Gráficos rusos de principios del siglo XX. Gráficos rusos de finales del siglo XIX - principios del siglo XX. Interior en gráficos rusos del siglo XIX y principios del XX.

Período de exposición 30.08.2016-28.11.2016 Lugar
Moscú

El Museo Estatal de Historia presenta por primera vez una colección gráfica de vistas interiores, que es una de las más grandes de Rusia. La exposición presenta unas 60 obras realizadas tanto por reconocidos maestros del género interior como por artistas menos conocidos del siglo XIX y principios del XX. Los espectadores verán los interiores de los palacios imperial y granducal, propiedades urbanas y rurales, mansiones de San Petersburgo y Moscú, así como la Catedral de la Asunción del Kremlin de Moscú y la Catedral de San Isaac en San Petersburgo.
El tema del interior apareció en el arte ruso entre los siglos XVIII y XIX, pero se generalizó en el segundo cuarto del siglo XIX, principalmente en la pintura. Las vistas de salas de estar, estudios, aulas y habitaciones infantiles pintadas por artistas se han convertido en importantes documentos iconográficos de la época, que permiten recrear el entorno cotidiano y rastrear la influencia de los estilos arquitectónicos en la decoración interior de las casas.
A mediados del siglo XIX, en la era del historicismo, el tema del interior ganó especial popularidad. Durante este período, trabajaron brillantes artistas gráficos: E.P. Gau, L. O. Premazzi, A.A. Redkovsky, V. S. Sadovnikov, K. A. Ukhtomsky, I. I. Carlomagno, que representó en sus obras numerosas estancias de residencias imperiales y haciendas nobiliarias.
En el tercer cuarto del siglo XIX toma forma el género interiorista en la fotografía. Sin embargo, a diferencia de las acuarelas, la fotografía no pudo transmitir el color de las habitaciones ricamente decoradas. Esto es lo que condujo a la popularidad de las vistas en acuarela a finales de la era "fotográfica".
Los dibujos creados a principios del siglo XX se distinguen por una forma estilísticamente diferente. En la era de los "soñadores retrospectivos", las vistas "documentales" son reemplazadas por la vista del autor: los interiores no se ven como un todo, sino como composiciones pintorescas "recortadas" separadas (por ejemplo, pasteles de A.V. Sredin).

autor, maestro
Artista desconocido
Nombre
Estudio-sala de estar en la casa de M.T. Pashkova en Nevsky Prospekt en San Petersburgo
Lugar de creación

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1830

Habitación del artista P.F. Sokolov en la casa de P.V. Nashchokin en Vorotnikovsky Lane en Moscú. Sokolov P. F. 1791-1848. 1824

Aula en una mansión desconocida. Rustman. 1827

Un conjunto de habitaciones con una jaula de pájaros en primer plano en una mansión desconocida. Artista desconocido. 1830

Un conjunto de habitaciones con enrejado en primer plano en una mansión desconocida. Gagarin G.G. (?). 1810-1893. 1830-1840

autor, maestro
Bestúzhev Nikolai Alexandrovich
Nombre
La celda de Volkonsky en la prisión de Petrovsky Zavod. Vista hacia la puerta
Lugar de creación
Imperio ruso
Tener una cita
1830

autor, maestro
Efimov Nikolái Efimovich
Nombre
El auditorio del teatro en la casa del Príncipe G.I. Gagarin en Roma
Lugar de creación

Tener una cita
Alrededor de 1830

autor, maestro
Efimov Nikolái Efimovich
Nombre
Oficina de V.P. Davydov con el artista K.P. Bryullov trabajando en la casa de los Davydov en Roma
Lugar de creación
Europa Occidental, Italia, Roma
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1835

autor, maestro
Zaitsev P. G.
Nombre
Sala de estar de la emperatriz Alexandra Feodorovna en el pequeño palacio de Nicolás en el Kremlin de Moscú
Lugar de creación
Imperio Ruso, Moscú
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1836

autor, maestro
Obach Johann Kaspar
Nombre
Vista interior de la iglesia de la casa en la embajada rusa en Stuttgart durante el servicio (?)
Lugar de creación
Europa Occidental, Alemania
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1840-1850

anotación
Manor Zavalino (distrito de Alexandrovsky, provincia de Vladimir) del siglo XVIII. Pertenecía a la noble familia de los Akinfov. A mediados del siglo XIX, tras la muerte del Senador F.V. Akinfov (1789-1848), la herencia pasó a su única hija y heredera E.F. Akinfova (1821-1892) y su esposo N.I. Krusenstern (1802-1881), hijo del almirante I.F. Kruzenshtern (1770-1846), quien realizó el primer viaje ruso alrededor del mundo en 1802-1806.

