1900-luvun alun venäläistä grafiikkaa. Venäläinen grafiikka XIX lopun - XX vuosisadan alun. Sisustus venäläisessä grafiikassa 1800- ja 1900-luvun alussa

Näyttelyaika 30.8.2016-28.11.2016 Paikka
Moskovan kaupunki

Valtion historiallinen museo esittelee ensimmäistä kertaa sisänäkymien graafisen kokoelman, joka on yksi Venäjän suurimmista. Näyttely esittelee noin 60 teosta sekä tunnustetuilta sisustusgenren mestarilta että vähemmän tunnetuilta taiteilijoilta 1800- ja 1900-luvulta. Katsojat pääsevät näkemään keisarillisten ja suurherttuan palatsien, kaupunki- ja maaseututilojen, Pietarin ja Moskovan kartanoiden sisätilat sekä Kremlin taivaaseenastumisen katedraalin ja Pietarin Iisakinkirkon.
Sisustusteema ilmestyi venäläisessä taiteessa 1700-1800-luvun vaihteessa, mutta yleistyi eniten 1800-luvun toisella neljänneksellä, lähinnä maalauksessa. Taiteilijoiden maalaamista olohuoneista, työhuoneista, luokkahuoneista ja lastenhuoneista on tullut tärkeitä aikakauden ikonografisia dokumentteja, joiden avulla voit luoda uudelleen arjen ympäristön ja jäljittää arkkitehtonisten tyylien vaikutusta talojen sisustukseen.
1800-luvun puoliväliin mennessä, historismin aikakaudella, sisustusteema saavutti erityisen suosion. Tänä aikana työskentelivät loistavat graafikot - E.P. Gau, L.O. Premazzi, A.A. Redkovsky, V.S. Sadovnikov, K.A. Ukhtomsky, I.I. Kaarle Suuri, joka kuvasi teoksissaan lukuisia keisarillisten asuntojen ja aatelistilojen huoneita.
1800-luvun kolmannella neljänneksellä valokuvauksen sisustusgenre muotoutui. Toisin kuin vesiväreillä, valokuvaus ei kuitenkaan pystynyt välittämään runsaasti sisustettujen huoneiden väriä. Tämä johti akvarellinäkymien suosioon myöhäisellä "valokuvauskaudella".
1900-luvun alussa luodut piirustukset erottuvat tyylillisesti erilaisella tavalla. "Retrospektiivisten unelmoijien" aikakaudella "dokumentaariset" näkymät korvataan tekijän näkemyksellä: sisätilat eivät näy kokonaisuutena, vaan erillisinä maalauksellisina "rajattuina" koostumuksina (esimerkiksi A. V. Sredinin pastellit).

Kirjoittaja, mestari
Tuntematon artisti
Nimi
Työskentely-olohuone talossa M.T. Pashkova Nevski Prospektilla Pietarissa
Luomisen paikka

Treffit
1830-luku

Taiteilijan huone P.F. Sokolov talossa P.V. Nashchokin Vorotnikovsky Lane -kadulla Moskovassa. Sokolov P.F. 1791-1848. 1824

Luokkahuone tuntemattomassa kartanossa. Rustman. 1827

Huonesviitti, jonka etualalla on lintuhäkki tuntemattomassa kartanossa. Tuntematon artisti. 1830-luku

Huonesviitti, jonka etualalla on ristikko, tuntemattomassa kartanossa. Gagarin G.G. (?). 1810-1893. 1830-1840 luvut

Kirjoittaja, mestari
Bestužev Nikolai Aleksandrovitš
Nimi
Volkonskyn selli Petrovsky Zavodin vankilassa. Näkymä ovelle päin
Luomisen paikka
Venäjän valtakunta
Treffit
1830-luku

Kirjoittaja, mestari
Efimov Nikolai Efimovich
Nimi
Teatterin auditorio prinssi G.I. Gagarin Roomassa
Luomisen paikka

Treffit
Noin 1830

Kirjoittaja, mestari
Efimov Nikolai Efimovich
Nimi
Toimisto V.P. Davydov taiteilija K.P. Bryullov töissä Davydovien talossa Roomassa
Luomisen paikka
Länsi-Eurooppa, Italia, Rooma
Treffit
1835

Kirjoittaja, mestari
Zaitsev P. G.
Nimi
Keisarinna Aleksandra Fedorovnan olohuone pienessä Nikolauksen palatsissa Moskovan Kremlissä
Luomisen paikka
Venäjän valtakunta, Moskova
Treffit
1836

Kirjoittaja, mestari
Obach Johann Kaspar
Nimi
Sisäkuvaa Venäjän Stuttgartin suurlähetystön talokirkosta jumalanpalveluksen aikana (?)
Luomisen paikka
Länsi-Eurooppa, Saksa
Treffit
1840-1850 luvut

huomautus
Zavalinon kartano (Aleksandrovskin alue, Vladimirin maakunta) 1700-luvulta. kuului Akinfovien aatelissukuun. 1800-luvun puolivälissä, senaattori F.V.:n kuoleman jälkeen. Akinfov (1789-1848), tila siirtyi hänen ainoalle tyttärelleen ja perilliselle E.F. Akinfova (1821-1892) ja hänen miehensä N.I. Krusenstern (1802-1881), amiraali I.F. Kruzenshtern (1770-1846), joka teki ensimmäisen Venäjän maailmanympärimatkan vuosina 1802-1806.

