Llaman a los actores. Actores: siempre ha habido bufones despreciables, y ahora, "élite", maldita sea. El origen de este concepto.
Cuántas revistas se dedican a ellos, cuánto papel de buena calidad se ha gastado en la publicación de las próximas tetas estelares y peculiaridades estelares. Cuánta literatura buena y útil podría publicarse sobre este periódico, cuántos bosques salvar...
Y pensé: ¿qué, siempre este hipócrita shobla fue la "élite" y la "crema de la sociedad"? ¿Qué, en la antigüedad, la gente también "aplanaba" de cualquier acción del bufón del escenario?
No, no fue así...
En la era de la existencia del sistema comunal primitivo, cada tribu tenía sus propios rituales: danzas, juegos, acciones sagradas, diversas escenas asociadas a los momentos fundamentales de la vida de la sociedad (rituales destinados a las relaciones con las fuerzas de la naturaleza y el espíritus de los antepasados, el cambio de estaciones y acciones que aumentan la cosecha, la caza y los rituales para atraer presas ricas). Por lo general, los realizaban los chamanes, que a menudo organizaban una actuación completa fuera del ritual. Para dar significado a la imagen y sus acciones, para mantener su arte individual, los chamanes comenzaron a usar disfraces y máscaras. Pero la tarea principal era el impacto emocional en los miembros de la tribu. Posteriormente, esto dividió a las personas en ejecutantes y observadores, se podría decir, en ejecutantes de acciones, artistas y espectadores, donde el ejecutante estaba uno a uno con la audiencia. Esto puede describirse como los comienzos del surgimiento del teatro.
Además, se esbozan dos vías de desarrollo del teatro en general y del arte actoral en particular. La primera forma se puede rastrear en el ejemplo de los países del Este, aquí el teatro mantiene una conexión estable con la religión, y el arte de actuar se forma bajo la influencia de los métodos alegóricos de expresión inherentes a la religión, las representaciones se organizan principalmente. sobre temas religiosos, mitológicos, épicos.
En otro caso, se trata de la antigua Grecia, donde los motivos sociales seculares se están volviendo cada vez más pronunciados en la dramaturgia y el arte teatral, lo que contribuye a un desarrollo más flexible de diversas formas de teatro y técnicas de actuación. El arte escénico, en la forma misma en que estamos acostumbrados a verlo, se originó recién en la Antigua Grecia. Aquí la profesión de actor era muy popular. Cada comandante ilustre consideró su deber tener un equipo de actores con él, quienes, entre otras cosas, le enseñaron oratoria. Los nombres de los buenos actores eran conocidos en toda la ciudad y, a menudo, el público no tenía suficientes asientos en las representaciones. La habilidad del propio actor se perfeccionó a lo largo de los años, y era más difícil de interpretar para los antiguos artistas griegos que para nuestros contemporáneos. Los teatros eran enormes, no había micrófonos, los actores debían ser escuchados y vistos desde cualquier lugar del teatro, por lo que sus rostros estaban necesariamente cubiertos con grandes máscaras que representaban el dolor en las tragedias y la alegría en las comedias.
Conocidos, son conocidos, pero sólo en el escenario. ¿Quién los reconoce sin antifaz, no con batas y no con traje teatral? Todo el amor por los actores se limitaba a los anfiteatros de piedra. Lo cual es correcto, ahí es donde pertenecen.
En la antigua Roma, la profesión de actor era menos prestigiosa. Solo aquellos que lograron un éxito brillante en las habilidades de actuación recibieron honor y respeto. Al principio, el arte actoral de la Antigua Roma iba en paralelo con Grecia, pero en la era de los emperadores, el teatro comenzó a ser suplantado por el circo y la pantomima, el arte actoral entró en decadencia.
Bueno, ¿qué pasó en tiempos posteriores?
Al comienzo de nuestra era, esta profesión dejó de ser popular en absoluto, por lo que comenzaron a ver el juego de actores como peleas de gladiadores. Esta tradición fue totalmente apoyada por la Europa medieval, donde las representaciones teatrales fueron consideradas demoníacas durante mucho tiempo, las compañías folclóricas errantes fueron perseguidas sin piedad por la iglesia, aunque durante muchos siglos todos los reyes tenían bufones y actores en la corte que constantemente entretenían a su gobernante y su huéspedes. Algunos eran despreciados por el público, mientras que otros tenían un poder comparable al de un ministro o al de un consejero del rey.
¡Aquí! Es precisamente en los bufones bajo los poderes fácticos, y no en la "élite" independiente, en los que ahora se han convertido los representantes de esta profesión.
Me pregunto cómo se trataba a los actores en Rusia hasta hace poco (siglo XIX).
En Rusia en la Edad Media, la profesión de actor (al principio eran bufones) estaba completamente asociada con el peligro, porque por una actuación que no gustaba, un bufón podía ser golpeado, romper herramientas, liberar a sus animales y meterlo en prisión. .
Y si el bufón se emborrachó como un cerdo e incluso atacó a alguien, entonces fácilmente podría haber hecho el "hacha de cabeza". Y no justifiquen su comportamiento con su supuesto "talento"
Además de las compañías ambulantes, también había cines en casa propiedad de personas influyentes de la época. Y estas personas eran propietarias no solo de los locales del teatro, sino también de los propios actores. Y era imposible incluso imaginar que algún siervo Dunya de la etapa de un conde o príncipe se convertiría en la "reina del mundo", y las jóvenes exaltadas admiraban sus retratos.
El cambio de actitud hacia el teatro y la actuación en una dirección diferente comenzó con la llegada del Renacimiento, pero los actores no pudieron contar con el respeto de los demás durante mucho tiempo. Aquí hay un ejemplo. En el siglo XIX, uno de los famosos empresarios rusos, Savva Mamontov, mientras estaba en Italia, quería convertirse en cantante de ópera, pero fue llevado a casa a la fuerza bajo la amenaza de la maldición de un padre y, además, todos los círculos empresariales rusos estaban extremadamente escandalizados. por lo que habia pasado.
¿Y cuándo comenzó esta bacanal con el reconocimiento de los actores como "crema", "ídolos", etc., cuando las masas locas comenzaron a fanatizar con ellos?
En el siglo XX, ilustrado.
Actuar se convirtió en una profesión prestigiosa solo a fines del siglo XIX y principios del XX, cuando apareció el teatro del director, lo que a su vez condujo al desarrollo e implementación de nuevos métodos y entrenamientos de actuación. Hoy en día es una de las profesiones más interesantes y singulares, porque la única herramienta en el trabajo de un actor es él mismo. Se convierte en piedra y herramienta en las hábiles manos del director, y en maestro y producto de la actividad profesional. A pesar de las enormes posibilidades del teatro y de la variedad de medios de expresión artística, cada actor sigue contactando solo con el público. No importa cuán venerable y famoso sea el director de la actuación, el artista, el compositor, el resultado final depende de la habilidad del actor, porque él es el acumulador y conductor de las ideas del equipo de producción.
Son los actores quienes se convierten en los verdaderos maestros del pensamiento del público, encarnando y simbolizando el teatro. Los actores exitosos que declararon en voz alta su talento y habilidades disfrutan del éxito no solo en el escenario, sino también entre las élites urbanas en todos los niveles, se convierten en participantes permanentes en la vida pública, ciudadanos de honor y son un ejemplo de una posición de vida activa. El público no los ignora. Actualmente, los actores famosos son llamados la verdadera crema de la sociedad y la decoración del mundo.
Aquí están tus ídolos y la decoración del mundo. ¿Me gusta? Pero yo no. Bastardo borracho. Sin talento, sin voz, sin capacidad de comportarse. Y hay muchas de esas "estrellas" en nuestro escenario, y no solo en nuestro escenario
No estoy en contra de la profesión de actor como tal. También hay actores muy talentosos, simplemente geniales. Sin embargo, la actitud antigua, casi medieval, hacia este oficio me resulta más cercana. Este es un bufón, un hipócrita, cuya gloria entera debería terminar cuando se cierre el telón del teatro o las palabras "El final de la película" parpadeen en la pantalla. Es posible ya menudo necesario admirarlos, pero solo en su trabajo, en su papel, en sus habilidades interpretativas. Es decir, en el escenario, en el cine, en un concierto. Y ciertamente no para convertirlos en ídolos en la vida cotidiana. Emborráchate como una bestia, golpea a un hombre, responde como una persona común y no como una "estrella". Cómo responden los trabajadores comunes, los militares comunes, los maestros o los médicos comunes. ¿Por qué nadie es fanático de la gente trabajadora, pero todos están tan arrastrados por actrices y actrices?
