Termin sztuka jest najczęściej niejednoznaczny. Artysta to termin niejednoznaczny. Sztuka. Historia jego rozwoju w Rosji

21 września 2017 r.

Artysta to dość niejednoznaczny termin, który zwykle rozumiany jest jako reprezentant każdej spektakularnej sztuki: teatru, muzyki, baletu, kina, sceny czy cyrku. W formie żeńskiej używane jest słowo „artysta”.

Znaczenie słowa „artysta”

Artysta to (fr. artiste, średniowieczny - łac. artista - rzemieślnik, artysta, mistrz z łac. ars - sztuka) osoba prowadząca swoją działalność w dziedzinie sztuki. Artysta nazywany jest taką osobą, która pokazuje swoje talenty przed publicznością. Znaczenie tego słowa jest w swej istocie bardzo obszerne. Łączy w swojej koncepcji kilka kierunków.

Artysta może więc być śpiewakiem operowym, pracownikiem cyrku, aktorem dramatycznym, wykonawcą estradowym lub odtwórcą ról filmowych. Artyści dzielą się także na musicalowych, choreograficznych, scenicznych, a także tancerzy. Pożądana jest również figuratywna, ironiczna interpretacja tego słowa.

Artysta to osoba, która ma wysokie umiejętności w jakiejś dziedzinie twórczej. Ze słowa „artysta” powstaje przymiotnik „artystyczny”, który charakteryzuje osobę jako osobę o zdolnościach twórczych lub uzdolnioną w dziedzinie artystycznej.

Również artystę można nazwać artystą w wąskim znaczeniu: malarz, rzeźbiarz, architekt, rytownik. Słowo „artysta” nie było znane w czasach starożytnych. Grecy i Rzymianie pod tym słowem rozumieli dwa wyrażenia. Artysta może więc być zarówno artystą-artystą, jak i rzemieślnikiem.

We współczesnym świecie trudno wytyczyć konkretną granicę, która mogłaby określić, gdzie kończy się działalność artystyczna, a zaczyna rękodzielnicza. Dlatego słowo „artysta” to pojęcie, które czasami odnosi się do mistrzów tej czy innej branży, wnosząc do swojej pracy odrobinę smaku i zrozumienia elegancji.

Pochodzenie tej koncepcji

Przodkowie artystów, co dziwne, byli szamanami i czarownikami. Właśnie przedstawiciele tego rodzaju działalności okazali się pierwszymi ludźmi, którzy śpiewali pieśni i demonstrowali różne ruchy taneczne, reinkarnując się jako patroni klantotemicznych zwierząt. Warto jednak zauważyć, że szamani i czarownicy nie dokładali szczególnych starań, by wzbudzić sympatię wśród współczesnych, gdyż ich głównym celem było połączenie się z innym światem.

Okazuje się, że zgodnie z jego wewnętrzną treścią słowo „artysta” można odnieść do każdego, kto w jakikolwiek sposób stara się zaimponować pięknym, eleganckim lub harmonijnym. Jednocześnie nie ma znaczenia, czy idea ucieleśnienia piękna jest osobistą kreacją i manifestacją talentu konkretnej osoby, czy jest przykładem umiejętnego naśladowania.

Artysta lub aktor

Oba terminy pochodzą z języka francuskiego. Są oczywiście ze sobą powiązane. Jednak uznanie, że są to synonimy, jest błędnym założeniem.

Aktor to więc osoba, która ma zawód, który można zastosować na scenie teatralnej, w kadrze filmu lub w filmie reklamowym. Aktorzy są wykonawcami różnych ról.

Porównanie słów spółgłoskowych

Główną cechą wyróżniającą aktora jest jego wąska specjalizacja. Osoba jest zaangażowana wyłącznie w wykonywanie ról. Może odegrać zarówno rolę komediową, jak i tragiczną. Aktor musi umieć po mistrzowsku wcielić się w rolę i idealnie wpasować się w wizerunek konkretnego bohatera. Zewnętrznie taka transformacja następuje za pomocą udanego makijażu i doboru kostiumów. Aktorzy muszą mieć odpowiednie cechy, aby odnieść sukces.

Warto jednak zauważyć, że artystą nazywa się osobę, która osiągnęła wyżyny w swojej twórczości. To słowo jest zawsze zawarte w honorowym tytule państwowym.

Źródło: fb.ru

Rzeczywisty

Różnorodny
Różnorodny

Sztuka (łac. eksperymentum - doświadczenie, sprawdzian) - figuratywne rozumienie rzeczywistości; proces lub skutek wyrażania świata wewnętrznego lub zewnętrznego (w stosunku do twórcy) w obrazie artystycznym; kreatywność skierowana w taki sposób, aby odzwierciedlała zainteresowania nie tylko samego autora, ale także innych osób. Sztuka (obok nauki) jest jednym ze sposobów poznania, zarówno w naukach przyrodniczych, jak iw religijnym obrazie postrzegania świata. Pojęcie sztuki jest niezwykle szerokie – może przejawiać się jako niezwykle rozwinięta umiejętność w określonej dziedzinie. Przez długi czas sztuka była uważana za rodzaj działalności kulturalnej, która zaspokaja miłość człowieka do piękna. Wraz z ewolucją społecznych norm i ocen estetycznych wszelkie działania zmierzające do tworzenia form estetycznie wyrazistych zyskały prawo do miana sztuki. W skali całego społeczeństwa sztuka jest szczególnym sposobem poznawania i odzwierciedlania rzeczywistości, jedną z form artystycznej aktywności świadomości społecznej i częścią kultury duchowej zarówno człowieka, jak i całej ludzkości, różnorodnym wynikiem twórczej działalności wszystkie pokolenia. W nauce sztukę nazywa się zarówno samą twórczą działalnością artystyczną, jak i jej rezultatem – dziełem sztuki. W najogólniejszym znaczeniu sztukę nazywa się rzemiosłem (słow. umenie), którego wytwór sprawia przyjemność estetyczną. Encyklopedia Britannica definiuje to jako: „Wykorzystanie umiejętności lub wyobraźni do tworzenia estetycznych obiektów, scenerii lub czynności, którymi można dzielić się z innymi”. Tym samym kryterium sztuki jest umiejętność wywołania reakcji innych ludzi. TSB definiuje sztukę jako jedną z form świadomości społecznej, najważniejszy składnik ludzkiej kultury. Definicja i ocena sztuki jako zjawiska jest przedmiotem nieustannej debaty. W epoce romantyzmu tradycyjne rozumienie sztuki jako wszelkiego rodzaju rzemiosła ustąpiło miejsca wizji jej jako „cechy ludzkiego umysłu wraz z religią i nauką”. W XX wieku. W rozumieniu estetyki wyróżniono trzy główne podejścia: realistyczne, zgodnie z którym walory estetyczne przedmiotu są w nim immanentnie immanentnie i nie zależą od obserwatora, obiektywista, który również uważa estetyczne właściwości przedmiotu za immanentne , ale w pewnym stopniu zależny od obserwatora i relatywistyczny, zgodnie z którym estetyczne właściwości przedmiotu zależą tylko od tego, co widzi w nim obserwator, a różni ludzie mogą postrzegać różne jakości estetyczne tego samego przedmiotu. Z tego ostatniego punktu widzenia przedmiot można scharakteryzować zgodnie z intencjami jego twórcy (lub brakiem jakichkolwiek intencji), do dowolnej funkcji, do jakiej był przeznaczony. Na przykład kielich, który może być używany jako pojemnik w życiu codziennym, może zostać uznany za dzieło sztuki, jeśli został stworzony wyłącznie do zdobienia, a obraz może być rękodziełem, jeśli jest produkowany na linii montażowej.

