Ropa de mujer de principios del siglo XX. Moda femenina a principios del siglo 20. Moda infantil. Originales Foto. Silueta eduardiana - mitos y realidad

nueva forma de vida

Soviético Moda formó y marchó hacia adelante en su propia ruta especial. Fue creado por talentosos profesionales que sobrevivieron a los años de devastación y terror sangriento, y corregido y dirigido por funcionarios del partido y empleados de las agencias de seguridad del estado. se formó a partir de la habilidad de los sastres del siglo pasado y las ideas innovadoras de los artistas del joven país de los soviéticos, de los modelos de ropa creados por especialistas cultivados en las universidades soviéticas, de la ropa en masa producida por numerosas fábricas de ropa, de la Unión Soviética revistas de moda, de las revistas de moda de las fraternales repúblicas socialistas y las publicaciones occidentales burguesas que ingresan legalmente al país, caen en la URSS a causa de la "Cortina de Hierro", de las historias de personas que han estado en el extranjero, de la copia por artesanas nacionales de la ropa que trajeron "de allí", de imágenes de imitación del cine soviético y extranjero.

La revolución socialista de octubre, que abolió las clases de la nobleza y la burguesía y aprobó la nueva composición social de la sociedad, influyó inevitablemente en la formación de la moda del país soviético, en el que ya no había lugar para lujosos retretes. El pueblo trabajador del joven país de los soviets debía lucir como corresponde al constructor de una nueva sociedad, aunque exactamente cómo, nadie lo sabía exactamente, y todos los que estaban destinados a sobrevivir a la Revolución de Octubre simplemente debían adaptarse a las duras características de el trabajo militar y civil y la vida de los primeros años posrevolucionarios.

Hombres y mujeres aparecieron en las calles de la ciudad con chaquetas de comisario de cuero, gorras de cuero y túnicas de soldado, ceñidas con cinturones de cuero. Las blusas de raso, usadas con chaquetas de ciudad, se convirtieron en la ropa masculina más popular. Mujeres vestidas con vestidos de lona, ​​faldas rectas de su tela de soldado, blusas de cretonas y chaquetas de tela. Las túnicas de los hombres, que migraron al guardarropa de las mujeres, enfatizaron la igualdad entre la mujer soviética y el hombre soviético.

La indumentaria de culto del nuevo tiempo es una cazadora de cuero asociada a las imágenes del Chekista y el Comisario, que se ha convertido en un símbolo de la revolución La moda de la Rusia soviética, ropa bastante extraña para un país en terrible ruina. ¿De dónde podría provenir un cuero de tan alta calidad en los primeros años del poder soviético, que cosía tantas chaquetas del mismo tipo en tales cantidades? De hecho, las famosas chaquetas de cuero se fabricaban antes de la revolución, durante la Primera Guerra Mundial para los batallones de aviación. En ese momento, nunca tuvieron una demanda completa, y después de la Revolución de Octubre se encontraron en almacenes y comenzaron a entregarse a chekistas y comisarios como uniformes.

El signo de la nueva época posrevolucionaria era el pañuelo rojo, símbolo de la liberación de la mujer, ahora se colocaba sobre la frente y se ataba en la parte posterior de la cabeza, y no debajo de la barbilla, como se hacía tradicionalmente antes. . Los zapatos, masculinos y femeninos, consistían en botas, botas, pantuflas de lona, ​​botas de goma.

Los miembros del Komsomol se pusieron "Jungsturmovki", ropa paramilitar prestada de la organización comunista juvenil alemana "Red Jungsturm", que era una túnica o chaqueta de varios tonos de verde, con cuello vuelto y bolsillos de parche, usado con un cinturón y un arnés y una gorra en la cabeza. Las chicas vestían jungshturmovkas con una falda recta de color oscuro. Sobre la base del Jungsturmovka, se desarrolló un uniforme único para los miembros del Komsomol. Como escribió el periódico Krasnaya Zvezda: “El Comité Central de la Liga de Jóvenes Comunistas Leninistas de toda la Unión recomienda que las organizaciones locales introduzcan una forma uniforme del Komsomol por voluntad propia. Para la muestra, debe tomar la forma del Komsomol de Moscú - caqui (verde oscuro). El Comité Central considera deseable introducir este formulario en todas las organizaciones de la ciudad antes del 14º Día Internacional de la Juventud.

La austeridad del traje proletario en 1918-1921 se debió no solo a una cosmovisión que negaba todo lo relacionado con el "viejo mundo", sino también a las condiciones económicas más difíciles, la devastación, la guerra civil que siguió a la revolución y la política más brutal. del comunismo de guerra. La gente simplemente se moría de hambre, no podían conseguir productos básicos de higiene y artículos para el hogar, de qué moda podríamos hablar. Había ropa que personificaba una época dura y despiadada.

Las cosas se cosían de lienzo, lino grueso, calicó grueso, tela de soldado, bayeta, bumazei, lana gruesa. A partir de 1921 - 1922, cuando se anuncia en el país la transición a la Nueva Política Económica (NEP) y se inicia el proceso de restauración de las empresas textiles y de confección, aparecen los primeros tejidos estampados, principalmente algodón - cretonas, rasos, franelas.

Uno de los primeros disfraces masivos fue el uniforme del Ejército Rojo. En 1918, se creó una comisión especial para desarrollar la forma del Ejército Rojo, y se anunció un concurso para las mejores muestras de ropa militar, en el que participaron artistas como Viktor Vasnetsov y Boris Kustodiev. El traje histórico ruso se tomó como base para el uniforme del Ejército Rojo. Un año después, se aprobó como nuevo uniforme casco, abrigo, camisa, bastones de cuero. El ribete de ojal, típico de los viejos uniformes militares, estaba junto a puños, cuellos y una estrella rojos en el casco, que repetían la antigua forma rusa de sholom con aventail, enfatizando así el heroísmo y el romanticismo de la imagen. El nuevo casco del Ejército Rojo, que pronto se denominó Budyonovka, duró hasta el comienzo de la Segunda Guerra Mundial.