autor, maestro
Zalessky Yakov
Nombre
Sala E.I. Nelidova en el Monasterio Smolny en San Petersburgo
Lugar de creación
Imperio Ruso, San Petersburgo
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1839

La colección de gráficos domésticos de finales del siglo XIX y XX en el Museo-Reserva Sergiev Posad es pequeña en volumen, menos sistemática y completa que su colección pictórica de este período. Pero tiene su propio significado artístico en el complejo general del museo.
La especificidad de la colección gráfica del museo (así como de la pictórica) es el predominio de obras de artistas locales y un cierto enfoque temático asociado a la iconografía de la Trinidad-Sergius Lavra y la ciudad. Una parte especial se compone de hojas individuales (raramente - ciclos de obras) de maestros famosos de las bellas artes domésticas - I.I. Shishkina, B. M. Kustodieva, K. S. Petrova-Vodkina, VA Favorsky, T. A. Mavrina y otros (alrededor de 80 obras).

Los primeros pasos hacia la formación de la colección se dieron al comienzo de la actividad del museo, en 1920-1921: se compraron más de 30 obras gráficas de artistas locales de la "Exposición de Motivos Arquitectónicos" de TSL.
La parte más valiosa de la colección es la adquisición como regalo y la compra de obra gráfica a particulares. De esta forma, las obras de I.I. Shishkina, B. M. Kustodieva, V. A. Favorsky, L. S. Bakst. Los "nombres" (I. Repin, V. Makovsky, I. Shishkin, K. Korovin, etc.) son "nombrados", pero representados por obras individuales. El "personalismo" del arte gráfico ruso en la colección del museo es esencialmente el mismo: T.A. Mavrina (la colección de SPMZ nos permite mostrar su trabajo en desarrollo, desde la década de 1940 hasta la de 1970, usando el ejemplo de las mejores obras). Sin embargo, para la colección de arte "provincial" de finales del siglo XIX-XX, las obras individuales de artistas clásicos son extremadamente valiosas.

Los primeros ejemplos de gráficos impresos en el conjunto de obras que estamos considerando se remontan a los años 80 del siglo XIX. Están asociados con una "personalidad", un hito y significativo en la historia del grabado ruso de este período: I.I. Shishkin (1832 1898).
Recuerde que la década de 1870 fue un período de transición y "transición" para los gráficos impresos rusos, la época del dominio del grabado de tonos. Pero incluso en este período que no es el más creativo, hubo verdaderos virtuosos de los grabados en madera (V.V. Mate) y el grabado (I.I. Shishkin). Nuestra colección contiene cuatro grabados del artista, creados por él en la década de 1880 (un período que fue especialmente fructífero en el trabajo de Shishkin). Estas son las hojas "Gurzuf" (1885), "Selva Negra" (1885), "Abril" (1885), "Pantano en el Ferrocarril de Varsovia" (1886), brillantes en su artesanía y sutileza para transmitir el estado de la naturaleza. La colección del museo también contiene dibujos de pintores rusos famosos, como el artista itinerante Vladimir Yegorovich Makovsky (1846-1920) y Valentin Alexandrovich Serov (1865-1911). Retratos de V.E. Makovsky, realizados en el dibujo, son tan impecables en composición e integridad como sus pinturas al óleo. Siendo un maestro del retrato, V.E. Makovsky tenía el talento de transmitir con precisión no solo el parecido externo de la persona retratada, sino también las características de sus movimientos espirituales, destacando los rasgos principales del carácter que determinan las acciones, los pensamientos y los sentimientos de una persona. Valentin Serov, como cualquier artista real, trabajó notablemente bien no solo en pintura al óleo, sino que también dominó magistralmente la técnica del dibujo. Sus numerosas obras a lápiz y carboncillo tienen la misma vivacidad y precisión en la transmisión del carácter de las personas representadas, la misma perfección de ejecución que sus pinturas al óleo.