W pierwszym i najszerszym znaczeniu termin „sztuka” (sztuka) pozostaje bliski swojemu łacińskiemu odpowiednikowi (ars), który można również przetłumaczyć jako „umiejętność” lub „rzemiosło”, a także indoeuropejskiemu rdzeniowi „komponowanie”. " lub "makijaż". W tym sensie wszystko, co powstało w procesie celowego kompilowania określonej kompozycji, można nazwać sztuką. Istnieje kilka przykładów, które ilustrują szerokie znaczenie tego terminu: „sztuczna”, „sztuka wojenna”, „artyleria”, „artefakt”. Wiele innych powszechnie używanych słów ma podobną etymologię. Artysta Ma Lin, przykład malarstwa epoki Song, ok. 1250 24,8 H 25,2 cm sztuka wiedza starożytności

Do XIX wieku sztuki plastyczne odnosiły się do zdolności artysty do wyrażania swojego talentu, do rozbudzania uczuć estetycznych w odbiorcach i do kontemplacji rzeczy „pięknych”.

Termin sztuka może być używany w różnych znaczeniach: proces wykorzystywania talentu, praca utalentowanego mistrza, konsumpcja dzieł sztuki przez odbiorców, badanie sztuki (historia sztuki). „Sztuki piękne” to zespół dyscyplin (sztuki), które wytwarzają dzieła sztuki (obiekty) stworzone przez utalentowanych mistrzów (sztuka jako działanie) i wywołują reakcję, nastrój, przekazują społeczeństwu symbolikę i inne informacje (sztuka jako konsumpcja). Dzieło sztuki to celowa i uzdolniona interpretacja nieograniczonej liczby pojęć i idei w celu przekazania ich innym. Mogą być tworzone specjalnie w określonym celu lub mogą być reprezentowane przez obrazy i przedmioty. Sztuka stymuluje myśli, uczucia, wyobrażenia i idee poprzez doznania. Wyraża idee, przybiera różne formy i służy wielu różnym celom. Sztuka to umiejętność, którą można podziwiać. Sztuka, która swoją harmonią wywołuje pozytywne emocje i satysfakcję psychiczną, może również wywoływać u odbiorcy twórczą odpowiedź, inspirację, zachętę i chęć tworzenia w pozytywny sposób. W ten sposób artysta Valery Rybakov, członek Związku Zawodowego Artystów, mówił o sztuce: "Sztuka może niszczyć i leczyć duszę ludzką, zepsuć i edukować. I tylko jasna sztuka może ocalić ludzkość: leczy rany duchowe, daje nadzieję na przyszłość, przynosi światu miłość i szczęście”.

Pojęcie sztuki

Słowo " sztuka" zarówno w języku rosyjskim, jak iw wielu innych językach jest używany w dwóch znaczeniach:

• w wąska sens jest to specyficzna forma praktyczno-duchowego rozwoju świata;
• w szeroki- najwyższy poziom umiejętności, umiejętności, niezależnie od sposobu ich manifestacji (sztuka zduna, lekarza, piekarza itp.).

- specjalny podsystem duchowej sfery społeczeństwa, który jest twórczą reprodukcją rzeczywistości w obrazach artystycznych.

Początkowo sztukę nazywano wysokim stopniem umiejętności w każdym biznesie. To znaczenie tego słowa jest nadal obecne w języku, kiedy mówimy o sztuce lekarza lub nauczyciela, sztuce walki czy oratorium. Później pojęcie „sztuki” zaczęło być coraz częściej używane do opisu szczególnej działalności mającej na celu odzwierciedlanie i przekształcanie świata zgodnie z standardy estetyczne, tj. zgodnie z prawami piękna. Jednocześnie zachowano pierwotne znaczenie tego słowa, ponieważ do stworzenia czegoś pięknego wymagana jest najwyższa umiejętność.

Temat Sztuka to świat i człowiek w całokształcie ich wzajemnych relacji.

Forma istnienia sztuka - dzieło sztuki (wiersz, malarstwo, sztuka, film itp.).

Sztuka wykorzystuje również specjalne środki dla reprodukcja rzeczywistości: dla literatury to słowo, dla muzyki to dźwięk, dla sztuk pięknych to kolor, dla rzeźby to objętość.

Cel sztuka jest podwójna: dla twórcy jest to artystyczna ekspresja siebie, dla widza jest to rozkoszowanie się pięknem. W ogóle piękno jest tak samo ściśle związane ze sztuką, jak prawda z nauką, a dobro z moralnością.

Sztuka jest ważnym składnikiem kultury duchowej ludzkości, formą poznania i odzwierciedlenia otaczającej człowieka rzeczywistości. Pod względem możliwości rozumienia i przekształcania rzeczywistości sztuka nie ustępuje nauce. Jednak sposoby rozumienia świata przez naukę i sztukę są różne: jeśli nauka używa do tego ścisłych i jednoznacznych pojęć, to sztuka -.

