Japansk modern konst och hantverk. Konsthantverk. Japansk kanzashi - tygblommor

Japanerna upptäckte skönheten som gömdes i saker under 800-1100-talen, under Heian-eran (794-1185) och betecknade den till och med med det speciella konceptet "mono no avare" (jap.???? (???? ??)) , vilket betyder "sakers sorgliga charm." "Tingens charm" är en av de tidigaste definitionerna av skönhet i japansk litteratur, den är förknippad med shintotron att varje sak har sin egen gudom - kami - och sin egen unika charm. Avare är tingens inre väsen, det som orsakar glädje, spänning.

Washi (wasi) eller wagami (wagami).
Manuell papperstillverkning. Medeltida japanska värderade washi inte bara för sina praktiska egenskaper utan också för sin skönhet. Hon var känd för sin subtilitet, nästan transparens, som dock inte berövade henne styrka. Washi är gjord av barken från kozo-trädet (mullbärsträdet) och några andra träd.
Washi-papper har bevarats i århundraden, bevis på detta är album och volymer av forntida japansk kalligrafi, målningar, skärmar, gravyrer som har kommit ner genom århundradena till idag.
Vasyas papper är fibröst, om du tittar genom ett mikroskop kommer du att se sprickor genom vilka luft och solljus tränger in. Denna kvalitet används vid tillverkning av skärmar och traditionella japanska lyktor.
Washi-souvenirer är mycket populära bland européer. Många små och användbara föremål är gjorda av detta papper: plånböcker, kuvert, fläktar. De är ganska hållbara men ändå lätta.

Komono.
Vad finns kvar av en kimono efter att den har avtjänat sin tid? Tror du att det slängs? Inget sånt här! Japanerna kommer aldrig att göra det. Kimonos är dyra. Det är otänkbart och omöjligt att bara slänga det så... Tillsammans med andra typer av kimonoåtervinning gjorde hantverkarna små souvenirer av små strimlor. Det är små leksaker för barn, dockor, broscher, girlanger, damsmycken och andra produkter, den gamla kimonon används vid tillverkning av små söta små saker, som tillsammans kallas "komono". Små saker som kommer att få sitt eget liv, som fortsätter på kimononens väg. Detta är vad ordet "komono" betyder.

Mizuhiki.
Macrame analog. Detta är en gammal japansk brukskonst att knyta olika knutar från speciella snören och skapa mönster av dem. Sådana konstverk hade en extremt stor räckvidd - från presentkort och brev till frisyrer och handväskor. För närvarande används mizuhiki extremt flitigt i presentbranschen - för varje händelse i livet är det meningen att en gåva ska slås in och knytas på ett mycket specifikt sätt. Det finns extremt många knutar och kompositioner i konsten att mizuhiki, och inte alla japaner kan dem alla utantill. Naturligtvis finns det de vanligaste och enkla knutarna som används oftast: för gratulationer till ett barns födelse, för ett bröllop eller åminnelse, en födelsedag eller universitetsantagning.

Gohei.
Talisman från pappersremsor. Gohei är en rituell stav av en shintopräst, till vilken sicksackremsor av papper är fästa. Samma pappersremsor hängs vid ingången till en Shinto-helgedom. Pappers roll i shinto har traditionellt sett varit mycket stor, och produkter gjorda av det har alltid fästs esoterisk betydelse. Och tron ​​på att varje sak, varje fenomen, till och med ord, innehåller en kami - en gudom - förklarar uppkomsten av en sådan typ av brukskonst som gohei. Shintoismen påminner lite om vår hedendom. För shintoister är kami särskilt villiga att bosätta sig i allt som är utöver det vanliga. Till exempel på papper. Och ännu mer i en gohei vriden till en intrikat sicksack, som idag hänger framför ingången till Shinto-helgedomarna och indikerar närvaron av en gudom i templet. Det finns 20 sätt att vika gohei, och de som är särskilt ovanligt vikta lockar kami. Gohei är övervägande vit till färgen, men guld, silver och många andra nyanser finns också. Sedan 800-talet har det funnits en sed i Japan att stärka gohei på sumobrottares bälten innan kampen börjar.

Anesama.
Detta är tillverkning av pappersdockor. På 1800-talet gjorde samurajfruar pappersdockor som barn lekte med och klädde dem i olika kläder. I tider när det inte fanns några leksaker var anesama den enda samtalspartnern för barn, och "utförde" rollen som mamma, äldre syster, barn och vän.
Dockan är vikt av japanskt washipapper, håret är gjort av skrynkligt papper, färgat med bläck och täckt med lim, vilket ger det en glans. Ett utmärkande drag är en fin liten näsa på ett avlångt ansikte. Idag fortsätter denna enkla leksak, som inte kräver något annat än skickliga händer, traditionell i formen, att tillverkas på samma sätt som tidigare.

Origami.
Den antika konsten att vika pappersfigurer (jap. ???, lit.: "vikt papper"). Konsten att origami har sina rötter i det antika Kina, där papper uppfanns. Ursprungligen användes origami i religiösa ceremonier. Under lång tid var denna konstform endast tillgänglig för representanter för överklassen, där innehavet av pappersvikningsteknik var ett tecken på god smak. Först efter andra världskriget gick origami bortom öst och kom till Amerika och Europa, där den omedelbart hittade sina fans. Klassisk origami viks från ett fyrkantigt pappersark.
Det finns en viss uppsättning konventionella symboler som krävs för att skissa vikningsschemat för även den mest komplexa produkten. De flesta av de konventionella tecknen sattes i praktik i mitten av 1900-talet av den berömda japanska mästaren Akira Yoshizawa.
Klassisk origami föreskriver användningen av ett fyrkantigt jämnt färgat papper utan lim och sax. Samtida konstformer avviker ibland från denna kanon.