La colección del museo contiene varias obras de famosos artistas rusos de finales del siglo XIX y principios del XX. Este es, en primer lugar, un dibujo de Mikhail Vrubel (1856-1910), el mayor representante del simbolismo y la modernidad en las bellas artes rusas. Junto con las hojas de L.S. Bakst y M.A. Vrubel, el apogeo de los gráficos rusos entre los siglos XIX y XX y la década de 1910 está representado por el trabajo de K.A. Korovin (1861-1939) - un boceto del escenario en 1917 para la ópera de N.A. Rimski Korsakov "Sadko". Este boceto es el único ejemplo "sobreviviente" de gráficos de escenarios teatrales. Estilísticamente, nuestra hoja está cerca de una serie de obras teatrales de K. Korovin de finales de 1900-1910. Los bocetos de K. Korovin para "Sadko" en 1906, 1914 se distinguen por una construcción compositiva más compleja, incluyen no solo la imagen de "Coro", sino también una terraza abierta, a través de los cuales se ve un paisaje: "mar azul". Nuestra hoja tiene un sonido de cámara: representa el interior de la cámara con una bóveda alta, ventanitas, estufa de azulejos y bancos.
La colección gráfica del museo también tiene un pequeño dibujo de Ilya Efimovich Repin "Retrato del escritor Leontiev-Shcheglov". ILLINOIS. Leontiev-Shcheglov (1856-1911) - un talentoso escritor y dramaturgo ruso

Hojas gráficas B.M. Kustodiev en la colección del Museo-Reserva Sergiev Posad son tres linóleos de 1926 (firmados, fechados por el autor), recibidos en 1928 de una colección privada. En la obra del artista, la gráfica ocupó un lugar importante, aunque fue, en su mayor parte, pintor. En la década de 1920, Kustodiev hizo muchas ilustraciones de libros, carteles y grabados de caballete (grabados en madera, litografías, linóleos). En 1926 B. M. Kustodiev creó varias composiciones con "Bañistas" en las técnicas de linóleo, xilografía y acuarela. En las entradas del diario de 1926 del primer biógrafo Kustodiev V.V. Voinov (artista gráfico, historiador de arte, crítico de arte) escucha constantemente el tema del trabajo de Boris Mikhailovich en linóleos "Bañista" y "Bañista". Un modelo constante en los últimos años de B.M. Kustodiev "por retratos, personajes en pinturas, portadas, grabados, ilustraciones" fue su hija Irina. Posó para su padre y para el grabado "Bañista".
Durante una serie de "Bañistas" B.M. Kustodiev trabajó, en el sentido literal de la palabra, hasta los últimos días de su vida: el último grabado de este ciclo lo realizó el 4 de mayo de 1927 (y el 26 de mayo murió el artista).

La obra de una de las figuras más destacadas del arte ruso del siglo XX, un clásico de la xilografía V.A. Favorsky (1886-1964) está representado en la colección del museo por dieciséis láminas gráficas de diferentes épocas: se trata de obras de caballete, ilustraciones de libros y muestras de sus "gráficos tipográficos".
La elección de las hojas es en gran parte aleatoria, no todas ellas son obras icónicas o de primera clase del maestro. En 1919-1939 los miembros de esta familia (incluido Vladimir Andreevich Favorsky) vivían en Sergiev Zagorsk, estaban arraigados en su vida espiritual y cultural, crearon muchas de sus obras aquí y su suegro V.A. Favorsky fue uno de los organizadores de nuestro museo.
Entre ellos se encuentra una de las obras más famosas y significativas de este período de la obra del maestro: el grabado de caballete "Octubre de 1917" de 1928. Este grabado en madera fue creado por la primera orden estatal del Consejo de Comisarios del Pueblo para el décimo aniversario de la Revolución de Octubre. . Luego, Favorsky concibió la serie "Años de revolución", donde "se suponía que los dibujos dispuestos en orden cronológico recreaban la historia completa del estado soviético durante los primeros 10 años año tras año". El grabado en madera "Octubre de 1917" es una trama narrativa detallada y, al mismo tiempo, una composición simbólica y metafórica con muchos personajes y varios episodios, fusionados de manera bastante orgánica en uno.