Kirjoittaja, mestari
Zalessky Jakov
Nimi
Huone E.I. Nelidova Smolnyn luostarissa Pietarissa
Luomisen paikka
Venäjän keisarikunta, Pietari
Treffit
1839

Kotimaisen 1800- ja 1900-luvun lopun grafiikan kokoelma Sergiev Posadin museo-suojelualueella on kooltaan pieni, vähemmän systemaattinen ja täydellinen kuin sen tämän ajanjakson kuvakokoelma. Mutta sillä on oma taiteellinen merkityksensä yleisessä museokompleksissa.
Museon graafisen kokoelman (ja myös kuvallisen) erityispiirteenä on paikallisten taiteilijoiden teosten valtaosa ja tietty temaattinen painopiste, joka liittyy kolminaisuus-Sergius Lavran ja kaupungin ikonografiaan. Erityinen osa siitä koostuu yksittäisistä arkkeista (harvoin - teosjaksoista), joita ovat laatineet kuuluisat kotimaisen kuvataiteen mestarit - I.I. Shishkina, B.M. Kustodieva, K.S. Petrova-Vodkina, V.A. Favorsky, T.A. Mavrina ja muut (noin 80 teosta).

Ensimmäiset askeleet kohti kokoelman muodostumista otettiin museon toiminnan alussa - vuosina 1920-1921: TSL:n "Arkkitehtonisten aiheiden näyttelystä" ostettiin yli 30 paikallisten taiteilijoiden graafista teosta.
Kokoelman arvokkain osa on lahjahankinta ja graafisten teosten osto yksityishenkilöiltä. Tällä tavalla I.I. Shishkina, B.M. Kustodieva, V.A. Favorsky, L.S. Bakst. "Nimet" (I. Repin, V. Makovsky, I. Shishkin, K. Korovin jne.) ovat "nimettyjä", mutta niitä edustavat yksittäiset teokset. Venäläisen grafiikan "persoonat" museokokoelmassa ovat oleellisesti samat - T.A. Mavrina (SPMZ:n kokoelma antaa meille mahdollisuuden näyttää hänen töitään kehitysvaiheessa 1940-luvulta 1970-luvulle parhaiden teosten esimerkin avulla). Siitä huolimatta klassisten taiteilijoiden yksittäiset teokset ovat erittäin arvokkaita XIX-XX vuosisadan lopun "maakunnan" taidekokoelmalle.

Varhaisimmat esimerkit painetusta grafiikasta tarkastelemassamme teoskokonaisuudessa ovat 1800-luvun 80-luvulta. Ne liittyvät yhteen "persoonallisuuksiin" - maamerkkiin ja merkittävään tämän ajanjakson venäläisen kaiverruksen historiassa - I.I. Shishkin (1832 1898).
Muista, että 1870-luku oli venäläisen painetun grafiikan siirtymä- ja "siirtymävaihetta", sävykaiverruksen dominanssia. Mutta myös tällä ei kaikkein luovimmalla ajanjaksolla oli aitoja puupiirrosten (V.V. Mate) ja etsauksen (I.I. Shishkin) virtuooseja. Kokoelmamme sisältää neljä taiteilijan etsausta, jotka hän on luonut 1880-luvulla (aika, joka oli erityisen hedelmällistä Shishkinin työssä). Nämä ovat arkit "Gurzuf" (1885), "Schwarzwald" (1885), "Huhtikuu" (1885), "Swamp on the Warsaw Railway" (1886), jotka ovat loistavia käsityönä ja hienovaraisesti välittämään luonnon tilaa. Museon kokoelmassa on myös kuuluisien venäläisten maalareiden, kuten kiertotaiteilija Vladimir Jegorovich Makovskin (1846-1920) ja Valentin Aleksandrovitš Serovin (1865-1911), piirustuksia. Muotokuvia V.E. Piirustuksessa tehdyt Makovskyt ovat sommittelultaan ja täydellisyydeltään yhtä moitteettomia kuin hänen öljymaalauksensa. Muotokuvamestarina V.E. Makovskylla oli kyky välittää tarkasti kuvattavan henkilön ulkoisen samankaltaisuuden lisäksi myös hänen henkisten liikkeidensä piirteet korostaen niitä päähenkilön piirteitä, jotka määräävät henkilön toimet, hänen ajatuksensa ja tunteensa. Valentin Serov, kuten jokainen todellinen taiteilija, työskenteli huomattavan hyvin paitsi öljymaalauksessa, myös hallitsee mestarillisesti piirustustekniikan. Hänen lukuisissa lyijykynällä ja hiilellä tehdyissä teoksissaan on sama eloisuus ja tarkkuus kuvattujen ihmisten luonteen välittämisessä, sama toteutus täydellinen kuin hänen öljymaalauksissaan.

