Masaccio Madonna och barn Beskrivning. Masaccio - målningar och biografi. Masaccios tidiga verk

I staden San Giovanni, nära Florens. Kanske var det platsen och tidsperioden när han föddes som spelade en viktig roll i att forma honom som en av de mest anmärkningsvärda och originella konstnärerna under den tidiga renässansen.

Det finns inte mycket information om den framtida mästarens liv. Det är känt att hans farfar var en konstnär, en specialist på de då mycket populära kistorna, som kallades cassone och ofta användes som möbler. Eftersom sådana kistor var magnifikt dekorerade, tror vissa forskare av Masaccios arbete att han kunde ha lärt sig några av färdigheterna i sin konst i barndomen eller ärvt som en konstnärlig gåva.

Pojken blev tidigt utan pappa och när hans styvfar dog visade sig han vara familjeförsörjare till en ganska stor familj. Förutom honom och hennes mamma hade hon också en yngre bror, som också blev konstnär, känd under smeknamnet Skezda (sliver), samt två halvsystrar - hennes styvfars döttrar. Smeknamnet på brodern indikerar hans möjliga koppling till familjeföretaget - produktion av kistor.

Masaccio själv fick sitt smeknamn ("klumpigt, slarvigt") för sin djupa fördjupning i sin konst. När han skapade var han inte intresserad av någonting, så hans kläder var ofta färgade.

Genom att studera med andra stora mästare från renässansen, Donatello och Brunelleschi, tog Masaccio det bästa av stilarna från dessa konstnärer och skulptörer, lade till sin egen vision av världen och skapade sin egen igenkännliga stil. Den var realistisk och återgav ganska exakt utseendet på människor, natur och arkitektur. Som jämförelse bör det tilläggas att den romantiska, förvrängda "gotiska" stilen på bilden var på modet.

Under sitt korta liv skapade Masaccio många målningar och fresker, mestadels avsedda för kyrkor. Vida kända är hans mästerverk som "S:t Juvenals triptyk", "Madonna och barn med St. Anne", Pisan-triptyken, "Bön för kalken", fresker av Brancacci-kapellet och "Sagra" eller " Illumination", som inte har överlevt till denna dag. , som kategoriskt inte gillades av kunden - karmelitklostret, men gjorde en oemotståndlig inverkan på samtida.

Enligt de bevarade beskrivningarna avbildade den en procession av många människor, men den kännetecknades av bildens realism och den fullständiga frånvaron av pompositet, vilket var så karakteristiskt för den ceremoniella målningen från det århundradet. Dessutom såg många i fresken påverkan av antik romersk skulptur och de frihetsälskande idéerna från Grekland och.

Förutom kyrkomålning finns det exempel på civila verk, mästerligt utförda av Masaccio. Dessa är porträtt, bara ett av dem ("Porträtt av en ung man") har identifierats korrekt, de andra två är troligen kopior. Med all den klassiska formen av bilden i profil, visar den redan egenskaper som är karakteristiska för bilden av renässansen.

Eftersom han inte var särskilt populär under sin livstid, blev artisten, efter sin alltför tidiga död vid 26 års ålder, en förebild för många anhängare, inklusive sådana titaner från renässansen som

6 december 2010

Masaccio(1401-1428), riktiga namnet Tommaso di Giovanni di Simone Cassai (Guidi) - anses med rätta vara en av de största konstnärerna under det tidiga 1400-talet.

Masaccio föddes 1401 i den toskanska provinsstaden San Giovanni Valdarno. Hans riktiga namn är Tommaso di Giovanni di Simone Cassai. För sin slarv, frånvaro och opraktiskhet, som skilde honom från tidig barndom, fick den framtida konstnären smeknamnet Masaccio, vilket betyder ungefär "klumpig excentrisk" eller "klumpig". Uppenbarligen förklarar dessa egenskaper hos Masaccios karaktär det faktum att, med blev känd tidigt, han lyckades aldrig uppnå materiellt välbefinnande och befann sig i svåra omständigheter till slutet av sitt liv.
Hans liv var mycket kort - han dog i Rom vid en ålder av tjugoåtta, men det spår som konstnären lämnat i konsten kan knappast överskattas.

Det första omnämnandet av Masaccio som konstnär går tillbaka till 1418, när den unga konstnären anlände till Florens. Tydligen studerade han där i en av den tidens mest kända målarverkstäder med Bicci di Lorenzo*. År 1422 gick Masaccio med i skrået av läkare och apotekare, och 1424, som ett erkännande av sin mogna mästare, antogs Masaccio till guildföreningen av konstnärer. Saint Lukas brödraskap*.

Under den tidiga kreativiteten samarbetade Masaccio ofta med; en tydlig åtskillnad av Masaccios och Masolinos verk är en av den moderna konsthistoriens svåraste uppgifter.

Konstnärens tidigaste autentiska verk - "Madonna och barn med St. Anna"(Uffizi Gallery, Florens) - skapat omkring 1424 tillsammans med Mazolino.

Madonna och barn med Saint Anne. 1424 Masaccio. Uffizierna, Florens. Tempera.

Triptyk av San Giovenale- alla moderna forskare anser att denna triptyk är ett pålitligt verk av Masaccio. I mitten av altaret är Madonnan och barnet med två änglar, till höger om henne är de heliga Bartholomew och Blaise, till vänster är de heliga Ambrosius och Juvenal. Längst ner i verket finns en inskription, inte längre på gotisk, utan i moderna bokstäver som används av humanister i sina brev. Detta är den första neogotiska inskriften i Europa: ANNO DOMINI MCCCCXXII A DI VENTITRE D'AP(PRILE). (23 april 1422 från Kristi födelse). Reaktionen mot gotiken, från vilken triptykens guldbakgrunder ärvdes, fanns dock inte bara i inskriptionen. Med en hög synvinkel, vanlig för en trecento, är triptykens kompositionella och rumsliga konstruktion föremål för perspektivets lagar, kanske till och med överdrivet geometriskt okomplicerad. Formernas plasticitet och vinklarnas djärvhet skapar intrycket av en massiv tredimensionalitet, som inte fanns i italiensk måleri tidigare.
Enligt de studerade arkivdokumenten beställdes verket av florentinaren Vanni Castellani, som beskyddade kyrkan San Giovenale. Monogrammet för hans namn - bokstaven V, forskarna ser i änglarnas vikta vingar. Triptyken målades i Florens och låg där i flera år tills den dök upp i inventariet av San Giovenale-kyrkan 1441. Inga memoarer finns kvar av detta verk, även om Vasari nämner två verk av den unge Masaccio i området San Giovanni Valdarno. Nu förvaras triptyken i kyrkan San Pietro a Cascia di Reggello.

Triptyk av San Giovenale. 1422 Masaccio. San Pietro a Cascia di Reggello.

Under första hälften av 1400-talet i måleriet uppträder en oberoende genre av målning - ett sekulärt porträtt, skapat enligt en enda typ: bystprofilbilder. I sin "Biography of Masaccio" nämner Vasari tre porträtt. Konsthistoriker har därefter identifierat dem med tre "porträtt av en ung man": från Gardner Museum, Boston, från Museum of Fine Arts, Chambery, och från National Gallery, Washington. De flesta moderna kritiker tror att de två sistnämnda inte är Masaccios verk, eftersom de känns sekundära och av lägre kvalitet. De målades senare, eller möjligen kopierade från Masaccios verk. Ett antal forskare anser att endast porträttet från Gardnermuseet är tillförlitligt - vissa forskare menar att det föreställer en ung Leon Battista Alberti*. Porträttet är daterat mellan 1423 och 1425; Masaccio skapade den före ett annat porträtt av Alberti, vars karaktäristiska profil kan ses i hans fresk. "St. Peter på tronen i Brancacci-kapellet, där han är avbildad till höger om Masaccio själv.

Porträtt av en ung man. 1423-25 Masaccio. . Gardner Museum, Boston.

Porträtt av en ung man. 1425 Masaccio (?). . National Gallery of Art, Washington.

År 1426 utförde Masaccio ett stort, flerdelat altare för kyrkan Santa Maria del Carmine i Pisa, kallad "Pisansk polyptyk"("Madonna och barn med fyra änglar"). I dessa verk manifesteras redan början på en ny, reformistisk stil hos konstnären - energisk chiaroscuro-modellering, en känsla av figurernas plastiska tredimensionalitet, önskan att skildra rymdens djup. Pisa-polyptyken är konstnärens enda exakt daterade verk; dateringen av alla hans andra verk är ungefärlig.
Den 19 februari 1426 åtog sig Masaccio att måla denna flerdelade altartavla för kapellet St. Juliana i kyrkan Pisa del Carmine för en blygsam summa av 80 floriner. Beställningen kom från den pisanske notarie Giuliano di Colino Degli Scarsi da San Giusto, som från 1414 till 1425 tog över beskyddet av detta kapell. Den 26 december 1426 var polyptyken, att döma av betalningsdokumentet daterat det datumet, klar. Masaccios assistenter, hans bror Giovanni och Andrea del Giusto, deltog i arbetet med det. Ramen för denna flerdelade komposition gjordes av ristaren Antonio di Biagio (möjligen baserad på en skiss av Masaccio).

På 1700-talet Den pisanska polyptyken var uppdelad i delar och dessa separata verk spreds över hela världen och i slutet av 1800-talet. dess överlevande 11 delar har identifierats i olika museer och privata samlingar. Detta altare inkluderar Madonna och barn med fyra änglar(London, National Gallery), korsfästelse(Neapel, Capodimonte Gallery), Tillbedjan av Magi och De heliga Petrus och Johannes plåga(Berlin-Dahlem, Statens museums konstgalleri).

Madonna och barn med fyra änglar. Pisan polyptyk. 1426 Masaccio.

korsfästelse Masaccio. Nationalmuseet i Capodimonte, Neapel.

Bild av aposteln Paulus- den enda delen kvar av Pisa Polyptyken i Pisa (San Matteo-museet). Målningen tillskrevs Masaccio redan på 1600-talet (det finns en inskription om detta på sidan). Under nästan hela 1700-talet förvarades den på Opera della Primaciale, och 1796 överfördes den till San Matteo-museet. Paulus är avbildad på en gyllene bakgrund i enlighet med den ikonografiska traditionen - i sin högra hand håller han ett svärd, i hans vänstra finns boken "Apostlagärningarna". I sin typ är han mer lik en uråldrig filosof än en apostel.

Aposteln Paulus. Pisan polyptyk. 1426 Masaccio. Nationalmuseet, Pisa. Tempera.

Panelen med bilden av aposteln Andreas förvarades i Lankoronski-samlingen (Wien), hamnade sedan i Prinsen av Liechtensteins (Vaduz) kungliga samling och finns idag i Paul Getty-museet (Malibu). Helgonsgestalten ges monumentalitet, bilden är byggd som om vi tittar på den underifrån. Med sin högra hand håller Andreas ett kors, med sin vänstra hand, Apostlagärningarna.

Aposteln Andreas. Pisan polyptyk. 1426 Masaccio. Paul Getty Collection, Malibu.

Fyra små paneler, var och en med måtten 38x12 cm, tillskrevs Masaccio när de fanns i Butler-kollektionen (London). År 1906 kopplade den tyske forskaren Schubring dessa fyra verk till Pisa-polyptyken, vilket antydde att de tidigare hade prydt dess sidopilastrar. Tre helgon (Augustin, Hieronymus och en karmelitmunk med skägg) ser till höger, den fjärde - också en munk - till vänster.

Karmelitmunkar. Pisan polyptyk. 1426 Masaccio.

St. Hieronymus och St. Augustinus. Pisan polyptyk. 1426 Masaccio. Statliga museer, Berlin.

Alla tre målningar av predella har överlevt: "Tillbedjan av Magi", "Korsfästelsen av St. Petrus och avrättningen av Johannes Döparen" och "Historien om St. Julian och St. Nicholas".

Tillbedjan av Magi. Pisan politiker. 1426 Masaccio. Tempera.

Aposteln Petrus korsfästelse*. Avrättningen av Johannes Döparen. Pisan politiker. 1426 Masaccio. Statsmuseet, Berlin.

Aposteln Petrus korsfästelse. Pisan politiker. 1426 Masaccio. Statsmuseet, Berlin.

"Historien om St. Julian och St. Nicholas". Pisan politiker. 1426 Masaccio. Statsmuseet, Berlin.

(Berättelsen om St. Nicholas handlar uppenbarligen om en far och hans tre döttrar, till vilka helgonet kastar pengar ut genom fönstret för att rädda dem från en överhastad handling. St. Juliana*, då är hans historia som följer: Julian lämnade sina föräldrar och gifte sig snart med en flicka från en adlig familj. När hans föräldrar kom för att hälsa på honom var han ute och jagade. Hustrun matade dem och lade dem i säng. Samtidigt träffade Satan, som förvandlades till en man, Julian och berättade för honom att hans fru var otrogen mot honom, och om Julian skyndar sig, kommer han att hitta henne i sängen med sin älskare. I ilska brast Julian in i sovrummet, såg konturerna av en man och en kvinna under filten och hackade i raseri dem med ett svärd. När han lämnade sovrummet träffade han sin fru, som berättade för honom de goda nyheterna om hans föräldrars ankomst.
Julian var otröstlig, men hans hustru stödde honom och sa att han skulle finna återlösning i Kristus. Sedan dess har Julian spenderat all sin rikedom på att bygga sjukhus (han byggde 7 av dem) och hus för pilgrimer och behövande resenärer (25). En gång visade sig Jesus Kristus för honom i form av en tiggare, en pilgrim som drabbats av spetälska, och när Julianus tog emot honom, förlät han honom hans synder och välsignade honom med sin hustru.