El período tardío de V.A. Favorsky en nuestra colección son grabados de sus mejores y más famosos ciclos de la década de 1950, por los cuales el artista recibió el Premio Lenin en 1962: ilustraciones de 1950 para "El cuento de la campaña de Igor" y para "Boris Godunov" en 1955., donado al museo en 1965.
Demuestran perfectamente el "estilo tardío" de las xilografías de Favorsky, donde se presta más atención a la apariencia de los personajes, el escenario, el vestuario, donde los medios pictóricos cambian naturalmente: un cierto "pictórico" viene a reemplazar el ascetismo de las soluciones gráficas con contornos y sombreado abierto. La solemnidad épica, la naturaleza épica del sonido de la "Palabra" en todo su peso en la composición de varias figuras ("Antes de la batalla"), en la que Favorsky incluye imágenes de soldados rusos bajo el estandarte de la batalla y Guslyar. De la variedad de ciclos gráficos V.A. Favorsky en los años 50 a la dramaturgia de A.S. Pushkin ("Boris Godunov", "Pequeñas tragedias") en la colección del museo solo hay una ilustración de la tragedia "Boris Godunov": "Pimen y Grigory" de 1955.

La colección de obras de la destacada artista gráfica y pintora nacional Tatyana Alekseevna Mavrina en el Museo-Reserva Sergiev Posad en términos de volumen, nivel de obras, su diversidad de género solo puede compararse con las colecciones de museos más grandes del país que tienen colecciones de Gráficos del siglo XX. (GMIII, Galería Estatal Tretyakov, Museo Estatal Ruso). Se trata de sesenta y dos láminas que nos llegaron en 1977-1978 tras la exposición personal del autor en el museo. Cuarenta y cinco obras fueron entregadas a T.A. Mavrina como regalo.
Cronológicamente, la colección de obras mavrinianas abarca un amplio período de la obra del artista (las últimas fechas son 1944 y 1976; además, un número aproximadamente igual de láminas se refiere a los períodos de los años 40, 50, 60 y 70). Representa una variedad suficiente de técnicas gráficas en las que Mavrina trabajó fructíferamente: estas son acuarelas, gouaches, láminas realizadas en técnicas mixtas (tempera, gouache o temple, gouache, acuarela), dibujos a lápiz, dibujos a tinta.

"Ciclo de Zagorsk" T.A. Mavrina, que expresa claramente su visión del mundo, sus prioridades en el arte, su estilo único, a menudo y con razón llamado "Mavrinsky", comenzó a tomar forma en la década de 1940. La "serie de tramas" de las obras de Mavrinian de los años 50 es el conjunto "fabulosamente visto" de Lavra, el Monasterio de Pyatnitsky, la ciudad vieja y la vida de sus habitantes, todos los días y festivos, encarnados en su clave especial, metafórica y poética. , asociado a la figuratividad del arte popular, el folclore. Igualmente expresivas y libres, audaces en dibujo, composición y color son las láminas de los años sesenta y setenta. Su composición temática sigue estando dominada por los paisajes de género, en cuyos títulos mismos se enfatiza el aspecto activo-doméstico. El ejemplo clásico del "retrato mavriniano" en nuestra colección es "Demidova" 1973. "Demidova" es un maravilloso ejemplo de la combinación orgánica de dos géneros: "retrato en paisaje": una imagen grande, frontal y de medio cuerpo de un "Anciana rusa" con un pañuelo blanco sobre el fondo de un paisaje de pueblo de verano, donde, según la antigua tradición de pinturas populares y grabados populares, las inscripciones se dan en las imágenes mismas.

A pesar de la naturaleza controvertida de esta asociación, en varias áreas sus maestros lograron un gran éxito. Los méritos del "Mundo del Arte" en el desarrollo de la gráfica, en la lucha por una alta cultura del diseño de libros, son indiscutibles. La segunda generación de "World of Art" está menos ocupada con los problemas de la pintura de caballete, sus intereses radican en los gráficos, principalmente en libros. En la segunda generación del "Mundo del Arte" hubo personas importantes (Kustodiev, Sudeikin, Serebryakova, Chekhonin, Grigoriev, Yakovlev, Shukhaev, Mitrokhin, etc.).

Primera generación:

El líder ideológico del "Mundo del Arte" fue Alexander Nikolaevich Benois (1870-1960).