El terrible y sangriento colapso del viejo mundo y la dolorosa construcción del nuevo, al parecer, deberían haber condenado a la inexistencia a un fenómeno como Moda. ¿Por qué y quién lo necesita en el país soviético? Pero contra todo pronóstico 20s El siglo XX se convirtió en uno de los períodos más interesantes de la historia de la moda doméstica.

En la Rusia zarista a fines del siglo XIX, Moscú, San Petersburgo, Kiev, Nizhny Novgorod, Kazan ocuparon el primer lugar en la producción de vestidos confeccionados. La ropa fue producida principalmente por trabajadores artesanales de pequeños talleres. Había pocas empresas grandes de costura. Básicamente, cumplieron órdenes del gobierno, produciendo uniformes, equipos y ropa interior para unidades militares y de ingeniería. Pero, además, muchos fabricantes de prendas de propiedad estatal eran propietarios de conocidas tiendas de confección, calzado y mercería.
Las industrias de prendas de vestir más grandes de Rusia fueron: asociación "Mandl y Reitz", que, además de la fábrica, tenía una casa de comercio de ropa confeccionada en Tverskaya (después de la nacionalización de la empresa - fábrica No. 31 del fideicomiso Mosshvey, luego la Fábrica Técnica y Experimental que lleva el nombre de K. Zetkin, y en 1930 TsNIIShP - el Instituto Central de Investigación de la Industria de la Confección, existente hasta el día de hoy); "Casa comercial K. Thiel and Co", que unía la fábrica de curtiduría y barnizado, artículos de guarnicionería militar, municiones y uniformes, fábricas de fieltro, guantes, calcetería, pasó después de la quiebra en 1912 a la Sociedad Anónima de Proveedores de Moscú (nacionalizada en 1918 y rebautizada como Proveedor Rojo, que luego se convirtió en la la Fábrica de Fieltro Técnico de Moscú y la Asociación de Fieltro y Fieltro de Moscú (ahora CJSC Gorizont); "Asociación de fábricas de Timofey Katsepov e hijos"- una empresa industrial con un flujo de caja sólido, desde 1930 se transformó en Resurrection Felt Factory, que lleva el nombre del 9 de enero (actual OJSC Fetr).
Grandes firmas de vestidos confeccionados y ropa interior fueron: casa comercial "M. y yo. Mandl», casa comercial "Hermanos N. y F. Petukhov" en Ilyinka; la legendaria asociación comercial e industrial Muir y Maryliz, propietaria de uno de los grandes almacenes más famosos de Moscú en Petrovka, que vende ropa, zapatos, joyas, perfumes, artículos para el hogar (nacionalizado en 1918, desde 1922 el Central Department Store de Central Universal Store TSUM); El Pasaje Petrovsky, ubicado entre las calles Petrovka y Neglinnaya, perteneció a Vera Ivanovna Firsanova, la sucesora del famoso Moscúdinastía de comerciantes de los Firsanov. El pasaje reunía bajo sus arcos más de cincuenta pabellones comerciales diferentes, incluidas tiendas de casas comerciales famosas: Markushevich y Grigoriev. Tejidos de seda y lana, "Vikula Morozov, Konshin e hijos", Veselkov y Tashin - materiales de moda para vestidos de mujer», "Louis Kreutzer" - ropa interior y corbatas ", "Matilda Barish - corsés y paraguas" etc. Los principales centros de comercio eran el Pasaje Popov en Kuznetsky Most, el Pasaje Postnikov en la calle Tverskaya, el Pasaje Lubyansky en Lubyanka, la tienda de artículos de seda de los hermanos Sapozhnikov en Ilyinka, las casas comerciales de Ludwig Knop, K. Malyutin y su hijos, y muchos otros. Una de las empresas de lencería más exitosas. era una empresa "Hermanos Alschwang", y una casa comercial en la calle Nikolskaya "Kandyrin and Co", que poseía una fábrica de lino. Las famosas tiendas de ropa masculina en el Moscú prerrevolucionario son Aye en Tverskaya, Alekseev Brothers en Rozhdestvenka, Chistyakov Brothers en Lubyanskaya Square, Dellos en Sretenka, Georges en Tverskaya, Duchard, Smith and Sons en el puente Kuznetsky. La "Ciudad de Lyon" en Lubyanka, "Louis Kreutzer" y "Madame Josephine" en Petrovka, entre otros, producían y vendían ropa de mujer de moda.