Bildkälla: http://sibanime.ru/2152-yaponskie-tradicii-origami.html

Kirigami.
Kirigami är konsten att klippa olika former från ett pappersark som är vikt flera gånger med hjälp av en sax. En typ av origami som tillåter användning av sax och pappersklippning i processen att göra modellen. Detta är den största skillnaden mellan kirigami och andra pappersvikningstekniker, vilket betonas i namnet: ?? (kiru) - att skära,? (gami) - papper. Vi älskade alla att skära ut snöflingor i barndomen - en variant av kirigami, du kan skära inte bara snöflingor utan också olika figurer, blommor, girlanger och andra söta papperssaker med denna teknik. Dessa produkter kan användas som schabloner för tryck, albumdekorationer, vykort, fotoramar, modedesign, inredning och andra olika dekorationer.

Ikebana.
Ikebana, (jap ??? eller ????) översatt från japanska - ike "- livet", bana "- blommor eller" blommor som lever. Den japanska konsten att arrangera blommor är en av det japanska folkets vackraste traditioner. När man sammanställer blomsterarrangemang, tillsammans med blommor, används avskurna grenar, löv och skott.Den grundläggande principen är utsökt enkelhet, för att uppnå vilket de försöker betona växternas naturliga skönhet. Ikebana är skapandet av en ny naturlig form, där skönheten i en blomma och skönheten i själen hos mästaren som skapar kompositionen kombineras harmoniskt.
Idag finns det fyra stora ikebanaskolor i Japan: Ikenobo (Ikenobo), Koryu (Koryu), Ohara (Ohara), Sogetsu (Sogetsu). Utöver dem finns det ungefär tusen olika riktningar och trender som ansluter sig till en av dessa skolor.

Oribana.
I mitten av 1600-talet utgick två skolor av ohara (huvudformen av ikebana - oribana) och koryu (huvudformen - sek) från ikenobo. Förresten, ohara-skolan studerar fortfarande bara oribanu. Som japanerna säger är det väldigt viktigt att origami inte förvandlas till origami. Gomi betyder skräp på japanska. När allt kommer omkring, vek du ett papper, och vad ska du göra med det? Oribana erbjuder många idéer för buketter för att dekorera inredningen. ORIBANA = ORIGAMI + IKEBANA

Fel.
En typ av konst född ur blomsterhandel. Blomsterhandel dök upp i vårt land för åtta år sedan, även om det har funnits i Japan i mer än sexhundra år. Någon gång under medeltiden förstod samurajerna en krigares väg. Och oshibana var en del av den vägen, precis som att skriva hieroglyfer och svinga ett svärd. Innebörden av misstaget var att i tillståndet av total närvaro i ögonblicket (satori) skapade mästaren en bild av torkade blommor (pressade blommor). Då skulle den här bilden kunna fungera som en nyckel, en guide för dem som var redo att gå in i tystnaden och uppleva samma satori.
Kärnan i konsten att "oshibana" är att, genom att samla och torka blommor, örter, löv, bark under tryck och fästa dem på basen, skapar författaren med hjälp av växter ett verkligt verk av "målning". Det är med andra ord fel att måla med växter.
Blomsterhandlarnas konstnärliga kreativitet bygger på bevarandet av form, färg och struktur hos torkat växtmaterial. Japanerna har utvecklat en teknik för att skydda "oshibana"-målningar från att blekna och mörkna. Dess essens är att luft pumpas ut mellan glaset och bilden och det skapas ett vakuum som förhindrar att växterna förstörs.
Det lockar inte bara det okonventionella i denna konst, utan också möjligheten att visa fantasi, smak, kunskap om växternas egenskaper. Florister skapar ornament, landskap, stilleben, porträtt och berättelsemålningar.

Temari.
Dessa är traditionella japanska geometriska broderade bollar gjorda med enkla sömmar som en gång var en barnleksak och som nu har blivit en konstform med många fans, inte bara i Japan utan över hela världen. Man tror att dessa produkter för länge sedan tillverkades av samurajfruar för underhållning. I början användes de verkligen som en boll för att spela en boll, men så småningom började de förvärva konstnärliga element, förvandlades senare till dekorativa ornament. Den känsliga skönheten hos dessa bollar är känd i hela Japan. Och idag är färgglada, noggrant tillverkade produkter en av typerna av folkhantverk i Japan.

Yubinuki.
Japanska fingerborg, när man syr eller broderar för hand, sätts de på mittfalangen på långfingret på den arbetande handen, med hjälp av fingertopparna får nålen den önskade riktningen och nålen trycks genom ringen på mitten finger i jobbet. Till en början gjordes japanska yubinuki fingerborgsringar ganska enkelt - en remsa av tätt tyg eller läder ca 1 cm bred i flera lager lindades hårt runt fingret och fästes ihop med några enkla dekorativa stygn. Eftersom yubinuki var ett nödvändigt föremål i varje hem började de dekoreras med geometriska broderier med sidentrådar. Från sammanflätningen av sömmar skapades färgglada och komplexa mönster. Yubinuki från ett enkelt hushållsföremål har också förvandlats till ett föremål för att "beundra", dekoration av vardagen.
Yubinuki används fortfarande i sömnad och broderi, men de kan också hittas helt enkelt på händerna på vilket finger som helst, som dekorativa ringar. Yubinuki-broderi används för att dekorera olika föremål i form av en ring - servettringar, armband, temari-ställ, dekorerade med yubinuki-broderier, och det finns också broderade nålsängar i samma stil. Yubinuki-mönster kan vara en bra inspiration för temari obi-broderi.