Benois el ilustrador (Pushkin, Hoffman) es toda una página en la historia del libro. A diferencia de Somov, Benois crea una ilustración narrativa. El plano de la página no es para él un fin en sí mismo. Las ilustraciones de La dama de picas eran obras independientes bastante completas, no tanto el “arte del libro”, como A.A. Sidorov, cuánto "arte hay en el libro". Una obra maestra de la ilustración de libros fue el diseño gráfico de El jinete de bronce (1903, 1905, 1916, 1921-1922, tinta y acuarela imitando grabados en madera de colores). En una serie de ilustraciones del gran poema, el personaje principal es el paisaje arquitectónico de San Petersburgo, ahora solemnemente patético, ahora pacífico, ahora siniestro, contra el que la figura de Eugenio parece aún más insignificante. Así es como Benois expresa el trágico conflicto entre el destino del Estado ruso y el destino personal de un hombrecito.

El artista principal del "Mundo del Arte" fue Konstantin Andreevich Somov (1869-1939). Somov posee una serie de retratos gráficos de sus contemporáneos: la élite intelectual (V. Ivanov, Blok, Kuzmin, Sollogub, Lansere, Dobuzhinsky, etc.), en los que utiliza una técnica general: sobre un fondo blanco, en un cierto atemporal esfera: dibuja un rostro, una semejanza en la que no se logra a través de la naturalización, sino mediante generalizaciones audaces y una selección adecuada de detalles característicos. Esta falta de signos del tiempo crea la impresión de estática, rigidez, frialdad, casi trágica soledad. Diseñó la monografía de S. Diaghilev sobre D. Levitsky, el trabajo de A. Benois sobre Tsarskoye Selo. El libro, como un solo organismo con su unidad rítmica y estilística, fue elevado por él a una altura extraordinaria. Somov no es un ilustrador, “ilustra no un texto, sino una era, utilizando un recurso literario como trampolín”, escribió A.A. Sidorov, y esto es muy cierto.

El tercero en el núcleo del "Mundo del Arte" fue Lev Samuilovich Bakst (1866-1924). Llegó al "Mundo del Arte" de la Academia de las Artes, luego profesó el estilo Art Nouveau, se unió a las corrientes de izquierda en la pintura europea. En las primeras exposiciones del Mundo del Arte, exhibió una serie de retratos pictóricos y gráficos (Benoit, Bely, Somov, Rozanov, Gippius, Diaghilev), donde la naturaleza, que llega en una corriente de estados vivos, se transforma en una especie de representación ideal de una persona contemporánea. Bakst creó la marca de la revista "World of Art", que se convirtió en el emblema de las "Estaciones rusas" de Diaghilev en París. Los gráficos de Bakst carecen de motivos del siglo XVIII. y temas inmobiliarios. Gravita hacia la antigüedad, además, hacia el griego arcaico, interpretado simbólicamente.

Yevgeny Evgenyevich Lansere (1875 - 1946) dedicó mucha energía y atención a este arte específico. La ilustración literaria rusa no conocía tal riqueza de motivos pictóricos en su conexión armoniosa con el libro y la página del libro, no logró una combinación tan hábil de contenido y decoración del dibujo, la alta cultura del libro, que se logró. por los mejores gráficos de este período. Una de las mejores creaciones de Lansere: 70 dibujos y acuarelas para L.N. "Hadji Murad" de Tolstoy (1912-1915), que Benois consideró "una canción independiente que encaja perfectamente en la poderosa música de Tolstoy". Lansere creó una serie de acuarelas y litografías de San Petersburgo (Puente Kalinkin, Mercado Nikolsky, etc.). La arquitectura ocupa un lugar muy importante en sus composiciones históricas ("Emperatriz Elizaveta Petrovna en Tsarskoye Selo", 1905, Galería Estatal Tretyakov). Podemos decir que en el trabajo de Serov, Benois, Lansere se creó un nuevo tipo de pintura histórica: carece de trama, pero al mismo tiempo recrea perfectamente la apariencia de la época, evoca muchos históricos, literarios y estéticos. asociaciones.