Museon kokoelma sisältää useita kuuluisien venäläisten taiteilijoiden teoksia 1800-luvun lopulta - 1900-luvun alun. Tämä on ennen kaikkea venäläisen kuvataiteen suurimman symbolismin ja modernin edustajan Mikhail Vrubelin (1856–1910) piirros. Yhdessä L.S. Bakst ja M.A. Vrubelia, venäläisen grafiikan kukoistusaikaa 1800-1900-luvun vaihteessa ja 1910-luvulla, edustaa K.A. Korovin (1861-1939) - luonnos maisemista vuonna 1917 N.A.:n oopperaan. Rimski Korsakov "Sadko". Tämä luonnos on ainoa "elänyt" esimerkki teatterimaisemagrafiikasta. Tyylillisesti arkkimme on lähellä useita K. Korovinin 1900-luvun lopun-1910-luvun teatteriteoksia. K. Korovinin "Sadko"-luonnokset vuosina 1906, 1914 eroavat monimutkaisemmasta kompositsioonirakenteesta, ne sisältävät paitsi "Kuoron" kuvan, myös avoimen terassin, jonka jännevälien kautta näkyy maisema - "meri" sininen". Levyssämme on kammioääni: se edustaa kammion sisusta korkealla holvilla, pienillä ikkunoilla, kaakeliuunilla ja penkeillä.
Museon grafiikkakokoelmassa on myös pieni Ilja Efimovitš Repinin piirustus "Kirjailija Leontiev-Shcheglovin muotokuva". I.L. Leontiev-Shcheglov (1856-1911) - lahjakas venäläinen kirjailija ja näytelmäkirjailija

Graafiset arkit B.M. Kustodiev Sergiev Posadin museo-suojelualueen kokoelmassa on kolme linoleikkausta vuodelta 1926 (allekirjoitettu, tekijän päivämäärä), jotka on saatu vuonna 1928 yksityisestä kokoelmasta. Taiteilijan työssä grafiikalla oli suuri merkitys, vaikka hän oli suurimmaksi osaksi taidemaalari. Kustodiev teki 1920-luvulla paljon kirjakuvituksia, julisteita ja maalaustelinekaiverruksia (puupiirroksia, litografioita, linopiirroksia). Vuonna 1926 B.M. Kustodiev loi useita sävellyksiä "Uimareiden" kanssa lino-, puu- ja akvarellitekniikoilla. Päiväkirjamerkinnöissä vuodelta 1926 ensimmäisen elämäkerran Kustodiev V.V. Voinov (graafikko, taidehistorioitsija, taidekriitikko) kuulee jatkuvasti Boris Mihailovitšin linoleikkausten "Uimari" ja "Uimari" -teoksen teemaa. Jatkuva malli B.M.:n viime vuosina. Kustodiev "muotokuvista, maalausten hahmoista, kansista, kaiverruksista, kuvituksista" oli hänen tyttärensä Irina. Hän poseerasi isälleen ja kaiverrukseen "Uimari".
Yli sarjan "Bathers" B.M. Kustodiev työskenteli sanan kirjaimellisessa merkityksessä elämänsä viimeisiin päiviin asti: tämän syklin viimeisen kaiverruksen hän teki 4. toukokuuta 1927 (ja taiteilija kuoli 26. toukokuuta).

Yhden 1900-luvun venäläisen taiteen merkittävimmistä hahmoista, puupiirrosten klassikon V.A. Favorskya (1886-1964) edustaa museokokoelmassa kuusitoista graafista arkkia eri aikakausilta: nämä ovat maalausteoksia, kirjakuvituksia ja näytteitä hänen "tyyppigrafiikkastaan".
Arkkien valinta on suurelta osin satunnaista, kaikki eivät ole mestarin ensiluokkaisia ​​tai ikonisia töitä. Vuosina 1919-1939 tämän perheen jäsenet (mukaan lukien Vladimir Andreevich Favorsky) asuivat Sergiev Zagorskissa, juurtuivat sen henkiseen ja kulttuuriseen elämään, loivat monia teoksiaan täällä, ja appi V.A. Favorsky oli yksi museomme järjestäjistä.
Heidän joukossaan on yksi tämän mestarin työkauden kuuluisimmista, merkittävimmistä teoksista - maalaustelinekaiverrus "Lokakuu 1917" 1928. Tämä puupiirros luotiin Kansankomissaarien neuvoston ensimmäisellä valtion määräyksellä lokakuun vallankumouksen 10-vuotispäiväksi. . Sitten Favorsky suunnitteli sarjan "Years of Revolution", jossa "kronologiseen järjestykseen järjestettyjen piirustusten piti luoda uudelleen koko Neuvostovaltion historia ensimmäisten 10 vuoden aikana vuodesta toiseen". Puupiirros "Lokakuu 1917" on yksityiskohtainen juoni-kerrotus ja samalla symbolinen, metaforinen sommitelma, jossa on monia hahmoja ja useita jaksoja, jotka ovat varsin orgaanisesti sulautuneet yhdeksi.