Kanzashi.
Konsten att dekorera hårnålar (oftast dekorerade med blommor (fjärilar etc.) gjorda av tyg (främst siden). Japansk kanzashi (kanzashi) är en lång hårnål för en traditionell japansk kvinnlig frisyr. De var gjorda av trä, lack, silver , sköldpaddsskal som används i traditionella kinesiska och japanska frisyrer. För cirka 400 år sedan, i Japan, ändrades stilen på kvinnors frisyrer: kvinnor slutade kamma håret i den traditionella formen - taregami (långt rakt hår) och började styla håret i intrikata och bisarra former - nihongami. använde olika föremål - hårnålar, pinnar, kammar.Det var då som även en enkel kushi-kam-kam förvandlas till ett elegant tillbehör av extraordinär skönhet, som blir ett riktigt konstverk.Japanska kvinnors traditionella dräkt tillät inte handledssmycken och halsband, så frisyredekorationer var den främsta skönheten och fältet för självuttryck - såväl som att demonstrera smaken och tjockleken på påsen som ägaren. På gravyrerna kan man se - om man tittar noga - hur japanska kvinnor lätt hängde upp till tjugo dyra kanzashi i sina frisyrer.
För närvarande finns det ett återupplivande av traditionen att använda kanzashi bland unga japanska kvinnor som vill lägga till sofistikering och elegans till sina frisyrer, moderna hårspännen kan dekoreras med bara en eller två ömtåliga handgjorda blommor.

Kumihimo.
Kumihimo är en japansk flätad snodd. Vid vävning av trådar erhålls band och spetsar. Dessa snören är vävda på speciella maskiner - Marudai och Takadai. Marudai-maskinen används för att väva runda snören och Takadai för platta. Kumihimo på japanska betyder "väva rep" (kumi - väva, vika ihop, himo - rep, spets). Trots det faktum att historiker envist insisterar på att liknande vävning kan hittas bland skandinaverna och invånarna i Anderna, är den japanska konsten kumihimo verkligen en av de äldsta typerna av vävning. Det första omnämnandet av det går tillbaka till 550, då buddhismen spreds över hela Japan och speciella ceremonier krävde speciella dekorationer. Senare började kumihimo-snören användas som fixering för obi-bältet på en damkimono, som rep för att "packa" hela samurajerna av vapen (samurajerna använde kumihimo i dekorativa och funktionella syften för att knyta deras rustningar och hästrustningar) och även för att knyta tunga föremål.
En mängd olika mönster av modern kumihimo vävs mycket enkelt på hemgjorda kartongvävstolar.

Suibokuga eller sumie.
Japansk bläckmålning. Denna kinesiska målarstil antogs av japanska konstnärer på 1300-talet och i slutet av 1400-talet. blev huvudströmmen av måleri i Japan. Suibokuga är monokrom. Det kännetecknas av användningen av svart bläck (sumi), en hård form av träkol eller kinesiskt bläck framställt av sot från kinesiskt bläck, som mals i en bläckkruka, späds ut med vatten och borstas på papper eller siden. Monokrom erbjuder mästaren ett oändligt urval av tonala alternativ, som kineserna för länge sedan kände igen som bläckets "färger". Suibokuga tillåter ibland användning av riktiga färger, men begränsar det till tunna, genomskinliga streck som alltid förblir underordnade bläcklinjen. Bläckmålning delar kalligrafikonsten sådana väsentliga egenskaper som ett hårt kontrollerat uttryck och teknisk formbehärskning. Kvaliteten på bläckmålning beror, som i kalligrafi, på integriteten och motståndskraften mot sönderrivning av linjen som dragits i bläck, som liksom håller konstverket om sig självt, precis som ben håller vävnader om sig själva.

Etegami.
Ritade vykort (e - bild, taggade - brev). Gör-det-själv-vykortstillverkning är i allmänhet en mycket populär aktivitet i Japan, och före semestern ökar dess popularitet ännu mer. Japanerna älskar att skicka vykort till sina vänner, och de älskar att ta emot dem också. Detta är en typ av snabbbrev på speciella ämnen, det kan skickas med post utan kuvert. Det finns inga speciella regler eller tekniker i etegami, vem som helst kan göra det utan särskild träning. Etagami hjälper till att exakt uttrycka stämningen, intrycken, detta är ett handgjort vykort som består av en bild och ett kort brev, som förmedlar avsändarens känslor, såsom värme, passion, omsorg, kärlek, etc. De skickar dessa vykort för semestern och bara som det, som visar årstiderna, aktiviteterna, grönsaker och frukter, människor och djur. Ju enklare den här bilden är ritad, desto mer intressant ser den ut.

Furoshiki.
Japansk inslagningsteknik eller konsten att vika tyg. Furoshiki kom in i japanernas liv under lång tid. Gamla rullar från Kamakura-Muromachi-perioden (1185 - 1573) har bevarats med bilder av kvinnor som bär buntar av kläder inlindade i tyg på huvudet. Denna intressanta teknik har sitt ursprung så tidigt som 710 - 794 AD i Japan. Ordet "furoshiki" översätts ordagrant till "badmatta" och är en fyrkantig tygbit som användes för att slå in och bära föremål av alla former och storlekar.
Förr i tiden var det brukligt att gå i japanska bad (furo) i lätta bomullskimonos, som besökarna hade med sig hemifrån. Badgästen hade också med sig en speciell matta (shiki) som han stod på när han klädde av sig. Efter att ha bytt om till en "badande" kimono, slog besökaren in sina kläder i en matta och efter badet lindade han in en våt kimono i en matta för att ta hem den. Därmed har badmattan blivit en multifunktionell väska.
Furoshiki är väldigt lätt att använda: tyget tar formen av föremålet som du slår in, och handtagen gör det lätt att bära lasten. Dessutom får en present som inte är inslagen i hårt papper, utan i ett mjukt, flerskiktigt tyg, en speciell uttrycksfullhet. Det finns många system för att vika furoshiki för alla tillfällen, vardagliga eller festliga.

Kinusaiga.
En fantastisk typ av handarbete från Japan. Kinusaiga (???) är en korsning mellan batik och lapptäcke. Huvudtanken är att nya målningar plockas ihop av gamla sidenkimonos - äkta konstverk.
Först gör konstnären en skiss på papper. Sedan överförs denna ritning till en träskiva. Konturen av mönstret skärs igenom med räfflor, eller räfflor, och sedan skärs små strimlor, matchande i färg och ton, från den gamla sidenkimonon, och kanterna på dessa strimlor fyller spåren. När man tittar på en sådan bild får man en känsla av att man tittar på ett fotografi, eller till och med bara tittar på landskapet utanför fönstret, de är så realistiska.