Muchos fabricantes de telas rusos eran famosos no solo en su propio país, sino que también ganaron popularidad en todo el mundo. Especialmente exitosa fue la fábrica de Trekhgornaya, fundada por el comerciante Vasily Prokhorov, de ahí su otro nombre: Prokhorovskaya (nacionalizada después de la revolución, en 1936 recibió el nombre de F. E. Dzerzhinsky); Las fábricas de Ivanovo-Voznesensk de los Grachev, Garelin, Ivan Yamanovsky, Diodor Burylin y otros La famosa fábrica de estampado de algodón "Emil Tsindel en Moscú" funcionó hasta 1915. En la época soviética, esta empresa se conoció como la "Primera fábrica de impresión de algodón". Las empresas textiles más grandes fueron las fábricas de Morozov. La empresa más grande de Morozov es la fábrica Nikolskaya en Orekhovo-Zuevo. Las fábricas conocidas de esa época son las fábricas de Albert Gubner, Mikhail Titov, la fábrica de Thornton en San Petersburgo, Krushe and Ender, Mikhailov and Son, P. Malyutin and Sons, etc. Desempeñó un papel invaluable en el equipamiento de muchos textiles. empresas en la oficina de tiempo de Moscú del barón Ludwig I. Knop. Su principal actividad como representante de la empresa británica De Jersey fue el suministro a Rusia de modernos equipos textiles de Alemania, Francia e Inglaterra. Los productos de las fábricas rusas se exportaban y apreciaban en todo el mundo. En la Rusia prerrevolucionaria, usar un vestido confeccionado se consideraba mucha gente con recursos limitados, los ricos preferían pedir ropa. Coser en casa era una larga y venerable tradición en el Imperio Ruso y se consideraba un elemento importante en la educación de las mujeres.
Los graduados de las escuelas de corte y costura y las clases de costura recibieron certificados que les daban derecho a trabajar como cortadores, abrir escuelas privadas y cursos de costura. En uno de estos talleres de costura de la entonces popular fashionista de Moscú, Madame Voitkevich, después de graduarse de la escuela de corte y costura O. Saburova, entró a trabajar una joven cortadora, Nadya Lamanova, que más tarde se convirtió en la modista más famosa de la Rusia zarista. Los méritos sobresalientes en el campo del diseño de moda hicieron de Lamanova la figura número uno en la historia del diseño de moda nacional. Nadezhda Lamanova sentó las bases para el modelado soviético. El lema de la creatividad de los diseñadores de moda de hoy es la famosa fórmula de Lamanova: propósito, imagen, tejido.
En 1885, Lamanova abrió su taller en la casa de Adelheim en Bolshaya Dmitrovka. legendario Nadezhda Lamanova, el proveedor de la Corte Imperial, antes de la revolución, "vistió" a la familia real, el beau monde aristocrático y artístico. Después de la revolución, no solo diseñó modelos para las esposas de altos funcionarios, sino que también creó moda masiva. Hizo vestuario para las películas de Eisenstein y Alexandrov, para muchas representaciones teatrales soviéticas. Sus clientes fueron Vera Kholodnaya, Maria Ermolova, Olga Knipper-Chekhova. En su casa, el gran modisto francés Paul Poiret organizaba sus desfiles de moda. Después de la revolución, las modelos de Lamanova, que continuaron trabajando como diseñadoras de moda soviéticas, ganaron premios en exposiciones internacionales, se demostró la ropa de Lamanova: la musa de Vladimir Mayakovsky, Lilya Brik, su hermana menor, la escritora francesa Elsa Triolet, la actriz Alexandra Khokhlova. La Rusia prerrevolucionaria contaba con una gran cantidad de casas de moda, talleres y talleres.. Solo en San Petersburgo en la década de 1900 había más de 120 de ellos. La famosa casa de modas de San Petersburgo era la Casa Brizak, que era el Proveedor de la corte y trabajaba solo para la familia imperial, sirviendo a las grandes duquesas y damas de honor de la corte. Por orden más alta de la Emperatriz, la Casa de Brizak podía atender a dos clientes que no pertenecían a la corte: las bailarinas Anna Pavlova y la cantante Anastasia Vyaltseva.
Otra gran casa de moda de San Petersburgo de la década de 1900 fue casa hindú. Anna Grigorievna Hindus estudió en París en la firma de la famosa diseñadora de moda francesa, la Sra. Paquin, con quien mantuvo contacto posteriormente.

