenas, el apoyo de Hellas, la ciudad divina".

Y uno de los contemporáneos de lengua afilada dijo: "Si no has visto Atenas, entonces eres un tocón, si viste y no fuiste admirado, entonces eres un burro, y si los dejaste a voluntad, entonces eres un camello." Camello fue uno de los apodos más ofensivos de la antigüedad.

El arte de los grandes clásicos se caracteriza bastante por las palabras de Pericles, un estratega que estuvo al frente de Atenas durante quince años: "Amamos la belleza sin caprichos y la sabiduría sin afeminamiento". El sabio Solon lo expresó aún más corto: "Nada superfluo".

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Arte de Grecia, siglos V-IV antes de Cristo mi. Creando un estilo de arte clásico.

pintura sobre escultura de cerámica

Periodización del arte griego antiguo[editar | editar fuente]

periodo anterior - arte egeo (arte cretense-micénico)- Siglo XX. ANTES DE CRISTO. - Siglo XII. ANTES DE CRISTO.

Arte aqueo-minoico

período geométrico("Grecia homérica") - c.1050 aC-siglo VIII. ANTES DE CRISTO.

1. Protogeometría(Período submicénico) - c.1050 aC - c. 900 aC

   geometría(floreciente) - c.900 aC - c. 750 aC

   Período geométrico tardío(Depylon) - c.750 aC - principios. siglo VII ANTES DE CRISTO.

periodo arcaico- Siglo VII. aC - temprano. siglo V ANTES DE CRISTO.

1. Arcaico temprano- temprano siglo VII ANTES DE CRISTO. - 570s ANTES DE CRISTO.

   maduro arcaico- 570s ANTES DE CRISTO. - 525s ANTES DE CRISTO.

   arcaico tardío- 525s ANTES DE CRISTO. - 490s ANTES DE CRISTO.

período clásico- V c. BC - ser. siglo IV ANTES DE CRISTO.

1. clásico temprano("Estilo estricto") - 1er piso. siglo V ANTES DE CRISTO.

   alto clásico- 2 ° piso. siglo V ANTES DE CRISTO.

   clásico tardío- Siglo IV. ANTES DE CRISTO.

período helenístico- ser. siglo IV ANTES DE CRISTO. - Siglo I. ANTES DE CRISTO.

Edificios de la Acrópolis y su decoración escultórica. Síntesis de escultura y arquitectura. FIDIAS PARFERÓN

Dentro del Partenón había una enorme estatua de Athena Parthenos (doncella),

Fidias también creó una enorme estatua sedente de Zeus para el templo de Zeus en Olimpia utilizando la misma técnica criso-elefantiana, que luego se incluyó en la lista de las siete maravillas del mundo.

Dos direcciones en el desarrollo de la escultura del período clásico de la antigua Grecia (Scopas. Praxiteles).

Scopas. Batalla de los griegos con las amazonas. Fragmento del friso del mausoleo de Halicarnaso, ménade (acompañado de Dionisio)

Praxiteles Afrodita de Cnido

Individualización de la imagen, psicologismo (Lisipo), e idealización de la imagen (Leohar).

LISSIP: Hermes descansando

un ciclo de esculturas dedicadas a las hazañas de Hércules

escultura de Kairos (dios de la ocasión auspiciosa)

Hércules y Telephos

Coloso de Zeus en Tarento

Un cráter en Mercurio lleva el nombre de Lysippos.

LEOHAR: Apolo Belvedere- Copia romana en mármol de un original en bronce del antiguo escultor griego Leochar (el escultor de la corte de Alejandro Magno, c. 330-320 a. C.)

El arte del helenismo: finales de los siglos IV-I. antes de Cristo mi. Características generales. Trabajos mayores

ALEJANDRO MACEDONIO ROMA

La era del helenismo se caracterizó por el deseo de monumentalidad. Se crean enormes estatuas, un ejemplo típico es el Coloso de Rodas, la figura del dios Helios, de 32 metros de altura. HECHO POR SHERRY por el aprendiz de Lissip

escuela de Pérgamo. El coraje se materializa en los grupos escultóricos "El galo que muere", "El galo que se mata a sí mismo y a su esposa". Escultura excepcional del helenismo - obra de Afrodita de Milo Agesandra - semidesnudo, estricto y sublimemente tranquilo.

Pequeñas figuras de personas de terracota

arte etrusco.

La arquitectura de los etruscos estaba bastante desarrollada. Las murallas mejor conservadas que rodeaban las ciudades y tumbas etruscas.

Las obras maestras del genio humano son reflejos de tendencias profundas que ocurren dentro de la sociedad. En realidad, los autores de obras imperecederas, como personas de especial constitución espiritual, de naturaleza sensible, no pueden observar con indiferencia los procesos internos que tienen lugar en la sociedad y arrojar un eco emocional en sus creaciones. El arte es solo un espejo imparcial de la realidad, que refleja todos los detalles y fenómenos con una nitidez asombrosa. La historia del desarrollo del arte refleja la historia del desarrollo de la humanidad.

El desarrollo del arte mundial, así como de países y nacionalidades individuales, es, como saben, no solo en espiral, sino también sinusoidal.

Las nuevas tendencias en el arte, sus recesiones o caídas se convierten en una especie de indicador del progreso o regresión humana universal en un determinado período de tiempo.