Myöhäinen kausi V.A. Favorsky kokoelmassamme ovat kaiverruksia hänen parhaista, tunnetuimmista 1950-luvun jaksoistaan, joista taiteilijalle myönnettiin Lenin-palkinto vuonna 1962, - kuvituksia vuodelta 1950 teoksille "Tarina Igorin kampanjasta" ja "Boris Godunoville" vuonna 1955. , lahjoitettu museolle vuonna 1965.
Ne osoittavat täydellisesti Favorskyn puupiirrosten "myöhäistä tyyliä", jossa enemmän huomiota kiinnitetään hahmojen ulkonäköön, asetelmaan, pukuun, jossa kuvalliset keinot luonnollisesti muuttuvat: tietty "maalallisuus" tulee korvaamaan graafisten ratkaisujen askeettisuuden. ääriviivat ja avoin varjostus. Eeppinen juhlallisuus, "Sanan" eeppinen luonne kuulostaa täyteläiseltä monihahmoisessa koostumuksessa ("Ennen taistelua"), jossa Favorsky sisältää kuvia venäläisistä sotilaista taistelulipun alla ja Guslyarista. Erilaisista graafisista sykleistä V.A. Favorsky 50-luvulla A.S.:n dramaturgiaan. Puškin ("Boris Godunov", "Pienet tragediat") museon kokoelmassa on vain yksi kuvitus tragedialle "Boris Godunov" - "Pimen ja Grigory" 1955.

Erinomaisen kotimaisen graafikon ja taidemaalarin Tatjana Aleksejevna Mavrinan teosten kokoelma Sergiev Posadin museo-suojelualueella volyymiltaan, teosten tasoltaan ja genren monimuotoisuudeltaan on verrattavissa vain maan suuriin museokokoelmiin, joissa on kokoelmia mm. 1900-luvun grafiikkaa. (GMIII, Valtion Tretjakovin galleria, Venäjän valtionmuseo). Nämä ovat kuusikymmentäkaksi arkkia, jotka tulivat meille vuosina 1977-1978 kirjailijan museon henkilökohtaisen näyttelyn jälkeen. T.A.:lle annettiin 45 teosta. Mavrina lahjaksi.
Kronologisesti Mavrinian teosten kokoelma kattaa suuren ajanjakson taiteilijan työstä (viimeisimmät päivämäärät ovat 1944 ja 1976; lisäksi suunnilleen yhtä suuri määrä arkkeja viittaa 40-, 50-, 60- ja 70-lukujen ajanjaksoihin). Se edustaa riittävää valikoimaa graafisia tekniikoita, joissa Mavrina työskenteli hedelmällisesti: näitä ovat vesivärit, guassit, sekatekniikalla tehdyt arkit (tempera, guassi tai tempera, guassi, akvarelli), lyijykynäpiirrokset, tussipiirrokset.

"Zagorskin sykli" T.A. Mavrina, joka ilmaisi selkeästi maailmankatsomuksensa, taiteen prioriteetit, ainutlaatuinen tyylinsä, jota usein ja oikeutetusti kutsutaan "Mavrinskiksi", alkoi muotoutua 1940-luvulla. 50-luvun Mavrinian teosten "juonisarja" on Lavran "upeasti nähty" kokonaisuus, Pjatnitskin luostari, vanha kaupunki ja sen asukkaiden elämä - arkipäivää ja juhlaa, ruumiillistuen sen erityiseen, metaforiseen ja runolliseen avaimeen , joka liittyy kansantaiteen ja kansanperinteen figuratiivisuuteen. Yhtä ilmeikkäitä ja vapaita, rohkeita piirroksia, sommittelua ja väriä ovat 1960- ja 1970-lukujen arkit. Heidän temaattista sommitteluaan hallitsevat edelleen genremaisemat, joiden otsikoissa aktiivi-kotimainen puoli korostuu. Klassinen esimerkki "Mavrinian muotokuvasta" kokoelmassamme on "Demidova" 1973. "Demidova" on upea esimerkki kahden genren orgaanisesta yhdistelmästä - "muotokuva maisemassa": suuri, edestä, puolipitkä kuva "Venäläinen vanha nainen" valkoisessa huivissa kesäkylämaiseman taustalla, jossa kansanmaalausten ja suosittujen tulosteiden ikivanhan perinteen mukaan kuviin on kirjoitettu kirjoituksia.

Huolimatta tämän yhdistyksen kiistanalaisesta luonteesta, sen mestarit saavuttivat useilla alueilla vakavaa menestystä. "Taiteen maailman" ansiot grafiikan kehittämisessä, taistelussa korkean kirjasuunnittelun kulttuurin puolesta ovat kiistattomat. "World of Art":n toinen sukupolvi on vähemmän kiireinen maalaustelinemaalauksen ongelmien kanssa, heidän kiinnostuksen kohteet ovat grafiikka, enimmäkseen kirja. "Taiteen maailman" toisessa sukupolvessa oli suuria henkilöitä (Kustodiev, Sudeikin, Serebryakova, Chekhonin, Grigoriev, Jakovlev, Shukhaev, Mitrokhin jne.).

Ensimmäinen sukupolvi:

"Taiteen maailman" ideologinen johtaja oli Alexander Nikolaevich Benois (1870-1960).

Kuvittaja Benois (Pushkin, Hoffman) on kokonainen sivu kirjan historiassa. Toisin kuin Somov, Benois luo narratiivisen kuvituksen. Sivun taso ei ole hänelle itsetarkoitus. The Queen of Spadesin kuvitukset olivat melko täydellisiä itsenäisiä teoksia, eivät niinkään "kirjan taidetta", kuin A.A. Sidorov, kuinka paljon "taidetta kirjassa on". Kirjakuvituksen mestariteos oli Pronssiratsumiehen (1903, 1905, 1916, 1921–1922, tussi ja akvarelli värillisiä puupiirroksia jäljittelevä) graafinen suunnittelu. Suuren runon kuvitussarjassa päähenkilönä on Pietarin arkkitehtoninen maisema, nyt juhlallisesti säälittävä, nyt rauhallinen, nyt synkkä, jota vastaan ​​Eugenin hahmo näyttää vielä merkityksettömämmältä. Näin Benois ilmaisee traagisen konfliktin Venäjän valtion kohtalon ja pienen ihmisen henkilökohtaisen kohtalon välillä.