Esta es una percepción pervertida de esta profesión. Un actor no es una élite, y no debería serlo. Esta es una de las profesiones del mundo moderno, y punto. Nada mas. No son dioses o semidioses, solo están trabajando en esta área.
Proscenio- el espacio del escenario entre el telón y el auditorio.
Como patio de recreo, el proscenio se utiliza ampliamente en representaciones de ópera y ballet. En los teatros dramáticos, el proscenio sirve como escenario principal para pequeñas escenas frente a un telón cerrado que anudan las escenas de la obra.
Algunos directores dan protagonismo a la acción principal, ampliando el área escénica.
Actor- una conexión viva entre el texto del autor, las direcciones escénicas del director y la percepción del espectador. En la historia del teatro, esta difícil tarea ha convertido al actor en una persona adorada y mistificada, o en un ser despreciado por la sociedad con un miedo casi instintivo. Durante mucho tiempo, el término "actor" denotó al protagonista de la obra; luego, el actor del papel, el artesano de la escena, el comediante.
En la tradición occidental, el actor encarna al personaje, personificándolo, representando su presencia física en el escenario, manteniendo una conexión verdaderamente “corpórea” con el público, que está llamado a sentir lo inmediatamente carnal, así como lo efímero y lado esquivo de su apariencia. A menudo se dice que el actor está poseído por otro ser, transformándolo. De ahí el mito romántico del actor "de Dios", para quien no hay diferencia entre el escenario y la vida.
Sin embargo, el actor también puede mostrar la distancia que lo separa del papel. Aquí radica el viejo argumento entre los partidarios del actor "sincero" que experimenta todos los sentimientos de su personaje y el actor que es capaz de someterlos y retratarlos.
En nuestro sitio web, en la sección "Libro de visitas", el público tiene la oportunidad única de hacer preguntas a los actores del teatro. ES. Turgenev, aprende de ellos todas las sutilezas y secretos de la profesión..
Descanso- el período de tiempo entre acciones durante el cual se interrumpe el juego y el público puede abandonar la sala. Esta "ruptura" significa el retorno del tiempo social real, la destrucción de la ilusión, la posibilidad de la reflexión. El intermedio es necesario para un cambio de escenario, durante una pausa larga, un apagón o cambios frente al espectador.
En el teatro cortesano del Renacimiento, el intermedio tenía un significado especial. Fue en este momento que la audiencia pudo mostrarse sus elegantes baños.
El intermedio es un descanso para el público, pero no para la acción en absoluto. Se supone que los personajes continúan viviendo sus vidas entre actos.
El intermedio es también una necesidad psicológica para el espectador, cuya atención es difícil de mantener sin interrupción durante más de dos horas. Además, la vuelta a la realidad hace que el espectador reflexione sobre lo que vio, juzgue la obra teatral, generalice y sistematice muchas impresiones. Este es el momento del despertar de la criticidad. No es de extrañar que la dramaturgia épica contribuya al aumento de tales pausas en la representación, obligando al público a “intervenir” en los momentos de destrucción de la ilusión. Y viceversa, las actuaciones basadas en la influencia hipnótica y sujetas a un ritmo específico, hoy en día a menudo rechazan por completo ese respiro.
Intermedio en la OGAT ellos. ES. Turgenev suele durar 15 minutos. En este horario, el público puede visitar el buffet del teatro, ubicado en el segundo piso, así como el Museo de Historia del Escenario Oriol.
Role- el tipo de papel del actor, correspondiente a su edad, apariencia y estilo de juego. En particular, hay papeles cómicos y trágicos.
Aplausos - franco encuentro del espectador con el performer más allá de la ficción. En sentido estricto, los aplausos (aplaudir) son un fenómeno bastante universal. En primer lugar, atestigua la llamada reacción física del espectador que, tras una inmovilidad forzada, libera su energía.
El aplauso siempre cumple la función de contacto, lo que significa: "Te percibo y te evalúo".
La costumbre de aplaudir a los actores se remonta a la antigüedad. Para este tipo de actividad, los antiguos griegos incluso idearon un pequeño dios encantador: Krotos.
En el siglo 17 El hábito de aplaudir era común en toda Europa. En algunas culturas, el público demuestra su aprobación gritando, silbando. Los actores de la OGAT que lleva el nombre de I.S. Turgenev piden a sus espectadores en este sentido que no se desvíen de la tradición rusa y las leyes de cortesía.
Es discutible si es posible aplaudir durante la actuación y así destruir la ilusión. Después de todo, el aplauso es un elemento de extrañamiento, la invasión de la realidad en el arte.
En la actualidad, el público aplaude de buen grado a los actores, sus ocurrencias, escenografía al inicio de la acción, interrumpiendo el transcurso de la representación. El público más intelectual o "vanguardista" muestra su entusiasmo solo después de que se cierra el telón, para no alentar las actuaciones individuales o los hallazgos de dirección, sino agradecer a todos los artistas a la vez después de la función, llamando al director de escena y al decorador. , e incluso el autor.
Sucede que los aplausos se "entregan" dirigiendo.
En todo momento, los empresarios teatrales pagaban los servicios de un cloqueador profesional para lograr que el público aceptara favorablemente la representación. No existe tal práctica en el teatro de Turgenev. Así que asegúrate de la sinceridad de los impulsos de tus vecinos en la platea o el anfiteatro.
Pero las salidas y salidas de los actores del escenario “ante el telón” pueden escenificarse: los actores parecen seguir interpretando un papel o protagonizando una escena cómica para provocar la risa del público.
No olvides que los artistas de la OGAT ellos. I. S. Turgenev, la opinión del espectador es muy importante. ¡Por eso, el aplauso para ellos es la recompensa más cara!
entre bastidores- el espacio detrás del escenario principal. El backstage es una continuación del escenario principal, utilizado para crear la ilusión de una gran profundidad de espacio, y sirve como sala de reserva para ambientar el escenario. Furks o un círculo rodante giratorio con decoraciones preinstaladas se colocan en el backstage. La parte superior del escenario trasero está equipada con rejillas con elevadores decorativos y equipo de iluminación. Los almacenes de decoraciones montadas se colocan debajo del piso del escenario trasero.
Beneficio - una representación escenificada en honor de uno de los actores o trabajadores del teatro como expresión de reconocimiento a la habilidad del beneficiario. La mayoría de las veces se lleva a cabo en relación con varios eventos memorables, aniversarios de artistas.
Las representaciones benéficas en el Teatro Turgenev son siempre reuniones muy cálidas y generosas de viejos amigos, entre los cuales el público ocupa un lugar especial de honor.
Bolsillo de escenario lateral- una habitación para un cambio dinámico de escenario con la ayuda de plataformas rodantes especiales. Los bolsillos laterales están ubicados a ambos lados del escenario. Sus dimensiones permiten encajar completamente sobre la furka la escenografía que ocupa toda la zona de juego del escenario. Por lo general, los almacenes decorativos se unen a los bolsillos laterales.
Atrezzo - artículos hechos especialmente (esculturas, muebles, platos, joyas, armas, etc.) utilizados en representaciones teatrales en lugar de cosas reales. Los accesorios se destacan por su bajo costo, durabilidad y enfatizan la expresividad de la forma externa. Al mismo tiempo, los accesorios generalmente se niegan a reproducir detalles que no son visibles para el espectador.
La producción de atrezo es una gran rama de la tecnología teatral, que incluye el trabajo con pasta de papel, cartón, metal, materiales sintéticos y polímeros, tejidos, barnices, pinturas, masillas, etc. La gama de atrezo que requiere conocimientos especiales en el campo del estuco , cartonería , trabajos de acabado y cerrajería, pintura de tejidos, cincelado sobre metal...