Amigurumi.
Den japanska konsten att sticka eller virka små gosedjur och humanoida varelser. Amigurumi (jap. ????, lit.: "stickad-lindad") är oftast söta djur (som björnar, kaniner, katter, hundar, etc.), små män, men de kan också vara livlösa föremål utrustade med mänskliga egenskaper. Till exempel cupcakes, hattar, handväskor och andra. Amigurumi är stickad eller stickad eller virkad. På senare tid har virkade amigurumi blivit populärare och vanligare.
stickad av garn i en enkel stickmetod - i en spiral och, till skillnad från den europeiska stickmetoden, är cirklarna vanligtvis inte sammankopplade. De är också virkade i en mindre storlek i förhållande till garntjockleken för att skapa ett mycket tätt tyg utan några mellanrum för att fyllningen ska komma ut. Amigurumi görs ofta av delar och sätts sedan ihop, med undantag för vissa amigurumi, som inte har lemmar, utan bara har ett huvud och en bål, som är en helhet. Lemmarna är ibland fyllda med plastbitar för att ge dem levande vikt, medan resten av kroppen är fylld med fiberfill.
Spridningen av amigurumi-estetik underlättas av deras söthet ("kawaii").

Bonsai.
Bonsai, som ett fenomen, dök upp för mer än tusen år sedan i Kina, men denna kultur nådde sin utvecklingstopp bara i Japan. (bonsai - jap. ?? Lit. "planta i en kruka") - konsten att odla en exakt kopia av ett riktigt träd i miniatyr. Dessa växter odlades av buddhistiska munkar flera århundraden före vår tideräkning och blev därefter en av den lokala adelns verksamhet.
Bonsai prydde japanska hem och trädgårdar. Under Tokugawa-eran fick parkdesign en ny impuls: odlingen av azaleor och lönnar blev ett tidsfördriv för de rika. Dvärgväxtodling (hachi-no-ki - "träd i en kruka") utvecklades också, men dåtidens bonsai var mycket stora.
Nu används vanliga träd till bonsai, de blir små på grund av konstant beskärning och olika andra metoder. Samtidigt motsvarar förhållandet mellan storleken på rotsystemet, begränsat av skålens volym, och den markerade delen av bonsai proportionerna av ett vuxet träd i naturen.

Serie av meddelanden " ":
Del 1 - Japanska typer av handarbete

Det kinesiska folket har skapat många världsberömda hantverk genom tiden. Sedan urminnes tider har färdigheterna och hemligheterna att tillverka produkter av olika typer av sten, trä, lera och lack, hemligheterna för tillverkning av tyger och broderier gått i arv. Redan i antiken använde Kinas mästare, efter att ha lärt sig att identifiera och visa materialets konstnärliga kvaliteter, för detta ändamål spelet av dess färger, fläckar, skillnader i figurer, ytans jämnhet. De äldsta kärlen gjorda av lera och sten kännetecknas, liksom antika, av en perfekt harmoni av former och klarhet i artikulationen.

Kinesiska hantverkare antog många färdigheter, sätt och tekniker, traditionella former av mönster från antiken. Men just de behov som den nya historiska eran framförde gav upphov till många nya typer och tekniker för konstnärligt hantverk. Relaterat till vardagslivet, med de växande behoven hos stadsbefolkningen, var konstnärligt hantverk inom den kinesiska konsten inte bara en av de mest massiva och populära, utan också en av de mest aktiva typerna.

Hela världen använder kinesiska vaser, koppar och andra föremål. Hemma har kinesiskt porslin, tillsammans med andra typer av konst, den bredaste tillämpningen. Kinesisk keramik används också för att möta skulpturer.

Keramik. Redan i antiken använde kineserna sorter av högkvalitativ lera för sin keramik. Men den verkliga fördelen med uppfinningen av porslin tillhör mästarna i det medeltida Kina. Under Tang-eran, under perioden med högt välstånd inom alla områden av det kinesiska andliga livet, dök de första porslinsprodukterna upp och spred sig snabbt. Porslin sjöngs av poeter, vördad som en juvel. Produktionen av porslin i Kina underlättades av rika avlagringar av de material som var nödvändiga för det: porslinssten (en naturlig förening av fältspat och kvarts) och lokal lera - kaolin. Kombinationen av dessa två komponenter ger den nödvändiga plasticiteten och legerbarheten. Var och en av Kinas porslinsföremål är djupt genomtänkt, utförd inte som ett hantverk, utan som ett självständigt konstverk. Formerna av tunna kärl är rundade, mjuka och massiva. Särskilt känt på den tiden var det snövita porslinet som producerades i staden Xing-chou, slätt och matt, som behöll monumentaliteten hos antika produkter. Många av den tidens kärl målades med ljusa glasyrer blandade med oxider av koppar, järn och mangan, vilket gav fylliga gula, bruna, gröna och lila toner. Men porslin når en speciell sort och adel under XI-XIII århundraden. Under Tang-perioden har keramik en mängd olika färger. Men under Sun kännetecknas hon redan av enkelhet och blygsamhet. Kinesisk keramik har precisa och fina linjer och enkelhet i färg. Användningen av naturliga färger är typiskt för denna tid. Gråblå och grågröna färger kan ofta hittas på ett kinesiskt fat eller en vas. Små sprickor är inte en defekt hos mästaren, utan ett fint genomtänkt steg. Ojämnheter i glasyren, torkade droppar av fodret och små sprickor över hela produktens yta ger en känsla av fullständighet.