"Taiteen maailman" johtava taiteilija oli Konstantin Andreevich Somov (1869-1939). Somov omistaa sarjan graafisia muotokuvia aikalaisistaan ​​- henkisestä eliitistä (V. Ivanov, Blok, Kuzmin, Sollogub, Lansere, Dobuzhinsky jne.), joissa hän käyttää yhtä yleistä tekniikkaa: valkoisella taustalla - tietyssä ajattomassa pallo - hän piirtää kasvot, samankaltaisuuden, jossa se ei saavuteta naturalisoinnilla, vaan rohkeilla yleistyksellä ja osuvalla luonteenomaisten yksityiskohtien valinnalla. Tämä ajan merkkien puute luo vaikutelman staattisuudesta, jäykkyydestä, kylmyydestä, melkein traagisesta yksinäisyydestä. Hän suunnitteli S. Diaghilevin monografian D. Levitskystä, A. Benoisin teoksen Tsarskoje Selosta. Hän nosti kirjan yhtenä organismina, jossa on rytminen ja tyylillinen yhtenäisyys, poikkeuksellisen korkealle. Somov ei ole kuvittaja, hän "ei kuvaa tekstiä, vaan aikakautta käyttämällä kirjallista laitetta ponnahduslautana", kirjoitti A.A. Sidorov, ja tämä on erittäin totta.

Kolmas "taiteen maailman" ytimessä oli Lev Samuilovich Bakst (1866-1924). Hän tuli "taiteen maailmaan" Taideakatemiasta, tunnusti sitten jugendtyyliä, liittyi eurooppalaisen maalauksen vasemmistosuuntauksiin. Taiteen maailman ensimmäisissä näyttelyissä hän esitteli useita kuvallisia ja graafisia muotokuvia (Benois, Bely, Somov, Rozanov, Gippius, Diaghilev), joissa elävien tilojen virrassa tuleva luonto muuttui eräänlaiseksi ihanteellinen esitys nykyajan ihmisestä. Bakst loi "World of Art" -lehden tuotemerkin, josta tuli Diaghilevin "Russian Seasons" -lehden tunnus Pariisissa. Bakstin grafiikasta puuttuu 1700-luvun aiheita. ja kiinteistöjen teemoja. Hän vetoaa antiikin puolelle, lisäksi kreikkalaiseen arkaaiseen, symbolisesti tulkittavaan.

Jevgeni Evgenyevich Lansere (1875 - 1946) omisti paljon energiaa ja huomiota tälle erityiselle taiteelle. Venäläinen kirjallisuuskuvitus ei tiennyt aikaisemmin niin paljon kuvamotiiveja harmonisessa yhteydessä kirjaan ja kirjan sivuun, ei saavuttanut niin taitavasti piirustuksen sisällön ja koristeellisuuden yhdistelmää, kirjan korkeaa kulttuuria, joka on paras. tämän ajanjakson grafiikka saavutettu. Yksi Lanseren parhaista luomuksista - 70 piirustusta ja vesiväriä L.N. Tolstoin "Hadji Murad" (1912-1915), jota Benois piti "itsenäisenä kappaleena, joka sopii täydellisesti Tolstoin voimakkaaseen musiikkiin". Lansere loi joukon akvarelleja ja litografioita Pietarista (Kalinkinin silta, Nikolsky-tori jne.). Arkkitehtuurilla on valtava paikka hänen historiallisissa koostumuksissaan ("Keisarinna Elizaveta Petrovna Tsarskoje Selossa", 1905, Valtion Tretjakovin galleria). Voimme sanoa, että Serovin, Benoisin, Lanseren teoksissa luotiin uudenlainen historiallinen maalaus - siitä puuttuu juoni, mutta samalla se luo täydellisesti uudelleen aikakauden ilmeen, herättää monia historiallisia, kirjallisia ja esteettisiä. yhdistykset.

Mstislav Valerianovich Dobuzhinskyn (1875–1957) grafiikka ei edusta niinkään Puškinin aikakauden tai 1700-luvun Pietaria, vaan modernia kaupunkia, jonka hän pystyi välittämään lähes traagisella ilmaisuvoimalla ("Vanha talo", 1905, akvarelli , Tretjakovin osavaltion galleria), sekä henkilö - tällaisten kaupunkien asukas ("Mies lasilla": yksinäinen, tylsien talojen taustalla, surullinen mies, jonka pää muistuttaa kalloa). Tulevaisuuden urbanismi inspiroi Dobužinskiä paniikkipelkolla. Hän työskenteli myös laajasti kuvituksen parissa, jossa hänen mustepiirustussarjaansa Dostojevskin Valkoisiin öihin (1922) voidaan pitää merkittävimpänä.