Los accesorios del Teatro Académico que llevan el nombre de I.S. Turgenev a partir de materiales simples en su arsenal hacen verdaderos milagros. A veces incluso superan en habilidad a la famosa hada, que construyó un carruaje para su no menos famosa ahijada Zoloshka a partir de una calabaza. No me creas, compruébalo por ti mismo. Por cierto, las actuaciones de los niños siempre son especialmente brillantes.
escenario superior- parte de la caja del escenario, ubicada sobre el espejo del escenario y delimitada desde arriba por una rejilla. Está equipado con galerías de trabajo y pasarelas, y sirve para acomodar decoraciones colgantes, dispositivos de iluminación superior y varios mecanismos de escenario.
vodevil - una obra de comedia con coplas y bailes, así como un género de arte dramático.
Este nombre surgió en el siglo XVII como una contaminación de dos géneros de canciones.
A finales del siglo XV aparecieron canciones llamadas Val de Vire- literalmente "valle Virskaya" (Vir - un río en Normandía). En el siglo XVI, París desarrolló voz de ville("voces de la ciudad") - canciones estróficas de contenido predominantemente amoroso.
En el siglo XVII aparecen las canciones satíricas populares urbanas, interpretadas con o sin acompañamiento instrumental simple. consiguieron el nombre vodevil.
En la segunda mitad del siglo XVII en Francia, estas canciones comenzaron a incluirse en pequeñas piezas teatrales, que luego también se conocieron como "vaudevilles".
Maquillaje- el arte de dar al actor la apariencia necesaria para el papel.
El maquillaje cosmético se ha utilizado en el teatro desde el siglo XVI. Entre sus principales funciones se encuentra la “mejora de la naturaleza”. Este uso habitual del maquillaje es especialmente bienvenido en el escenario, ya que este arte consiste no tanto en envejecer al personaje, sino en hacerlo más joven.
Algunas tradiciones de maquillaje teatral, por ejemplo, en el teatro chino, se basan en un sistema puramente simbólico de combinar diferentes colores con las características sociales: blanco para la intelectualidad, rojo para los héroes incorruptibles, azul para los orgullosos, plateado para los dioses.
Además, el maquillaje es una especie de traje vivo para el actor, que compite con la máscara por la movilidad del rostro. Grim utiliza la ambigüedad definitoria de una representación teatral: es una mezcla de naturalidad y artificialidad, una cosa y un signo.
Sin caracterizar psicológicamente al personaje, contribuye a la creación de formas teatrales junto con otros componentes de la actuación, convirtiéndose en un elemento estético igual a la actuación.
Decoración- creación de un modo de acción visual en el escenario por medios pictóricos, pictóricos, arquitectónicos.
El mismo origen del término (pintura, ornamentación, decoración) apunta a la función mimética y pictórica de la infraestructura decorativa.
La decoración debe ser útil, eficiente, funcional.
Entre las principales funciones de la escenografía se encuentran la ilustración y representación de elementos supuestamente existentes en el universo dramático, la libre construcción y cambio de escena, considerada como un mecanismo de juego.
Drama- Género literario (dramático), escénico y cinematográfico. Obtuvo una distribución particular en la literatura de los siglos XVIII y XXI, reemplazando gradualmente otro género de dramaturgia: la tragedia, oponiéndola a una trama predominantemente cotidiana y un estilo más cercano a la realidad cotidiana. Con la llegada del cine, también se adentró en este tipo de arte, convirtiéndose en uno de sus géneros más comunes.
Los dramas representan específicamente, por regla general, la vida privada de una persona y su conflicto con la sociedad. Al mismo tiempo, el énfasis se pone a menudo en las contradicciones humanas universales encarnadas en el comportamiento y las acciones de personajes específicos.
Intriga- la situación principal del drama en torno a la cual se desarrolla la acción.
Ujier- un trabajador de teatro que verifica las entradas, acompaña a la audiencia a sus asientos y mantiene el orden en la sala.
Cuadrículas- Suelo de celosía (madera), situado encima del escenario. Sirve para instalar bloques de mecanismos de escenario, se utiliza para trabajos relacionados con la suspensión de elementos de diseño de rendimiento. Las rejas comunican con las galerías de trabajo y el escenario con escaleras fijas.
Comedia- del griego. komedia es un canto ritual que acompaña al cortejo en honor al dios Dionisos. Anteriormente, esta palabra denotaba cualquier obra de teatro, independientemente del género.
Según la tradición, la comedia se define por tres criterios que se oponen a la tragedia: los personajes de la comedia son personas de posición modesta, el desenlace es necesariamente feliz, el fin último de la obra es la risa del público. De ahí su facilidad de adaptación en cualquier sociedad, la infinita variedad de manifestaciones y la dificultad de construir una teoría coherente de la comedia.
La comedia casi siempre llega a una conclusión optimista (matrimonio, reconciliación, reconocimiento). La risa del espectador en él es ahora la risa de un cómplice, ahora la risa de la superioridad: protege al espectador de la angustia trágica.
Toda obra cómica es la contrapartida y la antípoda del mecanismo trágico. La tragedia juega con nuestras ansiedades más profundas; la comedia juega con nuestros mecanismos de defensa contra esas ansiedades.
Ambos géneros responden así a la misma pregunta humana. El tránsito de lo trágico a lo cómico lo proporciona el grado de participación emocional del público. En definitiva, en la comedia todas las contradicciones se resuelven en un tono lúdico o cáustico, el mundo encuentra su equilibrio.
Pero la restauración del orden y el final feliz deben estar precedidos por un período de inestabilidad, seguido de una conclusión optimista y una reconciliación final.
entre bastidores- tiras verticales de tela que enmarcan el escenario.
Presentar- en un interior teatral tradicional, un grupo de butacas separadas de las vecinas por tabiques o barreras laterales.
Históricamente, el palco era una pequeña habitación con entrada independiente, en algunos casos a través de un pequeño pasillo, donde podías dejar tu ropa o incluso pasar el tiempo durante el intermedio. Esta habitación se llamaba letrina. Los palcos estaban situados tanto a nivel de platea (el palco del benoir) como en gradas superiores (la primera de las cuales, la más prestigiosa, se llamaba entresuelo).
En muchos teatros, se proporcionaron palcos privilegiados: el real (real, presidencial), el del gobernador, el del director, que estaban a disposición de la dirección del teatro. Otras logias fueron suscritas con mayor frecuencia por los conocedores ricos y nobles durante toda la temporada.
La ventaja de la caja consistía no solo en una entrada separada, sino también en la oportunidad de observar la acción del escenario, en menor medida revelándose uno mismo.
Melodrama-originalmente- una obra en la que los momentos dramáticos más agudos iban acompañados de música para expresar las emociones de un personaje mudo.
Con el tiempo, el melodrama se convierte en un nuevo género independiente. Mostrando a personas buenas y malas en situaciones trágicas o conmovedoras, el melodrama intenta emocionar al espectador no tanto con el significado del texto como con los efectos escénicos.
Destaca al máximo los aspectos heroicos, sentimentales y trágicos, multiplica los desenlaces inesperados, los reconocimientos y los comentarios trágicos de los personajes. La estructura narrativa es inquebrantable: el amor, la traición, el traer la desgracia, el triunfo de la virtud, el castigo y la recompensa, la persecución como “núcleo de la intriga”.
Esta forma se desarrolla en un momento en que la producción comienza a imponer efectos espectaculares, para reemplazar el texto armonioso con desenlaces inesperados.
Los personajes del melodrama, claramente divididos en positivos y negativos, se ven privados de la posibilidad de una elección trágica. Están llenos de buenos o malos sentimientos, no los atormentan las dudas, no los desgarran las contradicciones.
Las situaciones del melodrama son a menudo inverosímiles, pero claramente definidas: desesperación total o felicidad inexpresable; el destino cruel del héroe, que termina en un final feliz (en un melodrama optimista), o un destino tenso y tenebroso, como en una novela de terror; injusticia social o recompensa por la virtud y la virtud cívica.
puesta en escena - en el sentido amplio y generalmente aceptado de la palabra, un conjunto de medios de interpretación escénica: escenografía, iluminación, música y actuación.
En un sentido estricto, este término denota una actividad que consiste en reunir varios elementos de la interpretación escénica de una obra dramática en un determinado marco de tiempo y espacio. Inicialmente, la puesta en escena expresa el concepto clásico de obra teatral como un todo único y armonioso, que no se reduce a una simple suma de materiales o artes escénicas, sino que es una unidad cualitativamente nueva de un nivel superior. La puesta en escena declara la subordinación de cada arte individual o de cualquier signo a un solo principio armonioso, una idea unificadora.