Värt att nämna är en liten panel i form av ett litet altare från Lindenaumuseet, Altenburg. Den innehåller två scener: "Bön om koppen" och "Ångerfulla St. Jerome"- en av helgonets ikonografiska typer - att slå sig själv med en sten i bröstet före korsfästelsen - helgonet drog sig tillbaka till öknen i fyra år och kämpade där outtröttligt med frestelser och köttsliga tvångstankar och beskrev i ett av sina brev hur han var tvungen att slog honom för bröstet tills denna feber släppte honom. Stenen han håller för detta ändamål är en senare uppfinning av konstnärerna - det är den "uppfunna" stenen vi observerar. Den övre plotten använder en gyllene bakgrund, medan den nedre är helt inspelad. De tre apostlarnas figurer till höger upprepar bildens form med sina konturer. De flesta kritiker tror att den skrevs omedelbart efter Pisa-polyptyken.

Kristus i Getsemane trädgård. Ångerfulla Saint Hieronymus. 1424-25 Masaccio. Lindenau Museum, Altenburg. Tempera på trä.

Konstnärens brytning med den tidigare konstnärliga traditionen manifesterades fullt ut när han arbetade på fresken "Trenity"(1426-27), skapad för kyrkan Santa Maria Novella i Florens. I detta verk applicerade Masaccio, influerad av Brunelleschis verk, fullt perspektiv för första gången i väggmålning. För första gången gjordes båda delarna av fresken med exakt matematisk beräkning i ett enda perspektiv, vars horisontlinje motsvarar nivån på betraktarens vision, vilket skapar en illusion av verkligheten i det avbildade rummet, arkitekturen och figurerna , okänd fram till dess i måleriet.

Perspektivkonstruktionen av fresken var ett sätt att avslöja idén med verket. Perspektivets centriska orientering underströk vikten av huvudfigurerna. På andra sidan bildplanet verkade kapellet tillhöra en annan värld, och bilderna av donatorer, sarkofagen och publiken själva tillhörde denna jordiska värld. Lakonism av kompositionen, skulpturell relief av former, uttrycksfullhet hos ansikten, skärpa hos kundernas porträttegenskaper kännetecknas av innovation. Måleri konkurrerar med skulptur i konsten att förmedla volym, dess existens i det verkliga rummet. Gud Faders huvud är förkroppsligandet av storhet och makt, inför Kristus råder lugn med en skugga av lidande.
Fresken är gjord på väggen som sträcker sig in i djupet av kapellet byggt i form av en välvd nisch. Målningen föreställer ett krucifix med gestalterna av Maria och Johannes Döparen. Korset överskuggas av halvfiguren av Gud Fadern. I förgrunden står knästående kunder som tack vare en illusionistisk teknik verkar befinna sig utanför kapellet. I den nedre delen av fresken avbildade konstnären en sarkofag med Adams skelett, som också tycks sticka ut i templets utrymme. Inskriptionen ovanför sarkofagen lyder: "Jag var en gång vad du är, och vad jag är, kommer du att bli." Skapandet av Masaccio är anmärkningsvärt i alla avseenden. Bildernas majestätiska lösgöring kombineras här med den hittills osynliga verkligheten av rymd och arkitektur, med figurernas voluminöshet, kundernas uttrycksfulla porträttegenskaper och med bilden av Guds moder, överraskande i termer av kraften i återhållen känsla.

Denna fresk var en av de första som skapades med kartong - stora, fullskaliga ritningar - de applicerades på väggen och sedan konturerades med en trästil. Som fallet är med alla fresker målade på färsk gips, trots att bilden är dåligt bevarad, kunde forskarna fastställa hur länge konstnären fortsatte att arbeta. I det här fallet tog det Masaccio 28 dagar (så många gånger tillsattes färsk gips). Han tillbringade större delen av sin tid med att måla huvuden och ansikten.

På sidorna av krucifixet finns Jungfru Maria och St. John, precis nedanför donatorn (klädd i en regnrock och en röd cappuccino - kläder "rättvisans gonfaloniers"*) och hans fru. Det påstådda namnet på donatorn är Lorenzo Lenzi, eftersom han hade denna position, och vid foten av fresken fanns gravstenen till hans kusin Domenico Lenzi.

Treenighet.1425-28 Masaccio.

Treenighet. Detalj. 1425-28 Masaccio. Santa Maria Novella, Florens. Fresk.

Treenighet. Detalj. 1425-28 Masaccio. Santa Maria Novella, Florens. Fresk.

Treenighet. Perspektivschema.

Mellan 1425 och 1428 Masaccio (i samarbete med Masolino di Panicale) utför väggmålningar i Brancacci kapell i kyrkan Santa Maria del Carmine i Florens, som blev huvudverket under målarens korta liv.

Detta rum har sin berömda freskcykel att tacka för ättlingen till kapellets grundare, rivalen till Cosimo den äldre Medici, den inflytelserika statsmannen Felice Brancacci (italienaren Felice Brancacci; 1382-c. 1450), som omkring 1422 beordrade Masolino och Masaccio till Masolino. måla kapellet, beläget i korsarmen av kyrkan (de exakta dokumenterade datumen för arbetet på freskerna har inte bevarats).

Utsikt över Brancacci-kapellet efter restaurering.

Fresker i Brancacci-kapellet(vänster)

Fresker i Brancacci-kapellet.(till höger)

Ämnena för väggmålningarna är huvudsakligen ägnade åt aposteln Petrus liv ( "Sankte Petrus botar de sjuka med sin skugga", Allmosor och Ananias död»).

Aposteln Petrus botar de sjuka med sin skugga. 1426-27 Masaccio.

12 Och genom apostlarnas händer gjordes många tecken och under bland folket; och de voro alla i samförstånd i Salomos förhus.
13 Men ingen av främlingarna vågade gå med dem, utan folket förhärligade dem.
14 Och de troende anslöt sig allt fler till Herren, en mängd män och kvinnor,
15 Så bar de de sjuka ut på gatorna och lade dem på sängar och sängar, så att åtminstone skuggan av Petrus som gick förbi skulle överskugga en av dem.
16 Många av de omgivande städerna samlades också till Jerusalem och bar de sjuka och de som var besatta av orena andar, som alla blev helade. (De heliga apostlarnas handlingar, kap. 5)

Fördelningen av egendom och Ananias död. 1426-27 Masaccio. Brancacci kapell, Santa Maria del Carmine, Florens. Fresk.

1 Och en man vid namn Ananias, med sin hustru Saffira, sålde sin egendom,
2 Han gömde sig för priset, med sin hustrus vetskap, och förde en del av det och lade det för apostlarnas fötter.
3 Men Petrus sade: Ananias! Varför tillät du Satan att lägga in i ditt hjärta tanken på att ljuga för den Helige Ande och dölja den från jordens pris?
4 Vad ägde du, var det inte ditt, och vad som förvärvades genom försäljning stod inte i din makt? Varför lade du in detta i ditt hjärta? Du har inte ljugit för människor, utan för Gud.
5 När Ananias hörde dessa ord föll han livlös; och stor fruktan grep alla som hörde det.
6 Och de unga männen reste sig och beredde honom för begravning, och de bar ut honom och begravde honom.
7 Omkring tre timmar efter detta kom även hans hustru in, utan att veta vad som hade hänt.
8 Men Petrus frågade henne: "Säg mig, hur mycket har du sålt marken för?" Hon sa: ja, för så mycket.
9 Men Petrus sade till henne: Varför gick du med på att pröva Herrens Ande? se, de som begravde din man går in genom dörren; och de kommer att ta dig ut.
10 Plötsligt föll hon för hans fötter och gav upp andan. Och de unga männen gick in och fann henne död och bar ut henne och begravde henne bredvid hennes man.
11 Och en stor fruktan grep hela kyrkan och alla som hörde den. (De heliga apostlarnas handlingar, kap. 5)

.1426-27 Masaccio. Brancacci kapell, Santa Maria del Carmine, Florens. Fresk.

Uppståndelsen av sonen Theophilus och Sankt Peter på tronen. Detalj. 1426-27 Masaccio. Brancacci kapell, Santa Maria del Carmine, Florens. Fresk.

Uppståndelsen av sonen Theophilus och Sankt Peter på tronen. Detalj. 1426-27 Masaccio. Brancacci kapell, Santa Maria del Carmine, Florens. Fresk.

Fresken föreställer ett mirakel utfört av Petrus efter att han släpptes från fängelset tack vare aposteln Paulus. Enligt den "gyllene legenden" om Jacob Voraginsky kunde Peter, efter att ha kommit till graven av sin son Theophilus, antiokia-prefekten, som dog för 14 år sedan, mirakulöst återuppliva honom. De närvarande vid samma tid trodde omedelbart på Kristus, prefekten i Antiokia själv och hela stadens befolkning konverterade till kristendomen. Som ett resultat byggdes ett magnifikt tempel i staden, i mitten av vilket en predikstol för aposteln Petrus installerades. Från denna tron ​​läste han sina predikningar. Efter att ha tillbringat sju år på det, åkte Peter till Rom, där han i tjugofem år satt på den påvliga tronen - predikstolen.

Den mest kända kompositionen "Miraklet med stataren"- talar om hur Kristus och hans lärjungar vid portarna till staden Kapernaum stoppades av en skatteindrivare som samlade in pengar för att underhålla templet. Kristus sa åt Petrus att fånga en fisk i Genesaretsjön och ta ut ett mynt ur den. Denna multifigurerade scen är avbildad i mitten av kompositionen. Till vänster i bakgrunden ser vi hur Peter fångar fisk från sjön. Till höger på bilden lämnar Peter över pengarna till samlaren.

Mirakel med stataren.1426-27 Masaccio. Brancacci kapell, Santa Maria del Carmine, Florens. Fresk.

Således kombinerade Masaccio i en komposition tre på varandra följande episoder med deltagande av aposteln. I den huvudsakligen innovativa konsten Masaccio är denna teknik en försenad hyllning till den medeltida traditionen av den berättande historien, vid den tiden hade många mästare redan övergett den och för mer än ett sekel sedan - den största mästaren under proto-renässansen. Detta stör dock inte intrycket av djärv nyhet, som särskiljer hela den figurativa strukturen och kompositionen av målningen, dess vitalt övertygande, lite oförskämda hjältar. Konstnären, med fantastisk skicklighet, lyckades bygga utrymme med hjälp av linjärt och luftperspektiv, att placera karaktärer i det, gruppera dem enligt idén med berättelsen; troget skildra deras rörelser, ställningar och gester.

Ett annat mästerverk gjort av Masaccio i samma Brancacci-kapell - "Utvisning från paradiset". I detta arbete lyckades konstnären lösa den svåraste uppgiften att skildra en naken figur. Det finns fortfarande ingen detaljerad och korrekt kunskap om mänsklig anatomi, men en allmän korrekt uppfattning om människokroppens struktur, en känsla av dess köttsliga skönhet, som absolut inte var typisk för proto-renässansen, framträder tydligt. Syndares ansikten är förvånansvärt uttrycksfulla och fulla av känslor, deras rörelser är naturliga och realistiska. Utvisningen från paradiset presenterar en av de första bilderna av en naken människokropp i italiensk måleri. Moderna Masaccio-målare, såväl som efterföljande generationer av italienska mästare, studerade från denna fresk. Slående är styrkan och svårigheten i de upplevelser som skildras i bilden av Adam och Eva, som fördrevs från Eden för att ha brutit mot det förbud som Gud satt. Överväldigad av gränslös förtvivlan täckte Adam sitt ansikte med sina handflator, äkta sorg förvrängde ansiktet på hans unga följeslagare - ögonbrynen i spänning reducerades till näsryggen, djupt nedsjunkna ögon vände sig mot Skaparen, hans mun var öppen i ett rop av förtvivlan och bön.

Exil från paradiset. 1426-27 Masaccio. Brancacci kapell, Santa Maria del Carmine, Florens. Fresk.

Brancacci-kapellet blev en plats för pilgrimsfärd för målare som försökte lära sig Masaccios tekniker. Men bara efterföljande generationer kunde uppskatta mycket av konstnärens kreativa arv.

Ett annat verk av Masaccio - även om dess tillskrivning var lång - den sk Berlin tondo- en träbricka med en diameter på 56 cm Målad på båda sidor: på ena sidan är julen, på den andra - putto med en liten hund. Vanligtvis dateras detta verk till perioden för Masaccios sista vistelse i Florens innan han reste till Rom, där han dog. Sedan 1834 har verket tillskrivits Masaccio (först Gverrandi Dragomanni, sedan Münz, Bode, Venturi, Schubring, Salmi, Longhi och Bernson). Men det finns de som anser att det är verk av Andrea di Giusto (Morelli), eller Domenico di Bartolo (Brandi), eller verk av en anonym florentinsk konstnär verksam mellan 1430 och 1440.
Produkten är desco da parto* - ett middagsbord för kvinnor under förlossning, som vid den tiden var vanligt att ge till kvinnor från rika familjer, och gratulera dem till födelsen av ett barn (hur detta hände kan ses i den avbildade julkrubban: till vänster, bland annat de som erbjuder gåvor, det finns en man med samma deco och parto ). Trots det faktum att sådana verk låg nära hantverkarnas arbete, föraktade inte de mest kända Quattrocento-konstnärerna deras tillverkning. Berti såg i detta arbete "den första renässanstondon", som uppmärksammade viktiga innovationer och användningen av arkitektur byggd i perspektiv i enlighet med Brunelleschis principer.

Jul. Berlin tondo.1427-28 Masaccio.

Putto* med en liten hund. Berlin tondo. 1427-28 Masaccio. Statliga museer, Berlin. Tempera på trä.

Det finns ett fastighetsbevis från juli 1427. Av den kan du lära dig att Masaccio bodde mycket blygsamt med sin mamma och hyrde ett rum i ett hus på Via dei Servi. Han behöll bara en del av studion, delade den med andra artister, hade mycket skulder.