Minsk-porslinet är, till skillnad från Sung-porslinet, flerfärgat. Mästarna använde dess snövita yta som en pittoresk bakgrund mot vilken hela landskaps- eller genrekompositioner placerades. Det finns många tomter och typer av målningar, såväl som färgglada kombinationer: blåvitt porslin, målat under glasyr med kobolt av en mjuk och ädel typ och mönster, färgade glasyrer rika på färger, trefärgade och femfärgade. Ännu fler tekniker och typer av porslin dyker upp på 1600-1700-talen. Svarta släta och glänsande kärl visas, kärl målade på toppen med ljusa och gnistrande emaljer. Fram till slutet av 1700-talet, när alla andra konstformer redan hade fallit i förfall, förblev den konstnärliga nivån av kinesiskt porslin hög. Till skillnad från tidigare perioder var formerna för porslinsprodukter under Qingdynastin (XVII-XIX århundraden) mer sofistikerade och raffinerade. Upprepningen av gamla modeller får mer eleganta proportioner, och i slutet av 1700-talet. överdriven pretentiös kontur utvecklas. Sedan dess har porslinsdekoration präglats av en mångfald och rikedom av motiv och teman, och i vissa fall - en stor ornamentik. Detta märks särskilt i målningen med kobolt och i utbudet av den så kallade "gröna familjen". Komplexa flerfigursscener, små växtmotiv eller något av måleriets otaliga teman kännetecknas av stor komplexitet och omtänksamhet i kompositionskonstruktionen.

Typerna av Tang och Sung tillämpad konst är olika. Vid denna tid gjordes bronsspeglar efter antikens modell, rikt dekorerade på baksidan med ett magnifikt reliefmönster av blommande växter, lekande djur, fåglar och frukter. Ofta var sådana speglar gjorda av silver, täckta med det tunnaste lagret av guld, inlagda med pärlemor och ädelstenar.

Mönster av tyger "ke-sy" (skuret siden) ligger särskilt nära den här tidens målning. De skapades enligt prover från kända konstnärer. Ke-sy kännetecknas av sin extraordinära mjukhet, ömhet, dyrbara korniga matta konsistens. Ljusfåglar på grenarna, landskap, blommande knoppar av det ljusrosa meihua plommon är huvudmotiven som avbildas i ke-si.

Framväxten av verkstäder för tillverkning av målade emaljer i Kina går tillbaka till Kangxi-perioden, förknippade med västeuropeiska influenser från Frankrike. Inflytandet av religiösa gravyrer som jesuitmissionärer tagit med kan förklara de kinesiska emaljerna på metall från 1700-talet, som är vanliga för målning på metall. skuggningstekniker, strykande bilder längs konturen och andra, grafiska i sin grund, sätt för konstnärliga uttryck. Spår av europeiska influenser märks inte bara i ämnen och sätt att måla, utan också i formerna av kinesiska emaljer från 1700-talet. Tyska och engelska koppar- och silverföremål från 1500-1700-talen fungerade ofta som prototyper. Emaljer gjorda för högsta användning kallades "huang zhi" - "gula (d.v.s. "kejserliga") kärl", eftersom gult länge har ansetts vara den kinesiska kejsarens symboliska färg. Utsmyckningen av sådana emaljer domineras av bilder i genren "huangyao" ("blomfåglar"), kinesiska plotscener och prydnadskompositioner: bilden av lotusblomhuvuden invävda i ett växtskott i form av en vinstock, och en zoomorft mönster som går tillbaka till dekoren av antika bronskärl. I målade emaljer är komposituppsättningar av tallrikar av olika former populära, som utvecklades i kinesiskt porslin redan under Kangxi-perioden. Ofta fick plattorna formen av en öppen fläkt, dekorerad med bilder i genren "blommor-fåglar" på en vit bakgrund. Porslin och emaljer på metall hänger i ett antal fall samman både av de vanliga sätten att ta sig till Europa, och av likheten mellan former, motiv för målning och färgning. Men med en otvivelaktig likhet med porslin kännetecknas målade emaljer på metall av en helt uppenbar konstnärlig originalitet som en helt speciell typ av kinesiskt hantverk, mer djärvt i jämförelse med dess traditionella typer, som kom i kontakt med europeisk konst.

Konstnärligt hantverk, brukskonst i Japan kallas ordet "kogei". Källan till de flesta av de konstnärliga idéerna om konstverk var en djup kärlek till naturen. Människor har länge känt dess skönhet i de mest vanliga, småaktiga, vardagliga fenomen.

Verken av japansk konst och hantverk inkluderar traditionellt lack, porslin och keramiska produkter, trä-, ben- och metallsniderier, konstnärligt dekorerade tyger och kläder, vapenkonstverk etc. Det specifika för brukskonstverk är följande: de har en rent praktisk, utilitaristisk tillämpning, men samtidigt spelar de också en rent estetisk roll, och fungerar som en prydnad av en persons vardag. De omgivande föremålens estetik för japanerna var inte mindre viktig än deras praktiska syfte.

Tur. Sedan urminnes tider har lackvaror varit kända i Japan; deras kvarlevor finns på arkeologiska platser under Jomon-eran. I ett varmt och fuktigt klimat skyddade lackbeläggningar trä, läder och till och med metallprodukter från förstörelse. Lackprodukter i Japan har hittat den bredaste tillämpningen: tallrikar, husgeråd, vapen, rustningar. Traditionella japanska lacker är röda och svarta, såväl som gyllene; mot slutet av Edo-perioden började tillverkningen av gul, grön, brun lack. Tillbaka till toppen

1900-talet en lack av vita, blå och violetta färger erhölls. Det finns många dekorativa tekniker förknippade med användningen av lack: maki-e - användningen av guld och silverpulver; urushi-e - lackmålning; hyomon - en kombination av lackmålning med guld-, silver- och pärlemorinlägg. Fram till ungefär mitten av 1600-talet. Kyoto förblev det huvudsakliga centrumet för utvecklingen av lackkonst. Det var där Ogato Korin började sin karriär. Hans lackvaror präglades av en speciell enhet av former och dekor, som smidigt "flödade" från en sida av produkten till en annan. Kombinationen av olika material skapade en ovanlig ytstruktur och ett sällsynt färgschema.