En este trabajo se consideran los problemas del surgimiento del arte, se analizan las principales teorías y enfoques sobre el origen del arte y se investigan las principales características del arte primitivo.

arte primitivo- el arte de la era del primitivo sistema comunal. Surgió a finales del Paleolítico (c. 30 mil a. C.) y reflejaba el estilo de vida y las opiniones de los cazadores primitivos (viviendas primitivas, imágenes rupestres de animales llenos de vida y movimiento, figurillas femeninas). Los agricultores y pastores del Neolítico y el Eneolítico tenían asentamientos comunales, megalitos, edificios amontonados, las imágenes comenzaron a transmitir conceptos abstractos, se desarrolló el arte de la ornamentación. En la era del Neolítico, Eneolítico, Edad del Bronce, las tribus de Egipto, India, Asia Occidental, Central y Menor, China, Europa Meridional y Sudoriental desarrollaron un arte asociado con la mitología agrícola, la cerámica ornamentada, la escultura). Los cazadores y pescadores de los bosques del norte solían tener grabados rupestres y figuras realistas de animales. Las tribus pastorales de la estepa de Europa del Este y Asia en el cambio de la Edad del Bronce y la Edad del Hierro crearon el estilo animal.

Las últimas etapas del origen del arte están asociadas a la descomposición del sistema primitivo. Una característica de la cultura primitiva es, ante todo, que, en sentido figurado, se adapta a la medida de la persona misma. En los orígenes de la cultura material, las cosas eran mandadas por el hombre, y no al revés. Por supuesto, la gama de cosas era limitada, una persona podía observarlas y sentirlas directamente, servían como una continuación de sus propios órganos, en cierto sentido eran sus copias materiales. Pero en el centro de este círculo se encontraba un hombre: su creador. La historia primitiva, como la cultura, tenía otra característica: el colectivismo primitivo.

No existe una explicación generalmente aceptada para el origen del arte. En la enseñanza marxista, el origen del arte se explica por la actividad laboral. GV Plekhanov escribió en esta ocasión que el arte es hijo del trabajo, no del juego.

Según otros puntos de vista, el arte está conectado con la religión. La magia de la caza y la magia de la fertilidad se reflejaron en las actividades de los artistas primitivos, donde el significado de un hechizo, en lugar de placer, se atribuyó a las imágenes del arte. Este punto de vista se basa en gran medida en el hecho de que los artistas primitivos hicieron imágenes en los lugares ocultos de las cuevas, en cámaras y pasillos oscuros, a una distancia considerable de la entrada, donde ni siquiera dos personas podían dispersarse. Esto se explica por el deseo de crear una atmósfera de misterio alrededor de las imágenes de la pared, natural para acciones mágicas.

También existe la tradición de vincular el origen del arte con las actividades lúdicas. Durante mucho tiempo se ha notado que las imágenes primitivas se volvieron gradualmente menos realistas, más convencionales. Pero para un juego, es precisamente la creación por parte de una persona en un espacio y tiempo condicionales de un orden determinado por él. Una persona que juega se expresa en un estado condicionalmente independiente, libre, en un estado de desinterés en relación con todo lo que no está relacionado con el juego. La ausencia de una meta externa, ajena, cuando la actividad misma se convierte en la meta, hace que el arte y el juego estén relacionados.

En el libro "La mañana del arte", el académico A.P. Okladnikov escribió que los artistas primitivos solo necesitaban una expresión materializada de experiencias internas, sentimientos e ideas, imaginación creativa.
Es posible que los primitivos artistas, que penetraban en los lugares ocultos de las cuevas, no lo hicieran por arte de magia, sino para evitar testigos de su obra, que desde fuera podía parecer vacía, incomprensible, y por ello, quizás, nociva. ocupación. Algunos científicos asocian no solo el arte, sino toda la cultura primitiva con el juego, ven el juego en sus orígenes. Este enfoque es típico de la hermenéutica filosófica. G. Gadamer consideraba la historia y la cultura como una especie de juego en el elemento del lenguaje.

Aún más reveladoras a este respecto son las opiniones del historiador cultural holandés I. Heusinga (a veces escrito como Huizinga). En su libro, The Playing Man. Un intento de definir el elemento lúdico en la cultura” (1938), universalizó el concepto de juego, al que redujo toda la diversidad de la actividad humana y lo consideró como la principal fuente y máxima manifestación de la cultura humana. Cuanto más cerca esté una cultura de los arquetipos, es decir, cuanto más primitivo es, más juguetón es; pero alejándose de sus orígenes, así como una persona se aleja de su niñez, la cultura pierde su principio lúdico.
Por supuesto, cualquier teoría en la que el origen del arte, así como de la cultura, se reduzca a la actividad laboral o lúdica, a la magia, no es indiscutible. Naturalmente, la creación de cualquier valor cultural es trabajo. ¿Pero el juego no es trabajo? ¿Qué podría ser más serio para un niño que un juego? Pero el trabajo de una persona completamente adulta, cuando en sí mismo le da alegría y satisfacción, no es muy diferente del juego. Finalmente, ¿no tienen la cultura y el arte un efecto mágico, inspirándonos con pensamientos y sentimientos o despertando deseos que simplemente no hubiéramos tenido sin ellos?