År 1428, utan att fullborda målningen av Brancacci-kapellet, lämnar konstnären till Rom och börjar utföra en polyptyk i kyrkan Santa Maria Maggiore i Rom. Han blev förmodligen uppringd av Masolino, som behövde en assistent för att utföra stora beställningar. Masaccio kom inte tillbaka från Rom. Konstnärens plötsliga död vid en så ung ålder, han var 28 år gammal, orsakade rykten om att han förgiftades av avund. Denna version delades av Vasari, men det finns inga bevis för det. Eftersom det inte finns något exakt datum för Masaccios död.

Masaccio hade inte tid att avsluta ens det första fragmentet av polyptyken - "St. Jerome och St. Johannes Döparen". Arbetet slutfördes av Mazolino.

Sankt Hieronymus och Sankt Johannes Döparen. 1428 Masaccio. National Gallery, London. Äggtempera.

Sankt Hieronymus och Sankt Johannes Döparen. Detalj. 1428 Masaccio. National Gallery, London. Äggtempera.

PS från das_gift
Jag ville verkligen välja "Expulsion from Paradise" som dagens hit – känd och ärevördig, exempel och imitation, ikonisk och lidande – speciellt eftersom jag verkligen gillar den och valet skulle vara oändligt uppriktigt. Men jag kommer att välja "Portrait of a Young Man" - samma från Boston Museum - profil och ljus huvudbonad. Avlidna människor och svunna tider lockar alltid – de är konkreta i sitt utseende och abstrakta och symboliska för århundraden av icke-existens – i sina drag letar man efter det dolda, okända, sorgliga, förgängliga, eviga och vackra.

* 1. Bicci di Lorenzo(Bicci di Lorenzo) (1373-1452) - Italiensk målare och skulptör, verksam i Florens. Son till konstnären Lorenzo di Bicci (Lorenzo di Bicci)
I samarbete med sin far fick han många viktiga order, bland annat från Medici - enligt Vasari - en cykel av fresker för Palazzo Medici. För Duomo målade han apostlarna.
Hans bästa verk är Madonnan på tronen i Nationalmuseet, Parma, Triptyken om Sankt Nikolaus liv i katedralen i Fiesole och födelsekyrkan i San Giovannino dei Cavalieri-kyrkan i Florens.

* 2. Saint Lukas brödraskap. St Luke, evangelist, beskyddare av konstnärer. Enligt legenden gjorde han ett porträtt av Madonnan och Kristusbarnet. Legenden är av grekiskt ursprung och går tillbaka till 600-talet. På XII-talet. det sprider sig även i västländer. Bilder av S:t Lukas som målar Guds Moder har hittats i bysantinsk konst sedan 1200-talet, i Västeuropa sedan 1300-talet. Vid den här tiden började "broderskap av St Luke" dyka upp - sammanslutningar av konstnärer som ansåg Lukas deras beskyddare. Sedan dess har denna handling förknippats med brödraskap och försvinner på 1700-talet. med den senares försvinnande.

Jul. 1430/1435 Bicci di Lorenzo.

* 3. Leon Battista Alberti(italienska: Leone Battista Alberti; 18 februari 1404, Genua - 20 april 1472, Rom) var en italiensk vetenskapsman, humanist, författare, en av grundarna av ny europeisk arkitektur och en ledande konstteoretiker under renässansen.
Alberti var den första som konsekvent beskrev de matematiska grunderna för perspektivteorin. Han gav också ett betydande bidrag till utvecklingen av kryptografi genom att föreslå idén om ett polyalfabetiskt chiffer.

Leon Battista Alberti. Staty i Uffizigalleriet.

* 4. Sankt Peters kors- omvänt latinskt kors. Enligt legenden korsfästes Sankt Peter på ett omvänt kors (upp och ner). På grund av det faktum att Peter anses vara kristendomens grundare, är denna symbol avbildad på påvens tron.

* 5. gonfalonier- Det. gonfaloniere - fanbärare - från ser. 1200-talet chef för popolanimilisen i Florens och andra italienska städer. År 1289 inrättades ställningen för rättvisans gonfalonier (rättvisa) i Florens, som var chef för signorian. Gonfaloniere hade en banderoll av en viss form och färg, som symboliserade hans makt. Han anförtroddes skyddet av grundlagen för "Establishment of Justice".

* 6. Desco da parto(desco da parto) - en bricka med födande kvinnor - en viktig symbolisk gåva vid en lyckad förlossning under senmedeltiden. Många "brickor" som förvaras på museer är förknippade med adelsfamiljer, men studier visar att förlossningsbrickor och andra speciella föremål som broderade kuddar överlevde mycket länge efter den mest framgångsrika födseln i många år till i alla samhällsklasser - en plakett donerad av fader Lorenzo de' Medici till sin mor Lucrezia Tornabuoni hölls i Lorenzos hus fram till hans död. Ofta tillverkades brickorna massvis i verkstäder och "auktoriserades" med vapen, endast vid köptillfället.
Spädbarnsdödligheten och förlossningsdödligheten var extremt hög, och framgångsrika förlossningar firades med en speciell belöning.
Målade brickor började dyka upp runt 1370, en generation efter invasionen av digerdöden (pest).

Bricka med en födande kvinna baserad på "Decameron" av Bocaccio. 1410 Metropolitan Museum of Art, New York

Ära triumf.(Bricka med en födande kvinna) 1449 Metropolitan Museum of Art, New York.

* 7. Putto. Detta italienska ord, som har gått in i alla europeiska språk, betecknar en bild (målning eller skulptur) av ett naket barn: en ängel eller amor. Denna bild kombinerar funktionerna hos en ängel, cupid och ett barn.

Biografi

Tommaso föddes den 21 december 1401 på dagen för St. Thomas, efter vilken den var uppkallad, i familjen till en notarie vid namn Ser Giovanni di Mone Cassai och hans fru Jacopa di Martinozzo. Simon, farfar till den framtida konstnären (på sin fars sida), var en hantverkare som gjorde cassone-kistor och andra möbler. Forskare ser i detta faktum en konstnärlig kontinuitet i familjen, möjligheten att den blivande målaren mötte konst och fick sina första lektioner av sin farfar. Farfar Simon var en förmögen hantverkare, hade flera trädgårdstomter och eget hus.

Fem år efter Tommasos födelse dog hans far, som bara var 27 år gammal, plötsligt. Hans fru, som var gravid vid den tiden, födde snart en andra son, som hon döpte efter sin far - Giovanni (senare blev han också en konstnär, känd som lo Skeggia). Efter med två barn i famnen gifte Jacopa snart om sig, denna gång med apotekaren Tedesco di Mastro Feo, en änkeman som hade två döttrar. Jacopas andra make dog den 17 augusti 1417, när Masaccio inte ens var 16 år gammal. Därefter blev han äldste man i familjen, d.v.s. faktiskt hennes familjeförsörjare. Arkivhandlingar berättar om vingården och en del av huset som lämnades efter Jakopas andra mans död, men hon använde dem inte och hade inga inkomster från dem. En av Masaccios systrar gifte sig senare med målaren Mariotto di Cristofano.

Masaccio flyttade tidigt till Florens. Forskare föreslår att flytten ägde rum före 1418. Dokument har bevarats, enligt vilka Masaccios mamma hyrde en bostad i San Niccolo-området. Förmodligen låg verkstaden där konstnären arbetade någonstans i närheten. Vasari hävdar att Masolino var hans lärare, men detta är ett misstag. Masaccio fick titeln målarmästare och antogs till verkstaden den 7 januari 1422, d.v.s. före Masolino, adopterad 1423. Dessutom syns inga spår av denna konstnärs inflytande i hans verk. Vissa forskare tror att han 1421 arbetade i Bicci di Lorenzos verkstad, och de tillskriver honom en målad terrakotta-relief från kyrkan San Egidio. Men stilen på dessa konstnärers verk är för olika för att tala om deras nära kontakt. Men sedan 1421 har Masaccios yngre bror, Giovanni (Lo Sceggia), arbetat i Bicci di Lorenzos verkstad.

De verkliga lärarna i Masaccio var Brunelleschi och Donatello. Information har bevarats om Masaccios personliga koppling till dessa två framstående mästare från den tidiga renässansen. De var hans seniorkamrater, och när artisten mognade hade de redan gjort sina första framgångar. Brunelleschi 1416 var upptagen med att utveckla ett linjärt perspektiv, spår av vilket kan ses i hans relief "Slaget vid St. George med en drake. Från Donatello lånade Masaccio en ny medvetenhet om den mänskliga personen, karakteristisk för statyerna som denna skulptör gjorde för kyrkan Orsanmichele.

Florens konst i början av 1400-talet dominerades av en stil känd som "International Gothic". Konstnärer i denna stil skapade i sina målningar en fiktiv värld av aristokratisk skönhet, full av lyrik och konventioner. I jämförelse med dem var verken av Masaccio, Brunelleschi och Donatello fulla av naturalism och hård livsprosa. Spår av inflytande från äldre vänner kan ses i Masaccios tidigaste kända verk.

Triptyk från San Giovenale (Triptyk från St. Juvenaly).

Alla moderna forskare anser att denna triptyk är Masaccios första pålitliga verk (dess dimensioner: centralpanel 108x65cm, sidopaneler 88x44cm). Den upptäcktes 1961 av den italienske vetenskapsmannen Luciano Berti i den lilla kyrkan St. Juvenal, belägen nära staden San Giuvanni Valdarno, där Mazzacio föddes, och visades på utställningen "Ancient Sacred Art" (Ancient Sacred Art) . Bertie kom snart till slutsatsen att detta var ett originalverk av Masaccio, eftersom skildringen av karaktärerna i triptyken har en stark likhet med andra verk av denna mästare - Madonna and Child with St. Anna" från Uffizimuseet, Florens, med "Madonnan" från Pisa Polyptych, och med Polyptych of Santa Maria Maggiore i Rom.

I mitten av altaret finns Madonnan och barnet med två änglar, Saints Bartholomew och Blaise till höger om henne, Saints Ambrose och Juvenal till vänster om henne. Längst ner i verket finns en inskription, inte längre på gotisk, utan i moderna bokstäver som används av humanister i sina brev. Detta är den första neogotiska inskriptionen i Europa: ANNO DOMINI MCCCCXXII A DI VENTITRE D'AP(PRILE). (23 april 1422 från Kristi födelse). Reaktionen mot gotiken, från vilken triptykens guldbakgrunder ärvdes, fanns dock inte bara i inskriptionen. Med en hög synvinkel, vanlig för en trecento, är triptykens kompositionella och rumsliga konstruktion föremål för perspektivets lagar, kanske till och med överdrivet geometriskt okomplicerat (som det borde vara i tidiga experiment). Formernas plasticitet och vinklarnas djärvhet skapar intrycket av en massiv tredimensionalitet, som inte fanns i italiensk måleri tidigare.

Enligt de studerade arkivdokumenten beställdes verket av florentinaren Vanni Castellani, som beskyddade kyrkan San Giovenale. Monogrammet för hans namn - bokstaven V, forskarna ser i änglarnas vikta vingar. Triptyken målades i Florens och låg där i flera år tills den dök upp i inventariet av San Giovenale-kyrkan 1441. Inga memoarer finns kvar av detta verk, även om Vasari nämner två verk av den unge Masaccio i området San Giovanni Valdarno.

Efter restaurering visades triptyken på utställningen "Metodo a Sienza" 1982, där den återigen uppmärksammades av kritiker. Nu förvaras den i kyrkan San Pietro a Cascia di Reggello.

Sagra. (Invigning).

Den 7 januari 1422 antogs Masaccio i skrået Arte dei Medici e degli Speciali (läkar- och apotekarskrået, som omfattade konstnärer), och den 19 april samma år tog han tillsammans med Donatello, Brunelleschi och Masolino. deltog i den högtidliga ceremonin att inviga kyrkan Santa Maria del Carmine, belägen vid karmelitklostret i Florens. Masaccio fick senare i uppdrag att fira denna ceremoni i en fresk. Men innan dess (forskare brukar datera Sagra till 1424) besökte konstnären troligen Rom för att fira jubileet 1423, eftersom endast denna resa kan förklara det faktum att processionen som avbildas på fresken starkt liknade antika romerska reliefer. Han studerade noggrant konsten i det antika Rom och tidig kristen konst.

Fresken "Invigning" målades på väggen i karmelitklostret och varade fram till omkring 1600. På den, enligt Vasari, avbildade Masaccio en scen på torget framför kyrkan, mot vilken en stor procession rörde sig, utplacerad i en viss vinkel och bildade flera rader. Endast teckningar av olika konstnärer (inklusive Michelangelo) har överlevt till denna dag, som kopierar fragment av denna fresk. För sin tid hade den en stor nyhet, och förmodligen gillade kunderna den inte på grund av det för stora verklighetsintrycket som den producerade. Det fanns ingenting i den från den vanliga gotiska stilen med dess aristokrati, mönstrade dyra tyger, guldsmycken. Tvärtom, Masaccio avbildade en procession av medborgare i mycket enkla kläder. Bland deltagarna i processionen, enligt Vasari, kunde man se inte bara hans vänner - Donatello, Brunelleschi och Mazolino, utan också de företrädare för florentinsk politik som förespråkade omvandlingar i republiken och kämpade mot det milanesiska hotet - Giovanni di Bicci Medici, Niccolo da Uzzano, Felice Brancacci, Bartolomeo Valori, Lorenzo Ridolfi, som precis 1425 lyckades nå en överenskommelse med Venedig mot Milano. Luciano Berti menar att Masaccio inte alls skildrade en religiös ceremoni, utan använde handlingen för att förkroppsliga nuvarande civila, republikanska, politiska och patriotiska idéer. Det är fullt möjligt att Masaccios realism vid den tiden inte bara uppfattades som en antites till gotiken, utan också som en demokratisk konst av mellanskikten, som fungerade som en slags ideologisk motvikt till aristokratin.

