Japanilaista modernia taidetta ja käsitöitä. Soveltava taide. Japanilainen kanzashi - kangaskukkia

Japanilaiset löysivät asioihin kätketyn kauneuden 800-1100-luvuilla, Heianin aikakaudella (794-1185) ja jopa nimesivät sen erityisellä käsitteellä "mono no avare" (jap.???? (???? ??)) , joka tarkoittaa "asioiden surullista viehätystä". "Asioiden viehätys" on yksi varhaisimmista kauneuden määritelmistä japanilaisessa kirjallisuudessa, se liittyy shinto-uskoon, että jokaisella esineellä on oma jumaluutensa - kami - ja oma ainutlaatuinen viehätyksensä. Avare on asioiden sisäinen olemus, se, joka aiheuttaa iloa, jännitystä.

Washi (wasi) tai wagami (wagami).
Manuaalinen paperinvalmistus. Keskiaikainen japanilainen arvosti washia paitsi sen käytännöllisten ominaisuuksien, myös sen kauneuden vuoksi. Hän oli kuuluisa hienovaraisuudestaan, melkein läpinäkyvyydestä, mikä ei kuitenkaan riistänyt häneltä voimaa. Washi valmistetaan kozo-puun (mulperipuun) ja joidenkin muiden puiden kuoresta.
Washi-paperia on säilytetty vuosisatoja, todisteita tästä ovat muinaisen japanilaisen kalligrafian albumit ja niteet, maalaukset, näytöt, kaiverrukset, jotka ovat ulottuneet vuosisatojen kautta nykypäivään.
Vasyan paperi on kuitumainen, jos katsot mikroskoopin läpi, näet halkeamia, joiden läpi ilma ja auringonvalo tunkeutuvat. Tätä laatua käytetään näyttöjen ja perinteisten japanilaisten lyhtyjen valmistuksessa.
Washi-matkamuistot ovat erittäin suosittuja eurooppalaisten keskuudessa. Tästä paperista valmistetaan monia pieniä ja hyödyllisiä esineitä: lompakot, kirjekuoret, tuulettimet. Ne ovat melko kestäviä mutta kevyitä.

Komono.
Mitä jää jäljelle kimonosta, kun se on käyttänyt aikansa? Luuletko, että se heitetään pois? Ei mitään tällaista! Japanilaiset eivät koskaan tee niin. Kimonot ovat kalliita. On käsittämätöntä ja mahdotonta heittää sitä pois niin... Muun kimonokierrätyksen ohella käsityöläiset tekivät pienistä paloista pieniä matkamuistoja. Nämä ovat pieniä leluja lapsille, nukkeja, rintakoruja, seppeleitä, naisten koruja ja muita tuotteita, vanhaa kimonoa käytetään pienten söpöjen esineiden valmistukseen, joita kutsutaan yhteisesti "komonoksi". Pieniä asioita, jotka elävät omaa elämäänsä jatkaen kimonon polkua. Tätä sana "komono" tarkoittaa.

Mizuhiki.
Makrame-analogi. Tämä on muinaista japanilaista taidetta, jossa sidotaan erilaisia ​​solmuja erikoisnauhoista ja luodaan niistä kuvioita. Tällaisilla taideteoksilla oli erittäin laaja ulottuvuus - lahjakorteista ja kirjeistä kampauksiin ja käsilaukkuihin. Tällä hetkellä mizuhiki on erittäin laajalti käytetty lahjateollisuudessa - jokaiseen elämäntapahtumaan lahja on tarkoitus kääriä ja sitoa hyvin erityisellä tavalla. Mizuhikin taiteessa on erittäin paljon solmuja ja sävellyksiä, eivätkä kaikki japanilaiset tiedä niitä kaikkia ulkoa. Tietenkin on yleisimmät ja yksinkertaisimmat solmut, joita käytetään useimmiten: onnitteluihin lapsen syntymän johdosta, häistä tai muistojuhlista, syntymäpäivistä tai yliopistoon pääsystä.

Gohei.
Talisman paperinauhoista. Gohei - shintopapin rituaalisauva, johon on kiinnitetty paperisiksak-nauhat. Samat paperinauhat ripustetaan shintolaispyhäkön sisäänkäynnille. Paperin rooli shintossa on perinteisesti ollut erittäin suuri, ja siitä valmistetuilla tuotteilla on aina ollut esoteerinen merkitys. Ja uskomus, että jokainen asia, jokainen ilmiö, jopa sanat sisältävät kamin - jumaluuden - selittää sellaisen taideteollisuuden syntymisen kuin gohei. Shintolaisuus on jossain määrin samanlainen kuin pakanallisuus. Shintolaisille kami on erityisen halukas asumaan kaikkeen, mikä on poikkeavaa. Esimerkiksi paperilla. Ja vielä enemmän monimutkaiseksi siksakiksi kierretyssä goheissa, joka roikkuu nykyään shintolaisten pyhäkköjen sisäänkäynnin edessä ja osoittaa jumaluuden läsnäolon temppelissä. Gohein taitamiseen on 20 tapaa, ja erityisen epätavallisesti taitetut houkuttelevat kamia. Gohei on väriltään pääasiassa valkoinen, mutta löytyy myös kultaa, hopeaa ja monia muita sävyjä. 800-luvulta lähtien Japanissa on ollut tapana vahvistaa goheita sumopainijoiden vyössä ennen taistelun alkua.

Anesama.
Tämä on paperinukkejen valmistusta. 1800-luvulla samurai-vaimot tekivät paperinukkeja, joilla lapset leikkivät ja pukivat ne erilaisiin vaatteisiin. Aikoihin, jolloin leluja ei ollut, anesama oli lasten ainoa keskustelukumppani, joka "toimii" äidin, vanhemman siskon, lapsen ja ystävän roolissa.
Nukke on taitettu japanilaisesta washi-paperista, hiukset on valmistettu rypytetystä paperista, värjätty musteella ja peitetty liimalla, joka antaa sille kiiltoa. Erottuva piirre on mukava pieni nenä pitkänomaisilla kasvoilla. Nykyään tämä yksinkertainen lelu, joka vaatii vain taitavia käsiä, muodoltaan perinteinen, valmistetaan edelleen samalla tavalla kuin ennenkin.

Origami.
Muinaista paperihahmojen taittamisen taitoa (jap. ???, l.: "taitettu paperi"). Origami-taiteen juuret ovat muinaisessa Kiinassa, jossa paperi keksittiin. Alun perin origamia käytettiin uskonnollisissa seremonioissa. Pitkään tämäntyyppinen taide oli vain ylempien luokkien edustajien saatavilla, missä hyvän maun merkki oli paperin taittotekniikoiden hallussapito. Vasta toisen maailmansodan jälkeen origami meni idän ulkopuolelle ja tuli Amerikkaan ja Eurooppaan, missä se löysi heti faninsa. Klassinen origami taitetaan neliönmuotoisesta paperiarkista.
Jopa monimutkaisimman tuotteen taittokaavion luonnostelemiseksi tarvitaan tietty joukko symboleja. Kuuluisa japanilainen mestari Akira Yoshizawa toteutti suurimman osan tavanomaisista merkeistä 1900-luvun puolivälissä.
Klassinen origami määrää yhden neliön tasaisen värillisen paperiarkin käytön ilman liimaa ja saksia. Nykytaiteen muodot joskus poikkeavat tästä kaanonista.