En la cuestión del origen del arte, es importante entender no tanto la razón como los objetivos que perseguía el artista primitivo al crear imágenes. Está claro que podrían ser diferentes, que las propias imágenes se usaron luego para otros fines. Pero si el artista, como A.P. Okladnikov, satisfizo su necesidad de una expresión materializada de experiencias internas que eran ideales para él, la imagen del ideal sirvió como objetivo de su trabajo. Si la cultura en su conjunto se caracteriza por una discrepancia constante entre objetivos e ideales, entonces en la etapa inicial de la cultura esta coincidencia se produjo debido a la naturaleza sincrética de la actividad cultural primitiva.

2. TEORÍAS DEL ORIGEN DEL ARTE

Nadie puede ahora determinar con precisión el momento de la aparición del arte. Pero mucha evidencia indica que el arte nació en la era de la aparición del Homo sapiens. El problema del surgimiento del arte está indisolublemente ligado al problema del hombre. Así como hay varias teorías sobre el origen del hombre, también hay varias teorías sobre el origen del arte.

El gran esteticista e historiador del arte Micheles Panaotis escribe sobre la conexión entre el arte y lo divino. “Entre el hombre y la deidad está la naturaleza, el Universo, que le da al hombre las imágenes más simples en las que piensa: el sol, las estrellas, los animales salvajes y los árboles, y estimula las emociones más simples pero fuertes: el miedo, la confusión, la paz. Las imágenes e impresiones del mundo exterior son, al principio, una parte integral de la experiencia religiosa. El hombre, el microcosmos, no sólo se opone al macrocosmos, sino que está conectado con él a través de lo divino. Además, las impresiones humanas no carecen de un carácter estético, y las imágenes de la naturaleza, alimentando la imaginación religiosa, proporcionan modelos al maestro e inspiran al artista a expresarse a través de estos modelos. Con la ayuda del arte y la artesanía (que en un principio no estaban separados), el hombre primitivo no sólo imita y simboliza los elementos, sino que también los conquista, porque ya diseña y crea. No solo domina el espíritu de un animal salvaje, representándolo en las paredes de la cueva; construye viviendas protegidas, almacena agua en vasijas, reinventa la rueda. El microcosmos, enriquecido por el arte y la artesanía, las conquistas espirituales y técnicas, se enfrenta audazmente al macrocosmos”.

La segunda teoría del surgimiento del arte - estética, se refleja parcialmente en los argumentos anteriores de M. Panaotis. Las pinturas rupestres y rupestres datan de 40-20 mil años antes de Cristo. Las primeras imágenes incluyen imágenes de perfil de animales a tamaño real. Más tarde, aparecen imágenes de personas. En el momento del surgimiento de asociaciones tribales, se crearon canciones e himnos: canciones de terratenientes, interpretadas en los campos durante el trabajo agrícola y en días festivos después de la cosecha, himnos de batalla de guerreros - peans, cantados antes del comienzo de la batalla, boda himnos - hymenes, lamentaciones fúnebres - orens. Al mismo tiempo, se crearon leyendas sobre dioses y diosas, sus intervenciones en los asuntos de individuos y tribus enteras. Los hechos históricos reales estaban cubiertos de detalles legendarios. Con origen en una tribu, estas historias y leyendas se difunden entre otras, pasando de generación en generación.

Así, con la ayuda del arte, se acumuló y transmitió la experiencia colectiva. El arte primitivo estaba unificado, no dividido en tipos separados y tenía un carácter colectivo. En una sociedad esclavista, con el advenimiento de un exceso de producto de la actividad laboral, que hizo posible que las personas se dedicaran solo al arte. También hay una división del arte en tipos.

Junto con las teorías anteriores sobre el surgimiento del arte, existe una teoría psicofisiológica. Desde el punto de vista de esta versión, el arte era necesario para la humanidad a fin de preservarse y sobrevivir (desde el punto de vista de la psicología) en este mundo complejo. El filósofo y psicoanalista Erich Fromm escribe sobre la necesidad humana de creatividad. “En contraste con la adaptación pasiva inherente al animal, las personas buscan transformar el mundo. Y esto es imposible sin la gravitación hacia el más allá, sin la búsqueda del ideal. Sin esta disposición interior para lo sublime, para el impulso romántico, el individuo no puede elevarse por encima de la prosa cotidiana de la vida. Esta necesidad está dictada por la presencia de fuerzas creativas en cada individuo, entre las cuales ocupa un lugar especial la imaginación, la emotividad. En el acto de la creatividad, una persona se une con el mundo, rompe los límites de la pasividad de su existencia, entra en el reino de la libertad.

El arte adquirió sus características principales en la antigüedad, pero allí no comenzó a pensarse inmediatamente como un tipo especial de actividad. Hasta Platón, el "arte" también se llamaba la capacidad de construir casas, las habilidades de navegación, la curación, el gobierno, la poesía, la filosofía y la retórica. Primero, este proceso de aislamiento de la actividad estética propiamente dicha, es decir, el arte a nuestro entender, se inició en oficios específicos, y luego se trasladó al campo de la actividad espiritual, donde tampoco se aisló primero lo estético de lo utilitario, ético y cognoscitivo. .

3. ARTE PRIMARIO: DESCRIPCIÓN GENERAL

El arte primitivo o llamado primitivo cubre geográficamente todos los continentes excepto la Antártida y, con el tiempo, toda la era de la existencia humana, aún conservada entre algunos pueblos que viven en rincones remotos del planeta.