Sztuka jako samodzielna i jako gałąź produkcji duchowej wyrosła z produkcji materiału, pierwotnie została w nią wpleciona jako moment estetyczny, ale czysto utylitarny. artysta z natury i stara się w ten czy inny sposób nieść piękno wszędzie. Aktywność estetyczna człowieka stale przejawia się w życiu codziennym, życiu społecznym, a nie tylko w sztuce. dziać się estetyczna eksploracja świata osoba publiczna.

Funkcje sztuki

Sztuka wykonuje numer funkcje publiczne.

Funkcje sztuki można podsumować w następujący sposób:

• funkcja estetyczna pozwala odtworzyć rzeczywistość zgodnie z prawami piękna, tworzy estetyczny smak;
• funkcja społeczna przejawiający się w fakcie, że sztuka oddziałuje ideowo na społeczeństwo, przekształcając tym samym rzeczywistość społeczną;
• funkcje kompensacyjne pozwala przywrócić spokój ducha, rozwiązać problemy psychologiczne, „uciec” na chwilę od szarej codzienności, zrekompensować brak piękna i harmonii w życiu codziennym;
• funkcja hedoniczna odzwierciedla zdolność sztuki do sprawiania przyjemności osobie;
• funkcja poznawcza pozwala poznać rzeczywistość i analizować ją za pomocą obrazów artystycznych;
• funkcja predykcyjna odzwierciedla zdolność sztuki do przewidywania i przewidywania przyszłości;
• funkcja edukacyjna przejawia się w zdolności dzieł sztuki do kształtowania osobowości człowieka.

funkcja poznawcza

Przede wszystkim to kognitywny funkcjonować. Dzieła sztuki są cennym źródłem informacji o złożonych procesach społecznych.

Oczywiście nie wszyscy w otaczającym świecie interesują się sztuką, a jeśli są, to w różnym stopniu, a samo podejście sztuki do przedmiotu jej wiedzy, to kąt jej widzenia jest bardzo specyficzny w porównaniu z innymi formami świadomości społecznej. Głównym przedmiotem wiedzy w sztuce zawsze był i pozostaje. Dlatego sztuka w ogóle, a w szczególności fikcja, nazywana jest nauką o człowieku.

funkcja edukacyjna

Edukacyjny funkcja - zdolność do wywierania istotnego wpływu na rozwój ideologiczny i moralny osoby, jej samodoskonalenie lub upadek.

A przecież funkcje poznawcze i edukacyjne nie są specyficzne dla sztuki: pełnią je również inne formy świadomości społecznej.

funkcja estetyczna

Specyficzną funkcją sztuki, która czyni ją sztuką w dosłownym tego słowa znaczeniu, jest jej estetyka funkcjonować.

Dostrzegając i pojmując dzieło sztuki nie tylko przyswajamy jego treść (jak treść fizyki, biologii, matematyki), ale pozwalamy tej treści przejść przez serce, emocje, dać zmysłowo konkretne obrazy tworzone przez artystę jako ocenę estetyczną jako piękna czy brzydka, wysublimowana czy nikczemna, tragiczna czy komiczna. Sztuka kształtuje w nas umiejętność dokonywania takich ocen estetycznych, odróżniania tego, co naprawdę piękne i wzniosłe od wszelkiego rodzaju namiastek.

funkcja hedoniczna

Poznawcze, edukacyjne i estetyczne łączą się w sztuce. Dzięki chwili estetycznej cieszymy się treścią dzieła sztuki i to właśnie w procesie cieszenia jesteśmy oświeceni i edukowani. W związku z tym mówią o hedonistyczny(przetłumaczone z greckiego - przyjemność) Funkcje sztuka.

W literaturze społeczno-filozoficznej i estetycznej od wieków trwa spór o związek piękna w sztuce z rzeczywistością. To ujawnia dwie główne pozycje. Według jednego z nich (w Rosji wspierał go N. G. Czernyszewski) piękno w życiu jest zawsze i pod każdym względem wyższe niż piękno w sztuce. W tym przypadku sztuka jawi się jako kopia typowych postaci i przedmiotów samej rzeczywistości oraz surogat rzeczywistości. Oczywiście preferowana jest koncepcja alternatywna (G. V. F. Hegel, A. I. Herzen i inni): piękno w sztuce jest wyższe niż piękno w życiu, ponieważ artysta widzi dokładniej i głębiej, czuje się silniejszy i jaśniejszy, dlatego może inspirować ze swoją sztuką innych. W przeciwnym razie (będąc surogatem, a nawet duplikatem) społeczeństwo nie potrzebowałoby sztuki.

dzieła sztuki, będąc materialnym ucieleśnieniem ludzkiego geniuszu, stają się najważniejszymi duchowymi i przekazywanymi z pokolenia na pokolenie wartościami duchowymi, własnością społeczeństwa estetycznego. Opanowanie kultury, edukacja estetyczna jest niemożliwa bez znajomości sztuki. Dzieła sztuki minionych wieków ujmują duchowy świat tysięcy pokoleń, bez opanowania którego człowiek nie może stać się człowiekiem w prawdziwym tego słowa znaczeniu. Każda osoba jest rodzajem pomostu między przeszłością a przyszłością. Musi opanować to, co pozostawiło mu poprzednie pokolenie, twórczo pojąć swoje duchowe doświadczenie, zrozumieć swoje myśli, uczucia, radości i cierpienia, wzloty i upadki, a wszystko to przekazać potomnym. Tylko tak porusza się historia, a w tym ruchu do sztuki należy ogromna armia, wyrażająca złożoność i bogactwo duchowego świata człowieka.

Rodzaje sztuki

Podstawową formą sztuki była wyjątkowa synkretyczny(niepodzielony) kompleks działalności twórczej. Dla człowieka prymitywnego nie było oddzielnej muzyki, literatury czy teatru. Wszystko połączyło się w jednym rytualnym działaniu. Później z tego synkretycznego działania zaczęły się wyróżniać odrębne rodzaje sztuki.

Rodzaje sztuki- są to ugruntowane historycznie formy artystycznego odzwierciedlenia świata, wykorzystujące specjalne środki do budowania obrazu - dźwięk, kolor, ruch ciała, słowo itp. Każdy rodzaj sztuki ma swoje szczególne odmiany - rodzaje i gatunki, które razem zapewniają różnorodne artystyczne podejście do rzeczywistości. Rozważmy pokrótce główne rodzaje sztuki i niektóre ich odmiany.