Kuvan lähde: http://sibanime.ru/2152-yaponskie-tradicii-origami.html

Kirigami.
Kirigami on taidetta leikata erilaisia ​​muotoja useaan kertaan taitetusta paperiarkista saksien avulla. Eräänlainen origami, joka mahdollistaa saksien ja paperin leikkaamisen mallin valmistuksessa. Tämä on pääasiallinen ero kirigamin ja muiden paperin taittotekniikoiden välillä, mikä korostuu nimessä: ?? (kiru) - leikata,? (gami) - paperi. Me kaikki rakastimme leikata lumihiutaleita lapsuudessa - muunnelma kirigami, voit leikata lumihiutaleiden lisäksi myös erilaisia ​​hahmoja, kukkia, seppeleitä ja muita söpöjä paperiasioita tällä tekniikalla. Näitä tuotteita voidaan käyttää stensiileinä tulosteisiin, albumikoristeisiin, postikortteihin, valokuvakehyksiin, muotisuunnitteluun, sisustussuunnitteluun ja muihin erilaisiin koristeisiin.

Ikebana.
Ikebana, (jap ??? tai ????) käännetty japanista - ike "- elämä", bana "- kukkia tai" kukkia, jotka elävät. Japanilainen kukka-asetelma on yksi japanilaisten kauneimmista perinteistä. Kukka-asetelmia laadittaessa käytetään kukkien ohella leikattuja oksia, lehtiä ja versoja.Perusperiaatteena on hieno yksinkertaisuus, jonka saavuttamiseksi pyritään korostamaan kasvien luonnollista kauneutta. Ikebana on uuden luonnollisen muodon luominen, jossa kukan kauneus ja sävellyksen luovan mestarin sielun kauneus yhdistyvät harmonisesti.
Nykyään Japanissa on neljä suurta ikebanakoulua: Ikenobo (Ikenobo), Koryu (Koryu), Ohara (Ohara), Sogetsu (Sogetsu). Niiden lisäksi yhteen näistä kouluista kiinnittyy noin tuhat erilaista suuntaa ja trendiä.

Oribana.
1600-luvun puolivälissä kaksi koulukuntaa: ohara (ikebanan päämuoto - oribana) ja koryu (päämuoto - sek) lähtivät ikenobosta. Muuten, ohara-koulussa opiskellaan edelleen vain oribanua. Kuten japanilaiset sanovat, on erittäin tärkeää, että origami ei muutu origamiksi. Gomi tarkoittaa japaniksi roskaa. Loppujen lopuksi, kuten tapahtuu, taitit paperin, ja mitä sille sitten tehdä? Oribana tarjoaa paljon ideoita kimppuihin sisustukseen. ORIBANA = ORIGAMI + IKEBANA

Väärä.
Taiteen laji, joka syntyy kukkakaupoista. Kukkakauppa ilmestyi maassamme kahdeksan vuotta sitten, vaikka se on ollut olemassa Japanissa yli kuusisataa vuotta. Joskus keskiajalla samurait ymmärsivät soturin tien. Ja oshibana oli osa tätä polkua, aivan kuten hieroglyfien kirjoittaminen ja miekan käyttäminen. Virheen tarkoitus oli, että täydellisen läsnäolon tilassa hetkessä (satori) mestari loi kuvan kuivatuista kukista (puristetut kukat). Sitten tämä kuva voisi toimia avaimena, oppaana niille, jotka olivat valmiita astumaan hiljaisuuteen ja kokemaan saman satorin.
"oshibanan" taiteen ydin on, että keräämällä ja kuivaamalla kukkia, yrttejä, lehtiä, kuorta paineen alaisena ja kiinnittämällä ne pohjaan, kirjoittaja luo kasvien avulla todellisen "maalauksen". Toisin sanoen kasveilla maalaaminen on väärin.
Kukkakauppiaiden taiteellinen luovuus perustuu kuivatun kasvimateriaalin muodon, värin ja tekstuurin säilyttämiseen. Japanilaiset ovat kehittäneet tekniikan "oshibana"-maalausten suojaamiseksi haalistumiselta ja tummumiselta. Sen ydin on, että lasin ja kuvan väliin pumpataan ilmaa ja syntyy tyhjiö, joka estää kasveja pilaantumisen.
Se houkuttelee paitsi tämän taiteen epätavanomaisuutta, myös mahdollisuuden näyttää mielikuvitusta, makua ja tietoa kasvien ominaisuuksista. Kukkakaupat luovat koristeita, maisemia, asetelmia, muotokuvia ja tarinamaalauksia.

Temari.
Nämä ovat perinteisiä japanilaisia ​​geometrisia kirjailtuja palloja, jotka on tehty yksinkertaisilla ompeleilla ja jotka olivat aikoinaan lasten leluja ja joista on nyt tullut taidemuoto, jolla on monia faneja Japanin lisäksi kaikkialla maailmassa. Uskotaan, että kauan sitten samuraiden vaimot tekivät nämä tuotteet viihdettä varten. Heti alussa niitä käytettiin todella palloina pallopelissä, mutta vähitellen ne alkoivat hankkia taiteellisia elementtejä, jotka muuttuivat myöhemmin koristeellisiksi koristeiksi. Näiden pallojen herkkä kauneus tunnetaan kaikkialla Japanissa. Ja nykyään värikkäät, huolellisesti valmistetut tuotteet ovat yksi Japanin kansankäsityön tyypeistä.

Yubinuki.
Japanilaiset sormustimet, käsin ompeleessa tai kirjottaessa ne laitetaan työkäden keskisormen keskisormaan, sormenpäiden avulla neulalle annetaan haluttu suunta ja neula työnnetään keskellä olevan renkaan läpi. sormi töissä. Aluksi japanilaiset yubinuki-sormustimet valmistettiin yksinkertaisesti - noin 1 cm leveä tiheä kangas- tai nahkanauha useissa kerroksissa kiedottiin tiukasti sormen ympärille ja kiinnitettiin yhteen muutamalla yksinkertaisella koristeompeleella. Koska yubinuki oli välttämätön esine jokaisessa kodissa, niitä alettiin koristella geometrisilla silkkilangoilla varustetuilla brodeerauksilla. Ompeleiden lomittelusta syntyi värikkäitä ja monimutkaisia ​​kuvioita. Yksinkertaisesta kodin esineestä oleva Yubinuki on myös muuttunut "ihailun" esineeksi, arjen koristeluksi.
Yubinukia käytetään edelleen ompelussa ja kirjonnassa, mutta niitä voi löytää myös yksinkertaisesti käytettäessä käsissä millä tahansa sormella, kuten koristesormuksia. Yubinuki-tyylisellä kirjontalla koristellaan erilaisia ​​esineitä sormuksen muodossa - lautasliinasormuksia, rannekoruja, temari-telineitä, koristeltu yubinuki-kirjontalla, ja samaan tyyliin löytyy myös kirjailtuja neulasänkyjä. Yubinuki-kuviot voivat olla loistava inspiraatio temari obi -kirjontaan.