La tercera gran casa de moda fue Casa de Olga Buldenkova, quien también fue proveedor de la Corte Imperial. Su campo de actividad eran los vestidos de uniformes especiales, regulados por la Carta de la Corte, aprobada por un decreto imperial especial en la década de 1830.

Además de casas grandes Moda había más de cien pequeñas casas de moda y talleres que realizaban pedidos individuales y producían colecciones en serie. Pero ninguna de las casas rusas realizó desfiles de moda. En 1911, Paul Poiret llevó su colección a San Petersburgo. Y el primer desfile de moda tuvo lugar en San Petersburgo en 1916.

La nueva era que ha llegado ha cambiado en gran medida tanto el vestuario en sí como la actitud hacia la moda. En la segunda década del siglo XX, después de la Primera Guerra Mundial, el mundo vio una simplificación del vestuario y una transición a la producción industrial masiva de prendas de vestir, cuyo comienzo estuvo asociado en gran medida con la producción bien establecida de uniformes militares. . Sin embargo, en la Rusia soviética, esta tendencia global se superpuso con el papel de la ideología socialista.

La industria de la confección, destruida durante la Revolución de Octubre, como todas las demás industrias, comenzó a reconstruirse. En 1917 se crea en Centrotextile el Departamento de Confección y Ropa Interior "... para restablecer, unificar y nacionalizar la producción y distribución de confección y ropa interior a escala nacional". En 1919, se establecieron el Instituto Central de la Industria del Vestido y los Talleres de Arte Educativo y Vestuario Industrial, cuyas tareas incluían la centralización de la producción de prendas de vestir, la investigación científica y la capacitación, así como el establecimiento de formas higiénicas y artísticas de vestimenta.
En 1920, se organizaron los legendarios Talleres Superiores Artísticos y Técnicos de VKHUTEMAS (desde 1927 reorganizados en VKHUTEIN), que existieron hasta 1932, y dieron al país soviético notables maestros del diseño industrial, muchos de los cuales dejaron su huella en el desarrollo de Moda. En los primeros años del poder soviético, se creó el Comité de la Industria de la Confección - Tsentroshvey, y en abril de 1920, después de fusionarse con el departamento central de adquisiciones militares, pasó a llamarse Comité Principal de la Industria de la Confección (Glavodezhda).
Para administrar empresas, se organizaron fideicomisos territoriales en Moscú (el famoso Moskvoshvey), Leningrado, Minsk, Bakú y otras ciudades. El parque de máquinas comenzó a reponerse con nuevas máquinas importadas, cuchillos eléctricos, prensas de vapor. Las fábricas pasaron a una división del trabajo más amplia y, al final del período de recuperación desde 1925, comenzó una transición gradual hacia una organización de flujo de producción, que aumenta drásticamente la productividad en comparación con la sastrería individual. Pero, como saben, cantidad no es necesariamente calidad e individualidad.
Para la década de 1930, la gama de ropa producida en el país se había vuelto mejor y más diversa. Las fábricas de ropa soviéticas, que anteriormente trabajaban principalmente para el ejército y producían overoles, en lugar de abrigos, pantalones de montar y chaquetas acolchadas, comenzaron a coser trajes para mujeres y hombres, vestidos ligeros, abrigos y abrigos cortos de varios tejidos, ropa interior de todo tipo, ropa para niños. ropa. En relación con los requisitos de los consumidores, el fideicomiso "Moskvoshvey" introdujo la aceptación de pedidos individuales.
Uno de los períodos más brillantes del nuevo soviet Moda eran los años 20. En la subdirección de arte y producción de Bellas Artes del Comisariado del Pueblo para la Educación, se abrieron los “Talleres de Vestuario Moderno”. Fue el primer laboratorio experimental creativo de nuevas formas de vestir en la República Soviética. Nadezhda Lamanova se acercó al Ministro de Cultura Lunacharsky (su esposa, la actriz del Teatro Maly Natalia Rozenel conocía muy bien las habilidades de Lamanova) con una propuesta para crear un taller de vestuario moderno. Lamanova se enfrentó a la tarea de crear un sindicato de trabajadores y campesinos. Moda, y se vio obligada a hacer gala de un tremendo ingenio, utilizando materiales baratos, sencillos y toscos, dada la devastación posrevolucionaria.

En 1923, se creó el "Centro para la Formación de un Nuevo Traje Soviético", más tarde rebautizado como "Atelier de Moda", cuya directora oficial era Olga Senicheva-Kashchenko. En una entrevista, Olga Senicheva contó cómo en Moskvoshvei, ella, una niña de dieciséis años, recibió documentos para un préstamo y se comprometió a pagar los costos del Fashion Atelier dentro de un año y medio: la reparación de el local (en Petrovka, 12, ahora el Salón de Arte) y los tejidos recibidos para el trabajo. nuevo centro Moda entregó materiales confiscados de almacenes cuyos dueños habían huido al exterior durante la revolución. Brocados, terciopelos y sedas estuvieron a disposición del atelier. Las hermosas telas almacenadas en almacenes húmedos estaban muy dañadas, por lo que decidieron usar algunas de ellas para cortinas y tapicería de muebles en el salón donde estaba previsto realizar una demostración de modelos de ropa. Primero, para devolver al estado todo el dinero dado a crédito, en la primera Unión Soviética "Moda de taller" comenzaron a crear modelos no de chintz y lino, sino de brocado y terciopelo para Nepmen, para que luego pudieran desarrollar moda masiva y crear modelos de ropa para trabajadores. La élite del partido, las celebridades y los líderes de la industria ligera fueron invitados a los primeros desfiles de moda.

• En el Fashion Atelier experimental, junto con Nadezhda Lamanova, quien dirigió el trabajo creativo, trabajaron artistas tan destacados como Vera Mukhina, Alexandra Ekster, Nadezhda Makarova (sobrina de Lamanova) y la especialista en artes aplicadas Evgenia Pribylskaya. Al mismo tiempo, un número de se publicó la revista Atelier. , en cuyo trabajo participaron muchos artistas famosos.

• En 1923, en la Primera Exposición Industrial y de Arte de toda Rusia, se otorgaron premios a muestras de modelos desarrollados en el Taller de Moda por N. Lamanova, E. Pribylskaya, A. Exter, V. Mukhina.

• Los modelos de Nadezhda Lamanova y Vera Mukhina, exhibidos en la Exposición Universal de París en 1925, recibieron el Gran Premio por identidad nacional combinada con una tendencia de moda moderna. Cada modelo de vestido se complementaba necesariamente con un tocado, un bolso, joyas hechas de hilo, cordón, paja, lienzo bordado, cuentas hechas de conchas y guijarros.

El estudio experimental no cumplió con su misión principal de crear muestras de ropa para la producción en masa, así como cumplir con los pedidos individuales para la gente, ya que existió por solo unos años. Uno de los pedidos estatales más grandes en 1923 fue el desarrollo de uniformes de gala para el Ejército Rojo. Para ganar dinero, el atelier funcionaba como un costoso taller hecho a medida, dirigido a actrices, para las que se ofrecían descuentos especiales, y gente adinerada. Diez diseñadores y diez artistas trabajaron en la creación de modelos. Los modelos fueron cosidos por ciento cincuenta trabajadores de la fábrica número 26 del fideicomiso Moskvoshvey. En promedio, se cosió un vestido durante veinte días, y solo el trabajo de los maestros costó cien rublos por modelo. Era tan caro que incluso dos años después de su apertura, muchos vestidos aún no se habían vendido.

En 1923, el primer doméstico soviético revista de moda"Atelier", creado bajo el innovador "Modo Atelier". El editorial delineó las principales metas y objetivos: "Un esfuerzo activo e incansable para identificar todo lo que es creativamente bello, lo que merece la mayor atención en el campo de la cultura material". La grandiosidad de la idea estuvo determinada solo por la lista de nombres de estrellas que aceptaron cooperar en la revista. Entre los artistas famosos se encuentran Yuri Annenkov, Boris Kustodiev, Kuzma Petrov-Vodkin, Alexander Golovin, Konstantin Somov, Igor Grabar, la escultora Vera Mukhina, la poeta Anna Akhmatova, el historiador del arte Nikolai Punin y muchos otros. La revista estaba ilustrada con insertos de dibujos a color.