La conversión del hombre primitivo a un nuevo tipo de actividad para él, el arte, es uno de los mayores acontecimientos de la historia de la humanidad. El arte primitivo reflejaba las primeras ideas de las personas sobre el mundo circundante, contribuía a la preservación y transferencia de conocimientos y habilidades, y servía como medio de comunicación. Para el hombre primitivo, el arte se convirtió en la misma herramienta universal de cultura espiritual como lo fue una piedra afilada en su actividad laboral.

¿Qué llevó a una persona a pensar en la imagen de ciertos objetos? ¿Cómo saber si la pintura corporal fue el primer paso hacia la creación de imágenes, o si una persona adivinó la silueta familiar de un animal en el contorno aleatorio de una piedra y, al cortarla, le dio una mayor semejanza? ¿O tal vez la sombra de un animal o de una persona sirvió de base para el dibujo, y la huella de una mano o un pie precede a la escultura? No hay una respuesta definitiva a estas preguntas. A los antiguos se les podía ocurrir la idea de representar objetos no de una, sino de muchas maneras.

Hasta hace poco, los científicos tenían dos puntos de vista opuestos sobre la historia del arte primitivo. Algunos consideraban que la pintura y la escultura rupestre naturalista eran las más antiguas, mientras que otros consideraban los signos esquemáticos y las figuras geométricas. Ahora, la mayoría de los investigadores opinan que ambas formas aparecieron aproximadamente al mismo tiempo. Por ejemplo, entre las imágenes más antiguas en las paredes de las cuevas paleolíticas se encuentran las huellas de una mano humana y el entrelazado aleatorio de líneas onduladas, prensadas en arcilla húmeda con los dedos de la misma mano.

Las primeras obras de arte primitivo se crearon hace unos treinta mil años, al final de la era paleolítica o la Edad de Piedra antigua. La Edad de Piedra es el período más antiguo en la historia de la humanidad (comenzó hace más de 2 millones de años, duró hasta el sexto milenio antes de Cristo), cuando las herramientas y las armas se fabricaban con piedra; Se divide en Paleolítico, Mesolítico y Neolítico.

Las imágenes escultóricas más antiguas de la actualidad son las llamadas "Venus paleolíticas", figuras femeninas primitivas. Todavía están muy lejos de un parecido real con el cuerpo humano. Todos ellos tienen algunas características comunes: caderas, abdomen y pecho agrandados, falta de pies. Los escultores primitivos ni siquiera estaban interesados ​​en los rasgos faciales. Su tarea no era reproducir una naturaleza específica, sino crear una cierta imagen generalizada de una mujer-madre, símbolo de fertilidad y guardiana del hogar. Las imágenes masculinas en la era paleolítica son muy raras. Además de mujeres, se representaban animales: caballos, cabras, renos, etc. Casi toda la escultura paleolítica estaba hecha de piedra y hueso.

En la historia de la pintura rupestre de la era paleolítica, los expertos distinguen varios períodos. En la antigüedad (aproximadamente a partir del 20 milenio antes de Cristo), los artistas primitivos llenaban la superficie interior del contorno del dibujo con pintura negra o roja.

Más tarde (aproximadamente del 18 al 15 milenio antes de Cristo), los maestros primitivos comenzaron a prestar más atención a los detalles: representaron la lana con trazos paralelos oblicuos, aprendieron a usar colores adicionales (varios tonos de pintura amarilla y roja) para pintar manchas en el pieles de toros, caballos, bisontes. La línea de contorno también cambió: se volvió más brillante o más oscura, marcando las partes claras y sombreadas de la figura, los pliegues de la piel y las masas de lana (por ejemplo, crines de caballo, nuca de búfalo masiva), transmitiendo así volumen. En algunos casos, los contornos o los detalles más expresivos fueron enfatizados por artistas antiguos con una línea tallada.

En el XII milenio antes de Cristo. mi. el arte rupestre alcanzó su apogeo. La pintura de esa época transmitía volumen, perspectiva, color y proporciones de figuras, movimiento. Al mismo tiempo, se crearon enormes "lienzos" pintorescos que cubrían las bóvedas de cuevas profundas.

En 1868, en España, en la provincia de Santander, se descubrió la cueva de Altamira, cuya entrada había sido previamente tapada por un derrumbe. Casi diez años después, el arqueólogo español Marcelino Sautuola, que excavaba en esta cueva, descubrió imágenes primitivas en sus paredes y techo. Altamira fue la primera de muchas docenas de cuevas similares encontradas más tarde en Francia y España: La Moute, La Madeleine, Trois Frere, Font de Gome y otras.Ahora, gracias a búsquedas específicas, se encuentran cerca de un centenar de cuevas con imágenes de la época primitiva. conocido sólo en Francia.

En septiembre de 1940 se hizo un descubrimiento destacado por pura casualidad. La cueva de Lascaux en Francia, que llegó a ser aún más famosa que la de Altamira, fue descubierta por cuatro niños que, jugando, se metieron en un agujero que se abría bajo las raíces de un árbol que se había caído. después de una tormenta La pintura de la cueva de Lascaux - imágenes de toros, caballos salvajes, renos, bisontes, carneros, osos, etc. - es la obra de arte más perfecta de lo que fue creado por el hombre en la era paleolítica. Las imágenes de los caballos son más espectaculares, por ejemplo, pequeños caballos oscuros de estepa que parecen ponis. También resulta interesante la nítida figura tridimensional de una vaca situada encima de ellos, preparándose para saltar una valla o un foso. Esta cueva ahora se ha convertido en un museo de primera clase.