Kanzashi.
Hiusneulojen koristelu (useimmiten koristeltu kukilla (perhoset jne.) kankaasta (pääasiassa silkistä). Japanilainen kanzashi (kanzashi) on pitkä hiusneula perinteiseen japanilaiseen naisten hiustyyliin. Ne tehtiin puusta, lakasta, hopeasta , kilpikonnankuori, jota käytetään perinteisissä kiinalaisissa ja japanilaisissa kampauksissa.Noin 400 vuotta sitten Japanissa naisten kampaustyyli muuttui: naiset lopettivat hiusten kampaamisen perinteisessä muodossa - taregami (pitkät suorat hiukset) ja alkoivat muotoilla hiuksiaan monimutkaisiksi ja omituiset muodot - nihongami. käytetty erilaisia ​​esineitä - hiusneuloja, tikkuja, kammat.Silloin jopa yksinkertaisesta kushi-kampa-kampa muuttuu tyylikkääksi lisävarusteeksi, joka on poikkeuksellisen kaunis, josta tulee todellinen taideteos.Japanilaisten naisten perinteinen puku ei sallinut rannekoruja ja kaulakoruja, joten kampauskoristeet olivat tärkein kauneus ja itseilmaisun kenttä - sekä osoittivat laukun makua ja paksuutta kuten omistaja. Kaiverruksista näet - jos katsot tarkasti - kuinka japanilaiset naiset ripustivat helposti jopa kaksikymmentä kallista kanzashia kampauksiinsa.
Tällä hetkellä kanzashin käytön perinne on elpymässä nuorten japanilaisten naisten keskuudessa, jotka haluavat lisätä hiustyyliensä hienostuneisuutta ja eleganssia. Modernit piikit voidaan koristella vain yhdellä tai kahdella herkällä käsintehdyllä kukalla.

Kumihimo.
Kumihimo on japanilainen punottu nyöri. Lankoja kudottaessa saadaan nauhoja ja pitsejä. Nämä nauhat on kudottu erikoiskoneilla - Marudai ja Takadai. Marudai-koneella kudotaan pyöreitä nauhoja ja Takadai-koneella litteitä nauhoja. Kumihimo tarkoittaa japaniksi "kudontaköydet" (kumi - kudonta, taittaminen yhteen, himo - köysi, pitsi). Huolimatta siitä, että historioitsijat itsepintaisesti väittävät, että samanlaista kudontaa löytyy skandinaavien ja Andien asukkaiden keskuudesta, japanilainen kumihimo-taide on todellakin yksi vanhimmista kudontatyypeistä. Ensimmäinen maininta siitä on vuodelta 550, jolloin buddhalaisuus levisi kaikkialle Japaniin ja erityiset seremoniat vaativat erityisiä koristeita. Myöhemmin kumihimo-nauhoja alettiin käyttää naisten kimonon obi-vyön kiinnittäjänä, köysiä koko samuraiden asearsenaalin "pakkaamiseen" (samurai käytti kumihimoa koristeellisiin ja toiminnallisiin tarkoituksiin panssariensa ja hevoshaarniskansa sitomiseen) ja myös raskaiden esineiden sitomiseen.
Erilaiset modernit kumihimo-kuviot kudotaan erittäin helposti kotitekoisilla pahvikutomakoneilla.

Suibokuga tai sumie.
Japanilainen mustemaalaus. Japanilaiset taiteilijat omaksuivat tämän kiinalaisen maalaustyylin 1300-luvulla ja 1400-luvun lopulla. siitä tuli Japanin maalauksen valtavirta. Suibokuga on yksivärinen. Sille on ominaista mustan musteen (sumi) käyttö, kova hiilen muoto tai kiinalainen muste, joka on valmistettu kiinalaisen musteen noesta, joka jauhetaan musteastiassa, laimennetaan vedellä ja harjataan paperille tai silkille. Monochrome tarjoaa mestarille loputtoman valikoiman sävyvaihtoehtoja, jotka kiinalaiset tunnustivat kauan sitten musteen "väreiksi". Suibokuga sallii joskus oikeiden värien käytön, mutta rajoittaa sen ohuisiin, läpinäkyviin vedoihin, jotka pysyvät aina alisteisina musteviivalle. Mustemaalauksella on kalligrafian taiteen kanssa yhteisiä olennaisia ​​piirteitä kuten tiukasti kontrolloitu ilmaisu ja tekninen muodon hallinta. Mustemaalauksen laatu laskee, kuten kalligrafiassakin, musteella piirretyn viivan eheyteen ja repeytymisenkestävyyteen, joka ikään kuin pitää taideteoksen ylhäällä, aivan kuten luut pitävät kudoksia itsellään.

Etegami.
Piirretyt postikortit (e - kuva, merkitty - kirjain). Tee-se-itse-postikorttien tekeminen on Japanissa yleisesti ottaen erittäin suosittua toimintaa, ja ennen lomaa sen suosio kasvaa entisestään. Japanilaiset rakastavat lähettää postikortteja ystävilleen, ja he rakastavat myös vastaanottaa niitä. Tämä on eräänlainen pikakirje erikoisaihioilla, se voidaan lähettää postitse ilman kirjekuorta. Etegamissa ei ole erityisiä sääntöjä tai tekniikoita, kuka tahansa voi tehdä sen ilman erityistä koulutusta. Etagami auttaa ilmaisemaan tarkasti tunnelmaa, vaikutelmia, tämä on käsintehty postikortti, joka koostuu kuvasta ja lyhyestä kirjeestä ja joka välittää lähettäjän tunteita, kuten lämpöä, intohimoa, huolenpitoa, rakkautta jne. He lähettävät näitä postikortteja lomille ja juuri niin, ja ne kuvaavat vuodenaikoja, aktiviteetteja, vihanneksia ja hedelmiä, ihmisiä ja eläimiä. Mitä yksinkertaisempi tämä kuva on piirretty, sitä mielenkiintoisemmalta se näyttää.

Furoshiki.
Japanilainen käärintätekniikka tai kankaan taittamisen taide. Furoshiki tuli japanilaisten elämään pitkään. Kamakura-Muromachi-kaudelta (1185–1573) on säilynyt muinaisia ​​kääröjä, joissa on kuvia naisista, jotka kantavat kankaaseen käärittyjä vaatteita päässään. Tämä mielenkiintoinen tekniikka sai alkunsa Japanista jo 710 - 794 jKr. Sana "furoshiki" tarkoittaa kirjaimellisesti "kylpymattoa" ja on neliön muotoinen kangaspala, jota käytettiin kaikenmuotoisten ja -kokoisten esineiden käärimiseen ja kantamiseen.
Japanilaisissa kylpylöissä (furo) oli ennen vanhaan tapana kävellä kevyissä puuvillakimonoissa, jotka kävijät toivat mukanaan kotoa. Kylpylä toi mukanaan myös erityisen maton (shiki), jolla hän seisoi riisuutuessaan. Vaihdettuaan "kylpykimonoon", vierailija kääri vaatteensa maton sisään ja kylvyn jälkeen märän kimonon tuodakseen sen kotiin. Kylpymatosta on siis tullut monikäyttöinen laukku.
Furoshiki on erittäin helppokäyttöinen: kangas ottaa käärittävän esineen muodon ja kahvat helpottavat kuorman kantamista. Lisäksi lahja, joka ei ole kääritty kovaan paperiin, vaan pehmeään, monikerroksiseen kankaaseen, saa erityisen ilmeisyyden. Furoshikin taittamiseen on monia järjestelmiä kaikkiin tilaisuuksiin, arkipäivään tai juhlaan.