Los nombres de los artistas comenzaron a aparecer en las páginas. revistas de moda en los años 1900 y 1910, cuando el arte de la ilustración de moda estaba en su apogeo. En 1908, comenzó a aparecer un libro de arte en Moscú. revista de moda, artesanías, granja "Parizhanka" con el frontispicio del artista Mstislav Dobuzhinsky. La portada de la nueva edición se encargó especialmente a Konstantin Somov, sin embargo, por razones técnicas, la revista comenzó a aparecer en la nueva portada solo a partir de 1909. La portada de la revista de moda masculina Dendy fue realizada por Victor Zamirailo, y los dibujos de los modelos colocados en ella fueron creados por los famosos artistas gráficos de San Petersburgo Alexander Depaldo y Alexander Arnshtam. La artista Anna Ostroumova-Lebedeva también sugirió publicar Ladies' Journal. En 1915, la famosa modista de San Petersburgo, Anna Gindus, intentó implementar tales planes. Al mismo tiempo, el arquitecto Ivan Fomin también comenzó a publicar una revista de la vida hermosa, llamada "Mirror". Estos planes, y aun así solo en parte, estaban destinados a realizarse solo en la década de 1920.

primer soviético revista de moda se suponía que debía prestar mucha atención al "desarrollo detallado de las preguntas sobre el nuevo disfraz de mujer", así como reflejar "todo el trabajo creativo diverso de Atelier Mod" y, además, familiarizar a los lectores con noticias en el campo de arte, teatro y deportes.

La revista publicó un artículo de la artista Alexandra Ekster "Sobre la ropa constructiva", que refleja la dirección principal en el desarrollo del modelado en ese momento: simplicidad y funcionalidad. “Al elegir una forma de vestir”, escribió el autor, “uno debe tener en cuenta las proporciones naturales de la figura; con el diseño correcto de la ropa, puede lograr su conformidad con las formas y tamaños del cuerpo. La ropa de trabajo debe permitir la libertad de movimiento, por lo que no puede ser apretada. Uno de los principales requisitos para un traje de este tipo es la facilidad de uso. Exter prestó especial atención a la selección de tejidos, sugiriendo que a la hora de diseñar una u otra forma de vestuario, se partiera de las propiedades plásticas del material. Entonces, en su opinión, los pliegues verticales son inapropiados cuando se crean modelos de lana gruesa, y la lana suave de gran ancho, por el contrario, permitirá crear una silueta voluminosa compleja. Exter diseñó un conjunto multifuncional complejo que recuerda a un kimono japonés, utilizando varios materiales en colores contrastantes. Otro conjunto para la casa y la calle consistió en un vestido camisero superior e inferior con aberturas laterales, adornado con apliques. La portada de la revista Atelier estaba decorada con un boceto creado por Alexandra Ekster, una silueta alargada de una modelo con capa de calle confeccionada en tafetán de seda azul claro, sin costuras, con cuello oversize. Se le pone en la cabeza un pequeño sombrero ajustado con un pompón.

El famoso boceto del vestido capullo de Vera Mukhina se colocó en el primer número del Atelier. El famoso escultor apareció aquí como diseñador de moda. El vestido que propuso fue clasificado como "variedad". Las exuberantes cortinas de la falda de tela blanca se asemejaban a los pétalos de una flor. Una elegante silueta femenina con un sombrero rojo de ala ancha, con un bastón en la mano, era una reminiscencia del Rococó, combinada con motivos suprematistas.

En las páginas del primer número de Atelier, se colocaron una gran cantidad de fotografías de actrices y modelos de Moscú en lujosos baños, no inferiores a los trajes franceses. Las fotografías de la revista muestran que la colección de 1922-1923, a pesar de las dificultades del orden económico, estaba confeccionada con telas caras. Reflexiones literarias y periodísticas sobre la modernidad Moda el director y dramaturgo Nikolai Evreinov ("La mirada de una mujer parisina 1923"), el filántropo ruso Vladimir von Meck, quien después de la revolución trabajó en la creación de bocetos de escenografía y vestuario en el Teatro Maly ("Traje y revolución") , M. Yuryevskaya (" Sobre la influencia de la danza en la moda).

Como complemento al artículo de Yuryevskaya, los artistas de Atelier propusieron un modelo de "vestido de variedad para bailes excéntricos" hecho de terciopelo negro y tafetán con una cola larga ("cola"). La cintura está interceptada por un cinturón ancho de piel naranja, en el hombro hay una cinta de interceptación naranja a juego con la piel, un tocado de seda negra con plumas de pavo real de pie.

La revista Atelier se publicó con una tirada de 2000 ejemplares y fue un gran éxito. Como escribió la editora en jefe Olga Senicheva: “Los lectores se perdieron las publicaciones artísticas y bellamente diseñadas. Papel estucado, buena impresión, ilustraciones a todo color y, quizás, lo más importante: un tema poco habitual para la época - Moda- atrajo a muchos, y la circulación se agotó rápidamente. De gran interés fue el hecho de que al final de la edición se entregó una "Revisión de tendencias de moda de revistas extranjeras". Sin embargo, el primer número revista de moda resultó ser el último. En la revista "Shveinik" había una nota "Cómo no ser artista", en la que todas las actividades del "Atelier" fueron objeto de las más severas críticas. En 1925, a las acusaciones ideológicas se sumaron las dificultades económicas y la primera casa de moda soviética sufrió grandes cambios. Se nombró un nuevo director, se redujo el personal y el famoso Atelier de Moda de Moscú se convirtió en un taller de moda de nomenklatura ordinario que enfundaba a esposas de fiestas y celebridades.