La reivindicación de una idea unificadora desde el mismo nacimiento del concepto de puesta en escena estuvo acompañada de una conciencia de la historicidad de los textos y de la puesta en escena, una comprensión de que existe toda una secuencia de “concretización” de una misma obra. .
En una palabra, se trata de una transformación o, mejor dicho, de una concreción del texto a través del actor, a través del espacio escénico, incrustado en el tiempo vivido por el espectador.
El espacio, por así decirlo, se traduce en palabras: el texto se memoriza y se registra en el espacio gestual del actor. El artista busca esos movimientos, esas poses que mejor se correspondan con el registro espacial del texto. Las palabras del diálogo, reunidas en el texto, ahora existen separadas, están inscritas en el espacio y el tiempo escénicos, se pueden ver y escuchar.
La puesta en escena abarca tanto el entorno en el que existen los actores como la decisión gestual psicológica del papel. Cualquier puesta en escena es una interpretación del texto con la ayuda de la "acción"; el acceso a la obra sólo es posible para nosotros a través de la lectura de tal director.
La puesta en escena siempre implica una fase de trabajo con los actores. El director dirige a los actores, explicando cómo deben verse en el escenario de acuerdo con su idea del papel. Hace ajustes en función de la compatibilidad de su actuación con la actuación de otros actores. Se esfuerza por lograr que los gestos, las entonaciones y el ritmo en el más mínimo detalle correspondan a todo el discurso de la puesta en escena, para que encajen en el pasaje, la escena, en toda la actuación.
etapa inferior- parte de la caja del escenario debajo de la tableta, donde se ubican los mecanismos del escenario, las cabinas de control de luces y apuntadores, los dispositivos de elevación y descenso, los dispositivos para los efectos del escenario.
ópera - un género de arte musical y dramático en el que el contenido se plasma por medio de la dramaturgia musical, principalmente a través de la música vocal. La base literaria de la ópera es el libreto.
La palabra "orega" en la traducción del italiano significa literalmente trabajo, composición. En este género musical se fusionan en un mismo todo la poesía y el arte dramático, la música vocal e instrumental, las expresiones faciales, la danza, la pintura, la escenografía y el vestuario.
Casi todas las óperas comienzan con una obertura, una introducción sinfónica que introduce al oyente en términos generales al contenido de toda la acción.
Patio de butacas(fr. patio de butacas- en el suelo) - el piso inferior del auditorio en el teatro con asientos para el público en el espacio desde el escenario o desde la orquesta hasta la pared opuesta o hasta el anfiteatro.
El antepasado de la platea fue el banco de los senadores en los teatros de la antigua Roma. En el siglo XVII, tras la aparición de un edificio teatral escalonado, la platea también cambió, adquiriendo un aspecto más moderno. El parterre estaba destinado a la clase baja, por lo que durante mucho tiempo no tuvo asientos: los espectadores del parterre tenían que ver la actuación de pie. Los asientos en la platea aparecieron a principios del siglo XVII en los teatros interiores privados de Inglaterra. Luego se dispusieron los asientos según las necesidades.
Actualmente, los asientos suelen estar dispuestos en filas que se elevan desde el escenario hasta el anfiteatro y son paralelas al borde del escenario. Los asientos están separados por pasarelas para salir de la platea.
Rampa- un sistema de luminarias de luz difusa instaladas en una tableta a lo largo del borde frontal del proscenio y diseñadas para iluminar el espacio del escenario desde el frente y desde abajo. Oculto de la audiencia por un lado bajo.
Director- una persona cuyas funciones incluyen la puesta en escena de una obra de teatro. El director se responsabiliza del aspecto estético de la representación y de su organización, la selección de los intérpretes, la interpretación del texto y el uso de los instrumentos escénicos a su disposición. La aparición de este término suele atribuirse a la primera mitad del siglo XIX.
En la historia del teatro hay muchos antecesores más o menos legítimos del director.
En el teatro griego antiguo, el papel de didaskalos (de didiskalos - "maestro") a menudo lo desempeñaba el propio autor de la representación, actuando como organizador.
En la Edad Media, el jefe de la compañía de teatro era el responsable de los aspectos ideológicos y estéticos de la puesta en escena de los misterios. En las épocas del Renacimiento y el Barroco, los arquitectos y decoradores solían organizar las representaciones según sus propios planes.
En el siglo XVIII. grandes actores toman la batuta. Y solo con el florecimiento del teatro realista la función del director pasa a los profesionales, se convierte en un arte independiente.
Accesorios- los elementos del mobiliario escénico (a excepción de la escenografía y el vestuario) que los actores utilicen o manipulen durante el transcurso de la obra.
Repertorio- un conjunto de obras representadas por un teatro durante una temporada o algún período de tiempo; selección de obras de teatro del mismo estilo o de la misma época; un conjunto de roles que un actor puede desempeñar, el rango de sus capacidades de actuación, su rol.
Ensayo- trabajo en el aprendizaje del texto y la representación escénica, realizado por los actores bajo la dirección del director.
Esta actividad de preparación para la actuación ocupa a toda la compañía y adopta una variedad de formas.
Los ensayos se llevan a cabo de una manera nueva y creativa cada vez.
Role - una combinación de texto y actuación del mismo actor. La distribución de papeles la realiza, por regla general, el director, en función de las características de los intérpretes y de las posibilidades de su utilización en la obra.
Entonces el papel se convierte en el actor mismo (el papel de villano, traidor, etc.) creado por el actor. Cuando el rol no se corresponde con el rol del artista, se habla de un rol mixto.
En cualquier obra de teatro existen los llamados papeles principales y secundarios. La actitud hacia el papel está formada por el principio de imitación e identificación (la encarnación del personaje por el actor) o, por el contrario, por el principio de diferencia y extrañamiento.
Escena- del griego. skene - cabina, escenario. En los primeros días del teatro griego, el skene era una jaula o tienda construida detrás de la orquesta.
Skene, orchectra, theatron son los tres elementos escenográficos fundamentales de la representación griega antigua. La orquesta o patio de recreo conectaba el escenario y el público. El skene se desarrolló en altura, incluyendo el teologeon o patio de recreo de los dioses y héroes, y en la superficie, junto con el proscenio, una fachada arquitectónica, precursora del decoro mural que más tarde formaría el espacio del proscenio.
A lo largo de la historia, el significado del término "escenario" se ha ampliado constantemente: el escenario, el patio de recreo, la escena de acción, el período de tiempo durante el acto y, finalmente, en un sentido metafórico, un evento espectacular repentino y brillante ( "poner a alguien una escena").
El Teatro Turgenev tiene una actitud especial y muy reverente hacia el escenario. Este es un lugar donde los no iniciados están cerrados. Al pisarlo, los sirvientes de la Casa Turgenev parecen hacer un voto de jugar desde el corazón, para presentar todas las facetas de su talento al público.
Pero el público también tiene una oportunidad única de visitar el escenario comprando un boleto para la función "Hermosa estrella de amor": los asientos para el público están equipados directamente en el escenario, lo que le da a la producción una intimidad e intimidad especiales.
Escenografía- entre los antiguos griegos - el arte de decorar el teatro y el paisaje pintoresco resultante de esta técnica.
En el Renacimiento, la escenografía es una técnica que consiste en pintar un lienzo de fondo.
En el sentido moderno de la palabra, es la ciencia y el arte de organizar el escenario y el espacio teatral. Metonímicamente: la propia escenografía, fruto del trabajo del escenógrafo.
Este término está siendo reemplazado cada vez más por la palabra "decoración" si es necesario ir más allá del concepto de decoración. La escenografía marca así la voluntad de estar escribiendo en un espacio tridimensional (al que hay que añadir también la dimensión temporal), y no sólo el arte de decorar el lienzo, del que se contentaba el teatro hasta el naturalismo.
En pleno apogeo de la escenografía moderna, los decoradores consiguieron dar vida al espacio, animar el tiempo y la actuación del actor en el conjunto del acto creativo, cuando es difícil aislar al director, a la iluminación, al actor o al músico.
Teatro(Griego θέατρον - el significado principal es un lugar para espectáculos, luego - un espectáculo, de θεάομαι - miro, veo) - una forma de arte escénico.