Kinusaiga.
Hämmästyttävä käsityö Japanista. Kinusaiga (???) on batikin ja tilkkutyön risteys. Pääideana on, että uudet maalaukset kootaan vanhoista silkkikimonoista - todellisista taideteoksista.
Ensin taiteilija tekee luonnoksen paperille. Sitten tämä piirustus siirretään puulevylle. Kuvion ääriviivat leikataan läpi urilla tai urilla, minkä jälkeen vanhasta silkkikimonosta leikataan väriltään ja sävyltään yhteensopivia sipuleita, joiden reunat täyttävät urat. Tällaista kuvaa katsoessa tulee tunne, että katsot valokuvaa tai vaikka vain katselet maisemaa ikkunan ulkopuolella, ne ovat niin realistisia.

Amigurumi.
Japanilainen pienten pehmoeläinten ja humanoidiolennon neulomistaito tai virkkaus. Amigurumit (jap. ????, s.: "neulottu-kääre") ovat useimmiten söpöjä eläimiä (kuten karhuja, puput, kissat, koirat jne.), pieniä miehiä, mutta ne voivat olla myös elottomia esineitä, joilla on ihmisen ominaisuuksia. Esimerkiksi kuppikakkuja, hattuja, käsilaukkuja ja muita. Amigurumi on neulottu tai neulottu tai virkattu. Viime aikoina virkatut amigurumit ovat yleistyneet ja yleistyneet.
neulottu langasta yksinkertaisella neulontamenetelmällä - spiraalina ja toisin kuin eurooppalaisessa neulontamenetelmässä, ympyröitä ei yleensä yhdistetä. Ne on myös virkattu pienempään kokoon suhteessa langanpaksuuteen, jotta saadaan erittäin tiivis kangas ilman aukkoja täytteen irtoamista varten. Amigurumit valmistetaan usein osista ja kootaan sitten yhteen, lukuun ottamatta joitain amigurumia, joilla ei ole raajoja, vaan vain pää ja vartalo, jotka ovat yksi kokonaisuus. Raajat täytetään joskus muoviosilla elopainon saamiseksi, kun taas muu keho on täytetty kuitutäytteellä.
Amigurumi-estetiikan leviämistä helpottaa niiden suloisuus ("kawaii").

Bonsai.
Bonsai ilmiönä ilmestyi Kiinassa yli tuhat vuotta sitten, mutta tämä kulttuuri saavutti kehityksen huippunsa vasta Japanissa. (bonsai - jap. ?? kirjaim. "kasvi ruukkuun") - taito kasvattaa tarkka kopio oikeasta puusta pienoiskoossa. Buddhalaiset munkit kasvattivat näitä kasveja useita vuosisatoja ennen aikakauttamme, ja niistä tuli myöhemmin yksi paikallisen aateliston toiminnoista.
Bonsai koristeli japanilaisia ​​koteja ja puutarhoja. Tokugawan aikakaudella puistosuunnittelu sai uuden sysäyksen: atsaleoiden ja vaahteroiden viljelystä tuli varakkaiden harrastus. Myös kääpiökasvien tuotanto (hachi-no-ki - "puu ruukussa") kehittyi, mutta tuon ajan bonsait olivat erittäin suuria.
Nyt tavallisia puita käytetään bonsaihin, niistä tulee pieniä jatkuvan karsinnan ja monien muiden menetelmien vuoksi. Samanaikaisesti kulhon tilavuuden rajoittaman juurijärjestelmän ja bonsain maaosan kokojen suhde vastaa aikuisen puun mittasuhteita luonnossa.

Viestisarja " ":
Osa 1 - Japanilaiset käsityötyypit

Kiinalaiset ovat luoneet monia maailmankuuluja käsitöitä ajan mittaan. Muinaisista ajoista lähtien on siirretty taitoja ja salaisuuksia valmistaa tuotteita erilaisista kivestä, puusta, savesta ja lakoista, kankaiden ja kirjontavalmistuksen salaisuuksia. Jo muinaisina aikoina Kiinan mestarit, oppineet tunnistamaan ja näyttämään materiaalin taiteelliset ominaisuudet, käyttivät tähän tarkoitukseen sen värien leikkiä, täpliä, kuvioiden eroja, pinnan sileyttä. Vanhimmat savesta ja kivestä tehdyt astiat erottuvat, kuten antiikki, täydellinen muotojen harmonia ja artikuloinnin selkeys.

Kiinalaiset käsityöläiset omaksuivat monia taitoja, tapoja ja tekniikoita, perinteisiä kuviomuotoja antiikista. Kuitenkin juuri uuden historiallisen aikakauden tarpeet synnyttivät lukuisia uusia taidekäsityötyyppejä ja -tekniikoita. Jokapäiväiseen elämään ja kaupunkiväestön kasvaviin tarpeisiin liittyvä taidekäsityö Kiinan kuvataiteessa ei ollut vain yksi massiivimmista ja suosituimmista, vaan myös yksi aktiivisimmista tyypeistä.

Koko maailma käyttää kiinalaisia ​​maljakoita, kuppeja ja muita esineitä. Kotona kiinalaisella posliinilla on muiden taidetyyppien ohella laajin sovellus. Kiinalaista keramiikkaa käytetään myös veistosten päällystykseen.

Keramiikka. Jo muinaisina aikoina kiinalaiset käyttivät keramiikkassaan korkealaatuista savea. Posliinin keksinnän todelliset ansiot kuuluvat kuitenkin keskiaikaisen Kiinan mestareille. Tangin aikakaudella, korkean vaurauden aikana kaikilla Kiinan henkisen elämän alueilla, ensimmäiset posliinituotteet ilmestyivät ja levisivät nopeasti. Runoilijat lauloivat posliinia, jota kunnioitettiin jalokivinä. Posliinin tuotantoa Kiinassa helpotti siihen tarvittavien materiaalien runsaat talletukset: posliinikivi (luonnollinen maasälpän ja kvartsin yhdiste) ja paikallinen savi - kaoliini. Näiden kahden komponentin yhdistelmä antaa tarvittavan plastisuuden ja seostettavuuden. Jokainen Kiinan posliinituote on syvästi harkittu, ei käsityönä vaan itsenäisenä taideteoksena. Ohuiden suonien muodot ovat pyöristettyjä, pehmeitä ja massiivisia. Erityisen kuuluisa tuolloin oli Xing-choun kaupungissa valmistettu lumivalkoinen, sileä ja mattapintainen posliini, joka säilytti muinaisten tuotteiden monumentaalisuuden. Monet tuon ajan astiat maalattiin kirkkailla lasiteilla, joihin oli sekoitettu kuparin, raudan ja mangaanin oksideja, jotka antoivat täyteläisiä keltaisia, ruskeita, vihreitä ja purppuraisia ​​sävyjä. Mutta posliini saavuttaa erityisen lajikkeen ja jalouden XI-XIII vuosisatojen aikana. Tang-kaudella keramiikassa on erilaisia ​​värejä. Mutta Sunin alla hän erottuu jo yksinkertaisuudesta ja vaatimattomuudesta. Kiinalaisessa keramiikassa on tarkat ja hienot viivat ja värin yksinkertaisuus. Luonnollisten värien käyttö on tälle ajalle tyypillistä. Harmaansinisiä ja harmaanvihreitä värejä löytyy usein kiinalaisesta astiasta tai maljakosta. Pienet halkeamat eivät ole mestarin vika, vaan hienosti harkittu askel. Lasitteen epätasaisuudet, vuorauksen kuivuneet pisarat ja pienet halkeamat kaikkialla tuotteen pinnassa antavat täydellisyyden tunteen.