Literatura używa środków werbalnych i pisemnych do budowania obrazów. Istnieją trzy główne rodzaje literatury - dramat, epos i liryzm oraz liczne gatunki - tragedia, komedia, powieść, opowiadanie, wiersz, elegia, opowiadanie, esej, feuilleton itp.

Muzyka używa dźwięku. Muzyka dzieli się na wokalną (przeznaczoną do śpiewu) i instrumentalną. Gatunki muzyczne - opera, symfonia, uwertura, suita, romans, sonata itp.

Taniec wykorzystuje do budowania obrazów środki ruchów plastycznych. Przydziel rytuał, folk, salę balową,

tańce współczesne, balet. Kierunki i style tańca - walc, tango, fokstrot, samba, polonez itp.

Obraz przedstawia rzeczywistość na płaszczyźnie za pomocą koloru. Gatunki malarstwa - portret, martwa natura, pejzaż, a także gatunki codzienne, zwierzęce (obraz zwierząt), gatunki historyczne.

Architektura tworzy środowisko przestrzenne w postaci budowli i budynków dla życia ludzkiego. Dzieli się na ogrodnictwo mieszkalne, publiczne, krajobrazowe, przemysłowe itp. Istnieją również style architektoniczne - gotyk, barok, rokoko, secesja, klasycyzm itp.

Rzeźba tworzy dzieła sztuki, które mają objętość i trójwymiarowy kształt. Rzeźba jest okrągła (popiersie, posąg) i reliefowa (obraz wypukły). Wielkość dzieli się na sztalugowe, ozdobne i monumentalne.

Sztuka i rzemiosło związane z potrzebami aplikacji. Obejmuje to przedmioty artystyczne, które można wykorzystać w życiu codziennym - naczynia, tkaniny, narzędzia, meble, ubrania, biżuterię itp.

Teatr organizuje specjalną akcję sceniczną poprzez grę aktorów. Teatr może być dramatyczny, operowy, lalkowy itp.

Cyrk przedstawia spektakularną i zabawną akcję z niezwykłymi, ryzykownymi i zabawnymi liczbami na specjalnej arenie. Są to akrobatyka, balansowanie, gimnastyka, jazda konna, żonglerka, magiczne sztuczki, pantomima, błazenki, tresura zwierząt i tak dalej.

Film to rozwój akcji teatralnej w oparciu o nowoczesne techniczne środki audiowizualne. Rodzaje kinematografii obejmują fabułę, filmy dokumentalne, animację. Według gatunku wyróżnia się komedie, dramaty, melodramaty, filmy przygodowe, detektywi, thrillery itp.

Zdjęcie naprawia wizualne obrazy dokumentalne za pomocą środków technicznych - optycznych i chemicznych lub cyfrowych. Gatunki fotografii odpowiadają gatunkom malarstwa.

Etap obejmuje małe formy sztuk scenicznych - dramaturgię, muzykę, choreografię, iluzje, przedstawienia cyrkowe, oryginalne spektakle itp.

Do wymienionych rodzajów sztuki można dodać grafikę, sztukę radiową itp.

Aby pokazać wspólne cechy różnych rodzajów sztuki i ich różnice, proponuje się różne podstawy ich klasyfikacji. Są więc rodzaje sztuki:

• według liczby użytych środków - prostych (malarstwo, rzeźba, poezja, muzyka) i złożonych lub syntetycznych (balet, teatr, kino);
• pod względem stosunku dzieła sztuki do rzeczywistości - obrazowym, przedstawiającym rzeczywistość, naśladującym ją (malarstwo realistyczne, rzeźba, fotografia) oraz ekspresyjnym, gdzie fantazja i wyobraźnia artysty tworzą nową rzeczywistość (ornament, muzyka);
• w odniesieniu do przestrzeni i czasu - przestrzennej (sztuki piękne, rzeźba, architektura), czasowej (literatura, muzyka) i czasoprzestrzeni (teatr, kino);
• do czasu wystąpienia - tradycyjne (poezja, taniec, muzyka) i nowe (fotografie, kino, telewizja, wideo), zazwyczaj wykorzystujące do budowy obrazu dość skomplikowane środki techniczne;
• w zależności od stopnia zastosowania w życiu codziennym - stosowane (artystyczne i rzemieślnicze) i fine (muzyka, taniec).

Każdy rodzaj, rodzaj lub gatunek odzwierciedla konkretną stronę lub aspekt ludzkiego życia, ale razem wzięte te elementy sztuki dają wszechstronny artystyczny obraz świata.

Potrzeba twórczości artystycznej lub czerpania radości z dzieł sztuki wzrasta wraz ze wzrostem poziomu kulturowego danej osoby. Sztuka staje się tym bardziej potrzebna, im bardziej człowiek jest odseparowany od stanu zwierzęcego.

Sztuka jako element strukturalny kultury ludzkiej jest jej językiem uniwersalnym, językiem uniwersalnym, funkcjonującym w każdym czasie społecznym i we wszystkich przestrzeniach społecznych.

A. N. Iliadi przekonywał, że wystarczy pokazać przynajmniej jedno z niezliczonych arcydzieł sztuki, aby zrozumieć, jakie rzeczywiste znaczenie mają one dla współczesności, ponieważ są to przede wszystkim pomniki (często jedyne), które w dobitnie emocjonalną formą, świadczą o życiu minionych epok, o procesach społecznych i wydarzeniach z życia tych pokoleń, w ramach których powstały. Dlatego według nich, z całą możliwą wszechstronnością, potomkowie kultury minionych epok są odtwarzani w jedności jej strony materialnej i duchowej. Nawet jeśli z tej epoki zachowały się świadectwa historyków i traktaty naukowe, doktryny polityczne i religijne, kodeksy moralności i moralności, sztuka i tylko sztuka może to wszystko połączyć w integralność, izomorficzną z życiem pozornie bezpowrotnie minionej epoki. Dzieje się tak, ponieważ sztuka przekazuje nam nie tylko informacje o faktach historycznych, wydarzeniach i odkryciach naukowych. Arcydzieła sztuki niosą przez wieki sens i sens życia, jak wydawało się osobie tamtej epoki, nie tylko w ogólnym planie plemiennym, ale także w osobistym doświadczeniu znaczenia i w sensie ich życiowej aktywności, ich walka o nadzieje i ideały, z których ostatecznie krystalizują się myśli, dążenia, doświadczenia i walka o przyszłość lub przeciwko niej pewnych ludzi, stanów, klas, narodów, państw.