El teatro es una síntesis de todas las artes, incluye la música, la arquitectura, la pintura, la cinematografía, la fotografía, etc. El principal medio de expresión es un actor que a través de la acción, utilizando diversas técnicas teatrales y formas de existencia, transmite al espectador la esencia de lo que está pasando en el escenario.
En este caso, el actor no tiene que ser una persona viva. Puede ser un muñeco o algún objeto controlado por una persona.
El teatro se considera el medio más poderoso para influir en las personas, porque al ver lo que sucede en el escenario, el espectador se asocia con uno u otro personaje. A través de la catarsis (purificación a través del sufrimiento), ocurren cambios dentro de él.
Los principales trabajadores del teatro: directores, actores, maquilladores, guardarropas, iluminadores, ujieres, coreógrafos, artistas, escenógrafos.
arte teatral- una combinación de palabras que contiene todas las contradicciones del teatro: ¿es este arte autónomo, con sus propias leyes y especificidades estéticas, o es sólo el resultado acumulativo (síntesis, conglomeración o combinación) de varias artes (pintura, poesía, arquitectura, música, danza y gesto)? En la historia de la estética existen ambos puntos de vista.
1. El origen del teatro
Un sinfín de formas y tradiciones teatrales que se han desarrollado a lo largo de la historia, la posibilidad de una definición, incluso la más general, del arte teatral. La etimología de la palabra griega theatron, que significa lugar donde los espectadores se reunían para ver una actuación, transmite solo parcialmente uno de los componentes de este arte. De hecho, un arte diseñado principalmente para la percepción visual, una especie de contemplación institucionalizada, el teatro, sin embargo, a menudo se ha reducido al arte de la dramaturgia, un género literario cuyo espectáculo, desde la época de Aristóteles, ha sido considerado como un accesorio, inevitablemente dependiente del texto. La variedad de formas teatrales y géneros dramáticos corresponde a la variedad de condiciones materiales, sociales y estéticas de la obra teatral: lo que es común, por ejemplo, entre un rito primitivo, un drama de calle, un misterio medieval o una representación creada en el ¿Tradición india o china?
Sociólogos y antropólogos encuentran difícil identificar la totalidad de las razones que determinan la necesidad de una persona por el teatro. Pero independientemente unos de otros, ya veces unánimemente, señalaron el deseo de imitar; el gusto por el juego, tanto entre niños como entre adultos, función ceremonial original; la necesidad de contar historias y reírse impunemente de tal o cual estado de la sociedad; el placer experimentado por un actor en la reencarnación. El origen del teatro parece haber tenido una base ritual o religiosa, y el individuo, entre un grupo de personas, participaba él mismo en la ceremonia antes de encomendar esta tarea a un actor oa un sacerdote. El teatro se alejó gradualmente de su esencia mágica o religiosa y, para desafiar a la sociedad, tuvo que volverse lo suficientemente fuerte e independiente: de ahí las dificultades que surgieron en su historia, que caracterizan la actitud hacia el poder y la ley. El teatro moderno no tiene nada en común con una fuente de culto, salvo algunos experimentos de retorno al mito o a la ceremonia que, siguiendo los experimentos de Artaud, buscan la pureza original de la acción teatral, y sus formas son tan diversas que se corresponden plenamente con numerosas nuevas funciones estéticas y sociales. El desarrollo del teatro está íntimamente relacionado con la evolución de la conciencia social y tecnológica: ¿no será por eso que de vez en cuando se predice su muerte inevitable debido al dominio de los medios y el arte de masas?
2. Tradición occidental
Si la cuestión de la esencia y especificidad del arte teatral ha tenido siempre algo de idealista y metafísico, muy alejado de la práctica misma del teatro, entonces se pueden al menos enumerar algunos de los rasgos de este arte que son característicos de nuestra tradición occidental desde Grecia antigua hasta la actualidad. El concepto de "arte" difiere de los conceptos de "artesanía", "técnica" o "rito": el teatro, aunque dispone de una variedad de medios técnicos (obra, escenografía, etc.) y una cierta serie de acciones tradicionales e inquebrantables, va más allá del ámbito de cada una de estas partes constituyentes. Cada vez representa una acción (o una representación mimética de alguna acción) gracias a que los actores encarnan a los actores o los muestran a un público reunido al mismo tiempo en un mismo lugar, más o menos equipado. El texto (o la acción), el cuerpo del actor, el escenario, el espectador, tal es la cadena necesaria de toda comunicación teatral. Cada eslabón de esta cadena adopta formas muy diferentes. A veces, el texto no se respeta y se reemplaza por un estilo de juego no literario, incluso si es un texto específico, destinado a ser leído; el cuerpo del actor pierde su función de presencia humana cuando el director de escena lo convierte en un títere o cuando es reemplazado por un objeto o mecanismo escénico proporcionado por la escenografía; el escenario no está necesariamente equipado en un edificio especialmente construido para representaciones teatrales: una plaza del pueblo, un hangar, etc. perfecto para actividades teatrales; no se puede excluir del todo al espectador sin convertir el arte teatral en un juego dramático en el que todos participan, en un ritual que no necesita de la mirada ajena para su realización, o en una “actividad sectaria”, completamente aislada y sin salida crítica a la sociedad ...
Una representación teatral presupone todo un complejo de directivas, consejos y órdenes contenidos en la partitura teatral, el texto y las instrucciones escénicas.
No hay nada fijo y definitivo en la distinción entre géneros y su jerarquía. Así, el arte teatral moderno niega categóricamente la división en tres partes: drama/lírica/epos. La polaridad tragedia-comedia, que se advierte en la tradición dual de géneros - "noble" (tragedia, alta comedia) y "vulgar" (farsa, espectáculo) - también pierde su significado a medida que se desarrollan las relaciones sociales.
3. El teatro en el sistema de las artes
La mayoría de los teóricos coinciden en que el arte teatral dispone de todos los medios artísticos y tecnológicos disponibles en una época determinada. Craig, por ejemplo, da esta (casi tautológica) definición: “El arte del teatro no es ni el arte de actuar, ni la obra teatral, ni la imagen escénica, ni la danza... Es la totalidad de los elementos de que se componen estas diversas esferas. Se compone de movimiento, que es el sentido de la actuación, de palabras que forman el cuerpo de la obra, de línea y color, que dan origen al alma de la escenografía, de ritmo, que determina la esencia de la danza.
No hay unanimidad sobre la cuestión de la relación entre estas diversas artes.
Para otros teóricos, la combinación de diferentes artes es imposible; en el mejor de los casos, puede construir un conglomerado no estructurado; es importante establecer una jerarquía entre los medios y combinarlos para lograr el resultado deseado y según el gusto del director. La jerarquía sugerida por Appia -actor, espacio, luz, pintura- es sólo una de las innumerables posibilidades de la estética.
Otro grupo de teóricos ve dos caras de la misma moneda en los conceptos de Wagner y Appia, al criticar el concepto de arte teatral como Gesamtkunstwerk o teatro total y sustituirlo por obra teatral (Brecht). Las artes escénicas existen y tienen sentido sólo en su diversidad y contradicciones. La puesta en escena obliga al escenario a resistir al texto, a la música al significado lingüístico, a la lengua de signos a la música o al texto, etc.
4. Especificidad y límites del arte teatral
Una breve revisión de los trabajos teóricos sobre el teatro demuestra que ninguna teoría es capaz de reducir el arte teatral a los términos necesarios y satisfactorios. Es imposible limitar este arte a un arsenal de medios técnicos. La práctica apunta a la expansión sin fin del horizonte del escenario: mostrar transparencias o películas, convertir el teatro en escultura, danza o el arte de la pantomima, propaganda política o un evento. Así, el programa de estudio del arte teatral se ramifica hasta el infinito.
PavíaP. Diccionario del teatro. Editorial: Progreso, 1991.
telón de teatro- una tela que cubre el escenario del auditorio. Las cortinas están cosidas de tela teñida densa con forro grueso, decoradas con el emblema del teatro o flecos anchos, dobladillados hasta la parte inferior de la cortina. La cortina le permite hacer invisible el proceso de cambiar la situación, para crear una sensación de brecha en el tiempo entre las acciones.