Keramik. Japanerna är särskilt förtjusta i keramiska produkter. De tidigaste av dessa är kända från arkeologiska utgrävningar och går tillbaka till Jōmon-perioden (stenåldern). Utvecklingen av japansk keramik och senare porslin påverkades avsevärt av kinesiska och koreanska teknologier, i synnerhet bränning och färgad glasering. En utmärkande egenskap hos japansk keramik är uppmärksamheten inte bara på produktens form, dekorativa prydnad och färg, utan också på de taktila förnimmelser som den framkallade när den kom i kontakt med en persons handflata. Den japanska inställningen till keramik antog ojämnhet i form, ytråhet, sprickor, glasyrränder, fingeravtryck från mästaren och demonstration av materialets naturliga struktur. Konstnärliga keramiska produkter inkluderar främst skålar för teceremonier, tekannor, vaser, krukor, dekorativa fat, kärl för sake. Ursprungligen var formen på kärlet gjord av kvistar och gräs, sedan belades det med lera, och under bränningen brann grenarna och gräset och lämnade sina spår på kärlens väggar. Fartyg från mitten och sena Jōmon-perioden liknar redan skulpturala kärl. Under VI-XI århundradena. Under inflytande av koreanska krukmakare gick japanska hantverkare över till att bränna lerprodukter med en gröngul glasyr. Ungefär samtidigt dök det upp produkter gjorda av äkta fajans - hygroskopisk lera täckt med glasyr.

Porslinsprodukter är främst tunnväggiga vaser med utsökt dekor, te- och vinserviser och olika figurer. I massan av porslinsprodukter, som producerades under XVII-XVIII-talen. i hela landet urskiljdes två huvudtyper: de dyra, fint målade produkterna från verkstäderna i Kutani och Nabeshima, och porslinet från Arita och Seto, som lanserades i stora serier. Produkter från Kutani-verkstäder hade en ojämn plastform. Deras målning utfördes med hjälp av stora färgfläckar och fritt placerade på kärlens yta. Nabeshima-föremål dekorerades vanligtvis med en enda underglasyrmålning av ett växtmotiv, ibland kompletterat med polykrom överglasyrmålning. Arita och Setos verkstäder tillverkade massprodukter. Dessa rätter var dekorerade med eleganta dekorativa kompositioner av blommor, fjärilar, fåglar. En betydande del av japanskt porslinet tillverkades speciellt för export till västländer.

Emalj. Period från mitten till slutet av 1600-talet. blev mycket fruktbar i historien om utvecklingen av emaljkonsten i Japan. Vid denna tidpunkt har japanska mästare uppnått perfektion i färg. Med hjälp av testmetoden valde de den optimala smältningen av glas, som fungerade som grund för emalj, och olika varianter av oxider, vilket gav den en eller annan nyans, transparens eller mjölkaktig pärlreflektion, mystiskt skimmer. Alla recept som motiverade sig blev hemliga, noggrant bevakade i mästarens familj. I Japan kallades emaljer "sippo", vilket betyder "sju ädelstenar". Detta innebar att i smycken kan emalj ersätta guld, silver, smaragd, korall, agat, kristall, pärlor. Det äldsta exemplet på emalj som finns i Japan går tillbaka till slutet av 700-talet f.Kr. Vida kända två emaljtekniker - champlevé och cloisonné - de sprids i Japan nästan samtidigt. Hantverkarna använde cloisonnemalj för att dekorera skydden (tsuba) av samurajsvärd, dekorativa bågar och pilar, när de dekorerade hus, byråer, lådor för förvaring av penslar och bläck för kalligrafi, tepulver och rökelse. Verkstäderna för de första hantverkarna som arbetade med emalj var belägna i Kyoto, närmare kejsarnas och adelspalatsen, som var huvudköparna av denna produkt.

Återupplivandet av emaljtekniken är förknippad med arbetet av mästaren Tsunekichi Kaji (1803-1883), som bodde i utkanten av Nagoya. Han studerade utländskt hantverk, mestadels europeiskt, som kom till Japan, och utifrån detta utvecklade han ny teknik för att arbeta med cloisonné-emalj. Kajis framgång inspirerade andra hantverkare. Jakten på nya arbetssätt började. Så på den tiden dök "motemalj"-tekniken upp, gin-bari-tekniken, som bestod i att silverfolie limmades på en kopparyta täckt med ett tunt lager emalj. Musen-jippo-teknologin, utvecklad av mästaren Sosuke Namikawa (1847-1910), gjorde det möjligt att ta bort separerade trådar efter torkning av det första lagret av emaljbeläggning och en ny fyllning med transparent emalj. Det fanns flera dussin varianter av tekniken - moriage, utidasi, akasuke, my kodai, nagare-gusuri och andra, vilket gjorde det möjligt att uppnå utmärkta resultat i kombination. Japan är det första landet i världen där emalj applicerades inte bara på metallämnen utan också på keramik och porslin. Känd i tekniken för emalj på keramik var mästaren Yasuyuki Namikawa (1845-1927), som arbetade i Kyoto.

Bilder av blommor (krysantemum, pioner, paulowniablomställningar, plommon, körsbär) och något japaniserade bilder av drakar, lejon och andra mytiska bestar, fåglar, fjärilar blev ett typiskt mönster lånat från Kina för japanska emaljprodukter. Ofta var symbolik av välönskningar inbäddad i bilderna. Nyanserna på paletten varierade beroende på syftet med produkten. Således utfördes exportvaror i ljusa, till och med flashiga färger, som föredrogs av europeiska kunder, och avsedda för hushållsbruk - i ett lugnt intervall, mer i linje med japanernas estetiska världsbild.

Konsten och kulturen i Kina och Japan är extremt särskiljande, vilket alltid har intresserat och lockat européer. Från och med 1600-talet penetrerade både kinesiska och japanska motiv de konstnärliga och stilistiska trenderna i Västeuropa. Än idag är kulturen i dessa två länder intressant både för att studera och för att låna.