Porträtt.

I sin "Biography of Masaccio" nämner Vasari tre porträtt. Konsthistoriker har därefter identifierat dem med tre "porträtt av en ung man": från Gardner Museum, Boston, från Museum of Fine Arts, Chambery, och från National Gallery, Washington. De flesta moderna kritiker tror att de två sistnämnda inte är Masaccios verk, eftersom de känns sekundära och av lägre kvalitet. De målades senare, eller möjligen kopierade från Masaccios verk. Ett antal forskare anser att endast porträttet från Gardnermuseet är tillförlitligt, och Berti och Raggianti hävdar att det föreställer den unge Leon Battista Alberti. Porträttet är daterat mellan 1423 och 1425; Masaccio gjorde det tidigare än ett annat porträtt av Alberti, vars karaktäristiska profil kan ses i hans fresk "St. Peter på tronen" i Brancacci-kapellet, där han är avbildad till höger om Masaccio själv.

Masaccio och Masolino.

Masaccio deltog i flera gemensamma projekt med Masolino, och det verkar som att de var förbundna med vänskap. Sett till temperament och världsbild var de ganska olika artister. Masolino graviterade mot aristokratisk internationell gotik med sin religiösa sagolikhet, platthet och elegans, medan Masaccio, enligt humanisten Cristoforo Landino, var full av ett ivrigt intresse för den jordiska världen, i dess kunskap och påstående om dess storhet, och fungerade som en exponent för de spontana materialistiska formerna av tidig renässansens panteism. Forskare tror att Masaccios innovationer påverkade Masolinos arbete, som utan tvekan tillhörde de största mästarna under första hälften av 1400-talet. Med all sannolikhet gav Masolinos sätt, närmare och mer förståeligt för de flesta av hans samtida, honom fler chanser att få bra order, så i duetten spelade han huvudrollen som arrangören av verket, medan Masaccio agerade hans assistent, om än mycket begåvad. Deras första kända gemensamma verk är Madonna and Child with St. Anna" från Uffizigalleriet.

Madonna och barn och St. Anna.

År 1424 förekommer namnet Masaccio i listorna över företaget St. Luke - en organisation av florentinska konstnärer. I år markerar kritiker också början på Masaccios och Masolinos gemensamma arbete (närmare bestämt mellan november 1424 och september 1425).

"Madonna och barn med St. Anna ”(storlek 175x103 cm) målades för kyrkan Sant'Ambrogio och fanns där tills den överfördes till Florentine Accademia Gallery, och sedan till Uffizi Gallery. Vasari ansåg att det helt och hållet var Masaccios verk, men redan på 1800-talet märkte Masselli (1832), följt av Cavalcaselle (1864), skillnader i målningen från Masaccios stil. Roberto Longhi, som noggrant studerade samarbetet mellan Masolino och Masaccio (1940), kom till slutsatsen att Madonnan och barnet och den högra ängeln som håller i gardinen tillhör Masaccios hand, och allt annat utfördes av Masolino, som förmodligen beställde denna målning (det antas att Masolino, på grund av det faktum att han snart reste till Ungern, beställde färdigställandet av verket av Masaccio). Andra forskare - Salmi (1948) och Salvini (1952) tror att figuren St. Anna, eftersom hennes vänstra hand, sträckt över huvudet på det spädbarn Kristus, är skriven i den vinkel som krävs för att förmedla det rumsliga djupet. Målningen har både dekorativ skönhet, karaktäristisk för Masolino, och önskan att förmedla fysisk massa och rymd, karaktäristisk för Masaccio.

Medeltida ikonografi av ämnet brukar kallas "St. Anna i tre" krävde bilden av Anna, i vars knä Maria sitter, och i den senares knä - Kristusbarnet. Det ikonografiska schemat finns bevarat här, tre figurer slås samman till en tredimensionell, korrekt byggd pyramid. Massornas grova former, och den fasta, utan nåd landning, Mary liknar "Madonna of Humility" från National Gallery, Washington, som vissa forskare ganska problematiskt tillskriver den unge Masaccio (det mycket dåliga bevarandetillståndet gör inte det göra det möjligt att exakt bestämma dess författarskap, trots att Bernson en gång ansåg att det var Masaccios verk).

Bildens utrymme består av parallella planer (denna teknik upprepas av Masaccio i vissa kompositioner av Brancacci-kapellet): i förgrunden är Madonnans knän, i den andra - spädbarnet Kristus och Madonnans händer, i den tredje - Madonnans torso, i den fjärde - tronen, St. Anna, gardin och änglar, och på den sista - en gyllene bakgrund. Närvaron av St. Anna på bilden kan ha en speciell betydelse; hon symboliserar de benediktinska nunnornas vördnadsfulla lydnad till Mother Superior (Verdon, 1988).

Masolinos och Masaccios gemensamma arbete fortsatte i nästa stora projekt - väggmålningarna av Brancacci-kapellet.

Brancacci kapell

Freskerna i Brancacci-kapellet är huvudverket skapat av Masaccio under hans korta liv. Från 1400-talet till idag har de alltid beundrats av både yrkesmän och allmänheten. Diskussionerna kring dessa fresker har dock inte slutat förrän nu.

Brancacci-kapellet lades till södra tvärskeppet av karmelitkyrkan Santa Maria del Carmine (byggd 1365) runt 1386. Önskemålet om bygget uttrycktes av Pietro Brancacci, som dog 1367 - detta rapporteras i hans testamente den 20 februari 1383 av hans son Antonio di Pietro Brancacci och specificerar att hans far lämnade 200 floriner för byggandet av kapellet. År 1389 donerade en annan gren av denna familj, Serotino Brancacci, ytterligare 50 floriner till "adornamento et picturas fiendo in dicta capella" ("dekorera och måla det angivna kapellet"). År 1422 tog den framgångsrike sidenhandlaren Felice di Michele Brancacci över kapellets angelägenheter, detta rapporterar han i sitt testamente daterat den 26 juni samma år, då han skickades med en ambassad till Kairo. Det är Felice som anses vara kund till väggmålningarna. Denna man var en mycket framstående figur i Florens liv. Han tillhörde den härskande klassen i republiken: från åtminstone 1412 hade han framstående positioner i regeringen. Han nämns senare som ambassadör i Lunigiana, sedan var han ambassadör i Kairo. År 1426 tjänstgjorde Felice som kommissarie, en officer som ledde trupperna under belägringen av Brescia under kriget med Milano. Hans fru Lena tillhörde en annan framstående florentinsk familj, Strozzi. Med all sannolikhet beställde Brancacci målningen av kapellet kort efter sin ankomst från Kairo 1423. De flesta forskare är överens om att Masolino och Masaccio började arbeta i slutet av 1424 (Masolino var upptagen med att ta i bruk Empoli fram till november 1424), och arbetet fortsatte intermittent fram till 1427 eller 1428, när Masaccio reste till Rom och lämnade freskerna oavslutade. Långt senare, på 1480-talet, avslutades det ofullbordade verket av Filippino Lippi.
Kapellets fresker är tillägnade livet i St. Peter, men har inte en kronologiskt konsekvent presentation av sitt liv, utan representerar en uppsättning handlingar vid olika tidpunkter. Detta beror troligen på att själva handlingarna hämtades från tre källor – evangelierna, Apostlagärningarna och den gyllene legenden av Jacopo da Varazze. Men de börjar med arvsynden. I Brancacci-kapellet deltog Masaccio i utförandet av sex fresker.

1. Exil från paradiset.

Fresken skildrar en biblisk berättelse - utvisningen av de första människorna, Adam och Eva, från paradiset efter att Eva brutit mot Guds förbud. De, gråtande, avlägsnas från Eden, ovanför deras huvuden indikeras vägen till den syndiga jorden av en ängel på ett rött moln med ett svärd i handen. Måtten på fresken är 208x88cm.

Alla forskare är överens om att den helt och hållet är gjord av Masaccio. Dramatiken i fresken står i skarp kontrast till scenen för Frestelsen som Masolino målade på den motsatta väggen. I motsats till den gotiska traditionen fick exilscenen ett helt nytt psykologiskt djup för den tiden. Adam avbildas som en syndare som inte har förlorat sin andliga renhet. Masaccio lånade uppenbarligen ställningen av Eva som gråter bittert från skulpturen som personifierar Continence, gjord av Giovanni Pisano för predikstolen i Pisa-katedralen. Som inspirationskälla för bilden av Eva nämner forskare också den grekisk-romerska statyn av "Venus Pudica". Analogier bland skulpturer har också hittats för ställningen av Adam, från Laocoön och Marcia till mer moderna exempel som Donatellos korsfästelse för den florentinska kyrkan Santa Croce.

Vid återuppbyggnaden av templet 1746-48 förlorades den övre delen av fresken. Men ännu tidigare, omkring 1674, beordrade fromma präster att täcka Adams och Evas könsorgan med löv. I denna form fanns fresken fram till den sista restaureringen, som genomfördes 1983-1990, då de togs bort.

2. Mirakel med stater.

Fresken "The Miracle with the Stater" sedan Vasaris tid anses vara Masaccios bästa verk (i vissa ryska böcker kallas det "Submit").

Denna episod från Kristi liv är hämtad från Matteusevangeliet (17:24-27). Jesus och apostlarna reste med predikningar och kom till staden Kapernaum. För att komma in i staden var det nödvändigt att betala en avgift på en stater. Eftersom de inte hade några pengar beordrade Kristus Peter att fånga en fisk i en närliggande sjö och utföra ett mirakel genom att ta bort ett mynt från dess livmoder. Fresken skildrar tre avsnitt samtidigt. I centrum - Kristus, omgiven av apostlarna, indikerar för Petrus vad som behöver göras; till vänster - Peter, som har fångat en fisk, tar fram ett mynt ur livmodern; höger - Peter ger myntet till skatteindrivaren nära hans hus.

Många forskare undrade varför frågan om att betala skatten ingick i freskcykeln. Det finns flera tolkningar av denna episod, som medvetet verkar betona legitimiteten i skattekravet. Procacci (1951), Miss (1963) och Bertie (1964) är överens om att införandet av handlingen berodde på tvisterna om skattereformen som ägde rum i Florens på 1420-talet och kulminerade 1427 med antagandet av Catasto (italiensk "matrikelregistrering") ") - uppsättning lagar som etablerade en mer rättvis beskattning. Steinbart (1948) trodde att berättelser från Peters verksamhet, grundaren av den romerska kyrkan, kunde vara en anspelning på påven Martin V:s politik, som syftade till den romerska kyrkans världsherravälde, och myntet från Genesaretsjön. är en anspelning på de lönsamma sjöfartsföretagen i den florentinska republiken, utförda under ledning av Brancacci, som bland annat tjänstgjorde i Florens som sjökonsul. Moller (1961) föreslog att evangelieberättelsen med stataren själv kan dölja tanken att kyrkan alltid måste hylla, inte ur sin egen ficka, utan från någon extern källa. Casazza (1986), efter Millard Miss (1963), ansåg att denna episod var ett av elementen i historia salutis ("frälsningsberättelse"), eftersom det var så den välsignade Augustinus tolkade denna intrig och påstod att den religiösa innebörden av denna liknelse är frälsning genom Kyrkan. Det finns andra åsikter också.

Masaccio byggde karaktärernas figurer längs en horisontell linje, men gruppen av apostlar i mitten bildar en tydlig halvcirkel. Forskare tror att denna halvcirkel är av gammalt ursprung, eftersom Sokrates och hans lärjungar i antiken avbildades på detta sätt, då överfördes detta mönster till tidig kristen konst (Jesus med apostlarna), och i den tidiga renässansens tidevarv, konstnärer som Brunelleschi fick en ny betydelse - cirkeln symboliserar geometrisk perfektion och fullständighet. Den cirkulära strukturen användes av Giotto i Paduas fresker, liksom av Andrea Pisano i det florentinska dopkapellet.

Alla karaktärer i fresken är utrustade med en ljus personlighet, de förkroppsligar olika mänskliga karaktärer. Deras figurer är klädda i tunikor på antikt sätt - med slutet kastat över vänster axel. Bara Peter, som tog ett mynt ur fiskens mun, tog av och lade sin tunika bredvid honom för att inte bli smutsig. Karaktärernas poser påminner om poserna för grekiska statyer, liksom reliefer från etruskiska begravningsurnor.
Roberto Longhi kom 1940 till slutsatsen att inte all fresk var utförd av Masaccios hand, Kristi huvud målades av Masolino (huvudet på Adam i fresken "Temptation" skapad av Masolino i samma kapell är extremt likt Kristi huvud). De flesta forskare instämde i denna slutsats (Miss, 1963; Berti, 1964-68; Parronchi och Bologna, 1966). Tack vare restaureringen som genomfördes på 1980-talet bekräftades denna synpunkt - målningstekniken i utförandet av Kristi huvud skiljer sig från resten av fresken. Baldini (1986) hävdar dock att Adams huvud och Kristi huvud är gjorda i olika målningstekniker.

3. Dop av neofyter.

Episoden är hämtad från "Apostlagärningarna" (2:41): "Så de som villigt tog emot hans ord blev döpta och tillkom den dagen omkring tre tusen själar." Restaureringen på 1980-talet, som gjorde det möjligt att ta bort sotskiktet från ljus och eld, avslöjade all charmen med de ljusa färgerna på denna fresk, dess magnifika utförande, och bekräftade de strålande recensioner som den har belönats med sedan tiden. av Magliabechiano och Vasari.