Tragedia(griego antiguo tragōdía, literalmente - "canción de cabra") - un género de ficción basado en el desarrollo de eventos que, por regla general, es inevitable y necesariamente conduce a un resultado catastrófico para los personajes, a menudo lleno de patetismo; una forma de drama que es lo opuesto a la comedia.
La tragedia está marcada por una seriedad severa, describe la realidad de manera más acentuada, como un conjunto de contradicciones internas, revela los conflictos más profundos de la realidad en una forma extremadamente intensa y rica, que adquiere el significado de un símbolo artístico. No es casualidad que la mayoría de las tragedias estén escritas en verso.
El concepto de "tragedia" está asociado al canto de los sátiros (en la mitología griega, criaturas con patas de cabra), cuyas imágenes se utilizaban en los ritos religiosos de la antigua Grecia en honor al dios Dionisio.
Farsa- una comedia de contenido ligero con trucos cómicos puramente externos.
En la Edad Media, también se denominaba farsa a un tipo de teatro y literatura popular, muy extendido en los siglos XIV-XVI en los países de Europa occidental. Habiendo madurado dentro del misterio, la farsa en el siglo XV adquiere su independencia, y en el siglo siguiente se convierte en el género dominante en el teatro y la literatura. Las técnicas de la bufonada farsa se han conservado en el payaso de circo. En ruso moderno, una farsa generalmente se llama blasfemia, una imitación de un proceso, como un juicio.
El elemento principal de la farsa no era una sátira política consciente, sino una descripción relajada y despreocupada de la vida urbana con todos sus escandalosos incidentes, obscenidades, groserías y diversión. En la farsa francesa, el tema del escándalo entre los esposos variaba a menudo.
Vestíbulo- una sala en un teatro, cine, circo, destinada a que el público se quede a la espera de una sesión, actuación, actuación, así como para que el público se relaje durante el intermedio.
El vestíbulo del Teatro Académico Estatal que lleva el nombre de I.S. Turgenev atrae no solo con un jardín de invierno, una variedad de fotografías que hablan de las actuaciones más memorables, sino también con un proyecto único "Teatro en el Foyer", que alberga actuaciones para espectadores jóvenes.
furca- parte del equipo escénico; una plataforma móvil sobre ruedas, que sirve para mover partes de la decoración en el escenario. El movimiento de la furca se realiza mediante un motor eléctrico, de forma manual o con la ayuda de un cable, uno de cuyos extremos se encuentra tras bambalinas y el otro está sujeto a la pared lateral de la furca.
En la preparación de "Diccionario Teatral" materiales utilizados de recursos de Internet, así como "Diccionario del teatro" por P. Pavi (Editorial: Progreso, 1991)
AVANLOJA- butacas en el auditorio, una sala frente a la entrada del palco.
PROSCENIO- el frente del escenario (entre el telón y la rampa).
ACTUAR- la parte terminada de una obra dramática o representación teatral; igual que la acción.
ACTOR, actriz - intérprete (intérprete) de papeles.
ROLE- roles de naturaleza similar, correspondientes al talento y datos externos de un determinado actor.
ANFITEATRO- 1) un edificio antiguo para espectáculos: una arena ovalada, alrededor de la cual se ubicaron asientos para espectadores en repisas; 2) asientos en el auditorio ubicado detrás de la platea.
COMPROMISO- una invitación a un actor por un cierto período de tiempo para participar en actuaciones o conciertos.
ANUNCIO- anuncio de próximas giras, actuaciones, conciertos.
ANTI HÉROE- un personaje deliberadamente reducido, desheroizado en la obra, ocupando uno de los lugares principales.
DESCANSO- una pausa entre las acciones (actos) de la actuación, entre las secciones del concierto.
EMPRENDEDOR- propietario, propietario, arrendatario de un teatro privado.
EMPRESA- teatro privado.
CASA LLENA- un anuncio de que se han vendido todas las entradas (para una actuación, actuación).
APOTEOSIS- una escena solemne de la misa final de una actuación o un programa de concierto festivo.
ARRIERSCENE- la parte del escenario más alejada del auditorio.
BALAGAN- una representación teatral de carácter cómico, mostrada en ferias y festividades (en Rusia desde el siglo XVIII).
BALCÓN- lugares en el auditorio, ubicado en un anfiteatro en diferentes niveles.
ENTRESUELO- el primer nivel de balcones sobre la platea y el anfiteatro en el auditorio o sala de conciertos.
BENEFICIO- 1) una representación teatral en honor de un actor; 2) una actuación de la que recibí el beneficio de uno o más actores, así como otros trabajadores del teatro.
BENOIR- palcos al nivel de la siena o un poco más abajo a ambos lados de la platea.
BERIKAOBA- Teatro folclórico de improvisación georgiano de máscaras. Existió desde la antigüedad hasta principios del siglo XX.
BURLESCO- una imagen cómica exagerada en el escenario.
PROPIEDADES- un trabajador de teatro a cargo de la utilería. Está hecho por un artista de utilería.
ACCESORIOS- objetos especialmente fabricados y utilizados en lugar de cosas reales en producciones teatrales.
BUFÓN- el papel de un actor que utiliza la bufonada para interpretar el papel.
BUFONADA- 1) actuación utilizando técnicas de clown; 2) exteriormente enfatizada la exageración cómica, a veces caricaturizando personajes.
Escena de Navidad- El teatro de marionetas popular ucraniano, que se generalizó en los siglos XVII-XIX. Los títeres, fijados a un alambre dentro de una caja de dos niveles - una guarida, fueron puestos en movimiento por un belén. Escenas de historias bíblicas. Los interludios satíricos estuvieron acompañados de música.
GALERÍA- el nivel superior del auditorio.
HASCIÓN un actor en la antigua Roma.
RECORRIDO- Actuación de actores itinerantes en otros teatros.
HÉROE es el personaje principal de la obra.
PRUEBA DE VESTIDO- el último antes de la actuación, concierto.
ABUELA- el papel de una actriz que interpreta el papel de damas nobles.
GRANDCOKET- el papel de una dama noble adulta.
MAQUILLAJE- 1) el arte de cambiar la apariencia de un actor (principalmente la cara) con la ayuda de pinturas especiales, calcomanías, pelucas, peinados, etc.; 2) pinturas y otros accesorios de maquillaje.
maquilladora- Maquilladora.
CUARTO DE MAQUILLAJE- Sala de maquillaje y vestuario de actores.
ACCIÓN- la parte terminada de la actuación. Lo mismo que actuar.
DECLARACIÓN- Lectura clara y expresiva en voz alta.
DECORACIÓN- diseño artístico de la escena en el escenario teatral, creando una imagen visual de la actuación.
DZYORURI un tipo de teatro de marionetas en Japón. Las obras de jyoruri se representan en el escenario del teatro kabuki.
DIVERTIMENTO- una actuación musical o dramática a partir de una serie de números individuales, normalmente dada además de la actuación.
DRAMATURGIA- 1) arte dramático, la teoría de la construcción de obras dramáticas; 2) la totalidad de dichas obras; 3) la base compositiva de la trama de una obra teatral separada.
EL VILLANO- el papel de un actor que interpreta personajes negativos.
INGENIO- el papel de una actriz que interpreta el papel de una niña ingenua.
INTERMEDIOS- una pieza corta interpretada entre los actos de una representación dramática u operística; insertar escena.
KABUKI- uno de los tipos de teatro clásico en Japón. Incluye música, danza, teatro, formada en el siglo XVII. Desde 1652, solo los hombres han actuado en tales compañías.
PINTURA parte de un acto en un drama.
claka- un grupo especial de personas contratadas para crear un éxito o fracaso artificial de la actuación, el actor.
JUGAR- el papel de la actriz, actuando como una hermosa niña.
REJILLAS- la parte superior (invisible para el espectador) del escenario para la instalación de bloques, mecanismos escénicos y elementos de suspensión del escenario.
CÓMICO- el papel de un actor que interpreta papeles cómicos.
CONFIDENTE- un actor que interpreta el papel de un protagonista aproximado.
KOTURNY- una especie de sandalias con suelas muy gruesas entre los antiguos actores griegos y romanos para aumentar el crecimiento.
entre bastidores- partes planas del escenario (suaves, estiradas en marcos), ubicadas a los lados del escenario.
LETRISTA- el papel de un actor que interpreta personajes líricos.