La idea de una revista de moda con la participación de artistas y escritores, y la participación de pintores y artistas gráficos en el desarrollo de modelos de ropa, se realizó durante algún tiempo. Las publicaciones de moda que aparecieron en la era de la NEP llamaron a los maestros del pincel y la pluma a hablar sobre la formación de la moda moderna. Moda.

En 1928 comenzó a publicar revista de moda "El arte de vestir" , la nueva edición no solo estaba de moda, sino también "cultural y educativa" con una serie de títulos interesantes: "Cartas de París" - (mensajes de un corresponsal de París sobre las tendencias de la moda), "Curiosidades de la moda", "Pasado de disfraces" . En la revista había una sección de “Consejos Útiles”, donde se podía informar: “Cómo limpiar los guantes de cabritilla”, “Cómo lavar la puntilla fina”, “Cómo renovar la puntilla negra y los velos”, etc., además, artículos de destacados diseñadores de moda, higienistas, publicidad de productos. En la revista se podían ver los nuevos desarrollos de los diseñadores de ropa M. Orlova, N. Orshanskaya, O. Anisimova, E. Yakunina. El primer número de la revista de moda abrió con el artículo de Lunacharsky "¿Es oportuno que un trabajador piense en el arte de vestir?" Los ciudadanos comunes también participaron en la discusión y pudieron expresar sus puntos de vista. “Nuestros artistas proletarios, con la ayuda de las masas, necesitan empezar a crear nuevas modas, “propias”, y no “parisinas”. Las reuniones del partido y del Komsomol los ayudarán en esto ”, afirmó el camarada moscovita. Yukhanov en su carta a Komsomolskaya Pravda. En el mismo año, 1928, aparece la “Modista de Casa”, una tradicional revista de moda con dibujos de modelos de ropa y explicaciones de ellos, patrones y consejos para modistas. Ambas revistas se publicaron en buen papel de gran formato, con impresión a color y estampados.

• En 1929, se publicó una nueva revista, The Garment Industry, que escribió sobre los problemas de la producción industrial masiva de prendas de vestir. Se iniciaba la etapa de industrialización del país. En los mismos años, se abrieron escuelas técnicas de costura, escuelas de comercio e instituciones educativas, facultades de costura en empresas textiles, que formaron especialistas para la industria ligera.

• Además, en los años 20 aparecieron - Fashion Magazine, Fashion of the Season, Fashion World, Fashion, Season Models, Four Seasons, Fashion Bulletin, Women's Magazine, etc. Siglo algunos revistas de moda fue corto, y se cerraron por "falta de ideas", y algunos existieron durante muchos años.

En 1932, se abrió la editorial soviética "Gizlegprom" bajo el Comisariado del Pueblo de Industria Ligera de la URSS, publicando literatura sobre industria ligera, textil y local y servicios públicos, publicando revistas con modelos de moda. Muchas fábricas de ropa en los años 30 comenzaron a publicar sus propios revistas de moda. Los modelos de ropa se publicaron en revistas femeninas como "Trabajadora", "Mujer campesina", etc.

Uno de los principales, para el diseño soviético de los años 20-30, fue el tema del "traje de producción". Fue en este momento cuando apareció el mono (ropa industrial). Los artistas de la década de 1920 ofrecieron varias opciones de trajes de producción para cirujanos, pilotos, bomberos, constructores y vendedores. El fundador del cartel soviético, el artista letón Gustavs Klutsis, diseñó un traje de minero con una lámpara en el casco y un cinturón de señales, donde había un complejo teclado de botones. La ropa se convirtió, por así decirlo, en un microambiente de una persona. Las materias primas para los primeros modelos del traje soviético eran todas iguales: lienzo, lino, percal grueso, chintz, tela, franela, humo, lana gruesa.
Propia teoría del vestuario, excluyendo cualquier Moda, trató de desarrollar a los maestros e ideólogos del INHUK de Moscú: Varvara Stepanova, Boris Arvatov, Alexander Rodchenko, Alexei Gan y otros. , escultores, arquitectos, historiadores del arte, organizados en Moscú en marzo de 1920 en el Departamento de Bellas Artes del Pueblo. Comisariado de Educación, era una especie de club de discusión y centro teórico.
Los primeros diseñadores de moda soviéticos, incluida Nadezhda Lamanova, y los artistas de vanguardia que trabajan en áreas como el constructivismo y el suprematismo: Alexander Rodchenko, Varvara Stepanova, Alexandra Ekster, Viktor Tatlin, Kazemir Malevich, se dedicaron al desarrollo de monos para varios tipos de industrias Vieron la tarea principal en "crear formas de ropa que no se basen en las tradiciones de la moda". La moda sería reemplazada por la simplicidad, la comodidad, la higiene y la "conveniencia sociotécnica".
Las nuevas ideas artísticas en este momento comenzaron a penetrar fácil y orgánicamente en el mundo de la moda. El traje futurista brillante y extraño encontró a sus fans entre los jóvenes; Se demandaban adornos "suprematistas" en suéteres y bufandas, que fueron tejidos por la madre del artista Kazemir Malevich, así como bocetos de los dibujos de Lamanova para inodoros de seda de moda al estilo del cubismo o suprematismo. El método principal para diseñar ropa funcional fue revelar la estructura: exponer el diseño del corte, el diseño de los sujetadores, los bolsillos. La afiliación profesional del traje se reveló a través de su diseño y dispositivos técnicos específicos. El traje se convirtió en una herramienta profesional en el trabajo. Los artistas innovadores se negaron deliberadamente a usar adornos decorativos, creyendo que la tecnología de producción en masa de ropa en sí misma tenía posibilidades artísticas por descubrir.
Los artistas textiles, junto con la preservación de los patrones florales tradicionales, crean nuevos patrones. La notable diseñadora constructivista Varvara Stepanova participó activamente en el desarrollo de patrones para telas y el modelado de un nuevo tipo de ropa, para ciudadanos de un estado socialista. En 1923-1924, junto con otro artista de vanguardia brillante y talentoso, Lyubov Popova, trabajó en la Primera Fábrica de Calico de Moscú, donde se produjeron repetidamente sus modelos de tela. Stepanova soñaba con crear tejidos con nuevas propiedades físicas, basándose en los patrones de entrelazado de hilos, combinados orgánicamente con ornamentos gráficos. Estudió la demanda de los consumidores de telas y prendas de vestir, destacando que en la URSS, por primera vez en la historia mundial, se eliminaron las diferencias sociales en el vestuario, y creía que la modernidad requiere con urgencia un nuevo concepto de vestimenta para los trabajadores: en masa, pero al mismo tiempo. mismo tiempo, diverso.