Joillekin "taiteen maailmalle" Venäjän ensimmäinen vallankumous oli kuitenkin todellinen vallankumous heidän maailmankuvassaan. Grafiikan liikkuvuus ja saavutettavuus aiheuttivat hänen erityisen aktiivisuuden näinä vallankumouksellisen myllerryksen vuosina. Satiirisia aikakauslehtiä syntyi valtava määrä (380 nimikettä laskettiin vuosina 1905–1917). Sting-lehti erottui vallankumouksellis-demokraattisella suuntautumisestaan, mutta suurimmat taiteelliset voimat ryhmittyivät Bogeyn ja sen Infernal Mail -liitteen ympärille. Autokratian hylkääminen yhdisti eri suuntauksia edustavat liberaalimieliset taiteilijat. Yhdessä Zhupelin numerossa Bilibin sijoittaa karikatyyrin "Aasi 1/20 kokoisessa": kehykseen, jossa on voiman ja loiston ominaisuuksia, johon kuninkaan kuva yleensä sijoitettiin, piirretään aasi. Lansere tulostaa vuonna 1906 sarjakuvan "Feast": tsaarin kenraalit synkässä juhlassa eivät kuuntele laulua, vaan huutavia sotilaita, jotka seisovat huomiossa. Dobuzhinsky kuvassa “Lokakuun idylli” pysyy uskollisena modernin kaupungin teemalle, tähän kaupunkiin tunkeutui vain pahaenteisiä merkkejä tapahtumista: luodin rikkoutunut ikkuna, makaava nukke, lasit ja veritahrat seinällä ja jalkakäytävä. Kustodiev teki joukon karikatyyrejä tsaarista ja hänen kenraaleistaan ​​sekä muotokuvia tsaarin ministereistä Wittestä, Ignatievista, Dubasovista ja muista, jotka olivat poikkeuksellisen terävyyttä ja ilkeä ironia, joita hän opiskeli niin hyvin auttaessaan Repiniä hänen työssään valtiosta. neuvosto. Riittää, kun sanotaan, että Witte hänen kätensä alla näyttää huikealta klovnilta, jonka toisessa kädessään on punainen lippu ja toisessa kuninkaallinen lippu.

Mutta ilmeisimpiä noiden vuosien vallankumouksellisessa grafiikassa tulisi tunnustaa V.A. Serov. Hänen asemansa oli varsin selvä vuoden 1905 vallankumouksen aikana. Vallankumous herätti henkiin koko sarjan Serovin karikatyyrejä: ”1905. Rauhoituksen jälkeen” (Nikolaji II, maila kainalossaan, jakaa Pyhän Yrjön ristejä tukahduttajille); "Sadonkorjuu" (kiväärit laitetaan lyhteisiin pellolle). Tämän sarjan tunnetuin sävellys on "Sotilaat, rohkeat lapset! Missä on kunniasi? (1905, Venäjän museo). Serovin kansalaisasema, hänen taitonsa, havainnointikykynsä ja viisas lakonismi piirtäjänä ilmenivät tässä täysin. Serov kuvaa kasakkojen hyökkäyksen alkamista mielenosoittajia vastaan ​​9. tammikuuta 1905. Taustalla mielenosoittajat esitetään yleismessuina; edessä, aivan arkin reunalla, suuret - yksittäiset kasakkojen hahmot ja ensimmäisen ja taustan välissä keskellä - upseeri, joka kutsuu heitä hyökkäämään hevosen selässä, sapeli vedettynä. Nimi sisältää ikään kuin tilanteen katkeran ironian: venäläiset sotilaat tarttuivat aseisiin kansaansa vastaan. Niin se oli, ja näin tämän traagisen tapahtuman ei nähnyt vain Serov työpajansa ikkunasta, vaan myös (sanotaanko kuvaannollisesti) koko venäläisen älymystön liberaalin tietoisuuden syvyyksistä. Vuoden 1905 vallankumousta myötätuntoiset venäläiset taiteilijat eivät tienneet, minkälaisten kansallisen historian kataklysmien partaalla he olivat. Otettuaan vallankumouksen puolelle he pitivät suhteellisesti parempana terroristipommittajaa (nihilistisen raznochintsin perillisiltä, ​​"joilla on taitojaan poliittisessa taistelussa ja indoktrinoida suuria yhteiskunnan osia", erään historioitsijan oikean määritelmän mukaan) järjestyksen suojeluksessa seisovalle poliisille. He eivät tienneet, että vallankumouksen "punainen pyörä" pyyhkäisi pois paitsi heidän vihaaman itsevaltiuden, myös koko venäläisen elämäntavan, koko venäläisen kulttuurin, jota he palvelivat ja joka oli heille rakas.

Uuden taiteellisen aikakauden käännettä leimaa aikansa taiteessa monessa suhteessa erottuva suuren mestarin - espanjalaisen F. Goyan - toiminta. Loistava taidemaalari, hän siirtyi kaiverrukseen jo vanhempana, 50 vuoden jälkeen, ja hänestä tuli luultavasti ensimmäinen taiteilija Rembrandtin jälkeen, jonka käsissä etsaus ei osoittautunut perifeeriseksi kamaritaidemuodoksi, kuten useimmat hänen aikalaisensa, vaan tehokas keino lavastella ja ratkaista aikansa tärkeimpiä luovia ja sosiaalisia ongelmia. Goya kohoaa molempien yläpuolelle yhdistäen 1700- ja 1800-luvun graafisen kulttuurin. Täydentäen ja muuttaen 1500-1700-luvun luovan kaivertamisen olennaisia ​​kehityslinjoja hän ennakoi niitä uusia suuntauksia, jotka kehittyvät vuosikymmeniä myöhemmin.