Posteriormente, las imágenes en su conjunto perdieron su viveza, volumen; se intensifica la estilización (generalización y esquematización de objetos). En el último período, las imágenes realistas están completamente ausentes. La pintura paleolítica, por así decirlo, volvió a donde comenzó: desordenados tejidos de líneas, filas de puntos, signos esquemáticos poco claros aparecieron en las paredes de las cuevas.

En la era del Mesolítico, o Edad de Piedra Media (XII-VIII milenio antes de Cristo), las condiciones climáticas del planeta cambiaron. Algunos de los animales cazados han desaparecido; fueron reemplazados por otros. La pesca comenzó a desarrollarse. La gente creó nuevos tipos de herramientas, armas (arcos y flechas), domó al perro. Todos estos cambios, por supuesto, tuvieron un impacto en la conciencia del hombre primitivo, que se reflejó en el arte.

Esto se evidencia, por ejemplo, en las pinturas rupestres de las regiones montañosas costeras del este de España, entre las ciudades de Barcelona y Valencia. Anteriormente, el enfoque del artista antiguo eran los animales que cazaba, ahora, las figuras de personas representadas en rápido movimiento. Si las pinturas rupestres del Paleolítico representaban figuras separadas e inconexas, entonces el arte rupestre del Mesolítico comenzó a estar dominado por composiciones de múltiples figuras y escenas que reproducen vívidamente varios episodios de la vida de los cazadores de esa época. Además de varios tonos de pintura roja, se usaba el negro y ocasionalmente el blanco, y compuestos persistentes como la clara de huevo, la sangre y posiblemente la miel servían como aglutinante.

El centro del arte rupestre eran las escenas de caza, en las que los cazadores y los animales están vinculados en una acción que se desarrolla vigorosamente. Los cazadores siguen el rastro o persiguen a la presa, lanzándole flechas mientras corren, asestan el golpe mortal final o huyen de un animal herido enojado. Al mismo tiempo, aparecieron imágenes de episodios dramáticos de enfrentamientos militares entre tribus. En algunos casos, aparentemente, incluso estamos hablando de ejecución: en primer plano está la figura de un hombre acostado atravesado por flechas, en el segundo hay una fila cerrada de arqueros que levantaron sus arcos. Las imágenes de mujeres son raras: suelen ser estáticas y sin vida. Las pinturas grandes fueron reemplazadas por otras pequeñas. Pero llama la atención la escala de las composiciones y la cantidad de personajes: a veces hay cientos de imágenes de humanos y animales. Las figuras humanas son muy condicionales, son más bien símbolos que sirven únicamente para representar escenas de masas. El artista liberó a las figuras de todo, desde su punto de vista, de importancia secundaria, que interfiriera en la transferencia y percepción de poses complejas, el movimiento, la esencia misma de lo que está sucediendo. El hombre para él es una acción encarnada.

El derretimiento de los glaciares en el Neolítico o Nueva Edad de Piedra (5000-3000 aC) puso en marcha pueblos que comenzaron a poblar nuevos espacios. Se intensificó la lucha intertribal por la posesión de los cotos de caza más favorables y por la conquista de nuevas tierras. En la era Neolítica, el hombre estaba amenazado por el peor de los peligros: ¡otro hombre! Surgieron nuevos asentamientos en las islas en las curvas de los ríos, en pequeñas colinas, es decir. en lugares protegidos de ataques repentinos.

El arte rupestre en la era neolítica se vuelve cada vez más esquemático y condicional: las imágenes solo se asemejan ligeramente a una persona o un animal. Este fenómeno es típico de diferentes regiones del globo. Se trata, por ejemplo, de pinturas rupestres de ciervos, osos, ballenas, focas encontradas en Noruega, que alcanzan los ocho metros de longitud. Además del esquematismo, se distinguen por una ejecución descuidada. Junto a las figuras estilizadas, aparecen diversas figuras geométricas (círculos, rectángulos, rombos, espirales, etc.), imágenes de armas (hachas, puñales) y vehículos (barcos, barcos). La reproducción de la vida silvestre se desvanece en el fondo.

El arte primitivo desempeñó un papel importante en la historia y la cultura de la humanidad antigua. Habiendo aprendido a crear imágenes (escultóricas, gráficas, pictóricas), una persona ha adquirido cierto poder con el tiempo. Él, por así decirlo, sentó las bases para una nueva forma de ser, una forma de arte, cuyo desarrollo se puede rastrear en la historia del arte.

Si nos estamos moviendo de la religión al arte, de ninguna manera es porque ambas áreas de la cultura espiritual estuvieran directamente conectadas en su origen o contenido. En la ciencia del pasado, sin embargo, existe una "teoría" muy difundida que deriva el surgimiento del arte de formas religiosas, en particular de la magia y el totemismo.