En la década de 1920, hubo muchas discusiones sobre la reorganización de la vida de una persona soviética. En 1928, artículos polémicos sobre este tema aparecían regularmente en las páginas de los periódicos. Se discutió qué tipo de casas y apartamentos necesitan los trabajadores, qué muebles deberían ser, cómo debería decorarse el interior de una persona soviética, si existe una alternativa a las servilletas de encaje, las figuritas de porcelana, los elefantes y otros atributos de la vida pequeñoburguesa. Un gran lugar en esta discusión lo ocupó la pregunta, ¿cuál debería ser el disfraz de un miembro del Komsomol y un comunista? El problema de la formación del estilo del soviet. Moda fue uno de los centrales Por ejemplo, en Komsomolskaya Pravda uno podría leer los siguientes argumentos sobre el tema: "hay una necesidad pronunciada de oponer algo de nuestra propia moda soviética" Komsomol "a las muestras de" la mejor ropa "de las tiendas en Petrovka y Kuznetski Most”. El mundo teatral también estuvo involucrado en la controversia, en los escenarios de los teatros se podían ver proyectos experimentales de ropa de trabajo y cotidiana, muebles y una vivienda racionalmente equipada de una persona soviética.

Pronto, debido a las constantes críticas a los artistas que no están haciendo su trabajo, comenzó su alejamiento paulatino del arte del vestuario. La Casa de Modelos de Moscú, que se inauguró en 1934, finalmente convirtió el diseño artístico de un traje en una actividad completamente independiente. Apareció una nueva generación de artistas, para quienes la creación de ropa de moda se convirtió en una profesión. El período de la hermosa utopía de la formación de una nueva forma de vida ha terminado, el arte del vestuario ha pasado de artistas idílicos a manos prácticas de diseñadores de moda.

En la era del comunismo de guerra, cuando literalmente escaseaba toda la palabra "monos", no solo significaba ropa cómoda para las necesidades profesionales. Bajo el "mono" también se entendía una parte del llamado pago en especie, la mitad del cual se entregaba en alimentos y la otra mitad en cosas. Era imposible satisfacer la necesidad de zapatos y ropa para todos, razón por la cual estallaron serios conflictos en la sociedad. Por ejemplo, en Petrogrado a fines del invierno de 1921, en muchas fábricas y plantas, no solo los empleados, sino también las personas menores de 18 años fueron excluidas de las listas de solicitantes de monos. Debido a esto, comenzaron a surgir "gaitas", formas especiales de huelgas. Para resolver el conflicto, se entregó a los necesitados una sábana, una toalla y un par de zapatos, destinados a tres. Los overoles se distribuyeron según el principio de "raciones de clase". Los trabajadores y la nomenklatura partido-soviética eran considerados una clase privilegiada. En los diarios de los contemporáneos se podían leer tales entradas: “Nuestro hermano ni siquiera puede pensar en una nueva pareja. Los zapatos se distribuyen solo a comunistas y marineros.
En una de las minas de Chelyabinsk en 1922, la administración, entregada a los mineros, cambió botas por zapatos de bastón. Los propios trabajadores de la administración se vistieron con botas. Olga Senicheva recordó la ropa que usaba para trabajar en el Atelier de Moda, calzaba zapatos de tela con suela de cuerda y un abrigo fino de lona tejida en casa, que recibió como regalo como participante del III Congreso de la Comintern, donde organizó una exposición de la industria en general y la artesanía para los delegados. La escritora Vera Ketlinskaya recordó: "En la vida cotidiana, tenía una falda y dos blusas de franela: lavas, planchas y te pones, tanto en el instituto como en una fiesta, en casa y en el teatro". Nadezhda Mandelstam, escritora, esposa del poeta Osip Mandelstam escribió: “Mujeres, mujeres casadas y secretarias, todas nos entusiasmamos con las medias”. El racionamiento de ropa continuó hasta el otoño de 1922, por lo que la palabra "monos" adquirió su verdadero significado solo a partir de 1923.
La introducción de la Nueva Política Económica brindó a los residentes de las ciudades soviéticas una oportunidad única de comprar ropa legalmente por primera vez desde 1917. NEP: la nueva política económica que existió en el país soviético desde 1922 hasta 1929, tenía como objetivo restaurar la economía nacional y la posterior transición al socialismo. Durante un tiempo, la propiedad privada volvió a cobrar fuerza. Es cierto que la economía y el poder adquisitivo de la población crecieron muy lentamente, y muchos trabajadores vestían uniformes desgarrados de la Guerra Civil.
Con la adopción del programa NEP, la vida en la Rusia soviética cambió. En un país devastado por la revolución y la guerra, después de la hambruna generalizada, la devastación y la escasez de todo, de repente reinó la abundancia. Los mostradores de las tiendas, cuyos estantes estaban vacíos hasta hace poco, comenzaron a romperse. Todos los residentes de la capital o de la gran ciudad podían contemplar la repentina variedad de productos anunciados, pero pocos podían comprarlos. Así que las perspectivas para la NEP no eran las más halagüeñas. La devastación, el desempleo, la pobreza, la falta de vivienda todavía reinaban en el país.
En NEP Rusia, aparecieron revistas que anunciaban una vida hermosa y ropa de moda, tiendas con cosas hermosas. En Moscú, puedes comprar literalmente todo. Muchos bienes terminaron en los estantes de las casas de empeño, donde la gente llevaba sus bienes, a menudo restos de joyas familiares. La gente realmente quería comprar no solo comida, sino también ropa nueva de moda. Los ciudadanos soviéticos están cansados ​​del "comunismo de guerra". En NEP Rusia, los fetiches de la moda de mediados de los años 20 se convirtieron en atributos de una vida hermosa: un traje Marengo, un traje Boston, botas de fieltro, alfombras y abrigos Cheviot, abrigos de foca, sake de astracán, abrigos de ardilla, medias con una flecha, perfumes " Ubigan" y "Lerigan" de coti” y otros lujos.
Empresarios privados: Nepmen comenzó a importar ropa de Europa a Rusia. Los propios Nepmen y las familias de los funcionarios de rango medio y alto, así como las personas famosas favorecidas por el gobierno soviético, vestían ropa cara importada de moda. Quienes no podían permitirse los beneficios de la nueva política económica se proveían de ropa a la moda mediante labores de punto, alterando vestidos viejos, recortando cosas baratas compradas, construyendo modelos de moda a partir de telas que lograban "conseguir", recurriendo a patrones en revistas de moda.