„Znaczenie sztuki jako uniwersalnego języka kultury ludzkiej” – słusznie podsumował A.N. Iliadi – „jest zapisane w artystycznej i figuratywnej strukturze jej konstrukcji, co czyni ją najbardziej kompletnym ze wszystkich znanych ludzkości systemów językowych (języki naturalne, języki). nauki), dostępne dla edukacji całej ludzkości, a nie tylko poza granicami etnicznymi czy państwowymi danej epoki, ale także w kolejnych wiekach. W ten sposób nawiązuje się rodzaj dialogu między różnymi pokoleniami, aktualizując doświadczenie przeszłej aktywności życiowej i stwarzając możliwość dalszego „skoku” w społeczną przyszłość z trampoliny tego aktualizowanego doświadczenia.

Sztuka jako uniwersalny język kultury jest więc z jednej strony reprodukcją tej kultury w jej specyficznych układach, czyli reprodukcją konkretnego historycznego sposobu życia ludzi z różnych epok i regionów etnicznych, a z drugiej ręka, afirmacja i rozwój odbitego sposobu życia, odbitej kultury. To złożony mechanizm dialektyki kultury i sztuki, sposób życia i jego artystyczna wypadkowa.

Sztuka będąc uniwersalnym językiem kultury, szczególnym systemem znakowym, posługuje się różnymi znakami. Ale znaki są czysto artystyczne.

Znak sztuki- termin określający rzeczywistość nie w czysto przedmiotowym bycie sztuki, ale raczej w jej funkcjonowaniu.

Z tego powodu punktem wyjścia nie jest problem znaku jako takiego, ale problem wyodrębnienia różnorodności znaku, który przejawia się przede wszystkim w życiu społecznym – konsumpcji, postrzeganiu sztuki. Element formy artystycznej, czy to zwrot melodyczny, detal architektoniczny, czy wyizolowany obraz osobnego obiektu w malarstwie, ma cztery właściwości znaku:

• 1) ma znaczenie;
• 2) informuje nas o czymś innym;
• 3) służy do przekazywania informacji (choć nie zwyczajnych, ale zabarwionych emocjonalnym i estetycznym stosunkiem autora do przedstawionego);
• 4) funkcjonuje w sytuacji semiotycznej (dopóki dzieło nie jest przez nas postrzegane, nie istnieje dla nas jako fenomen sztuki). Dlatego taki element można nazwać znakiem artystycznym.

Ale cztery kolejne właściwości odróżniają ten artystyczny znak od zwykłego. Każdy środek w sztuce jest wysoce niejednoznaczny, a znak jest jednostkowy i stabilny w znaczeniu. Niejednoznaczność każdego z wyrazistych środków sztuki ma dwojaką naturę. Jej różne znaczenia zależą z jednej strony od sytuacji i kontekstu, w jakim jest stosowana (E. Basin nazywa taką polisemię „mową”), a z drugiej strony od jej interpretacji przez postrzeganie jednostek („polisemia językowa”). ). Oba rodzaje polisemii nie są całkowicie arbitralne. Jak pisze Basin, dzieła sztuki są zawsze postrzegane nie tylko okiem jednostki, ale przez nią oczami „podmiotu społecznego” – społeczeństwa. Dlatego „językowe” znaczenie dzieł sztuki jest w dużej mierze zdeterminowane przez społeczeństwo i względnie niezależne od jednostki. Tak więc w sztuce, oprócz znaczenia „mowy” i polisemii „mowy”, istnieje znaczenie językowe - stosunkowo stabilne społeczne i ogólnie znaczące ”. Niemniej jednak niejednoznaczność środków wyrazu sztuki pozostaje faktem niepodważalnym. Zarówno w w muzyce i malarstwie, tak

aw jakiejkolwiek sztuce znak nie może być jednoznaczny. Treść (znaczenie, jakie nadaje jej autor) nie zawsze jest odczytywana przez adresata w pełni adekwatnie. Czasami ta treść może być nawet pełniejsza, niż zamierzał sam autor. Często treści, które wydobywa odbiorca, są już takie, jakie miał na myśli artysta. Specyfika muzyki polega na tym, że wykonanie ma ogromne znaczenie w odbiorze. Dobrze znane są przypadki, kiedy o losie dzieła zadecydowało pierwsze przedstawienie. I nawet gdy patrzymy tylko na tekst muzyczny, mimowolnie występujemy w roli tłumacza. (Jednak postrzegając płótno obrazowe, jesteśmy niejako jego interpretatorem.) To nie przypadek, że wykonanie jego utworów jest dla kompozytora tak ważne. Druga różnica znaku artystycznego polega na tym, że nie można go wyizolować z danego kontekstu i użyć bez zmian w innym kontekście, jak to jest typowe dla zwykłego znaku. Wreszcie najistotniejsze różnice to duża samodzielna rola formy znaku artystycznego i jego odmienny związek z treścią niż w przypadku znaków zwykłych. Z nimi w większości przypadków forma materialna jest arbitralna w stosunku do znaczenia. W sztuce, nawet przy niewielkiej zmianie formy, zmienia się też treść. Nie jest nam obojętne np. w jakim rejestrze, jakim instrumencie, w jakim tempie ta czy inna melodia jest wykonywana, nie mówiąc już o zmianie w niej przynajmniej jednego czy dwóch dźwięków. W ten sam sposób, bez uszczerbku dla treści, nie można przestawiać słów w wersach, zmieniając tym samym rytm, ani zastępować jakiegokolwiek słowa synonimem. Jednym z powodów niemożności uzyskania pełnego obrazu obrazu z reprodukcji jest zmiana, nawet przy wysokim poziomie techniki, wszystkich elementów formy, koloru, faktury itp. Dlatego pojęcie „artystyczne znak” może być używany tylko jako metafora.