ACTOR- el nombre del actor en la antigua Rusia.
PRESENTAR- un grupo de asientos en el auditorio (alrededor de la platea y en las gradas), separados por tabiques o barreras.
MARIONETA- una marioneta teatral, que el titiritero pone en movimiento con la ayuda de hilos.
puesta en escena- la ubicación de los actores en el escenario en un momento u otro de la representación. El arte de la puesta en escena es uno de los elementos más importantes de la dirección.
MÍMICA- actor de mimo
IMITAR- uno de los elementos importantes del arte del actor, el movimiento expresivo de los músculos de la cara.
MONÓLOGO- el discurso del actor, dirigido al público oa sí mismo.
SALÓN DE MÚSICA- un tipo de teatro de variedades que combina variedades, circo, danza y géneros musicales. Los primeros music halls aparecieron en Gran Bretaña a mediados del siglo XIX.
TEATRO DEL PUEBLO- 1) un teatro que existe entre la gente, conectado orgánicamente con el arte popular oral; 2) teatro profesional de la segunda mitad del siglo XIX, cuyas actividades iban dirigidas a un amplio público; 3) teatro amateur no profesional (aparecido en Rusia a mediados del siglo XIX).
NOU- uno de los tipos de teatro tradicional japonés. Incluye música, danza, teatro. Rasgos característicos: la convencionalidad del escenario, los personajes principales están enmascarados, el disfraz carece de concreción cotidiana.
PÁDUGA- una tira de cortina a lo largo de la parte superior del escenario.
PANTOMIMA- un tipo de arte escénico en el que se crea una imagen artística sin la ayuda de palabras, por medio de movimientos expresivos, gestos, expresiones faciales.
SOCIO- el plano del suelo del auditorio con asientos para espectadores, normalmente por debajo del nivel del escenario.
PELZHENT- un escenario móvil en forma de gran carro en un teatro medieval. Se usaba para escenificar misterios, milagros, procesiones.
PETÍMETRO- la imagen de un dandy en una comedia satírica.
PEREJIL- el personaje principal de los espectáculos de títeres populares rusos; conocida desde la primera mitad del siglo XVII.
ESCENARIO- sinónimo de la palabra "escena".
DECLARACIÓN- el proceso creativo de crear una actuación; lo mismo que el rendimiento.
PREMIER (PRIMERA)- un actor, actriz, ocupando una posición de liderazgo en la compañía, interpretando los papeles principales.
ESTRENO- la primera (o una de las primeras) proyección pública pagada de un nuevo espectáculo.
DIVA- Actriz principal.
SIMPLÓN- el papel de un actor que interpreta a una persona simple.
RAMPA- equipo de iluminación en el piso del escenario a lo largo de su borde frontal, oculto al público por el tablero.
REVISTA- una variedad o representación teatral, que consta de varios números, unidos por un tema.
DIRECTOR- Director de espectáculos, basado en su propio plan, crea una nueva realidad escénica, combinando el trabajo de actores, artistas, compositores.
RESONADOR- el papel de un actor que expresa juicios moralizantes.
ACCESORIOS- Elementos utilizados en producciones teatrales.
ENSAYO- la forma principal de preparar una representación teatral.
REPERTORIO- un conjunto de obras representadas en el teatro.
OLEG Strizhenov no es solo uno de los mejores artistas de la generación soviética. Es un actor del más alto nivel que "sube el listón" del cine ruso en el extranjero. Sin embargo, él mismo no se considera una estrella, porque es "ofensivamente divertido". Strizhenov siempre tiene una opinión original sobre todo. Por ejemplo, una vez incluso rechazó el papel de Andrei Bolkonsky, lo que provocó un verdadero escándalo en el mundo del cine. El 10 de agosto, Oleg Strizhenov cumplió 75 años, pero hasta el día de hoy Oleg Alexandrovich continúa trabajando en el cine. Aunque dice que no hay cine en nuestro país.
OLEG ALEKSANDROVICH, los críticos hablan del renacimiento de nuestro cine y citan como ejemplo el último Festival de Cine de Moscú, donde las películas nacionales se llevaron casi todos los premios.
¿Cuáles son los premios? ¿Quién los distribuye? Quiero preguntar: ¿por qué se premia a artistas extranjeros por su aporte al cine en cada uno de nuestros festivales? ¿Qué, no tenemos nuestros propios actores que han enriquecido el cine mundial? ¿Por qué a Nikita Sergeevich, presidente de la Unión de Directores de Fotografía, no le importa en absoluto cómo viven hoy nuestros grandes actores? Mikhalkov no me invitó a su festival de cine, ni siquiera me envió entradas para la función de cine. Vi en la televisión cómo todas estas estrellas subían las escaleras. No noté ningún creador entre ellos. Los creadores no están a la altura de este festival. Después de todo, las funciones en el teatro comienzan a las siete de la tarde. Los verdaderos actores y directores están ahí. Las estrellas occidentales están invitadas al festival porque es barato. Porque nadie vendrá a nosotros así como así.
Probablemente haya alguna demanda de estas estrellas si los canales de televisión compran películas con su participación. ¡Pero mira de qué año y qué tipo son estas pinturas extranjeras! Los niños modernos no conocen el cine real, que puede llamarse arte. Una vez, durante el rodaje de la película "En lugar de mí" (mi último papel en el cine), que tuvo lugar en la antigua finca noble de Fryazino, salí a la calle por la mañana. Caminaban muchachos del internado que, aparentemente, solo observan a los militantes estadounidenses en la "caja", pero no vieron a nuestros artistas a los ojos. Ya tenía la imagen de mi héroe: un millonario, con un traje elegante. Oigo susurrar: "Mira, este no será peor que Bruce Willis".
Mi espectador está muerto
¿HOY a menudo te invitan a actuar en películas?
Tienen miedo de invitarme. Quien tenga cerebro ni siquiera llamará. Porque entiende cuál es su escenario. Si enumeras cuánto me ofrecieron, tal vez para alguien sería todo un camino creativo. Pero de mala manera, porque de lo malo no se puede hacer bien. No soporto los seriales. Talentoso: aquí es cuando la novela cabe en una hora y media y después de verla, la persona sale llorando. Aquí en esto éramos maestros. Por otro lado, nunca disuadiré a un joven actor de un trabajo "en serie". Por el contrario, diré: "Corre más rápido, actúa mientras eres joven. De lo contrario, no lo ofrecerán más tarde. Lo supe en mi juventud: esperaré una semana y luego aparecerán ofertas interesantes". .trabajar, si estás invitado. En general, no me gusta juzgar a los actores, porque todos los golpes vuelan hacia ellos. El operador filmó mal, el director es un tonto y el actor tiene la culpa del resultado. En Hollywood, las cosas son diferentes. ¿Por qué no hay actrices feas? Sí, porque cuando una actriz no sale bien en la pantalla, no se la quita del papel, sino que se ahuyenta al camarógrafo. Y si estás copiando a Hollywood, ¡entonces en todo!
En nuestro país, la situación que se desarrolla en el cine se puede describir con las palabras "difícil, pobre, bastante débil". Mosfilm está sobreviviendo, no creando. El teatro también está en una posición difícil, abandonado a sus propios recursos. Parte del espacio tiene que ser alquilado. Sí, y las entradas deben venderse, el público debe ser atraído de alguna manera. ¿Y tú qué vas a hacer para atraer a este nuevo espectador? Después de todo, la mayoría de mis espectadores ya han muerto, no conozco a un nuevo espectador. Otros directores o actores incluso "traducen" los clásicos a otro idioma.
Los clásicos de hoy se traducen al lenguaje serial, aunque existe la opinión de que las obras de Dostoievski y Bulgakov no se pueden filmar en este género.
Algunos argumentan: "No es necesario disparar a los clásicos". ¡No, debes hacerlo! Y también hay que leer. Lee y mira. Y el tipo de imagen que resultará depende del talento de sus creadores, y no solo de los actores. Después de todo, un actor es un adicto. No te llevarán a disparar, eso es todo. tengo buena suerte Parece que un ángel guardián ayudó. Hasta ahora, la gente se sorprende: "¿Cómo vivió esta persona de manera tan independiente y exitosa?"