Minskin posliini, toisin kuin Sung-posliini, on moniväristä. Mestarit käyttivät sen lumivalkoista pintaa maalauksellisena taustana, jota vasten kokonaisia ​​maisema- tai genresommituksia asetettiin. Tontteja ja maalaustyyppejä sekä värikkäitä yhdistelmiä on paljon: sinivalkoinen posliini, joka on maalattu lasitteen alla pehmeän ja jalotyypin koboltilla, tyypiltään ja kuvioiltaan, värilliset, värikkäät lasitteet, kolmi- ja viisiväriset. Vielä enemmän posliinitekniikoita ja -tyyppejä ilmestyy 1600-1700-luvuilla. Näkyviin tulee mustia sileitä ja kiiltäviä astioita, joiden päälle on maalattu kirkkailla ja kimaltelevilla emaleilla. 1700-luvun loppuun asti, jolloin kaikki muut taiteen muodot olivat jo laskeneet alamäkeen, kiinalaisen posliinin taiteellinen taso pysyi korkealla. Toisin kuin aikaisemmilla ajanjaksoilla, posliinituotteiden muodot Qing-dynastian (XVII-XIX vuosisatojen) aikana olivat kehittyneempiä ja hienostuneempia. Vanhojen mallien toisto saa tyylikkäät mittasuhteet, ja 1700-luvun loppuun mennessä. ääriviivojen liiallinen vaatimattomuus kehittyy. Siitä lähtien posliinin koristelulle on ollut tunnusomaista motiivien ja teemojen monimuotoisuus ja rikkaus, ja joissain tapauksissa - suuri koristerikkaus. Tämä on erityisen havaittavissa kobolttimaalauksessa ja niin sanotun "vihreän perheen" alueella. Monimutkaiset monihahmoiset kohtaukset, pienet kasvimotiivit tai mikä tahansa lukemattomista maalauksen teemoista erottuu kompositiorakenteen monimutkaisuudesta ja harkitsevaisuudesta.

Tang- ja Sung-sovellustaidelajit ovat erilaisia. Tuolloin tehtiin pronssisia peilejä antiikin mallin mukaan, ja ne oli koristeltu kääntöpuolella upealla kohokuviolla kukkivista kasveista, leikkivistä eläimistä, linnuista ja hedelmistä. Usein tällaiset peilit tehtiin hopeasta, peitetty ohuimmalla kultakerroksella, upotettu helmiäisellä ja jalokivillä.

Kankaiden kuviot "ke-sy" (leikattu silkki) ovat erityisen lähellä tämän ajan maalausta. Ne luotiin kuuluisien taiteilijoiden näytteiden mukaan. Ke-sy erottuu sen poikkeuksellisesta pehmeydestä, arkuudesta ja arvokkaasta rakeisesta mattarakenteesta. Vaaleanpunaisen meihua-luumun oksilla olevat vaaleat linnut, maisemat, kukkivat silmut ovat pääaiheina ke-si.

Maalattujen emalien tuotantopajojen syntyminen Kiinaan juontaa juurensa Kangxi-kaudelta, joka liittyy Ranskasta peräisin oleviin länsieurooppalaisiin vaikutteisiin. Jesuiittalähetyssaarnaajien tuomien uskonnollisten kaiverrusten vaikutus voi selittää 1700-luvun kiinalaiset emalit metalliin, jotka ovat yleisiä maalauksille. varjostustekniikat, kuvien silittäminen ääriviivaa pitkin ja muut, perustaltaan graafiset, taiteellisen ilmaisun keinot. Jälkiä eurooppalaisista vaikutteista on havaittavissa paitsi maalausaiheissa ja -tavassa, myös 1700-luvun kiinalaisten emalien muodoissa. Prototyypeinä toimivat usein saksalaiset ja englantilaiset kupari- ja hopeaesineet 1500-1700-luvuilta. Enimmäiskäyttöön valmistettuja emaleja kutsuttiin "huang zhi" - "keltaisiksi (eli "keisarillisiksi") aluksiksi, koska keltaista on pitkään pidetty Kiinan keisarin symbolisena värinä. Tällaisten emalien koristelua hallitsevat "huangyao" ("kukkalinnut") -genren kuvat, kiinalaiset juonikohtaukset ja koristekoostumukset: kuva lootuksen kukkien päistä, jotka on kudottu kasvin versoon viiniköynnöksen muodossa, ja zoomorfinen kuvio, joka juontaa juurensa muinaisten pronssiastioiden sisustukseen. Maalatuissa emaleissa suosittuja ovat erimuotoiset komposiittilevysarjat, jotka kehitettiin kiinalaiseen posliiniin jo Kangxi-kaudella. Usein lautasille annettiin avoimen tuulettimen muoto, joka oli koristeltu kuvilla "kukkien-lintujen" tyylilajissa valkoisella pohjalla. Posliinia ja emaleja metallilla yhdistävät useissa tapauksissa sekä yleiset kulkutavat Eurooppaan että muotojen, maalausaiheiden ja värityksen samankaltaisuus. Kuitenkin, kiistatta posliinia muistuttaen, metallille maalatuille emaleille on ominaista täysin ilmeinen taiteellinen omaperäisyys täysin erikoisena kiinalaisena käsityönä, rohkeammin verrattuna sen perinteisiin tyyppeihin, jotka joutuivat kosketuksiin eurooppalaisen taiteen kanssa.

Taidekäsityötä, soveltavaa taidetta Japanissa kutsutaan sanaksi "kogei". Useimpien taideteosten taiteellisten ideoiden lähde oli syvä rakkaus luontoon. Ihmiset ovat pitkään tunteneet sen kauneuden tavallisimmissa, pienimuotoisimmissa, arkipäiväisissä ilmiöissä.

Japanilaisen taiteen ja käsityön teoksiin kuuluvat perinteisesti lakka, posliini ja keraamiset tuotteet, puu-, luu- ja metallikaiverrukset, taiteellisesti koristellut kankaat ja vaatteet, asetaideteokset jne. Taideteosten erityispiirteet ovat seuraavat: niissä on puhtaasti käytännöllinen, hyödyllinen sovellus, mutta samalla niillä on myös puhtaasti esteettinen rooli, ja ne toimivat koristeena ihmisen jokapäiväiseen elämään. Ympäröivien esineiden estetiikka oli japanilaisille yhtä tärkeä kuin niiden käytännön tarkoitus.

Onnekas. Muinaisista ajoista lähtien lakatut esineet on tunnettu Japanissa, ja niiden jäännökset löytyvät Jomonin aikakauden arkeologisista kohteista. Kuumassa ja kosteassa ilmastossa lakkapinnoitteet suojasivat puuta, nahkaa ja jopa metallituotteita tuhoutumiselta. Lakkatuotteet Japanissa ovat löytäneet laajimman sovelluksen: astiat, talousvälineet, aseet, panssarit. Perinteiset japanilaiset lakat ovat punaisia ​​ja mustia sekä kultaisia; Edo-kauden loppua kohti alettiin valmistaa keltaista, vihreää, ruskeaa lakkaa. Takaisin alkuun

20. vuosisata saatiin valkoisen, sinisen ja violetin värin lakka. Lakan käyttöön liittyy monia koristetekniikoita: maki-e - kulta- ja hopeajauheen käyttö; urushi-e - lakkamaalaus; hyomon - lakkamaalauksen yhdistelmä kultaa, hopeaa ja helmiäisuotetta. Noin 1600-luvun puoliväliin asti. Kioto pysyi lakkataiteen kehittämisen pääkeskuksena. Siellä Ogato Korin aloitti uransa. Hänen lakkatuotteitaan leimaa erityinen muotojen ja sisustuksen yhtenäisyys, joka "virtasi" sujuvasti tuotteen puolelta toiselle. Eri materiaalien yhdistelmä loi epätavallisen pintarakenteen ja harvinaisen värimaailman.