Ponieważ interesuje nas charakter korespondencji znaków artystycznych z formami przedmiotów rzeczywistych, ze wszystkich licznych istniejących klasyfikacji znaków bierzemy tę, która opiera się na podziale znaków ze względu na ich rodzaj związku z denotacjami ( po raz pierwszy zaproponował ją C. Pierce). I choć dzisiejsza semiotyka odeszła daleko od teorii Peirce'a i często jest wobec niej bardzo krytyczna, tego rodzaju klasyfikacja znaków może na wiele sposobów wyjaśnić specyfikę znaków artystycznych. Z tego punktu widzenia znaki dzielą się na trzy grupy:

• 1) znaki-obrazy (znaki ikoniczne);
• 2) znaki-znaki (symptomy, indeksy, wskaźniki);
• 3) znaki konwencjonalne (znaki-symbole).

Analogicznie do tego można wyróżnić trzy główne typy znaków artystycznych: obrazy artystyczne, które będą zbliżone do klasycznych znaków-obrazów, artystyczne „urządzenia ekspresyjne” (w tym znaki intonacyjne) i artystyczne „środki symboliczne”. Termin „symbol” jest niejednoznaczny i ma różne znaczenia w różnych obszarach. W związku z tym należy mieć na uwadze, że jest on tutaj używany tylko w jednym z wielu znaczeń, a mianowicie jako oznaczenie elementów formy artystycznej, które są analogiczne do znaku konwencjonalnego i które należy porównywać z rodzajami znaków spoza sztuka. Zanim jednak będzie można dokonać takiego porównania, należy poczynić ważne zastrzeżenie. Należy podkreślić, że proponowany podział znaków artystycznych jest wyjątkowo przybliżony, warunkowy, wynikający z wieloznaczności i wielofunkcyjności każdego z nich. Specyficzne medium artystyczne użyte w konkretnym dziele sztuki charakteryzowane jest jednocześnie od strony malarskiej, ekspresyjnej i symbolicznej (umownie znakowej). Artystyczne przedstawienie i artystyczne środki symboliczne są zawsze do pewnego stopnia środkami ekspresyjnymi jednocześnie, ponieważ ekspresja emocjonalna jest integralną, obowiązkową cechą każdej sztuki i „przenika” przez i przez całą tkankę dzieła sztuki. Ekspresyjne środki i środki symboliczne często (choć nie zawsze, nie we wszystkich rodzajach sztuki) mają przynajmniej pewne cechy obrazu. Wreszcie obrazy i środki wyrazu z konieczności zawierają cechy umowności, co zbliża je do środków symbolicznych. Dlatego trafniej jest mówić o współistnieniu trzech rodzajów znaków artystycznych.

W odniesieniu do języka sztuki pojęcie systemu znakowego może być zastosowane tylko częściowo.

Język artystyczny ma trzy właściwości systemu znakowego: łączenie istniejących „znaków” z wprowadzaniem nowych opartych na regułach, zależność znaczenia „znaku” od jego miejsca w systemie. Ale inne właściwości zwykłego systemu znaków nie są w nim nieodłączne. Nie da się stworzyć „słownika” środków stosowanych w tego rodzaju sztuce z kilku powodów, a w szczególności ze względu na fakt, że artysta prawie nie posługuje się gotowymi środkami stworzonymi przez innych, ale tworzy nowe środki na model tych, które istniały wcześniej. W konsekwencji język każdego rodzaju sztuki nie jest zbiorem gotowych „znaków” („słów”), a jedynie pewnymi typowymi formami, od których autor odpycha tworząc własny język, składający się w dużej mierze z nowych oryginalnych elementów . Wobec braku takich elementów twórczość artysty postrzegana jest jako banalna językowo, epigon, nie posiadająca samodzielnej wartości, choć niejednokrotnie pojawiały się projekty stworzenia słownika języka artystycznego, np. muzycznego, opartego na łączeniu to do języka naturalnego.

Kolejną różnicą między językiem artystycznym a systemem migowym jest niemożność przetłumaczenia powstałych na jego podstawie tekstów na inny język artystyczny. Nie chodzi tu o znane przypadki tworzenia nowych, niezależnych dzieł w jednej formie artystycznej na podstawie obrazów innego typu (programowe dzieło muzyczne oparte na fabule wiersza lub obrazu, inscenizacja teatralna lub filmowa adaptacja powieści , itp.), ale tłumaczenia, które są całkowicie równoważne z oryginałem, mogą go zastąpić.

Postawionego stanowiska nie obala znany fakt istnienia w literaturze pełnoprawnych przekładów z jednego języka na drugi. Faktem jest, że przy tłumaczeniu prozy język artystyczny (jako system środków figuratywnych) w ogóle się nie zmienia; tylko materiał (język werbalny) staje się inny. W poezji jednak przekład staje się formą niezależnej twórczości, ponieważ w przejściu do innego języka werbalnego część środków figuratywnych oryginału nieuchronnie się zmienia. Dotyczy to jednak również wielu utworów prozatorskich, odznaczających się wysokim stopniem poezji.

W różnych rodzajach sztuki różne znaki mogą mieć podobną treść i odwrotnie, podobne znaki mogą wyrażać odmienną treść: sztuka malarstwa i muzyka to różne systemy znaków. N. N. Punin pisał o tym:

To, co zostało powiedziane raz i w tym konkretnym języku, nie może zostać powtórzone przez przełożenie na inny język - to prawo dla wszelkiej twórczości artystycznej 1 .

Mówi o tym również M. M. Bachtin. Wiążąc jednak niemożność przekładu z jednego języka sztuki na drugi z problemem tekstu, Bachtin pisze:

Za każdym tekstem kryje się system języka. W tekście odpowiada wszystkiemu, co powtarza się i reprodukuje, i co powtarza i reprodukuje, wszystkiemu, co może być dane poza danym tekstem (oddanie). Ale w tym samym czasie

Sztuka, jej rodzaje Polisemia terminu. Dwa główne znaczenia: 1) umiejętność, umiejętności, rozwijane przez doświadczenie i wiedzę; 2) działalność twórcza ukierunkowana na tworzenie dzieł sztuki, szerzej – form wyrazistych estetycznie.

Etymologia art. - chwała. iskous - doświadczenie, kościół. - chwała. Sztuka grecka. τέχνη - umiejętności, umiejętności, rzemiosło Obecnie używany jest angielski. Sztuka i niemiecki Kunst, zbliżone do ich łacińskiego odpowiednika - Ars, które można również przetłumaczyć jako „umiejętność” lub „rzemiosło”

Definicja sztuki Sztuka jest szczególną formą świadomości społecznej i aktywności duchowej, której specyfika polega na twórczej refleksji, reprodukcji rzeczywistości w obrazach artystycznych.