Japans dekorativa och tillämpade konst. Omfattningen av konstnärliga metallprodukter inkluderade tempelskulpturer och redskap, vapen och dekorativa föremål som används i vardagen, variationen och perfektionen av bearbetningen av traditionella metaller (brons, järn, koppar, stål) kombinerades med användning av komplexa legeringar, kännetecknade av rikedomen av färger, nyanser och plastegenskaper. De vanligaste bland dem var shakudo, som gav olika nyanser av svart, brunt, blått och lila, och shibuichi, som fungerade som en nästan outtömlig källa till grått toner.

Recept för att tillverka legeringar var en yrkeshemlighet och överfördes från mästare till student. Under XVII-XVIII-talen. På begäran av förmögna stadsbor gjordes skulpturala bilder för hemaltare, samt bilder som hade en välvillig betydelse och skyddade familjens härd. Bland dem finns Daruma, den legendariska munken vars namn är förknippat med teets ursprung i Japan, Daikoku är lyckans och rikedomens gudom, Jurojin är lyckans och livslängdens gudom.

Tillsammans med detta tjänade vissa hushållsartiklar dekorativa ändamål. Dessa var rökelsebrännare, vaser, fat, kistor, brickor, som kännetecknades av kombinationen av olika metaller i en produkt, användning av genombruten snideri, gravyr, skåror och inlägg. Traditionen att applicera emaljdekor på en metallbas kom till Japan från Kina i slutet av 1500-talet. Tekniken med emaljer hade 4 varianter: cloisonné, champlevé, graverad och målad. Emaljer kallades "siplo" - sju juveler: guld, silver, smaragd, korall, diamant, agat, pärlor, som, enligt populär övertygelse, gav lycka till människor.

Japanska cloisonnéemaljer från 1600- och 1700-talen, till stor del baserade på kinesiska prover, kännetecknades av en begränsad palett av lätt dämpade toner, ett tydligt geometriskt mönster och en djupt mörkgrön bakgrund. I mitten av XIX-talet. Emaljtekniken upplevde en återfödelse.Mångfärgade briljanta emaljer erhölls, som fäste tätt på metallbasen och lämpar sig väl för slipning.

Konsten med cloisonnéemaljs storhetstid i slutet av 1800-talet. förknippades med namnet på den berömda mästaren Namikawa Yasuyuki. Från hans verkstad kom ut små föremål, helt täckta med emaljer, applicerade med juvelerarens omsorg. Bilder av blommor, fåglar, fjärilar, drakar och fenixar, många typer av traditionella prydnadsföremål hittade en plats i det intrikat vävda spetsmönstret.Användningen av guldfolie skapade en gnistrande skimrande glans av produktens polerade yta.

Tillverkning och dekoration av vapen har gamla traditioner i Japan. Svärdet sågs som ett heligt föremål som solgudinnan Amaterasu Omikami gav till sitt barnbarn, som hon skickade för att styra jorden och utrota ondskan. Ett rakt tveeggat svärd (Ken eller Tsurugi) blev ett attribut för Shinto-kulten och blev en av de kejserliga regalierna. Under medeltiden blev svärdet en symbol för krigarklassen, som förkroppsligade samurajernas kraft, mod, värdighet. Man trodde också att döda förfäders själar bodde i den.

På 700-talet en svärdsform skapades med en lätt böjning på baksidan av bladet av ensidig skärpning, som kom nästan oförändrad fram till 1800-talet. och kallades "nihonto" (japanskt svärd). Från 1500-talet aristokrater och representanter för militärklassen var tvungna att bära två svärd: ett långt - "katana" och ett kort - "wakizashi", som var avsett att begå rituellt självmord. I händelse av brott mot hederskoden, forskare, Hantverkare och bönder fick endast bära en wakizashi eller ett svärd utan vakter "akuchi". Den långa och mödosamma processen att tillverka bladet arrangerades som en högtidlig ritual, åtföljd av speciella böner, trollformler och smedens klädsel i ceremoniella kläder.

Bladet svetsades av flera remsor, smiddes minst fem gånger, slipades och polerades.Från slutet av 1100-talet. bladen började dekoreras med spår, bilder av solen, månen, stjärnor, drakar, inskriptioner-trollformler gjorda av gravyr och djuprelief. Detaljer och ram av svärdet från 1500-talet. skapades av speciella mästare - vapensmeder-juvelerare.

Bladet sattes in i handtaget, som var baserat på två trästänger, fästa med en metallring "futi" och "kashira"-spetsar, handtaget var ofta inlindat i haj- eller stingrockaskinn, kallat "samma" (haj). Det fanns en övertygelse om att ett sådant handtag behöll svärdets rituella renhet och skyddade ägaren.Små präglade metalldetaljer "menuki" var fästa på handtaget på båda sidor, vilket säkerställde ett starkare grepp av svärdet med båda händerna.

Ovanpå detta lindades handtaget med en sladd eller fläta, vilket skapade ett flätat mönster på ytan. En viktig detalj i svärdet var "tsuba" (skydd) - en skyddande plast som skiljer bladet från handtaget, skidan på ett litet svärd dekorerades ofta med noggrant färdiga metallplattor "kozuka", som var handtaget på en liten kniv förs in i en speciell ficka i skidan. Under XVII-XIX århundradena. vapnet, som hade förlorat sitt praktiska värde, förvandlades till ett dekorativt tillskott till herrkostymen.

Olika material och tekniker för smyckesarbete, genombruten snidning, inläggning med legeringar, olika metoder för att skapa reliefkompositioner, emaljer och lack användes i dess dekoration. Tsuban fick en speciell konstnärlig perfektion, som började betraktas som ett självständigt konstverk.Plotten av bilderna var traditionella motiv karakteristiska för andra typer av konst: blommor, fåglar, landskap, buddhistiska liknelser, historiska legender, till och med uppskattningar av stadsliv. Detaljerna i ett svärd kombinerades i stil och representerade ofta utvecklingen av en tomt.