Keramiikka. Japanilaiset pitävät erityisesti keraamisista tuotteista. Varhaisimmat niistä tunnetaan arkeologisista kaivauksista ja juontavat juurensa Jōmonin (kivikauden) ajalta. Japanilaisen keramiikan ja myöhemmin posliinin kehitykseen vaikuttivat merkittävästi kiinalaiset ja korealaiset tekniikat, erityisesti poltto ja värillinen lasitus. Japanilaisen keramiikan erottuva piirre on huomio tuotteen muodon, koristeellisen koristeen ja värin lisäksi myös kosketustuntemuksiin, joita se aiheutti joutuessaan kosketuksiin ihmisen kämmenen kanssa. Japanilainen lähestymistapa keramiikkaan olettaa muodon epätasaisuutta, pinnan karheutta, leviäviä halkeamia, lasiteraitoja, mestarin sormenjälkiä ja materiaalin luonnollisen rakenteen osoittamista. Taiteelliset keramiikkatuotteet sisältävät ensisijaisesti teeseremonioiden kulhoja, teekannuja, maljakoita, kattiloita, koriste-astioita, sake-astioita. Aluksi astian muoto valmistettiin risuista ja ruohosta, sitten se päällystettiin savella, ja polton aikana oksat ja ruoho paloivat jättäen jälkiä astioiden seiniin. Keski- ja myöhäisen Jōmon-kauden alukset muistuttavat jo veistoksellisia astioita. VI-XI vuosisadalla. Korealaisten savenvalajien vaikutuksesta japanilaiset käsityöläiset siirtyivät polttamaan savituotteita vihertävän keltaisella lasiteella. Samoihin aikoihin ilmestyi aidosta fajanssista valmistettuja tuotteita - hygroskooppista savea, joka on peitetty lasiteella.

Posliinituotteet ovat pääasiassa ohutseinäisiä maljakoita, joissa on hieno sisustus, tee- ja viinisetit sekä erilaiset hahmot. XVII-XVIII vuosisatojen aikana valmistettujen posliinituotteiden massassa. koko maassa erotettiin kaksi päätyyppiä: Kutanin ja Nabeshiman työpajojen kalliit, hienoksi maalatut tuotteet sekä suurissa sarjoissa lanseerattu Aritan ja Seton posliini. Kutanin työpajojen tuotteilla oli muovinen epätasainen muoto. Niiden maalaus tehtiin käyttämällä suuria väritäpliä ja sijoitettu vapaasti alusten pinnalle. Nabeshima-esineet koristeltiin tavallisesti yhdellä kasviaiheisella alusmaalauksella, jota joskus täydennettiin polychrome-maalauksella. Aritan ja Seton työpajoissa valmistettiin massatuotteita. Nämä astiat koristeltiin tyylikkäillä koristeellisilla kukkien, perhosten ja lintujen koostumuksilla. Merkittävä osa japanilaisesta posliinista valmistettiin erityisesti vientiin länsimaihin.

Emali. Ajanjakso 1600-luvun puolivälistä loppuun. siitä tuli erittäin hedelmällinen Japanin emalitaiteen kehityksen historiassa. Tällä hetkellä japanilaiset mestarit ovat saavuttaneet täydellisyyden värissä. Kokeilumenetelmällä he valitsivat optimaalisen lasin sulamisen, joka toimi emalin pohjana, ja erilaisia ​​oksidien muunnelmia, jotka antoivat sille yhden tai toisen sävyn, läpinäkyvyyden tai maitomaisen helmiheijastuksen, salaperäisen hohtavan. Kaikista itseään oikeuttavista resepteistä tuli salaisuus, jota vartioitiin huolellisesti mestarin perheessä. Japanissa emaleja kutsuttiin "sippoksi", mikä tarkoittaa "seitsemää jalokiveä". Tämä tarkoitti, että koruissa emali voi korvata kullan, hopean, smaragdin, korallin, akaatin, kristallin, helmet. Vanhin esimerkki Japanista löydetystä emalista on peräisin 700-luvun lopulta eKr. Laajalti tunnettuja kaksi emalitekniikkaa - champlevé ja cloisonné - levisivät Japanissa lähes samanaikaisesti. Käsityöläiset käyttivät cloisonne-emalia koristelemaan samuraimiekkojen suojat (tsuba), koristejousia ja -nuolia, kunnostelivat taloja, arkkuja, siveltimien säilytyslaatikoita ja kalligrafiamustetta, teejauhetta ja suitsukkeita. Ensimmäisten emalilla työskennelleiden käsityöläisten työpajat sijaitsivat Kiotossa, lähempänä keisarien ja aatelisten palatseja, jotka olivat tämän tuotteen pääostajat.

Emalitekniikan elpyminen liittyy Nagoyan laitamilla asuneen mestari Tsunekichi Kajin (1803-1883) työhön. Hän opiskeli ulkomaisia, enimmäkseen eurooppalaisia ​​käsitöitä, jotka tulivat Japaniin, ja sen pohjalta hän kehitti uusia tekniikoita työskentelyyn cloisonné emalin kanssa. Kajin menestys inspiroi muita käsityöläisiä. Uusien työmenetelmien etsiminen alkoi. Joten tuolloin ilmestyi "vastaemali" -tekniikka, gin-bari-tekniikka, joka koostui siitä, että hopeafolio liimattiin kuparipinnalle, joka oli peitetty ohuella emalikerroksella. Mestari Sosuke Namikawan (1847-1910) kehittämä Musen-jippo-teknologia mahdollistaa erotuslankojen poistamisen ensimmäisen emalipinnoitekerroksen kuivaamisen jälkeen ja uuden täytön läpinäkyvällä emalilla. Tekniikassa oli useita kymmeniä muunnelmia - moriage, utidasi, akasuke, my kodai, nagare-gusuri ja muut, jotka mahdollistivat erinomaisten tulosten saavuttamisen yhdistämällä. Japani on ensimmäinen maa maailmassa, jossa emalia levitettiin metalliaihioiden lisäksi myös keramiikkaan ja posliiniin. Keramiikan emalitekniikasta kuuluisa oli Kiotossa työskennellyt mestari Yasuyuki Namikawa (1845-1927).

Kukkien kuvista (krysanteemit, pionit, paulownian kukinnot, luumut, kirsikat) ja hieman japanilaistetut kuvat lohikäärmeistä, leijonasta ja muista myyttisistä eläimistä, linnuista ja perhosista tuli tyypillinen Kiinasta lainattu kuvio japanilaisille emalituotteille. Usein kuviin upotettiin onnentoivotusten symboliikkaa. Paletin sävyt vaihtelivat tuotteen käyttötarkoituksen mukaan. Vientitavarat tehtiin siis kirkkaissa, jopa räikeissä väreissä, joita eurooppalaiset asiakkaat suosivat ja jotka oli tarkoitettu kotikäyttöön - rauhallisella alueella, paremmin japanilaisten esteettisen maailmankuvan mukaisesti.