La cuestión de los orígenes del arte en sus diversas formas, así como la esencia de sus primeras manifestaciones, no carece de complejidad. Sin embargo, la "teoría" mencionada anteriormente debe descartarse resueltamente. Baste recordar que, como sabemos por las investigaciones arqueológicas, tanto la religión como el arte, en particular las bellas artes, aparecen al mismo tiempo en el período Aurignac-Solutrense, o en el escenario. Rechazar el arte de la religión significa asumir la preexistencia de esta última, por lo tanto, contar la religión entre las etapas más tempranas de la existencia humana, y en una forma tan bien desarrollada que es capaz de causar una nueva manifestación compleja de sí misma en la etapa siguiente. . No es necesario decir que la religión es capaz de influir en el arte, pero esto es sólo porque, en general, todas las formas de ideología están en estrecho contacto y se influyen entre sí, y la religión en mayor medida, teniendo una actividad extrema, busca expresión para mismo y ejerce influencia como sobre otras formas, la ideología, penetrando en el lenguaje, el pensamiento, la ciencia, etc., y en las relaciones sociales.

Dibujo sobre la piedra. cultura auriñaciense.

Otra teoría, y vale la pena mencionarla, deriva el arte de un sentido de belleza y esteticismo, por así decirlo, orgánicamente inherente al hombre. De hecho, en una persona, el sentido de la estética se desarrolla a lo largo de su desarrollo espiritual, sobre la base de la percepción de la perfección, la armonía y la belleza inherentes a la naturaleza solo en el momento en que una persona comienza a reproducir tales cualidades naturales en las obras de su trabajo propio y en todo tipo de formas de expresión personal, sentimientos y pensamientos propios, es decir, en diversas formas de arte que ya han surgido. Por lo tanto, el esteticismo no puede ser una fuente de arte, y el arte, como la naturaleza, desarrolla un sentido estético en una persona de forma independiente.

En general, de ningún modo es necesario deducir el arte de cualquier otro fenómeno ideológico, para convertirlo en una superestructura sobre una superestructura. El arte tiene una fuente común con todos los fenómenos ideológicos.

Tal fuente común del arte primitivo en todas sus manifestaciones es el trabajo y toda la actividad laboral de una persona de la antigüedad. Con el desarrollo del hombre y de la comunidad humana, con la complicación de la ideología, esta fuente inicial de arte naturalmente se ve cada vez más mediatizada por actividades y relaciones humanas emergentes. En esencia y contenido, el arte primitivo en todas sus diversas formas no es más que una forma de expresión que entra en contacto con la actividad del trabajo humano, sus sentimientos, percepciones, estados de ánimo y pensamientos. Este arte no es en modo alguno un fin en sí mismo, el arte por el arte, sino que surge en la sociedad de la necesidad de comunicación de una persona, del deseo de transmitir sus pensamientos y sentimientos.

El contenido original del arte, sus tramas y motivos, a su vez, están completamente determinados por el trabajo de una persona en un equipo. Con el desarrollo social y sus relaciones, se unen aquí en toda su diversidad y en toda la complejidad de percepciones, sentimientos, pensamientos, etc., asociados a las experiencias personales ya las relaciones sociales de una persona.

Por razones obvias, los monumentos arqueológicos conservan directamente huellas de artes exclusivamente plásticas de diferentes tipos de arte.

Los monumentos del Paleolítico temprano (Chelle, Ashel, Mouster) no revelan ningún signo de la presencia de bellas artes. Pero al mismo tiempo, junto con el aumento en el desarrollo de la sociedad primitiva, que está representada por la etapa Aurignac-Solutrense, aquí aparecen a la vez todos los tipos de bellas artes. Tenemos aquí un dibujo que contiene una imagen de contorno de un nivel muy primitivo, tallado o tallado sobre una piedra, cuerno o hueso. La misma primitividad en la pintura, limitada de manera similar a una imagen de roca de contorno, en pintura negra o roja, aplicada, con toda probabilidad, con un dedo. Algún tipo de animal, un caballo, un ciervo, un rinoceronte, un león, actúa principalmente como una trama. Por lo general, solo se da la cabeza, rara vez la figura completa. Estilo estrictamente realista, que se aplica en particular al dibujo.

Dibujo en la pared de la cueva. Cultura Aurignac-Solutrense.

Las imágenes condicionales de la era Aurignac-Solutrense representan una serie de puntos o líneas. La escultura de forma redonda está representada principalmente por figurillas femeninas talladas en roca blanda, piedra caliza, marga, con menos frecuencia en hueso de mamut. Rara vez se encuentran figuras masculinas y figuras individuales de animales. Las figurillas femeninas están hechas a la manera del realismo, sin embargo, a veces el torso se alarga y las características sexuales se enfatizan significativamente. Falta la cara y las manos son condicionales. Ocasionalmente, la figurilla se presenta en una pose sentada. Por lo general, la altura de estas esculturas es de cinco a diez centímetros, a veces más de quince. Un buen ejemplo de tales figurillas, encontradas en Willendorf, Austria, fue apodada la "Venus de Willendorf". Los grandes relieves de una mujer sobre las rocas tienen un carácter similar.

"Venus Willendorf"

Siguiendo estos primeros pasos, sin embargo, ya bastante confiados, la cultura Madeleine presenta una imagen de un hermoso florecimiento en las artes visuales. Es cierto que la escultura es mucho menos común aquí, y las figuras femeninas desaparecen casi por completo; solo aparecen imágenes de la cabeza de un animal. Pero el dibujo alcanza una perfección verdaderamente notable para su época. Por supuesto, también hay cosas menos exitosas. Y aquí, en la mayoría de los casos, los animales grandes se convierten en la trama: el principal objeto de caza de esa época: un bisonte, un caballo, un ciervo, ocasionalmente, un mamut, un rinoceronte, depredadores, incluso con menos frecuencia. Y aquí las imágenes de los animales son únicas, las composiciones son muy pocas, a veces se da un grupo de animales repitiendo un detalle, por ejemplo, una manada de ciervos se representa como una serie de cuernos ramificados. Hay imágenes de peces, salmón, lucio, carpa, cacho, etc., ocasionalmente, pájaros. Las imágenes de una persona son bastante raras, y estos dibujos siempre son menos realistas y menos exitosos. Las imágenes de plantas son igualmente raras. Un lugar especial en el dibujo de Madeleine está detrás de las imágenes que representan mitad humanos, mitad animales.