Bland vapensmederna som specialiserade sig på att dekorera svärd var den som grundades på 1400-talet särskilt känd. gotoskolan, vars sjutton generationer mästare behöll sin glans i 400 år.

Vad ska vi göra med det mottagna materialet:

Om det här materialet visade sig vara användbart för dig kan du spara det på din sida på sociala nätverk:

Fler uppsatser, terminsuppsatser, avhandlingar om detta ämne:

Dekorativ och brukskonst från pre-Petrine Ryssland
Denna övergång var dock omöjlig utan en avgörande befrielse av konsten från kyrkans inflytande, utan införandet av en sekulär princip i kulturen, som .. Som regel var träskulpturen polykrom. Lokal målning med temperafärger förde den närmare ikonen. Denna närhet förvärrades av att lättnaderna inte stack ut..

Dekorativ och brukskonst från Västeuropa i slutet av 1700-talet och början av 1800-talet
Båda stilarna kännetecknar Napoleon Bonapartes regeringstid. Från 60-talet av XVIII-talet. Franska mästare vände sig till klassicismen. Utgrävningarna 1719 i Herculaneum och 1748 i Pompeji spelade en viktig roll i dess bildande. Klassicismen (från lat..

Dekorativ och brukskonst i Kazakstan
Till exempel kräver konsten att tillverka sadlar och selar inte bara skicklighet, utan också förmågan att använda olika material. Sadelmakare var inte begränsade bara till tillverkning av sadlar och .. Folken i södra Sibirien och Centralasien hade ett stort inflytande på utvecklingen av det kazakiska folkets kultur. Betydande höjder..

Konst och hantverk
Traditionerna för konsten att individuellt hantverk är också olika. Nästan alla stenbearbetningsanläggningar är relativt unga historiskt sett. Några av dem har utvecklats.. Efter att ha gått igenom stadierna för att leta efter sitt sortiment, hittade växtens mästare sitt eget.. Brun kalcit för bilden av en tvättbjörn, gyllene honungsselenit - för en ekorre eller vit anhydrit - för en polär sådan..

Konst och hantverk, batik

Dekorativ och brukskonst. Batik
Dekorativ konst från lat decoro pryder avdelningen för dekorativ konst som täcker skapandet av konstnärliga produkter som har... konsthantverk uppfyller flera krav och har en estetisk kvalitet..

Dekorativ och brukskonst - folkhantverk
Inom konst och konsthantverk intar en framträdande plats av folkkonst och hantverk. Konsten att folkhantverk dyker upp .. Vissa har sitt ursprung i bondehushållskonst förknippad med .. Till exempel har många typer av keramik, snickeri, tryck på tyger länge varit det lokala aktivitetsområdet ..

Konst och hantverk
Men den stalinistiska regimen skyndade sig att ersätta hantverkets genier med ett statligt monopol och knapphetens tyranni. Ändå den konstnärliga produktionen av Ryssland .. I Ural och i Trans-Ural, finsk-ugriska stammar, först från trä och sten, och sedan .. Dessa traditioner har länge bevarats i rysk folkkonst. Under många århundraden , fram till 20-talet av 1900-talet ..

Användningskonst "Batik"
För det första, när jag bekantade mig med antika civilisationer, upptäckte jag den fantastiska mayakulturen, som är en enorm sammansmältning av naturliga .. Monument av antik konst som har kommit ner till oss om den semantiska betydelsen av några av oss .. I modern konst observerar vi konstnärers önskan att använda samma principer för att skapa dekorativa ..

Moldavisk brukskonst
Det är ingen slump att därför Moldavien, en liten republik, är ett genuint arkeologiskt El Dorado, en outtömlig skattkammare av ovärderliga .. Ett verkligt enormt material har samlats in som hjälpte till att återskapa många sidor .. I allmänhet är fynd av skatter och mynt inte ovanligt i Moldavien. Kugureshti-skatten är särskilt känd och går tillbaka till tiden.

brukskonst

Statens utveckling, tillväxten av hovaristokratins välbefinnande krävde produktionen av ett ökande antal lyxartiklar. I detta avseende gavs en kraftfull impuls till utvecklingen av tillämpad konst. Perfektionen av tekniken för lackprodukter uppnås. Den nationella japanska stilen av maki-e kommer i förgrunden, där produkten först täcktes med färgad lack, sedan applicerades ett mönster med en ädelmetall som maldes till pulver, varefter ett lager av färglös lack applicerades ovanpå för att fixera Det. Gradvis kommer lackerade och metallprodukter att helt ersätta keramik, inte bara från daglig användning, utan också från religiösa redskap.

De ständigt ökande kraven från den kejserliga familjen och dess inre krets stimulerade utvecklingen av ett brett utbud av hantverk. Silvervaror, krimskrams, vaser, målade kimonosilke, broderade obi-bälten och kihimo-snören var önskemål från den tidens adelsfamiljer. Bland annat var det brukligt att de rikaste familjerna, i synnerhet kejsaren, ändrade husets inredning beroende på årstid. För tillverkning av nya skärmar, skiljeväggar och gardiner krävdes en oerhörd mängd tyger, papper, träramar, alltid lackade och målade. Alla hade inte råd med sådana utgifter, men inte desto mindre ägde sådana nycker rum i medeltida palats.

Spridningen av litteratur, hovmännens önskan att bli kända som utbildade människor som kunde komponera tanka eller föra utmärkta dagböcker - allt detta bidrog till förbättringen av papperstillverkningsprocessen, vars produktion startade redan under Asuka-perioden. Under Heian-perioden blev detta hantverk en sann konst: papper gjordes i färg, dekorerade med prägling, teckningar och guld- eller silverplätering. En mängd olika papperskvaliteter gjorde det till och med möjligt att välja rätt alternativ för ett visst kalligrafiskt arbete för att mer fullständigt uttrycka den önskade idén.