Fresken föreställer aposteln Petrus som utför dopriten. I bakgrunden finns gestalterna av neofyter, redo att acceptera en ny tro. Forntida författare beundrade särskilt naturligheten i poseringen av en naken ung man, kyld i väntan på ceremonin. Hela gruppen, som föreställer "omkring tre tusen själar", består av 12 personer (Petrus den 13:e), och i sitt antal ekar de tolv apostlarna som bildar det "mänskliga Colosseum" (Kristus den 13:e) från fresken "Miraklet med Statern" ".

Tidigare har flera forskare hävdat att denna fresk inte var helt av Masaccio, att antingen Masolino eller Filippino Lippi deltog i den. Longhi (1940) trodde att de två figurerna till vänster om Peter är verk av Filippino. Han fick medhåll av F. Bologna (1966). Procacci (1951) trodde att Masolino utöver detta också målade huvudet på Peter själv, men efter restaureringen på 1980-talet tvivlade han inte på att fresken helt och hållet var av Masaccio. Parronchi (1989) menar att de två porträtten till vänster om Peter är av Masaccios okända assistent, och att Peters huvud är av så dålig kvalitet att det inte kan vara verk av varken Masaccio eller Masolino. Efter restaureringen blossade diskussionen om samarbetet mellan Masolino och Masaccio upp igen: till exempel hävdar Berti (1989) att Masolino är författaren till hela landskapsbakgrunden i denna fresk.

4. Sankt Peter botar de sjuka med sin skugga.

Freskens handling (mått 230x162cm) är hämtad från Apostlagärningarna (5:12-16), i boken följer den omedelbart historien om Ananias, som avbildas i den intilliggande fresken till höger. Apostlarna utförde många mirakel, tack vare vilka antalet troende växte. De som trodde bar de sjuka ut på Jerusalems gator i hopp om att Petrus skulle överskugga en av dem med sin skugga. Folk kom till och med från andra byar, och alla blev helade.

Forskare har aldrig tvivlat på att fresken helt och hållet målades av Masaccio. Sedan Vasaris tid, som ansåg mannen med det röda armbandet vara ett porträtt av Masolino, och placerade honom på sidan av konstnärens biografi, har forskare försökt identifiera de avbildade karaktärerna med historiska figurer. Meller (1961) trodde att den skäggige mannen med händerna knäppta i bön var ett porträtt av Donatello, och Bertie (1966) trodde att Donatello är en äldre man med grått skägg som är avbildad mellan Peter och John.

Konstnären placerade evenemang på en modern florentinsk gata. Masaccio avbildade henne i perspektiv och lämnade bakom ryggen på apostlarna. Forskare tror att området för kyrkan San Felice på Piazza är avbildat här; dess minnesvärda kolumn med en korintisk huvudstad syns bakom Johannes. Gatan kantas av hus som är typiska för det medeltida Florens. Den nedre delen av fasaden på byggnaden längst till vänster liknar Palazzo Vecchio, medan den övre delen av Palazzo Pitti.

5. Fördelning av egendom och Ananias död.

Handlingen är hämtad från Apostlagärningarna (4:32-37 och 5:1-11). Detta avsnitt av boken beskriver hur det tidiga kristna samfundet samlade in egendom för gemensamt bruk för att distribuera den i enlighet med rättvisa principer. Men en viss Ananias, efter att ha sålt sin egendom, gömde en del av intäkterna när han gick med i samhället. Efter aposteln Petrus förebrående ord greps Ananias av sådan fruktan att han dog på platsen. Masaccio i denna fresk (storlek 230x162 cm) avbildade två scener: Petrus delar ut egendomen som donerats till apostlarna och Ananias död, vars livlösa kropp ligger vid Johannes fötter. Distributionsscenen ges en del episk högtidlighet. Alla forskare var överens om att fresken helt och hållet tillhör Masaccios hand. En nyligen genomförd restaurering avslöjade att Johns rosa mantel och Ananias händer målades av Filippino Lippi över en fresk av Masaccio (Baldini, 1986).

Tillsammans med att förstå ämnet för fresken som frälsning genom tro, finns det en annan tolkning som föreslås av Luciano Berti (1964). Han menar att fresken än en gång hyllar Catasto-skatteinstitutet som antogs 1427, vilket garanterar större jämlikhet bland befolkningen i republiken, och tror att straffet för Ananias är en läxa för de florentinska rika som inte ville betala skatt i sin helhet. Meller (1961) menar att fresken innehåller en påminnelse om kundens familj: en man som knäböjer i den röda kardinalrocken, och räcker ut sin hand mot Peter - kanske kardinal Rinaldo Brancacci, eller kardinal Tommaso Brancacci.

6. Uppståndelsen av sonen Theophilus och St Peter på predikstolen

Fresken (storlek 230x598cm) föreställer ett mirakel utfört av Petrus efter att han släpptes från fängelset tack vare aposteln Paulus. Enligt "Golden Legend" av Jacopo da Varazze kunde Peter, efter att ha kommit till graven av sin son Theophilus, prefekten i Antiokia, som dog för 14 år sedan, mirakulöst återuppliva honom. De närvarande vid samma tid trodde omedelbart på Kristus, prefekten i Antiokia själv och hela stadens befolkning konverterade till kristendomen. Som ett resultat byggdes ett magnifikt tempel i staden, i mitten av vilket en predikstol för aposteln Petrus installerades. Från denna tron ​​läste han sina predikningar. Efter att ha tillbringat sju år på det, åkte Peter till Rom, där han i tjugofem år satt på den påvliga tronen - predikstolen.

Masaccio avbildade återigen två händelser på en fresk: till vänster och i mitten - aposteln Petrus återuppväcker sin son Theophilus, till höger - aposteln Petrus på tronen. Konstnären placerade scenen i templet, inklusive riktiga kyrkofigurer i kompositionen - representanter för karmeliternas brödraskap från Santa Maria del Carmine och församlingsmedlemmar, inklusive Masolino, Leon Battista Alberti och Brunelleschi. Vasari påpekade att fresken påbörjades av Masolino, men efterföljande konsthistoriker, med sällsynta undantag, ansåg att det var Masaccios verk. På 1800-talet återvände forskare till den synpunkten att detta arbete startades av Masolino och slutfördes av Masaccio. Dessutom accepterade den överväldigande majoriteten av experter versionen att det slutliga färdigställandet av fresken anförtroddes Filippino Lippi, som lade till de tomma utrymmen som Masaccio lämnade och skrev om de skadade och utsmetade fragmenten, som föreställde Medici-familjens fiender, som inklusive Brancacci.
Vasari trodde att Filippino Lippi i form av en återuppstånden yngling gestaltade målaren Francesco Granacci, även om Granacci vid den tiden inte längre var en ungdom, "... och likaså Messer Tommaso Soderini, adelsmannen Pietro Guicciardini, far till Messer Francesco, som skrev historia, Piero del Pugliese och Luigi Pulci, poeten..." Efter att ha studerat ikonografin och möjliga porträtt av fresken bekräftade den italienske vetenskapsmannen Peter Meller i sitt verk "The Brancacci Chapel: Iconographic and Portrait Problems" (1961) Vasaris åsikt, och kom fram till att fresken bland annat innehåller politisk undertext: karmelitmunken (fjärde från vänster) är ett porträtt av kardinal Branda Castiglione, Theophilus sittande på en höga tron ​​är ett porträtt av hertigen av Milano Gian Galeazzo Visconti, och mannen som sitter till höger nära hans fötter är den florentinska republikens förbundskansler Coluccio Salutati, författaren till invektivet mot Milanes regering. Dessutom, på höger sida av fresken nära aposteln Petrus på predikstolen finns (från höger till vänster) - Brunelleschi, Leon Batista Alberti, Masaccio och Masolino.

Pisan polyptyk.

Pisa-polyptyken är konstnärens enda exakt daterade verk; dateringen av alla hans andra verk är ungefärlig. Den 19 februari 1426 åtog sig Masaccio att måla en altartavla i flera delar till kapellet St. Juliana i kyrkan Pisa del Carmine för en blygsam summa av 80 floriner. Beställningen kom från den pisanske notarie Ser Giuliano di Colino Degli Scarsi da San Giusto, som från 1414 till 1425 tog över beskyddet av detta kapell. Den 26 december 1426 var polyptyken, att döma av betalningsdokumentet daterat det datumet, klar. Masaccios assistenter, hans bror Giovanni (Sceggia) och Andrea del Giusto, deltog i arbetet med det. Ramen för denna flerdelade komposition gjordes av ristaren Antonio di Biagio (möjligen baserad på en skiss av Masaccio).
På 1700-talet demonterades polypyken och dess enskilda fragment gick till olika museer. Många av målningarna gick förlorade tillsammans med den ursprungliga altarramen. Idag finns bara 11 målningar kvar av detta stora verk. Christa Gardner von Teuffel föreslog en version av dess rekonstruktion, som idag följs av de flesta experter. Frågan om polyptikens mittrad är dock fortfarande obesvarad. Enligt en version var det ett vanligt flerdelat altare. Enligt en annan var dess mellersta del inte flerdelad, utan solid (den så kallade pala), det vill säga helgonens figurer på Madonnas sidor var inte skrivna på separata brädor, utan på en stor ( enligt Vasari var dessa aposteln Petrus, Johannes Döparen, Sankt Julianus och Sankt Nikolaus). Tillståndet för de för närvarande existerande fragmenten gör det inte möjligt att känna den ursprungliga idéns prakt. Det var ett av de första altaren, vars kompositionskonstruktion baserades på de nyligen utvecklade perspektivlagarna, med linjer som konvergerade vid en punkt. Att döma av Madonnan och barnets centrala panel målades alla figurer i polyptikens centrala del som om de var upplysta av en enda ljuskälla från vänster sida.

1.Madonna och barn.

"Madonna och barn med fyra änglar" (135x73cm) var polyptikens centrala panel. År 1855 förvarades den i Sutton-samlingen som ett verk av Gentile da Fabriano. 1907 identifierade Bernard Berenson det som Masaccios verk. Sedan 1916 har målningen förvarats i National Gallery, London. Pjäsen var svårt skadad; den är avskuren i den nedre delen, på ytan av förlusten av färgskiktet, vanställd genom retuschering. Tidigare gjordes Madonnans klänning med lysande röd färg överlagd på silverplåtar i bakgrunden. Idag har verkets lysande dekorativa effekt gått förlorad.

Masaccio övergav här nästan helt grunden för gotisk målning - en tydlig, slät linje som skisserar karaktärernas silhuetter, men skulpterar formen med färg, förenklar den och ger den en generaliserad geometrisk rytm (forskare tror att Madonnas figur återspeglar faktum att konstnären noggrant studerade skulpturen av Nicola Pisano och Donatello). Han vägrar också här det dekorativa spelet av mönster som är inneboende i hans gemensamma målning med Mazolino "Madonna och barn med St. Anna", som tydligen var helt främmande för honom. Masaccios guldbakgrund, traditionell för målningar från 1300-talet, är nästan helt täckt av en monumental antik-klassisk tron, dekorerad med små kolonner med en korintisk ordning. Typen av barnet är lånat av honom från de gamla bilderna av Hercules i spädbarnsåldern; barnet suger eftertänksamt druvorna och hjälper till att smaka dem bättre med fingrarna. Forskare anser att tomten med druvor är en eukaristisk anspelning, en symbol för nattvardsvin, d.v.s. ytterst en symbol för Kristi blod som kommer att utgjutas på korset. Denna symbolik förstärktes av scenen för korsfästelsen, som låg direkt ovanför Madonnan och barnet.

2. Korsfästelse.

Korsfästelsen (storlek 83x63cm) har förvarats i Capodimonte-museet i Neapel sedan 1901. Målningen tillskrevs Masaccio och tillskrevs Pisa-polyptyken av den italienske konstkritikern Lionello Venturi. Den är skriven på en gyllene bakgrund, bara en smal landremsa är avbildad under karaktärernas fötter. Den gyllene bakgrunden symboliserar tidlösheten och överjordligheten i det som händer. Till vänster är Madonnan, till höger Johannes Döparen, vid korsets fot breder Maria Magdalena ut sina armar i förtvivlan. På det hela taget följer denna polyptiken 1300-talsmåleriets traditioner. Vissa forskare anser att Kristi deformerade kropp är ett misslyckat försök att förmedla den i perspektivminskning när den ses underifrån. Trots Magdalenas uttrycksfulla gest är scenen extremt statisk. Roberto Longhi föreslog att Magdalenas figur tillskrevs av mästaren senare, eftersom. hon har en annan gloria än resten av karaktärerna.

3. Apostlarna Paulus och Andreas.

Bilden av aposteln Paulus är den enda delen som finns kvar av Pisa-polyptyken i Pisa (San Matteo-museet). Panelens mått är 51x31 cm Målningen tillskrevs Masaccio redan på 1600-talet (det finns en inskription om detta på sidan). Under nästan hela 1700-talet förvarades den på Opera della Primaciale, och 1796 överfördes den till San Matteo-museet. Paulus är avbildad på en gyllene bakgrund i enlighet med den ikonografiska traditionen - i sin högra hand håller han ett svärd, i sin vänstra hand finns boken "Apostlagärningarna". I sin typ är han mer lik en uråldrig filosof än en apostel. Tidigare ansåg vissa kritiker att Masaccios assistent, Andrea di Giusto, var målningens författare, men alla moderna forskare delar uppfattningen att detta är Masaccios verk.

Panelen med bilden av aposteln Andrew (storlek 51x31cm) förvarades i Lankoronski-samlingen (Wien), hamnade sedan i Prinsen av Liechtensteins (Vaduz) kungliga samling och finns idag i Paul Getty-museet (Malibu) . Helgonsgestalten ges monumentalitet, bilden är byggd som om vi tittar på den underifrån. Med sin högra hand håller Andreas ett kors, med sin vänstra hand, Apostlagärningarna. Liksom bilden av Paulus ges ansiktet på Andrei ett filosofiskt djup.