Ensimmäinen suuri sarja hänen akvatintaetsauksiaan tehtiin 1790-luvun jälkipuoliskolla. ja sen nimi oli "Caprichos". Tämän sanan (tosin ei espanjaksi, mutta italiaksi transkriptiolla) olemme jo tavanneet grafiikan historiassa. "Caprici", ts. "omituisuudet", "fantasiat" ovat pohjimmiltaan fiktiivisten, mielivaltaisesti järjestettyjen kuvien erityisgenren nimitys (toisin kuin juoniltaan autenttisesti luonnollinen tai kanoninen), jota monet eurooppalaisen grafiikan mestarit kunnioittivat - Callosta Tiepoloon ja Piranesi: eloisaa, kevyttä, joskus koristeellista muotoilua, elegantisti manieroituja luonnoksia neulalla.

Goyan kanssa kaikki osoittautui paljon vakavammaksi ja syvemmäksi. Hänen fantasioidensa tunnerakenne on synkkä, joskus traaginen. Tässä syklissä ei ole poikkileikkauskuvaa, vaikka joitain arkkiryhmiä yhdistää tietty semanttinen samankaltaisuus. Yksittäisten sävellysten teemat syntyvät arvaamattomasti, vuorottelevat monimutkaisten assosiatiivisten linkkien mukaan. Samaan aikaan sarja tuntuu, toisin kuin perinteinen "capricci", kehittyväksi, sisäisesti kiinteäksi narratiiviksi, eräänlaiseksi graafiseksi "romaaniksi syövytyksissä". Fantastiset kuvat syntyvät suorien arjen havaintojen keskeltä. Elämä vedetään voimakkaaksi taiteilijan heijastusten ja kokemusten virraksi ja muuttuu siinä: yhteiskunnan ja sen kiinteistöjen tavat ja paheet, suosittu taikausko, viranomaisten, kirkon ja maallisen julmuus. Kaikki, mikä voi ilmentää hänen tunteitaan, pannaan käytäntöön: arkikohtaus ja allegoria, armoton groteskki, muodonmuutos, tarulliset ihmisen korvaukset eläimellä (apina, aasi) tai käsittämätön hirviö. "Caprichoksen" outoa, monipuolista maailmaa yhdistää tyypillinen tiivistynyt-hohteleva ilmapiiri, nyt tiheä ja salaperäinen, nyt jokseenkin valaistunut. Sen luomiseksi mestari käytti mestarillisesti silloin uutta akvatintatekniikkaa. Goyan värähtelevä, värähtelevä etsaus kertoo myös sen epävakaasta liikkuvuudesta hänen hahmoilleen. Sillä ei ole mitään yhteistä eurooppalaisessa grafiikassa vuosisadan vaihteessa vallinneiden klassismin kylmien sileiden linjojen kanssa.

Lyhyet allekirjoitukset arkkeilla ovat myös avoimesti tunteita herättäviä. Niissä on taiteilijan suora ääni, hänen synkäs-ironiset intonaationsa, huudahdukset, usein surulliset. Puuttumatta etsausten puhtaasti plastiseen ilmeisyyteen ne aktivoivat kirjallista, juonidraamaa ja niissä olevien kuvien moniselitteistä symboliikkaa. Goya itse on jatkuvasti läsnä etsauksissaan, puhuttelee katsojaa suoraan, etsien hänestä osallisuutta ja myötätuntoa. Ei ole sattumaa, että sarjan johdantoarkki on taiteilijan omakuva, joka psykologisella jännittellään ja hillityllä draamallaan vastaa erittäin tarkasti sen henkeä. Goyan toisen etsaussarjan - "The Disasters of War" (1810-1820) aloitti "Caprichos" vuosikymmen myöhemmin dramaattisten tapahtumien joukossa - Napoleonin joukkojen valtaamassa Espanjan ja kansan epätoivoisen vastarinnan. Taistelijoiden keskinäinen raivo, joka johtaa ihmiset julmuuteen, teloituksiin, kidutukseen ja väkivaltaan, valtaa nämä etsaukset. "Minä näin tämän"... "Ja myös tämä", taiteilija kirjoittaa lakanoidensa alle vaatien, että näemme myös sen, mitä on "mahdotonta katsoa"...