Los gráficos de Mstislav Valerianovich Dobuzhinsky (1875–1957) representan no tanto el Petersburgo de la era Pushkin o el siglo XVIII, sino una ciudad moderna, que supo transmitir con una expresividad casi trágica ("La casa vieja", 1905, acuarela , Galería Estatal Tretyakov), así como una persona - habitante de tales ciudades ("El hombre con anteojos": un solitario, en el contexto de casas aburridas, un hombre triste, cuya cabeza se asemeja a una calavera). El urbanismo del futuro inspiró a Dobuzhinsky con miedo al pánico. También trabajó extensamente en ilustración, donde su serie de dibujos a tinta para Las noches blancas de Dostoievski (1922) puede considerarse la más notable.

Para algunos "World of Art", sin embargo, la primera revolución rusa fue una verdadera revolución en su visión del mundo. La movilidad y accesibilidad de la gráfica provocó su especial actividad en estos años de ebullición revolucionaria. Surgió una gran cantidad de revistas satíricas (se contabilizaron 380 títulos desde 1905 hasta 1917). La revista Sting se destacó por su orientación revolucionario-democrática, pero las mayores fuerzas artísticas se agruparon en torno al Bogey y su suplemento Infernal Mail. El rechazo a la autocracia unió a artistas de mentalidad liberal de diversas tendencias. En uno de los números del Zhupel, Bilibin coloca una caricatura "Burro en 1/20 de tamaño natural": en un marco con atributos de poder y gloria, donde habitualmente se colocaba la imagen del rey, se dibuja un burro. Lansere en 1906 imprime la caricatura "Fiesta": los generales zaristas en una fiesta sombría no escuchan el canto, sino los gritos de los soldados que se ponen firmes. Dobuzhinsky en la imagen "Idilio de octubre" se mantiene fiel al tema de la ciudad moderna, solo signos ominosos de eventos irrumpieron en esta ciudad: una ventana rota por una bala, una muñeca acostada, anteojos y una mancha de sangre en la pared y en el acera. Kustodiev hizo una serie de caricaturas del zar y sus generales y retratos de los ministros zaristas, Witte, Ignatiev, Dubasov y otros, excepcionales en su agudeza y maliciosa ironía, a quienes estudió tan bien mientras ayudaba a Repin en su trabajo sobre el Estado. Concejo. Baste decir que Witte bajo su mano aparece como un payaso tambaleante con un estandarte rojo en una mano y la bandera real en la otra.

Pero los más expresivos en la gráfica revolucionaria de esos años deben ser reconocidos como los dibujos de V.A. Serov. Su posición fue bastante definida durante la revolución de 1905. La revolución dio vida a toda una serie de caricaturas de Serov: “1905. Después de la Pacificación” (Nicolás II, con una raqueta bajo el brazo, reparte cruces de San Jorge a los represores); "Cosecha" (los rifles se colocan en gavillas en el campo). La composición más famosa de esta serie es “¡Soldados, niños valientes! ¿Dónde está tu gloria? (1905, Museo Ruso). La posición cívica de Serov, su habilidad, observación y sabio laconismo como dibujante se manifestaron aquí plenamente. Serov describe el comienzo del ataque de los cosacos contra los manifestantes el 9 de enero de 1905. En el fondo, los manifestantes se dan en una misa general; en el frente, en el borde de la hoja, grandes figuras individuales de los cosacos, y entre el primero y el fondo, en el centro, un oficial que los llama para atacar a caballo, con un sable desenvainado. El nombre, por así decirlo, contiene toda la amarga ironía de la situación: los soldados rusos tomaron las armas contra su pueblo. Así fue, y Serov vio este trágico evento no solo desde la ventana de su taller, sino también (digamos en sentido figurado) desde las profundidades de la conciencia liberal de la intelectualidad rusa en su conjunto. Los artistas rusos que simpatizaron con la revolución de 1905 no sabían a qué cataclismos de la historia nacional se estaban abocando. Habiéndose puesto del lado de la revolución, preferían, relativamente hablando, un terrorista bomba (de los herederos de la raznochintia nihilista, "con sus habilidades en la lucha política y el adoctrinamiento de amplios sectores de la sociedad", según la definición correcta de un historiador) al policía, de pie sobre la protección del orden. No sabían que la "rueda roja" de la revolución barrería no sólo con la autocracia que odiaban, sino con toda la forma de vida rusa, toda la cultura rusa, a la que servían y querían.