Kiinan ja Japanin taide ja kulttuuri ovat erittäin omaperäisiä, mikä on aina kiinnostanut ja houkutellut eurooppalaisia. 1600-luvulta lähtien sekä kiinalaiset että japanilaiset aiheet tunkeutuivat Länsi-Euroopan taiteellisiin ja tyylillisiin suuntauksiin. Näiden kahden maan kulttuuri on tähän päivään asti kiinnostava sekä opiskelun että lainaamisen kannalta.

Japanin koriste- ja taideteollisuus Taiteellisten metallituotteiden valikoimaan kuuluivat temppeliveistokset ja -välineet, arjessa käytettävät aseet ja koriste-esineet, perinteisten metallien (pronssi, rauta, kupari, teräs) käsittelyn monipuolisuus ja täydellisyys yhdistettiin monimutkaisten metalliseosten käyttö, jotka erottuivat värien rikkaudesta. sävyistä ja muoviominaisuuksista. Yleisimmät niistä olivat shakudo, joka antoi erilaisia ​​mustan, ruskean, sinisen ja violetin sävyjä, ja shibuichi, joka toimi lähes ehtymättömänä harmaan lähteenä sävyjä.

Seosten valmistusreseptit olivat ammattisalaisuus ja välitettiin mestarilta opiskelijalle XVII-XVIII vuosisatojen aikana. Varakkaiden kaupunkilaisten pyynnöstä tehtiin veistoksellisia kuvia kotialttareihin sekä kuvia, joilla oli hyväntahtoinen merkitys ja suojeli perheen tulisijaa. Heidän joukossaan on Daruma, legendaarinen munkki, jonka nimi liittyy teen alkuperään Japanissa, Daikoku on onnen ja vaurauden jumaluus, Jurojin on onnen ja pitkäikäisyys.

Tämän lisäksi jotkin taloustavarat palvelivat koristeellisia tarkoituksia. Nämä olivat suitsukkeita, maljakoita, astioita, arkkuja, tarjottimia, joille oli ominaista eri metallien yhdistäminen samassa tuotteessa, harjakattoisten kaiverrusten, kaiverrusten, lovien ja upotusten käyttö. Perinne emalikoristeen levittämisestä metallipohjaan tuli Japaniin Kiinasta 1500-luvun lopulla. Emalitekniikkaa oli 4 lajiketta: cloisonné, champlevé, kaiverrettu ja maalattu. Emaleja kutsuttiin "siploksi" - seitsemän jalokiviä: kulta, hopea, smaragdi, koralli, timantti, akaatti, helmet, jotka yleisten uskomusten mukaan toivat onnea ihmisille .

Japanilaiset 1600-1700-luvun japanilaiset cloisonné-emilet, jotka perustuivat suurelta osin kiinalaisiin näytteisiin, erottuivat rajallisesta hieman vaimeiden sävyjen paletista, selkeästä geometrisesta kuviosta ja syvästä tummanvihreästä taustasta. XIX vuosisadan puolivälissä. Emalitekniikka koki uudestisyntymisen, saatiin monivärisiä kiiltäviä emaleja, jotka tarttuivat tiukasti metallipohjaan ja soveltuvat hyvin hiontaan.

Cloisonné emalitaiteen kukoistus 1800-luvun lopulla. yhdistettiin kuuluisan mestarin Namikawa Yasuyukin nimeen. Hänen työpajastaan ​​ilmestyi pieniä esineitä, jotka oli peitetty kokonaan emaleilla ja jotka oli levitetty kultasepän huolella. Kukkien, lintujen, perhosten, lohikäärmeiden ja feenikseiden kuvat, lukuisat perinteiset koristeet löysivät paikkansa monimutkaisesti kudotussa pitsikuviossa Kultafolion käyttö loi kimaltelevan kimaltavan kiillon tuotteen kiillotettuun pintaan.

Aseiden valmistuksella ja koristelulla on Japanissa vanhoja perinteitä. Miekka nähtiin pyhänä esineenä, jonka auringonjumalatar Amaterasu Omikami antoi pojanpojalleen, jonka hän lähetti hallitsemaan maata ja hävittämään pahuutta. Suorasta kaksiteräisestä miekkasta (Ken tai Tsurugi) tuli šintokultin attribuutti, ja siitä tuli yksi keisarillisista kuninkaallisista kunniakirjoista. Keskiajalla miekasta tuli sotilasluokan symboli, joka ilmensi samuraiden voimaa, rohkeutta, arvokkuutta ja uskottiin myös, että siinä asui kuolleiden esi-isien sielu.

7-luvulla luotiin miekan muoto yksipuolisen teroituksen terän takaosaan hieman taivutettuna, joka pysyi lähes muuttumattomana 1800-luvulle asti. ja sitä kutsuttiin "nihonto" (japanilainen miekka). 1500-luvulta aristokraattien ja sotilasluokan edustajien oli käytettävä kahta miekkaa: pitkää - "katana" ja lyhyt - "wakizashi", joka oli tarkoitettu rituaaliseen itsemurhaan. Kunniakoodin rikkomisen tapauksessa tutkijat, käsityöläiset ja talonpojat saivat käyttää vain wakizashia tai miekkaa ilman vartijoita "akuchi". Pitkä ja työläs terän valmistus järjestettiin juhlalliseksi rituaaliksi, johon liittyi erityisiä rukouksia, loitsuja ja sepän pukeutuminen juhlavaatteisiin.

Terä hitsattiin useista nauhoista, taottu vähintään viisi kertaa, hiottu ja kiillotettu 1100-luvun lopulta lähtien. teriä alettiin koristella urilla, kuvilla auringosta, kuusta, tähdistä, lohikäärmeistä, kaivertamalla tehdyillä kirjoituksilla-loitsuilla ja syvällisillä kohokuvioilla. Miekan yksityiskohdat ja runko 1500-luvulta. ne ovat luoneet erityiset mestarit - asesepät-jalokivikauppiaat.

Terä työnnettiin kahvaan, joka perustui kahteen puutankoon, jotka oli kiinnitetty metallirenkaalla "futi" ja "kashira" kärjillä, kahva oli usein kääritty hain tai rauskun ihoon, nimeltään "sama" (hai). Uskottiin, että tällainen kahva säilytti miekan rituaalisen puhtauden ja suojeli omistajaa.Kahteen molemmille puolille kiinnitettiin pieniä kohokuvioituja metalliosia "menuki", mikä varmisti miekan vahvemman otteen molemmin käsin.

Tämän päälle kahva käärittiin nyörillä tai punoksella, jolloin pintaan muodostui punottu kuvio. Miekan tärkeä yksityiskohta oli "tsuba" (suoja) - suojaava muovi, joka erottaa terän kahvasta, pienen miekan tutra oli usein koristeltu huolellisesti viimeistellyillä metallilevyillä "kozuka", joka oli kahvan kahva. pieni veitsi työnnettynä huotrassa olevaan erityiseen taskuun. XVII-XIX vuosisadalla. käytännöllisen arvonsa menettäneestä aseesta tuli koristeellinen lisä miesten pukuun.

Sen koristelussa käytettiin erilaisia ​​korutyön materiaaleja ja tekniikoita, harjakattoisia kaiverruksia, lejeeringit, erilaisia ​​menetelmiä kohokuviointikoostumusten luomiseen, emaleja ja lakkoja. Tsuba sai erityisen taiteellisen täydellisyyden, jota alettiin pitää itsenäisenä taideteoksena. Kuvien juonet olivat perinteisiä muille taidetyypeille ominaisia ​​aiheita: kukkia, lintuja, maisemia, buddhalaisia ​​vertauksia, historiallisia legendoja, jopa arvioita urbaani elämä. Yhden miekan yksityiskohdat yhdistettiin tyylillä ja edustivat usein yhden juonen kehitystä.