Sztuka jest częścią kultury. Kultura to zbiór osiągnięć przemysłowych, społecznych i duchowych ludzi. Jest to pewna wewnętrzna jedność form myślenia, która wyróżnia epokę i tworzy ją jako integralność, jedność stylu, odciśniętą w formach życia ekonomicznego, politycznego, duchowego, religijnego, praktycznego, artystycznego.

Rodzaje sztuki Są to historycznie ugruntowane formy działalności twórczej, które mają zdolność artystycznego realizowania treści życia i różnią się sposobami jego materialnego urzeczywistnienia (słowo w literaturze, dźwięk w muzyce, tworzywa plastyczne i barwne w sztukach plastycznych itp.).

Trzy grupy Sztuki przestrzenne lub plastyczne: sztuki plastyczne (malarstwo, grafika, rzeźba), rzemiosło artystyczne, architektura, fotografia. II. Sztuki temporalne lub dynamiczne: muzyka, literatura. III. Przestrzenno-czasowe (syntetyczne, widowiskowe): choreografia, teatr, kino. I.

MUZYKA W KULTURZE SPOŁECZEŃSTWA PIERWOTNEGO OKERYZACJA Epoka kamienia łupanego: 2 miliony lat temu pne mi. - Paleolit ​​10 000 pne. mi. - Mezolitu 5000 pne. mi. - Neolityczna epoka brązu 2700 p.n.e. mi. Epoka żelaza między 1500 a 1400 pne mi. CHRONOGRAF 2,5 miliona lat - wiek najstarszych znalezisk archeologicznych. 35 -10 tysiąclecia pne. mi. - era górnego paleolitu, okres pojawienia się sztuki.

Główne cechy sztuki prymitywnej Esencja rytualno-magiczna; Zbiorowość działalności; Praktyczność (stosowany charakter); Synkretyzm to pierwotna jedność, jedność, niepodzielność tego, co następnie rozpada się na niezależne sfery sztuki: muzykę, poezję, teatr, taniec, malarstwo, rzeźbę, początki architektury, sztukę dekoracyjną i użytkową; Mitologia.

Malowidła jaskiniowe są głównym gatunkiem dzieł sztuki prymitywnych ludzi. Petroglify to wyrzeźbione obrazy na kamiennej podstawie (z innych greckich πέτρος - kamień i γλυφή - rzeźba). 1864 - pierwsze malowidła jaskiniowe odkryte przez francuskiego paleontologa F. Garrigou. Najbardziej znane dziś jaskinie to Lascaux (Francja), Altamira (Hiszpania).

Megality Megality (z greckiego μέγας - duży, λίθος - kamień) to prehistoryczne budowle zbudowane z dużych kamiennych bloków łączonych bez użycia zaprawy cementowej lub wapiennej. Termin został zaproponowany w 1849 roku przez angielskiego badacza A. Herberta w książce „Cyclops Christianus”

Rodzaje megalitów menhir (pojedynczy pionowo stojący kamień o wysokości do 20 m) kromlech - grupa menhirów tworzących dolmen w kształcie koła lub półkola - konstrukcja zbudowana z wielkiego kamienia umieszczonego na kilku innych kamieniach (podobnie jak brama) itp.

Główne osiągnięcia Architektura Budowa świątyń (Sumer), piramid i zespołów świątynnych (Egipt). 1792 -1750 p.n.e. mi. - lata panowania Hammurabiego, budowa zigguratu Etemenanki, zwanego Wieżą Babel.

Ziggurat Kultowy budynek w Sumerze (wieża), składający się z 3 stopni - podestów zgodnie z trzema głównymi bóstwami - Anną (bogiem nieba), Enlilem (panem powietrza i ziemi, synem Anny), Enki (władcą świata). wody, mądrość i strażnik ludzkiego losu). Na piętrze znajdowała się niewielka świątynia - siedziba boga, do której można było się dostać specjalnymi schodami. Długi wzrost wiązał się z ideą niekończącej się podróży do nieba. Kolorystyka podestów jest symboliczna: dolna czarna - podziemie, środkowa wypalona cegła - ziemskie życie, górna biało-czerwona - niebo. Świątynia Boga jest niebieska.

Egipt Stare Państwo (2800-2250 pne) - budowa piramid Nowe Państwo (ok. 1580 - ok. 1070) - budowa ogromnych kompleksów świątynnych.

Cechy kanonu obrazkowego w reliefie Kompozycyjna organizacja scen w oparciu o porządek, na przykład podczas przedstawiania procesji postacie są ułożone jedna po drugiej, w regularnych odstępach, z powtarzającymi się gestami

Osobliwości kanonu obrazkowego w płaskorzeźbie Różnorodność skali postaci (na przykład faraon jest największą postacią); Wizerunek osoby: głowa i nogi z profilu, tułów i oko - z przodu; cała figura została nakreślona jedną linią; Co dalej jest przedstawione powyżej;

VII w. pne mi. - Asyryjski król Asurbanapal ufundował w swoim pałacu w Niniwie największą ze znanych bibliotek, wśród zapisów z 26 wieku. pne mi. , istnieją już przykłady gatunków mądrości ludowej, tekstów kultowych i hymnów. Odnalezione archiwa klinowe przyniosły nam około 150 zabytków literatury sumeryjskiej, wśród których znajdują się mity, opowieści epickie, pieśni rytualne, hymny na cześć królów, zbiory bajek, powiedzeń, sporów, dialogów i zbudowań.

Epos o Gilgameszu Najstarszym i najbardziej znaczącym zabytkiem literatury sumeryjskiej jest epos o Gilgameszu („Opowieść o Gilgameszu” – „O tym, który wszystko widział”). Historia odkrycia eposu w latach 70. XIX wieku związana jest z nazwiskiem George'a Smitha, pracownika British Museum, który wśród obszernych materiałów archeologicznych przysłanych do Londynu z Mezopotamii odkrył fragmenty legendy wykonane z pism klinowych potopu. Raport o tym odkryciu, sporządzony pod koniec 1872 r. w Biblijnym Towarzystwie Archeologicznym, wywołał sensację.