4. St. Augustinus, St. Hieronymus och två karmelitmunkar.

Fyra små paneler, var och en med måtten 38x12 cm, tillskrevs Masaccio när de fanns i Butler-kollektionen (London). 1905 förvärvades de av Berlinmuseet. År 1906 kopplade den tyske forskaren Schubring dessa fyra verk till Pisa-polyptyken, vilket antydde att de tidigare hade prydt dess sidopilastrar. Tre helgon (Augustin, Hieronymus och en karmelitmunk med skägg) tittar till höger, den fjärde till vänster. Alla figurer är skrivna som om ljuset faller på dem från samma källa. Vissa forskare tror att en av Masaccios assistenters hand är synlig i dessa små verk.

5. Begränsa.

Alla tre målningar av predella har bevarats: "The Adoration of the Magi" (21x61 cm), "The Crucifixion of St. Peter och avrättningen av Johannes Döparen" (21x61cm) och "History of St. Julian och St. Nicholas" (22x62cm). De två första 1880 förvärvades av Berlinmuseet i den florentinska samlingen Capponi. 1908 förvärvade Berlin Museum en tredje - "The History of St. Julian och St. Nicholas". För de två första tvivlade ingen på Masaccios författarskap, det fanns diskrepanser när det gäller den tredje: Bernson ansåg att den var verk av Andrea di Giusto, Salmi var verk av Masaccios bror Giovanni (Skeggia).

I predellamålningarna använde Masaccio inte guldbakgrunder. Forskare har upprepade gånger noterat predellans roll i utvecklingen av renässansmålningen som helhet: det horisontellt långsträckta formatet förde det närmare den antika reliefen; dessutom var det i målningarna av predella som konstnärerna fick större frihet och övergav de gyllene bakgrunderna.

De flesta forskare är överens om att tillbedjan av männen skrevs först i tiden. Vasari noterade särskilt: "... i mitten är magi som ger gåvor till Kristus, och i denna del är flera hästar skrivna så vackert att du inte kan föreställa dig bättre ...". Hela scenen ges en speciell högtidlighet. De tre vise männen är avbildade med ett följe, där M. Salmi (1932) såg närvaron av kunden Giuliano de Colino dei Scarsi; han står i en mörk huvudbonad precis bakom Magi och tittar eftertänksamt på vad som händer.

Nästa predellatavla visar två olika ämnen - St. Peter, som blev martyrdöd, korsfästes på ett omvänt kors (i Masaccio hänger han inte, utan vilar huvudet på marken - en upprepning av handlingen från Brancacci-kapellet), och halshuggningen av Johannes Döparen, som avrättades av kung Herodes order. Johns bödel visas bakifrån, han lutar sig bestämt på sina ben (denna position av benen ekar tydligt av skatteindrivarens ben i scenen "Miraklet med stataren" från Brancacci-kapellet) - det är just för denna förmåga att korrekt förmedla benens position (som ingen före honom kunde) berömde Giorgio Vasari Masaccio.

Närvaro vid Pisa-altaret St. Julian och St. Nicholas och scenerna från deras liv, forskare överväger konsekvensen av det faktum att St. Julian (italienska Giuliano) var skyddshelgon för kunden Giuliano di Colino, och St. Nicholas var sina föräldrars skyddshelgon (Kolino - förkortning för Nikolino eller Nikola).

Bön om en kopp.

En liten panel (50x34cm) i form av ett litet altare från Lindenau-museet, Altenburg, innehåller två scener: "Bön för kalken" och "Nattvard St. Jerome." Den övre plotten använder en gyllene bakgrund, medan den nedre är helt inspelad. De tre apostlarnas figurer till höger upprepar bildens form med sina konturer. De flesta kritiker tror att den skrevs omedelbart efter Pisa-polyptyken. I slutet av 1800-talet tillskrev den tyske forskaren Shmarsov det till Masaccio, men inte alla forskare stödde denna tillskrivning. Bernson tillskriver målningen Andrea di Giusto, medan Longhi och Salmi anser att den är ett verk av Paolo Schiavo. Värdet av detta verk och tillskrivningen till Masaccio bekräftades i verk av Ortel (1961), Berti (1964) och Parronchi (1966), som såg en uttalad originalitet i det.

Madonna och barn.

Detta verk är från ungefär samma tid som Pisa Polyptyk. På en gyllene bakgrund, ovanpå en bräda som mäter 24x18 cm, står Madonnan skriven, som kärleksfullt kittlar barnets haka. På baksidan finns ett vapensköld med en sköld, på en gul bakgrund vars sex stjärnor prunkar, omgjord i mitten med ett svart band med ett guldkors, hela kompositionen är krönt med en kardinalhatt - detta är Antonio Casinis vapensköld, som fick kardinalgraden den 24 maj 1426. Roberto Longhi, som presenterade detta verk för allmänheten 1950 och tillskrev det till Masaccio, tillskrev det till tiden för skapandet av Pisa Polyptych, eftersom det har kromatisk harmoni och "underbara rumsliga effekter". De flesta av dagens kritiker håller med om att detta är Masaccios verk.

I början av 1900-talet förvarades målningen i en privat samling, sedan 1952 visades den på "Andra nationella utställningen av konstverk återvände från Tyskland" som hölls i Rom, 1988 överfördes den till Uffizigalleriet , Florens.

Historien om St. Juliana.

På en liten tavla som mäter 24x43 cm, en berättelse från livet av St. Juliana. På vänster sida av St. Julian, medan jag jagar, samtalar med djävulen i mänsklig gestalt, som förutsäger döden av Julians far och mor i hans hand. Den centrala delen föreställer fadern och modern till St. Julian i sovrummet, där han, antog dem för sin fru och hennes älskare, dödade dem båda. På höger sida blir han chockad när han ser sin fru vid liv. Länge troddes denna lilla panel från Hornmuseet i Florens vara en del av altartavlan i Pisa. Enligt en annan version tillhör detta verk ett annat verk, i skapandet av vilket Masaccio kunde delta med Masolino - Triptych of Carnesecchi.

Treenighet.

"Trinity" är en fresk, 667x317 cm stor, målad i kyrkan Santa Maria Novella i Florens, och därefter överförd till duk. Det finns flera synpunkter på tiden för dess tillkomst. Den ena delen av forskarna menar att det skrevs före Brancacci-kapellet, omkring 1425 (Borsuk, Gilbert, Parronchi), den andra, att parallellt med arbetet i Brancacci-kapellet 1426-7 (Salmi, Procacci, Brandi) den tredje, som är direkt innan Masaccio reste till Rom 1427-8 (Berti).

Fresken föreställer Gud Fadern som tornar upp sig över krucifixet, bredvid finns fyra figurer av den kommande - Maria och Johannes Döparen, och under dem - två donatorer som vek sina händer i bön. Graven med Adams reliker är skriven i den nedre delen. Trots att givaren och hans fru är närvarande på fresken har inga dokument överlevt angående kunden till detta arbete. Vissa tror att det kan vara Fra Lorenzo Cardoni, som tjänstgjorde som prior för kyrkan Santa Maria Novella från 1423 till början av 1426, andra att det var Domenico Lenzi, som dog 1426 och begravdes i detta tempel bredvid fresken. . Det är också möjligt att fresken beställdes av Alesso Strozzi, som var vän med Ghiberti och Brunelleschi, som tog över som prior för kyrkan efter Fra Lorenzo Cardoni.
"Trinity" anses vara ett av de viktigaste verken som påverkade utvecklingen av det europeiska måleriet. Redan 1568 beundrade Vasari fresken, men ett par år senare restes ett nytt altare i templet, vilket stängde det från allmänheten, dessutom målades mittpanelen på detta altare, "Madonna av Rosenkransen", av Vasari själv. Fresken förblev okänd för nästa generationer fram till 1861, då den överfördes till fasadens innervägg mellan den vänstra och centrala ingången till templet. Efter att Hugo Procacci 1952 upptäckte den nedre delen av fresken som föreställer relikerna av Adam bakom det nygotiska altare som restes på 1800-talet, flyttades den till den gamla platsen.

På grund av det faktum att Brunelleschis perspektivlagar och arkitektoniska principer förkroppsligas i detta arbete med speciell konsekvens, har kritiker upprepade gånger skrivit att det skapades under direkt överinseende av denna arkitekt, men majoriteten delar inte denna synvinkel. I motsats till den traditionella avbildningen av krucifixet mot en blå himmel med gråtande änglar och en folkmassa vid foten, placerade Masaccio korset i en arkitektonisk interiör som liknar valvet i en gammal romersk triumfbåge. Hela scenen påminner mycket om en arkitektonisk nisch där skulpturerna står. Produktionstekniken för kompositionen var förmodligen enkel: Masaccio slog in en spik i den nedre delen av fresken, från vilken han drog trådar, och ritade en yta på dem med en skifferpenna (hans spår är fortfarande synliga idag). Därmed byggdes ett linjärt perspektiv.

Enligt den vanligaste tolkningen av ikonografin av denna fresk hänvisar den oss till de traditionella medeltida dubbelkapellen på Golgata, i vars nedre del fanns Adams grav (reliker), och i den övre delen av krucifixet (liknande kapell kopierade Golgatatemplet i Jerusalem). Forskare tror att denna design förkroppsligar idén om den mänskliga andens rörelse mot evig frälsning: växande från jordelivet (en förgänglig kropp) genom bön (två kommande) och förbönen av Guds Moder och de heliga (Vår Lady och Johannes Döparen), rusar anden till Treenigheten - den högsta förkroppsligandet av den gudomliga essensen.

Berlin tondo.

Träbrickan med en diameter på 56 cm är målad på båda sidor: på ena sidan är det jul, på den andra - putto med en liten hund. 1834 var tondon egendom av Sebastiano Ciampi från San Giovanni Valdarno, 1883 förvärvade Berlinmuseet den i Florens. Vanligtvis dateras detta verk till perioden för Masaccios sista vistelse i Florens innan han reste till Rom, där han dog. Sedan 1834 har verket tillskrivits Masaccio (först Gverrandi Dragomanni, sedan Münz, Bode, Venturi, Schubring, Salmi, Longhi och Bernson). Det finns dock de som anser att det är verk av Andrea di Giusto (Morelli), eller Domenico di Bartolo (Brandi), eller verk av en anonym florentinsk konstnär verksam mellan 1430 och 1440 (Pittaluga, Procacci, Miss).
Verket är en desco da parto - ett matbord för födande kvinnor, som vid den tiden var vanligt att ge till kvinnor från rika familjer och gratulera dem till födelsen av ett barn (hur detta hände kan ses i den avbildade julkrubban : till vänster, bland de som erbjuder gåvor, finns en man med samma deco och parto). Trots det faktum att sådana verk låg nära hantverkarnas arbete, föraktade inte de mest kända Quattrocento-konstnärerna deras tillverkning. Berti såg i detta arbete "den första renässanstondon", som uppmärksammade viktiga innovationer och användningen av arkitektur byggd i perspektiv i enlighet med Brunelleschis principer. Den klassiska harmonin som är inneboende i detta verk kommer att fortsätta i freskerna av Fra Angelico.

Förra perioden.

Av de få arkivhandlingar som hänför sig till konstnärens liv har ett register över den florentinska skatteregistret bevarats. Det är daterat i juli 1427; det står att Masaccio, tillsammans med sin mamma, hyrde ett blygsamt rum på Via dei Servi, med möjlighet att underhålla endast en del av verkstaden, delad med några andra konstnärer. I sin "Biography of Masaccio" (1568) ger Vasari honom följande karaktäristik: "Han var en mycket frånvarande och mycket vårdslös person, som de vars hela tankar och vilja är koncentrerade endast på saker som har med konst att göra, och som betalar lite uppmärksamhet på sig själva och ännu mindre på andra. Och eftersom han aldrig på något sätt ville tänka på världsliga angelägenheter och bekymmer, inklusive till och med på sina kläder, och hade för vana att kräva pengar av sina gäldenärer endast vid yttersta nöd, då i stället för Tommaso, vad hette han, alla kallade honom Masaccio [dvs. utsmetad], men inte för fördärv, ty av naturen var han snäll, utan för sin alldeles frånvarande, som inte hindrade honom från att så lätt förse andra med sådana tjänster och sådana artigheter, som man inte ens kunde drömma om.

Masaccio hade många skulder. Detta bekräftas av en anteckning om konstnärens död, gjord 1430 av en av hans borgenärer, som uttrycker tvivel om sin gäldenärs solvens, med stöd av orden från sin bror Giovanni (Schieggi), som avsade sig Masaccios arv bestående av fordringar. Sådan var läget innan hans avresa till Rom.

Hur många månader Masaccio tillbringade i Rom är inte klart. Hans död var oväntad, men det finns ingen grund för den version av förgiftning som presenterades av Vasari. Antonio Manetti hörde personligen från konstnärens bror att han dog vid en ålder av omkring 27 år, det vill säga i slutet av 1428, eller i början av 1429. I skattehandlingar i november 1429, framför namnet Masaccio, gjordes ett efterskrift av en tjänstemans hand: "De säger att han dog i Rom." Av svaren på hans död har bara Brunelleschis ord "Vilken stor förlust vi lidit" överlevt. Förmodligen vittnar dessa ord om det lilla antalet av kretsen av innovativa konstnärer som förstod kärnan i mästarens arbete.

Bilateral triptyk från ca. Santa Maria Maggiore.