No es cierto que alguien en los viejos tiempos pudiera obligar a alguien a hacer un papel que el actor no quería hacer. Tal vez un comunista y podría. No sé, no lo he visto. Pero soy un hombre libre. Ni siquiera me invitaron a unirme a la fiesta. Y muchos ahora dicen que casi fueron arrastrados allí por la fuerza. Mire, mis manos están intactas, nadie me arrastró al PCUS por ellas.
Furtseva no ordenó
USTED DICE que no se le ordenó. Pero una vez, Ekaterina Furtseva intentó obligarte a interpretar a Andrei Bolkonsky en Guerra y paz.
No, esa es la historia. Para el papel de Bolkonsky, Bondarchuk decidió probar con toda la Unión Soviética, pero no conmigo. Pensé que Bondarchuk me había humillado al no llamar al Príncipe Andrei entre los primeros en audicionar. Y de repente llama: "Necesito verte con urgencia". Pensé: "Ahora preguntará". Y efectivamente, llamó. Toqué audiciones. Fueron aprobados por el departamento de cultura del Comité Central y el colegio del ministerio. Pero esperé hasta que se publicó en una revista la noticia de que yo estaba interpretando a Bolkonsky, para que luego nadie dijera que Strizhenov no había sido aprobado para el papel y que ni siquiera había sido juzgado. Y cuando apareció un artículo en la "Pantalla soviética" con una foto en la que yo estaba en el papel de Bolkonsky, marqué el número de Bondarchuk y dije: "Nunca dispararé contigo en mi vida". No supo qué decir: "¿Estás borracho?" Yo digo: "Reúna a todo el grupo y la gerencia, vendré y me mostraré". Vino, saludó, preguntó si era necesario llamar a un médico. Y después de una pausa, repitió: "Sergey Fedorovich, nunca actuaré en películas contigo". Y solo entonces hubo una llamada de Furtseva: "Quiero verte". Reunió todo el tablero. Pensé que estaría asustado. Incluso me avergonzaba de ella. Tomé a Furtseva con su propia arma. Él dijo: "Sabes, Ekaterina Alekseevna, últimamente todos han estado tratando de escribir sobre mí:" Es una pena que Strizhenov no interprete a una simple persona soviética diferente. Pero nunca me defendiste. Entonces, esperaré para el papel de un simple hombre soviético ".
Hoy, muchos de nuestros jóvenes actores han quedado paralizados por una epidemia de enfermedad de las estrellas. ¿Hubo tal infección en el cine soviético?
Para los actores de mi generación, la palabra "estrella" sonaba como un insulto. Si te llamaban así, significaba que eras un mal artista. La estrella en la pantalla no juega, pero demuestra la moda. Cambia los trajes de moda, aparece con un peinado de moda, pasando de una película a otra. Y mi color de pelo y mi peinado siempre han dependido de mi papel, y no de la moda actual. ¿Imagina llamar estrella a Yanshin, Gribov o Simonov? Esto es ofensivamente divertido. Un título digno es un artista, una profesión difícil y respetada.
Se cree que una persona resume su vida a los 30, 45 y 75 años. ¿Qué puedes resumir ahora?
Mi destino ha tenido lugar. Toqué lo que quería, lo que amaba. El 75 es un verdadero aniversario, porque quizás no vivas hasta los 80, más aún hasta los 100. Y a los 75 ya puedo decir que trabajé de y para. Después del lanzamiento de la pantalla "Tábano", llegaron montañas de letras. Pero solo recuerdo una cosa, de un joven soldado. Él escribió: "Querido padre (y yo tenía entonces 25 años, él tenía, respectivamente, 19 años), yo era un mal soldado, no quería servir. Pero ahora, querido padre, déjame informar. Después Vi The Gadfly varias veces, me convertí en un excelente estudiante en entrenamiento político y de combate". Y hace poco me contaron cómo un niño de 10 años, después de ver la 'Brigada', se acercó a su mamá con un cuchillo de carnicero y le dijo: 'Si no me compras un abrigo hasta los pies, como el de Sasha Bely, yo' lo cortaré". Y ahora dime, ¿para qué trabaja un actor hoy, para qué sirve el arte y dónde está ese arte? Jugué con los "viejos" del Teatro de Arte de Moscú: Yanshin, Gribov, Massalsky, Tarasova, Stepanova. Se fueron con ese espectador. Es una pena esta pérdida, es una pérdida de cultura.
Todavía me llaman romántico, y creo que nuestra cultura comenzará a revivir. ¡Porque no puede ser! Tenemos un país profundo, un hombre ruso profundo. Solo necesita olvidarse de "cuánto" y "cuánto", lea un buen libro, no cómics. Y entonces, ya ves, la cultura aparecerá de nuevo. Baron Tuzenbach en Las tres hermanas dice: "Después de nosotros volarán en globos, las chaquetas cambiarán ... pero la vida seguirá siendo la misma. La vida es difícil y feliz ". Y al igual que ahora, tendrá miedo y no querrá muerte."
Un artista es un término bastante ambiguo, que suele entenderse como un representante de cualquier arte espectacular: teatro, música, ballet, cine, teatro o circo. En la forma femenina, se usa la palabra "artista".
El significado de la palabra "artista"
Un artista es (fr. artiste, medieval - lat. artista - un artesano, artista, maestro de lat. ars - arte) una persona que realiza sus actividades en el campo del arte. Un artista se llama una persona que muestra su habilidad talentosa frente a la audiencia. El significado de la palabra es muy voluminoso en su esencia. Combina varias direcciones en su concepto.
Entonces, un artista puede ser un cantante de ópera, un trabajador de circo, un actor dramático, un actor de teatro o un actor de papeles en películas. Los artistas también se dividen en musicales, coreográficos, escénicos y bailarines. También se demanda una interpretación figurativa e irónica de esta palabra.
Un artista es una persona que tiene una gran habilidad en algún campo creativo. De la palabra "artista" se forma el adjetivo "artístico", que caracteriza a una persona como una persona con habilidades creativas o dotadas en el campo artístico.
Además, un artista puede llamarse artista en sentido estricto: pintor, escultor, arquitecto, grabador. La palabra "artista" no se conocía en la antigüedad. Los griegos y los romanos bajo esta palabra entendían dos expresiones. Entonces, un artista podría ser tanto un artista-artista como un artesano.
En el mundo moderno, es difícil trazar una línea específica que pueda determinar dónde termina la actividad artística y comienza el trabajo artesanal. Por lo tanto, la palabra "artista" es un concepto que a veces se refiere a los maestros de una industria u otra, aportando a su trabajo un poco de gusto y comprensión de lo elegante.
El origen de este concepto.
Los antepasados de los artistas, por extraño que parezca, eran chamanes y hechiceros. Solo los representantes de este tipo de actividad resultaron ser las primeras personas que cantaron canciones y demostraron varios movimientos de baile, reencarnándose como patrones del clan: animales tótem. Sin embargo, vale la pena señalar que los chamanes y hechiceros no hicieron ningún esfuerzo especial para despertar la simpatía entre sus contemporáneos, ya que su objetivo principal era conectarse con el otro mundo.
Resulta que, de acuerdo con su contenido interno, la palabra "artista" puede aplicarse a cualquier persona que busque de alguna manera impresionar lo bello, lo elegante o lo armonioso. Al mismo tiempo, no importa si la idea de la belleza encarnada es una creación personal y una manifestación del talento de una persona en particular, o si es un ejemplo de hábil imitación.
artista o actor
Ambos términos provienen del francés. Están, por supuesto, interconectados. Sin embargo, considerar que son sinónimos es una suposición errónea.
Entonces, un actor es una persona que tiene una profesión que se puede aplicar en un escenario de teatro, en un marco de película o en un video publicitario. Los actores son intérpretes de diversos roles.
Comparación de palabras consonánticas
La principal característica distintiva del actor es su estrecha especialización. Una persona se dedica exclusivamente al desempeño de roles. Puede desempeñar tanto un papel cómico como trágico. El actor debe tener la capacidad de personificar magistralmente y encajar perfectamente en la imagen de un héroe en particular. Exteriormente, tal transformación ocurre con la ayuda de un maquillaje exitoso y una selección de disfraces. Los actores deben tener las características adecuadas para tener éxito.
Sin embargo, vale la pena señalar que una persona que ha alcanzado alturas en su actividad creativa se llama artista. Esta palabra siempre se incluye en el título estatal honorario.