Significativamente más alto en comparación con el arte de Aurignac-Solutrean es la pintura de Madeleine. Este suele ser un contorno tallado directamente en la roca, pintado con pinturas, blanco, rojo, amarillo y negro, con el rojo presente en un volumen mayor. Estas pinturas, como han demostrado los estudios, son minerales, mezcladas con grasa o médula ósea. En los sitios de Madeleine, a menudo se encuentran pinturas, aparentemente preparadas para el futuro en forma triturada y mezclada, incluso se encontró una botella de hueso en la que se conservaba un polvo de ocre rojo. El tema de la pintura de Madeleine son casi exclusivamente grandes herbívoros, especialmente bisontes y ciervos, rara vez depredadores. Las dimensiones de las imágenes suelen ser muy grandes, llegando hasta los 2,5 m. A juzgar por el hecho de que las imágenes de Madeleine se encuentran mayoritariamente en cuevas profundas, hay que pensar que el trabajo se realizó bajo iluminación artificial con esas lámparas gordas que se encuentran en los sitios de esta cultura. Hay cuevas, que son colecciones enteras de pinturas paleolíticas. La pintura y el dibujo de Madeleine destacan por su gran realismo, a menudo revelan un notable conocimiento de la naturaleza. El dibujo de Madeleine, que permanece en su mayor parte de contorno y solo ocasionalmente cubierto de sombreado, es perfectamente expresivo. En contraste con la inmovilidad de las imágenes de Aurignac-Solutrean, la naturaleza en el dibujo de Madeleine está llena de movimiento, varias poses se transmiten perfectamente, especialmente con éxito: el giro de la cabeza.

Relieve sobre una losa de piedra. cultura auriñaciense.

El dibujo de Madeleine no carece de perspectiva. La pintura transmite bien el volumen, mientras que la plasticidad se logra mediante la distribución de tonos claros y oscuros; a veces se da un fondo colorido. En lugar de la representación incompleta de la naturaleza en el turno anterior en la Madeleine, tanto el dibujo como la pintura le dan al animal una figura más completa. Finalmente, el dibujo condicional se encuentra mucho más alto en la Madeleine. Encontramos aquí una imagen estilizada de un animal o un motivo ornamental libre aplicado a alguna herramienta. En varias muestras del dibujo de este poro, se puede rastrear una transición de una imagen con signos de realismo a una estilización con un adorno.

Dibujo sobre la piedra. Madeleine.

Por supuesto, no se deben exagerar los méritos artísticos del arte paleolítico. Su trascendencia cultural e histórica radica, en todo caso, en que tenemos ante nosotros los primeros ejemplos de la creatividad humana en la dirección pictórica.

Las obras de arte de Aurignac-Solutrean y Madeleine se pueden encontrar dondequiera que encontremos monumentos de estas culturas. Monumentos destacados de la pintura paleolítica son las cuevas: Font-de-Gaume en Francia y Altamira en España. Los monumentos encontrados en el territorio de Rusia dieron buenos ejemplos de escultura: Gagarino, Kostenki, Malta, etc.

Un lugar especial en la trama y la forma detrás del dibujo, la llamada cultura capsiana (del nombre del oasis y la ciudad de Gafsa - Roman Capsa - en Túnez). Esta cultura, que tiene correspondencias con las culturas europeas del Paleolítico superior y Neolítico temprano, es común en el sureste de España, en parte en Italia, en el norte de África, Asia Menor y en parte en el Cáucaso. Las imágenes aquí son principalmente siluetas - de colores negro y rojo - dibujadas en las rocas, pero no en cuevas, sino en lugares abiertos. El tamaño suele ser pequeño.

Dibujos en las paredes de la cueva. Madeleine.

El mayor logro del arte de Capsian es la transición a la composición, a veces bastante compleja, además de imágenes de figuras únicas. Son pinturas cotidianas, escenas de caza, episodios de guerras. El dibujo de Capsian es extremadamente expresivo, la imagen es básicamente realista, pero el deseo de transmitir movimiento lleva a una convencionalidad extrema.

Bisonte con flechas. Dibujo en la roca. Madeleine.

Por otro lado, las bellas artes del Neolítico temprano en Europa son muy pobres. Hay que admitir que tras el maravilloso y verdaderamente brillante auge de las bellas artes en el Paleolítico tardío, se produce un claro declive. Como resultado, casi los únicos ejemplos del arte de Azil son guijarros pintados, sobre los cuales se aplican dibujos condicionales o signos con ocre rojo, que no pueden interpretarse de manera aceptable.