Egipt Pojawienie się pisma w okresie wczesnego królestwa (ok. 3000 -2800 pne) - hieroglify; w hieroglifach na początku trzeciego tysiąclecia pne zaczęto tworzyć materiały piśmiennicze z papirusu (rośliny zielnej).

Literatura Rozkwit literatury przypada na okres Państwa Środka. Były różne gatunki: bajki, nauki, mity, opowiadania (na przykład „Historia Sinuhet” - opowieść autobiograficzna), hymny na cześć bogów, poezja. „Księga Umarłych”

„Księga Umarłych” „Księga Umarłych” to nazwa nadana starożytnym egipskim tekstom religijnym, które umieszczano w grobach, aby chronić zmarłych i napominać ich w życiu pozagrobowym. „Księga Umarłych” została skompilowana od okresu Nowego Państwa (XVI wiek p.n.e.) do końca historii starożytnego Egiptu. Bogato ilustrowane teksty pisane były na arkuszach papirusu i oklejane woalami mumii.

WEDY Wedy (sanskrytweda, dosłownie - wiedza) - zabytki starożytnej literatury indyjskiej (koniec II - początek I tysiąclecia p.n.e.) w starożytnym języku indyjskim (wedyjskim). Wedy, czyli literatura wedyjska, to zbiory hymnów i formuł ofiarnych (Rigveda, Samaveda, Yajurveda, Atharvaveda), traktatów teologicznych (Bramini i Upaniszady). Wedy są źródłem informacji o historii społeczno-gospodarczej i kulturowej starożytnych Indii.

Literatura wedyjska „Rigveda” (weda hymnów) - zbiór głównie rygwedyjskich hymnów religijnych, pierwszy znany zabytek literatury indyjskiej. Utworzony przez X wiek. pne mi. To jest mi. najstarsza i najważniejsza z Wed, cenne źródło do studiowania starożytnej historii i mitologii Indii. Składa się z 10 ksiąg, łączących 1028 hymnów. Mahabharata jest starszym z dwóch wielkich eposów Mahabharaty starożytnych Indii. Czas, do którego sięgają jej główne legendy, czas jej „heroicznego wieku” to przełom II i I tysiąclecia p.n.e. mi. , era wojen plemiennych i powstania pierwszych stanów w dolinie Gangesu. Proces cyklizacji tych legend i dodawanie całej epopei kończy się najwyraźniej w połowie I tysiąclecia pne. mi. (w każdym razie nie później niż w IV wieku pne) pisemną fiksację Mahabharaty można przypisać III-IV wiekom. n. mi.

Teatr - Tajemnice W okresie Państwa Środka tajemnice rozwijały się w oparciu o obrzędy ku czci boga Ozyrysa. Zgodnie z mitem, Ozyrys, bóg płodności, był niegdyś królem Egiptu i uczył Egipcjan, jak uprawiać ziemię i sadzić ogrody. Został zabity przez swojego zazdrosnego i zawistnego brata Setha. Syn Ozyrysa Horus wyzwał Seta na pojedynek i pokonał go. Potem wskrzesił Ozyrysa, pozwalając mu połknąć oko oderwane od Setha. Nie pozostał na ziemi, ale zaczął rządzić światem umarłych. Według jednej wersji Ozyrys został wskrzeszony przez Izydę.

Izyda jest siostrą i żoną Ozyrysa, matki Horusa, a zatem egipskich królów, których pierwotnie uważano za ziemskie wcielenia boga o głowie sokoła.

Przedstawienia misteriów (według Herodota) przeprowadzono w 16 miastach Egiptu. Uczestnicy akcji wyrzeźbili posąg Ozyrysa, obok którego stała Izyda i jego siostra Neftyda w żałobnych ubraniach iz rozpuszczonymi włosami. W swoich lamentacjach błagali Ozyrysa, aby powrócił do życia. Ozyrys odrodził się w procesie rytuałów (poszukiwania, żałoby, pochówku, „wielkiej bitwy”).

Muzyka stanowiła ważny składnik we wszystkich trzech warstwach sztuki dawnych kultur, które można wyróżnić zgodnie z ich przeznaczeniem: Folklor (z ang. folklore – ludowa mądrość) – pieśń i poezja ludowa z elementami teatralnymi i choreograficznymi ; Sztuka świątynna - kultowa, liturgiczna, wyrosła z czynności rytualnych; Pałac - sztuka świecka; jego funkcje są hedonistyczne (przyjemne) i ceremonialne.

Instrumenty muzyczne Najczęstsze obrazy harfy, harfy, więc można ją uznać za najpopularniejszy i szanowany instrument muzyczny. Ze źródeł pisanych wiadomo, że flet czczono w Sumerze i Babilonie. Według Sumerów dźwięk tego instrumentu fletowego był w stanie przywrócić zmarłych do życia. Najwyraźniej wynikało to z samej metody produkcji dźwięku - oddychania, które uważano za oznakę życia. Na corocznych ucztach ku czci Tammuza, wiecznie zmartwychwstałego boga, zabrzmiały flety, uosabiające zmartwychwstanie. Na jednej z glinianych tabliczek napisano: „Za dni Tammuza graj mi na lazurowym flecie…”

Instrumenty muzyczne Starożytne egipskie instrumenty muzyczne są przechowywane w różnych muzeach na całym świecie: harfa (liczba strun od 6 do 22), drewniane flety i bębny (we Florencji i Luwrze), nabl (instrument strunowy z długą szyją - w Berlinie) . Większość badaczy jest skłonna wierzyć, że starożytna muzyka egipska była monofoniczna.

Muzyka w Indiach Muzyka w starożytnych Indiach była trójcą śpiewu, tańca i muzyki instrumentalnej. Muzyka rytualna jest szeroko rozwinięta. Uważa się, że muzyka indyjska była monofoniczna.

Instrumenty muzyczne Indii Instrumenty używane w praktyce są bardzo różnorodne – są to bębny, dzwonki, dzwonki, gongi, muszle; głównym instrumentem perkusyjnym jest tabla (przypominająca małe kotły). Między innymi flet, saranga (smyczkowy instrument strunowy ze skórzanym górnym pokładem, na którym grały struny - 3 lub 4 i rezonowały - od 11 do 41), sitar (siedmiostrunowy szarpany), wino ( królowa instrumentów sitarowych, siedmiostrunowy instrument szarpany z dwoma rezonatorami dyniowymi pod gryfem).