El cambio de una nueva era artística estuvo marcado por la actividad del gran maestro, que en muchos aspectos se mantuvo solo en el arte de su tiempo: el español F. Goya. Pintor brillante, se dedicó al grabado ya a una edad avanzada, después de 50 años, y se convirtió probablemente en el primer artista después de Rembrandt, en cuyas manos el aguafuerte resultó no ser un arte de cámara periférico, como la mayoría de sus contemporáneos, sino un poderoso medio de puesta en escena y resolución de los problemas creativos y sociales más importantes de la época. Vinculando la cultura gráfica de los siglos XVIII y XIX, Goya se eleva por encima de ambas. Completando y transformando las líneas esenciales del desarrollo del grabado creativo de los siglos XVI-XVIII, anticipa aquellas nuevas tendencias que se desarrollarán décadas después.

La primera gran serie de sus aguafuertes al aguatinta se realizó en la segunda mitad de la década de 1790. y se llamaba "Caprichos". Esta palabra (aunque no en español, pero sí en transcripción italiana) ya la hemos conocido en la historia de la gráfica. "Capricornio", es decir, “peculiaridades”, “fantasías”, son en esencia la designación de un género especial de imágenes ficticias dispuestas arbitrariamente (en contraposición a las tramas auténticamente naturales o canónicas), a las que muchos maestros de la gráfica europea rindieron homenaje, desde Callo hasta Tiepolo y Piranesi : bocetos con aguja animados, ligeros, a veces decorativos, elegantemente amanerados.

Con Goya todo resultó mucho más serio y profundo. La estructura emocional de sus fantasías es sombría, a veces trágica. No hay trama transversal en este ciclo, aunque algunos grupos de láminas están unidos por cierta similitud semántica. Los temas de las composiciones individuales surgen de forma impredecible, se alternan según complejos vínculos asociativos. Mientras tanto, la serie, a diferencia de los tradicionales "capricci", se siente como una narrativa internamente integral en desarrollo, una especie de "novela en grabados" gráfica. Las imágenes más fantásticas nacen del grueso de las observaciones cotidianas directas. La vida se dibuja en un poderoso torrente de reflexiones y vivencias del artista y se transforma en ella: las costumbres y vicios de la sociedad y sus estamentos, las supersticiones populares, la crueldad brutal de las autoridades, eclesiásticas y laicas. Todo lo que puede encarnar sus sentimientos se pone en acción: escena y alegoría cotidiana, grotesco despiadado, deformación, sustituciones legendarias de una persona por un animal (mono, burro) o un monstruo impensable. El extraño y polifacético mundo de "Caprichos" está unido por una característica atmósfera condensada y reluciente, a veces densa y misteriosa, a veces algo ilustrada. Para crearlo, el maestro utilizó magistralmente la entonces novedosa técnica del aguatinta. El trazo tembloroso y vibrante del grabado de Goya también comunica su movilidad inestable a sus personajes. No tiene nada en común con las líneas suaves y frías del clasicismo que dominaron los gráficos europeos a principios de siglo.

Las firmas cortas en las hojas también son abiertamente emocionales. Contienen la voz directa del artista, sus entonaciones lúgubres-irónicas, sus exclamaciones, a menudo lúgubres. Sin interferir en la expresividad puramente plástica de los grabados, activan el drama literario, argumental y el simbolismo ambiguo de las imágenes en ellos. El propio Goya está constantemente presente en sus grabados, se dirige directamente al espectador, buscando en él complicidad y simpatía. No es casualidad que la hoja introductoria de la serie sea el autorretrato del artista, que corresponde muy fielmente a su espíritu con su tensión psicológica y su dramatismo contenido. La segunda serie de grabados de Goya - "Los Desastres de la Guerra" (1810-1820) fue iniciada una década después por "Caprichos", entre los dramáticos hechos -la toma de España por las tropas de Napoleón y la desesperada resistencia popular. La furia mutua de los combatientes, llevando a la gente a la brutalidad, la ejecución, la tortura, la violencia abruman estos grabados. “Vi esto”... “Y esto también”, escribe el artista bajo sus sábanas, exigiendo que veamos también lo que es “imposible de mirar”...