Las bellas artes de las próximas etapas del Neolítico se están desarrollando en una nueva dirección. Hay maravillosos ejemplos de escultura redonda hecha de madera, hueso y piedra. Algunos petroglifos (grabados en roca) dan imágenes de animales y personas, realistas o condicionales. En general, el arte neolítico sigue la línea decorativa, dando aquí, en cambio, abundancia de formas diversas. En esta era, el deseo de decorar todas las cosas que rodean a una persona que le sirve, hasta los artículos más comunes y sin pretensiones que se usan todos los días, en particular los platos de barro, se manifiesta ampliamente en esta era. Tal adorno forma un adorno (latín ornamentum - "decoración"), desde sus formas más simples: picado, peine o geométrico primitivo, hasta muy complejo y altamente artístico, con varios motivos y tramas, varios colores. La ropa, los utensilios y las armas también están cubiertos con varios ornamentos, a veces muy ricos. La escultura y el relieve tienen un carácter decorativo en el Neolítico. Los menhires, que toman la forma de imágenes humanas, dan el comienzo de una estatua. Una forma especial de menhires está representada por "estatuas de piedra": estatuas masivas, generalmente de hasta 2 m de altura y más, con una cara esculpida primitivamente y un torso aún más primitivo. Estas estatuas se distribuyeron ampliamente en el territorio de la antigua URSS, en una gran área de sus partes europeas y asiáticas, especialmente en la parte sur de Europa.

Si pasamos ahora al material etnográfico, aquí nos encontraremos en su mayor parte con una dirección decorativa, que da muchas formas diferentes y, a menudo, alcanza una altura artística significativa. En cuanto al dibujo y la pintura, aunque no pocas nacionalidades muestran notables habilidades en este sentido, con una sola excepción, todavía no encontramos aquí nada igual o incluso similar al arte de Madeleine y Capsa. La excepción a esto son los maravillosos dibujos y pinturas de contorno de los bosquimanos. Vemos aquí pinturas rupestres y rupestres, cuya trama son animales, pájaros, personas, tanto solos como en grupos. La naturaleza se da de perfil, sobre todo en movimiento. Las composiciones no son infrecuentes: escenas de caza, ceremonias religiosas, episodios militares. Tanto en la Madeleine como aquí hay imágenes humanas con cabeza de animal.

Escenas de caza. Dibujos en la roca. cultura capsiana. Este de España.

La pintura de los bosquimanos se diferencia de la de Madeleine en que en ella el contorno suele pintarse arbitrariamente en la superficie, en dos o tres colores, rojo, negro, amarillo o blanco. Los bosquimanos usaban pinceles y una paleta de piedra para colorear. Las imágenes se distinguen por su notable realismo, precisión, excelentes proporciones y expresión. Por supuesto, aquí tampoco todo es igual a nivel artístico.

La escultura, redonda y en relieve, está muy extendida entre la masa de tribus y nacionalidades. En su mayor parte, tiene estrechos vínculos con la religión y el culto, en su mayoría bastante primitivos. Pero incluso aquí nos encontramos con obras, tanto realistas como puramente estilizadas o fantásticas, por toda su originalidad, por todo su "exotismo", distintivo en gusto y perfección artística. Tal es especialmente la escultura redonda de madera de los negros de África occidental y los melanesios, y el relieve decorativo de los polinesios e indios del noroeste de América del Norte, los hydes, los tlingit y otros.

Las máscaras se convierten en un área especial de manifestación de las bellas artes. El origen de las máscaras, al parecer, pertenece a un pasado muy arcaico: ya son conocidas por tribus muy atrasadas. A su vez, la máscara tiene distintos orígenes: disfrazarse de animal como método de caza y una de las formas de procedimientos totémicos, y forma de intimidar al enemigo. Las máscaras de muchas tribus y nacionalidades son a menudo maravillosas obras de escultura y pintura, y con lo grotesco presente, son sin exageración ejemplos destacados de las bellas artes.

El material arqueológico y etnográfico, que cubre las primeras manifestaciones de las bellas artes, deja muchas lagunas, lo que plantea una serie de preguntas serias. Debe decirse francamente que tanto la incompletitud del material como la falta de conocimiento de tales preguntas obligan a dejar muchas de ellas abiertas. Solo volveremos una vez más a la cuestión de la conexión entre el arte primitivo y la religión. Ya sabemos que la religión también está penetrando en el terreno del arte. Por lo tanto, no hay nada inesperado en el hecho de que algunas obras de arte primitivas lleven el sello de la religión y, en ocasiones, estén completamente condicionadas por ella. La influencia religiosa se manifiesta especialmente en las últimas etapas del desarrollo del arte primitivo, y más precisamente en la escultura y la ornamentación. Sin embargo, es imposible encontrar este condicionamiento del arte por la religión en todas partes. Por cierto, en la pintura paleolítica hay, muy raramente, imágenes de un animal con flechas clavadas. Estas imágenes son un argumento favorito y estereotipado de la teoría religiosa del arte. Dicen que aquí tenemos un dispositivo mágico: por medio de tal imagen, el artista tenía en mente la provisión de su propia caza exitosa. Pero es casi imposible cuestionar otra interpretación de este dibujo, a saber, como una imagen bastante realista de un animal con flechas que cayeron en él. Otra prueba se da con la misma frecuencia. Las imágenes de mitad animales, mitad humanos, que se encuentran en los monumentos paleolíticos y en la pintura de los bosquimanos, se interpretan como imágenes de hechiceros. Pero incluso aquí se pueden ver imágenes bastante realistas de una técnica de caza especial disfrazada de animal, una técnica muy practicada por muchas tribus, incluidos los mismos bosquimanos.