År 1428 lämnade Masaccio oavslutade fresker i Brancacci-kapellet, gick till Rom. Mest troligt kallade Masolino honom dit för att arbeta på en polyptyk för den romerska kyrkan Santa Maria Maggiore och andra prestigefyllda order. Enligt de flesta forskare lyckades Masaccio starta altarets vänstra flygel med bilden av St. Hieronymus och Johannes Döparen. Mazolino fick slutföra triptyken ensam. På 1600-talet förvarades detta verk i Palazzo Farnese, men på 1700-talet demonterades det och såldes. Triptyken var dubbelsidig, därför sågades den, som i fallet med den berömda "Maesta" av Duccio, i längsgående riktning för att separera framsidan och baksidan. Till slut, "St. Hieronymus och Johannes Döparen" och "St. Liberio och St. Matthew" hamnade i London National Gallery, centralpanelen "Foundation of the Church of Santa Maria Maggiore" och "Ascension of Mary" i Capodimonte Museum, Neapel, "St. Peter och Paul" och "John Masolino. Korsfästelse. San Clemente. fresk. ca. 1428.jp Teolog och St. Martin av Loreto i Johnson Collection, Philadelphia.
och målningen (114x55cm) föreställer St. Hieronymus enligt den ikonografiska kanonen: i röda dräkter och hatt sitter ett lejon bredvid honom. Bakom honom står Johannes Döparen. Bilden tillskrevs Masaccio av den engelske forskaren K. Clark i hans artikel publicerad 1951. Men vissa forskare tillskriver detta arbete till Masolino, eller till och med Domenico Veneziano.

Fresker i kyrkan San Clemente.

Enligt Vasari fann Masaccio i Rom "den största berömmelsen" tillräckligt för att få ett uppdrag från kardinal San Clemente att måla kapellet St. Katarina i kyrkan San Clemente med berättelser från detta helgons liv (freskerna anses idag vara Masolinos verk). Men hans deltagande i målningarna väckte senare allvarliga tvivel bland forskare. Några av dem (Venturi, Longhi och, med reservationer, Berti) tror att Masaccio kan tillhöra sinopia (preliminära gipsteckningar) i korsfästelsesscenen, särskilt i bilden av riddarna till vänster. Alla försök att skilja Masaccios hand från Masolinos i dessa fresker går inte utöver gissningar. Fresken med scenen för korsfästelsen var svårt skadad, och är i ett sådant skick att den inte gör det möjligt att göra några exakta analyser och slutsatser.

Masaccios verk hade ett djupgående inflytande på utvecklingen av renässansmåleriet, och mer allmänt - på hela europeiskt måleri som helhet. Hans verk studerades av många generationer av konstnärer, bland vilka var Raphael och Michelangelo. Det korta, men ovanligt rika på kreativa upptäckter, livet för en enastående mästare antog en nästan legendarisk form i Europa och fick ett gensvar i konstverk. Ett stort antal böcker och tidskriftsartiklar har publicerats om honom på många språk i världen.

Tommaso Masaccio, vars målningar tar ett stort steg framåt från medeltida måleri till tidig renässans, var den första som uppdaterade alla befintliga traditioner. Snillet förstods dåligt av hans samtida, bara Brunelleschi ansåg att hans alltför tidiga död var en förkrossande förlust. I den här artikeln kommer vi att presentera Masaccios målningar med titlar och hans biografi för din uppmärksamhet.

tidiga år

Barnet föddes 1401-12-21 i familjen till en ung notarie som bodde nära Florens. Han döptes och fick sitt namn efter Tommaso di Ser Giovanni di Guidi. Vid fem års ålder lämnades barnet utan pappa, som plötsligt dog. Hans gravida mamma, efter att ha fött sin andra son, gifte sig snart med en apotekare som hade 2 döttrar. Men detta äktenskap varade inte länge. Vid 15 års ålder förlorade Tommaso sin styvfar och ledde familjen.

I Florens

Forskare menar att hela familjen redan 1418 hade flyttat till Florens. Det råder en hel del kontroverser om vilka Masaccios lärare var. Det mest troliga svaret: arkitekten Brunelleschi och skulptören Donatello. De var äldre och mer erfarna än sin elev och delade generöst med honom av upptäckter i ett linjärt perspektiv och en ny medvetenhet om personligheten hos en person fylld av andligt liv. Donatellos dramatik, skärpan i hans överföring av passion kommer senare in i Masaccios målningar.

Först fungerar

Enligt våra mått mätt blev en ung man, och enligt människor från 1400-talet, en helt vuxen person familjens försörjare, efter att ha fått de första arbetsordrarna. Redan 1422 färdigställdes en stor triptyk för kyrkan St. Juvenal. I den centrala delen av triptyken är användningen av perspektiv särskilt tydlig, vilket skapar ett djup av rymd.

Golvet på alla tre panelerna konvergerar vid en punkt, som är gömd bakom Madonnans huvud. I barnet, avbildat som en strikt kall skulptur, kan man känna inflytandet från Donatello. Året därpå målade han tillsammans med Masolino en triptyk till kapellet i kyrkan Santa Maria Maggiore. Den skildrar en dramatisk episod från St. Juvenals liv, som djävulen lurade att döda sina egna föräldrar. Detta verk är dåligt bevarat, liksom många målningar av Masaccio.

Aktiv fortsättning av arbetet

År 1423 antogs den unga konstnären i St. Thomas skrå, som ansågs vara skyddshelgon för målare, skulptörer och arkitekter. Som om han förutsåg att livet skulle bli kort, arbetar den unge mästaren hårt och fruktbart och glömmer bort sig själv. Därav smeknamnet: "Slarvslös" eller, som vi säger, "Masaccio". De mest kända blir Masaccios målningar "Expulsion from Paradise", "St. Peter botar de sjuka med sin skugga", "Miraklet med Satyren", "Madonna och barn", "Neofyternas dop" och andra, som vi kommer att diskutera nedan. Hans huvudprincip i sitt arbete var skildringen av världen som konstnären själv såg den. Han sökte förstå människans och tingens natur. Kunskap om perspektiv, proportionerna i den mänskliga kroppen, förmågan att uttrycka känslomässiga upplevelser i kroppens rörelser - allt detta var integrerade egenskaper i Masaccios målning.

Individuell stil

Masaccios målning "Trinity" har blivit det mest slående uttrycket för mästarens stil. Denna fresk målades för kyrkan Santa Maria Novella. Tidpunkten för dess skrivning har inte fastställts tillförlitligt. Kompositionen är byggd inuti en båge, vars valv går ner i djupet. Om du tittar nerifrån och upp kan du se uppstigningen till evig frälsning. I förgrunden finns en sarkofag med ett skelett, som påminner om jordelivets förgänglighet. Sedan två figurer av kunder på knäna. Bön är frälsning för dem. Jungfru Maria och teologen Johannes är förbundna av Kristus, som stöds av Gud Fadern och den Helige Ande, svävande över dem som en duva. Försvinnningspunkten är vid Kristi fötter, Maria pekar på dem med sin hand.

I den dominikanska kyrkan förstås denna scen som bekräftelsen av uppståndelsen som det enda svaret på döden: Kristus har uppstått och vi kommer alla att återuppstå. Man tror att detta är den mest kända målningen av Masaccio.

"Madonna och barn" (1426)

Det var en triptyk, som nu är uppdelad i delar och finns på olika museer. Vi kommer att överväga den centrala delen: Madonnan på tronen med barnet och fyra änglar. Karakteristisk bild av konstnären nerifrån och upp. Detta krävs för att ta hänsyn till en persons verkliga synvinkel. Kompositionen är triangulär, och ögat faller direkt på barnet, som, som en kokong, är insvept i en kappa. Han suger druvor, vilket symboliserar nattvardens vin, det framtida blod som Kristus utgjuter.

Fresker i Brancacci-kapellet i Florens (1425 - 1428)

Den identifierar som ovillkorliga konstnärens verk relaterade till toppen av hans verk - "The Miracle with the Stater", "St. Petrus botar sjuka med sin skugga”, ”De heliga Petrus och Johannes ger allmosor”, ”Utdrivning från paradiset”. Dessa verk är ett obestridligt genombrott från medeltida traditioner till den nya konsten från den tidiga renässansen. Alla karaktärer betonar sin kroppslighet både i färg och i generaliserad modellering.

Masaccio, "Expulsion from Paradise": beskrivning av målningen

Baserad på en biblisk berättelse. Konstnären skildrade de helt nakna figurerna av sina modeller med stor naturlighet. Båda karaktärernas erfarenheter avslöjas också för dem extremt tydligt.

Gråtande Adam täcker hans ansikte med handen. Han är fylld av bitterhet och skam. Lidande böjde hans kropp. Eva, som täcker sig med händerna, skriker, som i olidlig smärta, inte generad av sina känslor. I dem - förvirring, skam, fasa. Detta rop genljuder i själarna som hymnen från mässan "Vredens dag" (Dies irae), det vill säga den fruktansvärda domedagen, där syndare rycks upp i helvetet. Masaccios målning "Utdrivningen från paradiset" visar för första gången hur två lidande faktiskt går, lutade på en hel fot. I den gamla traditionen rörde figurerna endast lätt marken med tårna. Senare försökte många att upprepa hans teknik, men praktiskt taget ingen lyckades förmedla Masaccios exakta vinkel. På munkarnas begäran täcktes senare nakna kroppar med kvistar med löv: medeltida falsk blygsamhet och uppfattningen av nakenhet som något smutsigt och vidrigt var fortfarande i kraft. En straffande ängel med ett svärd i händerna, svävande över Adam och Eva, berättar att det inte finns någon väg tillbaka för dem.

"Miraklet med stataren"

Ibland anses denna fresk vara den bästa. Visst är hon väldigt intressant. Kristus med apostlarna kom till Caperanum. För att komma in krävdes det att betala en liten skatt, men de hade inga pengar. Messias (freskens kompositionsmässiga och andliga centrum) gav order till Peter att fånga en fisk och få ut det nödvändiga myntet ur den - en stater. Alla avsnitt är avbildade på en fresk. I mitten ger Kristus med lärjungarna i en halvcirkel en order till Petrus. Till vänster fångade Peter, i en mycket realistisk pose med exakt position på sina ben, en fisk och tar ut ett mynt från den. Till höger ger han den till skatteindrivaren. Kompositionen är linjär och handlingen verkar vara kontinuerlig. Varje karaktär har en distinkt personlighet. Bland dem finns, enligt Vasari, ett självporträtt av mästaren. Inklusive konstnären skapade ett levande landskap som aldrig tidigare skådats. Bakom - kuperade berg, till höger - stadsmurarna, som består av tomma och fulla loggier. Ljuskällan är till höger och bestämmer lutningen för alla skuggor. Masaccio modellerade alla figurerna med hjälp av färg och ljus och gav dem en skulpturell monumentalitet. Det var en bildrevolution för den tiden.

"St. Peter botar de sjuka med sin skugga

Denna lilla fresk dekorerar också Brancacci-kapellet. Liksom alla andra verk av kapellet led det mycket av branden 1771, men en omfattande restaurering genomfördes 1983 - 1990, som återförde mästarens verk till sin forna glans. Hon väckte vår uppmärksamhet inte så mycket med sin bibliska berättelse, även om den också är intressant, utan med det faktum att mannen i den röda mössan är ett porträtt av konstnären Masolino, som Masaccio samarbetade med under lång tid. Det andra porträttet - en man med händerna vikta som i bön - är kanske den store Donatello själv, och det tredje, John, är förmodligen bror till Masaccio.

Gospelscenen är mycket vältalig. S:t Peter och Johannes följer honom nerför gatan. Deras ansikten är tomma. De tvekar inte att hjälpa de sjuka. Skuggan av Peter, som faller på en grupp patienter, reser dem på fötter. Här har den ena, med ett bandaget ben, redan rest sig, den andre sitter fortfarande, men han kände att den gudomliga nåden berörde honom, den tredje väntar på sin tur.

I kapellet faller ljuset på fresken från höger. Följaktligen är skuggor belägna på den till vänster på en smal medeltida gata, där strikta perspektivlagar observeras: husen som går på avstånd minskar i storlek. Detta avslutar vår recension av Masaccios målningar med beskrivningar.

Flytta till Rom och konstnärens död

Omkring 1428 lämnar Masaccio oavslutat arbete i Brancacci-kapellet och avgår till Rom. Man tror att han blev inbjuden av Masolini för att utföra mer prestigefyllda order. Det är inte känt hur många månader som gick när Masaccio plötsligt dog oväntat. Målarens bror sa att han var 27 år vid den tiden. Det vill säga, det hände mellan december 1428 och början av 1430.

Masaccios geni påverkade djupt måleriets vidareutveckling. Hans verk studerades och kopierades av efterföljande generationer av konstnärer som lyfte konsten till oöverträffade höjder. Masaccios kreativa upptäckter förändrade målningen inte bara i Italien utan i hela Europa.

"Trinity" är ett av de första verken i världsmåleriets historia, i vars sammansättning lagarna för linjärt perspektiv tillämpades, vilket skapade illusionen av tredimensionellt rymd.

Under bågen på den massiva bågen målade konstnären figurerna av den heliga treenigheten. På vardera sidan om krucifixet står Jungfrun och aposteln Johannes, och utanför det heliga rummet - två på knä. Freskens figurer är starka och statiska, bara Guds moders gest bryter den allmänna orörligheten. Var uppmärksam på Marys utseende. Vem är hennes blick riktad mot?
Nedan finns en grav med en inskription: "Jag var som du, och du måste bli som jag."
Graven påminner betraktaren om den oundvikliga döden, och bilden av treenigheten ger upphov till tro på själens frälsning.

Figurerna av knästående kunder är en av de första porträttbilderna som introducerades i religiös komposition.
Denna fresk var en av de första som skapades med kartong - stora, fullskaliga ritningar. De applicerades på väggen och skisserades sedan med en trästil.