Pero en esta serie, al igual que en Caprichos, imágenes monstruosas de la realidad, episodios sangrientos y atroces de la cotidianidad militar se entrelazan con imágenes fantásticas y grotescas, con el simbolismo trágico de Goya, generalizado y comprendido a través de ella. Un caballo peleando con sus pezuñas contra una manada de lobos, un feo cronista de la guerra con garras en brazos y piernas y alas de murciélago en lugar de orejas… “La verdad ha muerto” es el nombre de la penúltima hoja con una nube de fantasmas sobre el cuerpo de una mujer joven. "¿Se levantará de nuevo?" - pregunta el artista en este último. Muchos temas de "Caprichos", los temas más oscuros de la anarquía y el engaño, el dominio de las malas pasiones y los prejuicios vuelven, con nueva energía, Goya repite en esta serie. El crepúsculo de un fondo vago es aún más espeso en él, las marañas de cuerpos enredados son inseparables en composiciones dinámicas, la expresión furiosa de una aguja de grabado rompe todas las normas del dibujo tradicional. Y, finalmente, en el último álbum de Goya "Disparates" - "Follies" (1818), la fantasía trágica del artista se generaliza, adquiere un sonido lúgubre y majestuoso. Impulsos poderosos provienen de los grabados de Goya en la gráfica de los siglos XIX y XX; una generación más tarde, a la fantasía romántica de las litografías de E. Delacroix, al patetismo satírico de O. Daumier; después de todo un siglo, a una explosión de pasiones en los grabados de los expresionistas alemanes, a la tragedia social de K. Kollwitz, a los impulsos apasionados de E. Barlach.

Mañana se abre una exposición en Torzhok, en la que la historia del desarrollo de los llamados gráficos "formalistas" de la primera mitad del siglo XX se ilustra con las obras de A. Labas, V. Lebedev, M. Axelrod y otros. artistas rusos famosos

Museo Histórico y Etnográfico de toda Rusia, del 1 de junio al 1 de agosto de 2012
Región de Tver, Torzhok, plaza 9 de enero, 2, sala de exposiciones

Mañana, 1 de junio, en el Museo Histórico y Etnográfico de toda Rusia, la Galería Vellum inaugura la exposición Tradiciones de la Gráfica Rusa del Siglo XX. 1900-1950”.

La exposición contará con obras de A. V. Fonvizin, A. A. Labas, V. V. Lebedev, A. F. Sofronova, A. I. Vatagin, A. M. Kanevsky, M. M. Axelrod and A. L. Kaplan, A. S. Konovalova, B. A. Smirnov-Rusetsky, E. F. Ermilova-Platova. La exposición ilustra la historia del desarrollo de la llamada gráfica "formalista" en la primera mitad del siglo XX.

A principios del siglo XIX, comenzaron a formarse colecciones en Rusia, en las que se recopilaban las obras gráficas de los artistas junto con sus pinturas. A los pintores famosos se les encargaron retratos en acuarela y lápiz, se decoraron las salas de estar con paisajes ejecutados en papel.

La conexión de la gráfica con otras esferas de la cultura fue flexible y versátil. Como ilustración, tuvo acceso directo a la literatura, el libro y la edición, como escenografía -al teatro, como proyecto-, a la arquitectura, a las artes aplicadas ya diversas esferas de la actividad humana.

Miguel Ángel creía que el dibujo es el grado más alto de logro para un pintor, un escultor y un arquitecto, y el dibujo es la fuente y el alma de todo tipo de bellas artes.

El siglo XX en la cultura rusa también está marcado por los destacados logros de los artistas en el campo del arte gráfico. La colección de gráficos del siglo XX es la sección más grande de las existencias de gráficos de la Galería Tretyakov. Caballete y croquis, fijación de lo visto o pura fantasía, una ilustración para leer, un espacio en blanco para un grabado o un proyecto para un vestuario teatral, una caricatura exagerada o un detalle aislado del conjunto, median y predeterminan el estilo de una gráfica. trabaja.

Exposición “Tradiciones de la Gráfica Rusa del Siglo XX. 1900-1950”. continúa una serie de exposiciones de la galería "Vellum" en museos provinciales; fue precedido por espectáculos de artistas de la vieja escuela rusa en el Museo de Arte Murom, el Rostov Kremlin, el Museo Marc Chagall en Vitebsk.

Organizador de la exposición:
Institución cultural de Moscú "Galería" Vellum ""
Tel.: +7 (495) 776–33–31; 695–13–53 (ext. 147)
Correo electrónico: [correo electrónico protegido]
www.vellum.ru

Museo Histórico y Etnográfico de toda Rusia (Torzhok)
www.viemusei.ru

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