Miekkojen koristeluun erikoistuneiden aseseppien joukossa oli erityisen kuuluisa 1400-luvulla perustettu. goto-koulu, jonka seitsemäntoista mestareiden sukupolvea säilytti loistonsa 400 vuotta.

Mitä teemme saadulla materiaalilla:

Jos tämä materiaali osoittautui sinulle hyödylliseksi, voit tallentaa sen sivullesi sosiaalisissa verkostoissa:

Lisää esseitä, tutkielmia, opinnäytteitä tästä aiheesta:

Pre-Petriini-Venäjän koriste- ja taideteollisuus
Tämä siirtymä oli kuitenkin mahdoton ilman taiteen ratkaisevaa vapautumista kirkon vaikutuksista, ilman maallisen periaatteen tuomista kulttuuriin, joka... Puuveistos oli pääsääntöisesti moniväristä. Paikallinen maalaus temperamaaleilla toi sen lähemmäksi ikonia. Tätä läheisyyttä pahensi se, että kohokuviot eivät erotelleet.

Länsi-Euroopan koriste- ja taidetaide 1700-luvun lopulla ja 1800-luvun alussa
Molemmat tyylit luonnehtivat Napoleon Bonaparten hallituskautta. XVIII vuosisadan 60-luvulta. Ranskalaiset mestarit kääntyivät klassismiin. Herculaneumissa vuonna 1719 ja Pompejissa vuonna 1748 tehdyillä kaivauksilla oli tärkeä rooli sen muodostumisessa. Klassismi (lat..

Koriste- ja taideteollisuus Kazakstanissa
Esimerkiksi satuloiden ja valjaiden valmistustaito vaatii paitsi taitoa, myös kykyä käyttää erilaisia ​​materiaaleja. Satulavalmistajat eivät rajoittuneet vain satuloiden valmistukseen ja .. Etelä-Siperian ja Keski-Aasian kansoilla oli suuri vaikutus Kazakstanin kansan kulttuurin kehitykseen. Merkittäviä korkeuksia..

Käsityöt
Myös yksittäisten käsityötaiteen perinteet ovat erilaisia. Lähes kaikki kivenjalostuskeskukset ovat historiallisesti suhteellisen nuoria. Jotkut niistä ovat kehittyneet.. Kävittyään läpi lajitelmansa etsintävaiheet, kasvin mestarit löysivät oman.. Ruskeaa kalsiittia pesukarhua varten, kulta-hunajaseleniittiä - oravalle tai valkoista anhydriittiä - napainen..

Taide ja käsityöt, batiikki

Koriste- ja soveltavaa taidetta. Batiikki
Lat decoron koristetaide koristaa koristetaiteen osiota, joka kattaa taiteellisten tuotteiden luomisen.. taide- ja käsityöteokset täyttävät useita vaatimuksia ja niillä on esteettinen laatu..

Koriste- ja taideteollisuus - kansankäsitöitä
Koriste- ja soveltavassa taiteessa näkyvällä paikalla on kansantaide ja käsityö. Kansankäsityön taide ilmestyy .. Jotkut ovat peräisin talonpoikaisen kotitaiteesta, joka liittyy .. Esimerkiksi monenlaiset keramiikka, puusepäntyöt, kankaille tehdyt painatukset ovat pitkään olleet paikallisten ..

Käsityöt
Mutta stalinistinen hallinto kiirehti korvaamaan alan nerot valtion monopolilla ja niukkuuden tyrannialla. Kaikesta huolimatta Venäjän taiteellinen tuotanto .. Uralilla ja Trans-Uralilla suomalais-ugrilaiset heimot ensin puusta ja kivestä ja sitten .. Nämä perinteet ovat pitkään säilyneet venäläisessä kansantaiteessa. Useita vuosisatoja 1900-luvun 20-luvulle asti ..

Taideteollisuus "Batik"
Ensinnäkin tutustuessani muinaisiin sivilisaatioihin, löysin hämmästyttävän maya-kulttuurin, joka on valtava fuusio luonnon .. Muinaisen taiteen muistomerkit, jotka ovat tulleet meille joidenkin meistä semanttisesta merkityksestä .. Nykytaiteessa havaitsemme. taiteilijoiden halu käyttää samoja periaatteita koristelujen luomisessa..

Moldovan taideteollisuus
Ei ole sattumaa, että siksi Moldova, pieni tasavalta, on aito arkeologinen El Dorado, korvaamattoman arvokkaan aarrekammio. On kerätty todella valtava materiaali, joka auttoi luomaan uudelleen monia sivuja.. Yleensä aarteita ja kolikoita on löydetty ei ole harvinaista Moldovassa. Erityisen kuuluisa on Kugureshti-aarre, joka juontaa juurensa aikaan.

sovellettu taide

Valtion kehitys, hoviaristokratian hyvinvoinnin kasvu vaati yhä useamman luksustavaroiden tuotantoa. Tässä suhteessa annettiin voimakas sysäys soveltavan taiteen kehitykselle. Lakkaustuotteiden tekniikan täydellisyys saavutetaan. Esiin tulee kansallinen japanilainen maki-e-tyyli, jossa tuote peitettiin ensin värillisellä lakalla, sitten levitettiin kuvio jauheeksi jauhetulla jalometallilla, jonka jälkeen päälle levitettiin kerros väritöntä lakkaa kiinnittämiseksi. se. Vähitellen lakatut ja metallituotteet korvaavat keramiikan kokonaan paitsi jokapäiväisestä käytöstä myös uskonnollisista astioista.

Keisarillisen perheen ja sen sisäpiirin jatkuvasti kasvavat vaatimukset vauhdittivat monenlaisten käsitöiden kehittymistä. Hopeat, pikkuesineitä, maljakoita, maalattuja kimonosilkkejä, kirjailtuja obivyöitä ja kihimo-naruja olivat tuon ajan aatelisten perheiden toiveita. Muun muassa oli tapana, että varakkaimmat perheet, erityisesti keisari, muuttivat talon sisustusta vuodenajan mukaan. Uusien seinien, väliseinien ja verhojen valmistukseen tarvittiin ennennäkemätön määrä kankaita, paperia, puukehyksiä, aina lakattuja ja maalattuja. Kaikilla ei ollut varaa sellaisiin kuluihin, mutta kuitenkin keskiaikaisissa palatseissa tapahtui tällaisia ​​​​huippuja.

Kirjallisuuden leviäminen, hovimiesten halu tulla tunnetuksi koulutetuiksi ihmisiksi, jotka osasivat kirjoittaa tankoja tai pitää erinomaisia ​​päiväkirjoja - kaikki tämä vaikutti osaltaan paperinvalmistusprosessin parantamiseen, jonka tuotanto aloitettiin jo Asuka-kaudella. Heian-kaudella tästä käsityöstä tuli todellinen taide: paperia valmistettiin värillisenä, koristeltu kohokuvioilla, piirustuksilla ja kullan- tai hopeapinnoituksella. Useat paperilaadut mahdollistivat jopa oikean vaihtoehdon valitsemisen tietylle kalligrafiselle teokselle halutun idean ilmaisemiseksi täydellisemmin.