Som fallet är med alla fresker målade på färsk gips, trots att bilden är dåligt bevarad, kunde forskarna fastställa hur länge konstnären arbetat med den. I det här fallet tog det Masaccio 28 dagar (så många gånger tillsattes färsk gips).

REFERENS: Masaccio (1401 - 1427), en florentinsk konstnär som förvandlade sin tids måleri, efter Giotto, gjorde han ett nytt stort språng i det europeiska måleriet.

Masaccios prestationer:

- Utvecklade ett system för att avbilda djup rymd med ett direkt centralt perspektiv, senare kallat italienskt. Han introducerade ett flygperspektiv, vilket gjorde det möjligt att föra bilden så nära livet som möjligt.
– Masaccio var mycket skickligare än sina föregångare i att distribuera ljus och skugga, förmedla volym, skapa en tydlig rumslig komposition.
– Han var den första som avbildade en naken kropp efter medeltiden.
- Kombinerad figur och landskap.

En speciell plats i Masaccios kreativa arv och den tidiga renässansens målningshistoria upptas av hans sista färdiga verk - fresken "Trenity" (ca 1427-1428, Florens, kyrkan Santa Maria Novella). Denna målning beställdes av Masaccio av den ädle florentinaren Lorenzo Lenzi, som innehade den höga statliga posten som gonfalonier (fanbärare) av Justitie.

Masaccio visar treenigheten och följer de medeltida kanonerna, enligt vilka den plana gestalten av Gud Sonen med duvans vingar, den Helige Ande, utspridda över den, också passade in i den plana figuren av Gud Fadern. Här fick figurerna samma storlek, blev voluminösa, så skapandet av en djup miljö krävdes. Framför kapellet är ett brett trappsteg målat och på det står två knästående figurer av freskkunder i traditionella poser med knäppta händer i bön. Den nedre delen av kompositionen (öppnad efter restaurering 1952) är en bild av en sarkofag med en traditionell inskription till minne av döden.

Tydligen förkroppsligar denna komposition ett ganska komplicerat teologiskt program - detta bevisas av bilden av en sarkofag med ett öppet lock som innehåller ett skelett skrivet på väggens sockel och ingår i freskens sammansättning; enligt vissa forskare är detta en symbol för den "gamle Adam", mänsklighetens svaghet.

Masaccio skapade en viss standard för ideal komposition. Detta tyder på att han inte var främmande för de problem av teoretisk karaktär, som redan då var av intresse för den konstnärliga miljön. Kompositionen av fresken med att knäböja vid ingången till kapellet av Lorenzo Lenzi och hans hustru, den korsfäste Kristus och Maria och Johannes som står vid foten av korsfästelsen, är som en stegad pyramid inskriven i en dubbel - välvd och rektangulär - ram ; kapellets valv, sedd underifrån, är avbildat i oklanderlig perspektivreduktion.

För första gången gjordes båda delarna av fresken med exakt matematisk beräkning i ett enda perspektiv, vars horisontlinje motsvarar nivån på betraktarens vision, vilket skapar en illusion av verkligheten i det avbildade rummet, arkitekturen och figurerna , hittills okänd i måleriet. Perspektivkonstruktionen av fresken var ett sätt att avslöja idén med verket.

Perspektivets centriska orientering underströk vikten av huvudfigurerna. På andra sidan bildplanet verkade kapellet tillhöra en annan värld, och bilderna av donatorer, sarkofagen och publiken själva tillhörde denna jordiska värld. Lakonism av kompositionen, skulpturell relief av former, uttrycksfullhet hos ansikten, skärpa hos kundernas porträttegenskaper kännetecknas av innovation.

Måleri konkurrerar med skulptur i konsten att förmedla volym, dess existens i det verkliga rummet. Gud Faders huvud är förkroppsligandet av storhet och makt, inför Kristus råder lugn med en skugga av lidande.
Det är möjligt att arkitekten Brunelleschi deltagit i utvecklingen av arkitektoniska motiv och perspektivkonstruktionen av rummet. På ett eller annat sätt blev denna fresk, som fullbordade Masaccios korta liv, ett slags manifest för den nya renässanskonsten, en majestätisk demonstration av dess estetiska principer och förmågor.

Tommaso di Giovanni di Simone Cassai (1401 - 1428) - den store italienska renässansmålaren, med smeknamnet Masaccio , lagstiftaren av renässanstraditionerna, reformatorn av måleriet från Quattrocento-eran. Född 21 december 1401 i familjen till en notarie i staden San Giovanni Valdarno. Hans far dog när den framtida artisten bara var fem år gammal. Mamma, älskarinnan till ett litet byhotell, gifte om sig - med en lokal apotekare, som också dog när Masaccio var 16. Han kom till Florens för att studera målning. Hans biograf, renässanskonstnären, Giorgio Vasari (1511 - 1574), sa att smeknamnet Masaccio ("Klumpig") gavs till honom för hans ouppmärksamhet för det omgivande livet.

Masolino da Panicale och Mariotto di Cristofano anses vara en av hans första lärare, även om målningen av dessa två mästare är av ett helt annat lager, och i Masaccios verk finns det inga synliga tecken på påverkan av deras arbete. En sann skola för Masaccio var hans kommunikation med Brunelleschi och Donatello.

År 1422 lades Masaccio till i listorna över medlemmar av den korporation av läkare och apotekare, till vilken även konstnärer hörde, från 1424 blev han medlem av St. Lukas skrå.

Masaccios tidigaste målning anses vara altartavlan av Madonnan och barnet, St. Anne och änglarna (ca 1420, Uffizierna, Florens), målad av honom tillsammans med Masolino. Den bevarar den medeltida ikonografiska traditionen av sådana bilder: Maria, som håller Jesusbarnet på sina knän, sitter framför Anna. Bilden av spädbarnet Kristus är fantastisk: det är ett levande, starkt barn, med en vackert skulpterad muskulös kropp. Enligt ett levande uttalande är "lilla Hercules" avbildad i verket, och kopplar därmed samman Masaccios verk med gamla prover. I bilden av spädbarnet Kristus i Masaccios tidiga verk ser forskare av hans arbete den första representanten för den "nya mänskliga rasen" av renässansen.

Redan i detta verk känner Masaccio generaliseringen i överföringen av figurer, önskan att komma bort från små detaljer, kortheten i kompositionskonstruktioner och intrig, den majestätiska enkelheten, modet att ta sig an den verkliga världen.

Omkring 1425 fick Masaccio en order från karmelitklostret i Florens att måla en fresk på väggen av klostergården. Handlingen var invigningen av kyrkan Santa Maria del Carmine (Invigning). Fresken målades i monokrom med nyanser av grön färg. Detta verk, som konstnären tillbringade 10 månader på, gick under vid återuppbyggnaden av klostret omkring 1600.

År 1426 gick Masaccio, för 80 floriner, med på att måla en altartavla för kapellet i kyrkan Santa Maria del Carmine i Pisa. Konstnären arbetade på det i 10 månader. På XVIII-talet. Pisa-altaret var utspritt, och i slutet av 1800-talet. dess överlevande 11 delar har identifierats i olika museer och privata samlingar.

Fresken "Trenity" (1426 - 1427) målad av Masaccio för kyrkan Santa Maria Novella i Florens var ett nytt skede i hans arbete. Freskens övre del föreställer ett vikande renässanskapell inramat på utsidan av två pilastrar med korintiska versaler. Bågen vilar på två joniska kolonner belägna redan inne i kapellet. Bakom det öppnar sig kapellets utrymme, vars förgrund upptas av korset med den korsfäste Kristus, Maria och aposteln Johannes, stående på båda sidor om korset.

Freskerna i Brancacci-kapellet i kyrkan Santa Maria del Carmne blev höjdpunkten av Masaccios kreativitet. (1427 - 1428), framförd tillsammans med Masolino. Målningen anförtroddes Masolino, som lockade Masaccio att arbeta. Temat för målningen var berättelsen om aposteln Petrus, under bågen på väggarna var det meningen att den skulle placera scener relaterade till de första människornas bibliska historia. I september 1425 lämnade Masolino och Masaccio fortsatte att måla på egen hand, men utan att slutföra arbetet reste han också till Rom och dog där oväntat 1428. Arbetet i kapellet stoppades och bara 50 år senare färdigställde Filippino Lippi designen av kapellet.

Mirakel med stataren
MIRAKEL MED STATIRE
(Matteus 17:24-27)
(24) Och när de kom till Kapernaum, kom insamlarna av didrakmas fram till Petrus och sade: "Ska din lärare ge dig didrakmer? (25) Han säger ja. Och när han gick in i huset, varnade Jesus honom och sade: Hur tänker du, Simon? Av vilka tar jordens kungar in tullar eller skatter? från sina egna söner eller från främlingar? (26) Petrus säger till honom: från främlingar. Jesus sade till honom: Därför är sönerna fria; (27) men för att vi inte ska förolämpa dem, gå till havet, kasta din krok och ta den första fisken som kommer, och när du öppnar munnen kommer du att finna en stater; ta den och ge den till dem för mig och för dig själv.
(Matteus 17:24-27)

Flera omständigheter i denna berättelse kräver förklaring, utan vilka innebörden av de konstnärliga tolkningarna av detta mirakel utfört av Kristus inte kommer att vara helt klar.
Mer än en gång stod Jesus uppenbarligen inför behovet, som alla judar, att betala olika skatter. Evangeliet berättar om två sådana fall. Den första av dessa beskrivs av Matteus i citatet som ges här. Den andra episoden ägde rum i Jerusalem (se DENARIO AV CAESAR).
Peters bestämda jakande svar på tullindrivarens fråga om Jesus skulle betala den skyldiga skatten antyder att innan Jesus, som inte ville bryta mot lagen, betalade de föreskrivna skatterna. Ofta blandas dessa två betalningar - didrakmer (i Kapernaum) och denarer (i Jerusalem) - och läsaren av evangeliet och betraktaren av målningar med ämnen om skatter får intrycket - felaktigt - att de verkar tala om samma sak. sak. Det är faktiskt två olika skatter. Och därför är det här två olika berättelser och två olika bildintriger.
I det här avsnittet - med rattir (1 statir är lika med 2 didrakmer - betalningen för två, Jesus och Peter) - talar vi om att betala den judiska skatten på templet; i det andra fallet - om hyllningen till Rom. Men om andra gången, på frågan om att hylla Rom, svarade Jesus jakande, så är hans svar i det här fallet negativt. Men eftersom han är fridfull hittar han en kompromiss. Och faktiskt för denna kompromiss krävdes ett mirakel, och det krävdes till och med i större utsträckning än i många andra fall. Genom att underkasta sig betalningsbehovet visar han sin lydnad på ett sådant sätt att han placerar sig högt över hela argumentationen. Och även om Matteus inte skrev ner slutet på denna berättelse, råder det ingen tvekan om att allt blev som Jesus sa. Om Jesus visste att den första fisken som Petrus fångade hade ett mynt i munnen, är han allvetande. Om Han skapade en stater i hennes mun, är Han allsmäktig (så här förklarar biskop Michael detta mirakel).

Jesus Kristus

Masaccio, som reste till Rom i augusti 1428, lyckades börja arbeta där i kyrkan San Clemente, där han målade en fresk av Golgata, när han oväntat dog.

Trots kortheten i Masaccios liv och verk hade han ett starkt inflytande på den nya framväxande konsten. Med honom ersattes de medeltida traditionerna av drag från en ny storslagen era - renässansen. Masaccio bröt med den dominerande målningen under andra hälften av XIV-talet. dekorativa och berättande. Han tog ett avgörande steg för att förena figuren och landskapet, för första gången gav han ett flygperspektiv.

Healing of the Lame Man av Petrus och Johannes och Resurrection of Tabitha

I Masaccios verk dök en naturlig horisont som passerade på nivån med ögonen på de avbildade människorna, linjärt perspektiv användes aktivt. I freskerna ersattes det grunda området av bilden av ett riktigt djuputrymme. Figurernas plastiska ljus- och skuggformning blev mer övertygande och rikare, deras konstruktion blev starkare, deras egenskaper blev mer mångsidiga.

S:t Peter på predikstolen

Istället för dekorativ färgglatthet dök ett återhållet färgschema upp, Masaccio kom att skapa en generaliserad och lakonisk monumental form.

St Peter

Material som används: Encyclopedia Around the World

Några intryck och legender.


Exil från paradiset

När man först ser fresken "Adam och Evas utdrivning från paradiset" får man intrycket att skapelsen framför oss inte är början på Quattrocento, utan 1800-talet - så Masaccio är före sin tid när det gäller att uttrycka styrkan och skärpa av känslor. Om Masolino, på andra sidan kapellet, skriver ut Adam och Eva mjukt och sockersjukt, i Masaccio är de nedsänkta i gränslös förtvivlan: Adam, täcker sitt ansikte med händerna och snyftar Eva, med insjunkna ögon och ett mörkt misslyckande av en mun förvrängd av ett rop.

Masaccio, som arbetade på fresker, agerade ibland helt enkelt huliganer: till exempel placerade han samtida florentinare klädda i det senaste modet från 1400-talet i berättelserna om Nya testamentet.

1428 kallades Masaccio till Rom, och cykeln förblev oavslutad, den fullbordades ett halvt sekel senare av Filippino Lippi. Freskerna kändes omedelbart igen som mästerverk, och alla studenter-målare gick för att kopiera dem. Bland dem finns Sandro Botticelli, Leonardo da Vinci, Pietro Perugino, Michelangelo och Raphael, samt många andra. Enligt legenden sa den unge Michelangelo en gång till sin vän att han aldrig skulle kunna göra det. En vän hamnade i ett slagsmål och bröt Michelangelos näsa.

http://www.krotov.info/acts/16/more/vazari_07.html - vazari