Mutta tässä sarjassa, kuten myös Caprichoksessa, hirviömäiset kuvat todellisuudesta, veriset ja kauhistuttavat jaksot sotilaallisen arjesta kietoutuvat fantastisiin ja groteskeihin kuviin, joiden kautta Goyan traaginen symboliikka yleistetään ja ymmärretään. Hevonen, joka taistelee kavioillaan susilaumaa vastaan, sodan ruma kronikoija, jolla on kynnet käsissä ja jaloissa ja lepakoiden siivet korvien sijasta ... "Totuus on kuollut" on toiseksi viimeinen pilvineen lehden nimi haamuja nuoren naisen ruumiin päällä. "Nouseeko hän uudestaan?" - kysyy taiteilija jälkimmäisessä. Monet "Caprichos"-teemat, synkimmät laittomuuden ja petoksen teemat, pahojen intohioiden ja ennakkoluulojen hallinta jälleen uudella energialla, Goya toistaa tässä sarjassa. Epämääräisen taustan hämärä on sitäkin paksumpi siinä, sotkeutuneiden kappaleiden vyöt ovat erottamattomia dynaamisissa koostumuksissa, etsausneulan raivoisa ilme rikkoo kaikki perinteisen piirtämisen normit. Ja lopuksi Goyan myöhäisessä albumissa "Disparates" - "Follies" (1818) taiteilijan traaginen fantasia yleistyy, saa synkän majesteettisen soundin. Voimakkaat impulssit tulevat Goyan etsauksista 1800- ja 1900-lukujen grafiikassa; sukupolvi myöhemmin - E. Delacroix'n litografioiden romanttiseen fantasiaan, O. Daumierin satiiriseen patokseen; kokonaisen vuosisadan jälkeen - intohimojen räjähdykseen saksalaisten ekspressionistien kaiverruksissa, K. Kollwitzin sosiaaliseen tragediaan, E. Barlachin intohimoisiin impulsseihin.

Huomenna Torzhokissa aukeaa näyttely, jossa 1900-luvun ensimmäisen puoliskon niin kutsutun "formalistisen" grafiikan kehityshistoriaa havainnollistavat A. Labasin, V. Lebedevin, M. Axelrodin ja muiden teokset. kuuluisia venäläisiä taiteilijoita

Koko Venäjän historiallinen ja etnografinen museo, 1.6.-1.8.2012
Tverin alue, Torzhok, aukio 9. tammikuuta 2. näyttelyhalli

Huomenna 1. kesäkuuta Kokovenäläisessä historiallisessa ja etnografisessa museossa Vellum-galleria avaa näyttelyn 1900-luvun venäläisen grafiikan perinteitä. 1900-1950."

Näyttelyssä on esillä A. V. Fonvizinin, A. A. Labasin, V. V. Lebedevin, A. F. Sofronovan, A. I. Vataginin, A. M. Kanevskyn, M. M. Axelrodin ja A. L. Kaplanin, A. S. Konovalovan, B. A. Smirnov-Rusetskyn, E. F. Ermilovan teoksia. Näyttely havainnollistaa niin sanotun "formalistisen" grafiikan kehityshistoriaa 1900-luvun alkupuoliskolla.

1800-luvun alussa Venäjällä alkoi muodostua kokoelmia, joihin koottiin taiteilijoiden grafiikkaa maalausten ohella. Kuuluisille maalareille tilattiin akvarelli- ja kynämuotokuvia, olohuoneet koristeltiin paperille toteutetuilla maisemilla.

Grafiikan yhteys muihin kulttuurin aloihin oli joustava ja monipuolinen. Kuvituksena hänellä oli suora pääsy kirjallisuuteen, kirjaan ja julkaisutoimintaan, maisemaluonnoksena - teatteriin, projektina - arkkitehtuuriin, taideteollisuuteen ja erilaisiin ihmisen toiminnan aloihin.

Michelangelo uskoi, että piirtäminen on taidemaalarin, kuvanveistäjän ja arkkitehdin korkein saavutus, ja piirtäminen on kaikenlaisten kuvataiteiden lähde ja sielu.

1900-lukua venäläisessä kulttuurissa leimaavat myös taiteilijoiden erinomaiset saavutukset graafisen taiteen alalla. 1900-luvun grafiikkakokoelma on Tretjakovin gallerian grafiikkarahaston suurin osa. Maalausteline ja luonnos, näkemästään fiksaatio tai puhdas fantasia, luettava kuvitus, kaiverrusaihio tai teatteriasuprojekti, karikatyyri liioittelua tai kokonaisuudesta eristetty yksityiskohta välittävät ja ennalta määrittävät graafisen tyylin työ.

Näyttely "1900-luvun venäläisen grafiikan perinteitä. 1900-1950 luvulla." jatkaa Galleria "Vellum" näyttelysarjaa maakuntien museoissa; sitä edelsi vanhan venäläisen koulukunnan taiteilijoiden esitykset Muromin taidemuseossa, Rostovin Kremlissä ja Marc Chagall -museossa Vitebskissä.

Näyttelyn järjestäjä:
Moskovan kulttuurilaitos "Galleria" Vellum ""
Puh.: +7 (495) 776–33–31; 695–13–53 (ulk. 147)
Sähköposti: [sähköposti suojattu]
www.vellum.ru

Koko Venäjän historiallinen ja etnografinen museo (Torzhok)
www.viemusei.ru

Huomio! Kaikki sivuston materiaalit ja sivuston huutokaupan tulostietokanta, mukaan lukien kuvitetut viitetiedot huutokaupoissa myydyistä teoksista, on tarkoitettu käytettäväksi yksinomaan Art. Venäjän federaation siviililain 1274. Käyttö kaupallisiin tarkoituksiin tai Venäjän federaation siviililain sääntöjen vastaisesti ei ole sallittua. sivusto ei ole vastuussa kolmansien osapuolien lähettämän materiaalin sisällöstä. Jos kolmansien osapuolten oikeuksia rikotaan, sivuston hallinto pidättää oikeuden poistaa ne sivustolta ja tietokannasta valtuutetun elimen pyynnöstä.