• En NEP Moscú, apareció una gran cantidad de talleres de sastrería. Los más famosos fueron Maison de Luxe en Petrovka, San Rival en Pokrovka, la casa del taller de las hermanas EV y GV Kolmogorov, el taller de Plisse de A. Tushnov, el taller de Grishchenko, Koppar, Nefedova, Dellos.

• En la década de 1920, la escuela de bordado ARS comenzó a funcionar en Moscú, cuyo propietario era Varvara Karinskaya. Pronto, Karinskaya abrió el primer salón Houte Couture para la élite de Moscú, en el que ordenaron los baños de las esposas de los "top" comunistas y los NEPmen. Además, las mujeres adineradas de la moda iban al salón de antigüedades, que estaba a cargo de la hijastra de Varvara Karinskaya, Tatyana, para joyería. En 1928, Karinskaya emigró a Alemania.

Los fabricantes de ropa, sastres, zapateros, sombrereros, se han convertido en la élite informal de la sociedad soviética durante la NEP. En la Rusia soviética, comenzaron a aparecer estudios en los que trabajaban maestros de clase alta, accesibles solo para miembros del gobierno y líderes del partido. Las damas del Kremlin comenzaron a utilizar los servicios de sastres y diseñadores de moda de la manera más activa. Especialmente entre ellos a mediados de los años 20, los inodoros "de Lamanova" se consideraban los más elegantes.

Los años veinte en el nuevo país soviético, una época increíble, que combina las ideas vanguardistas del constructivismo, la ropa de los trabajadores comunes: bufandas rojas, faldas largas y sin forma, zapatos de tela con membrana y los atuendos de damas que utilizan los beneficios de la NEP con poder y fuerza y ​​vestido a la manera de los flappers europeos. Ya comenzaban los primeros planes quinquenales de choque, y el espíritu del Charleston aún estaba en el aire.

Por supuesto, en el país soviético siempre hubo una distribución territorial desigual. Moda. La concentración de la industria de la moda soviética se concentró en la capital. La brecha entre la capital y las provincias era enorme. En el campo de la moda, Moscú y las provincias se relacionaron como culturas "de referencia" e "imitativas". Y si en las grandes ciudades todavía era posible comprar o, como decía la gente, "obtener" cosas buenas o utilizar los servicios de un taller, entonces para los habitantes del pueblo el concepto de " Moda' simplemente no existió. Por lo tanto, hablando de la moda de un joven país soviético, uno tiene que describir la ropa que usaban los habitantes, en primer lugar, de Moscú y las grandes ciudades.

En la era de la Nueva Política Económica, las mujeres soviéticas de moda imitaban a las estrellas de cine mudo, considerándolas estándares de belleza y gusto. Entre ellas se encuentran Olga Zhizneva, Veronika Buzhinskaya, Vera Malinovskaya, Anel Sudakevich, Anna Sten, Alexandra Khokhlova, Yulia Solntseva, Nina Shaternikova, Sofia Magarill, Sofia Yakovleva, Galina Kravchenko y otras El éxito de estas actrices no fue más allá de las fronteras de Rusia soviética, pero a menudo en su imagen y maquillaje copiaron a las estrellas de cine occidentales.

Las fashionistas de los años 20 tenían los mismos ideales que las mujeres emancipadas de todo el mundo: una figura delgada que le permite usar vestidos hasta la rodilla con cintura baja, sin embargo, entre las damas soviéticas, este sueño no siempre se hizo realidad, y en la moda. los vestidos tenían que vestirse en formas bastante bien alimentadas. Las flores artificiales, los collares de perlas, reales o falsos, envueltos alrededor del cuello, las botas altas con cordones, las boas de piel de zorro o zorro ártico, las chaquetas de astracán están de moda. Un accesorio importante de los amantes de la moda de esa época eran los sombreros, que en los primeros años posrevolucionarios fueron criticados como un claro signo de burguesía y fueron reemplazados activamente por bufandas rojas.

En la vestimenta de los hombres, las botas shimmy o jimmy y los pantalones oxford estaban de moda: cortos, hasta los tobillos y estrechos. A mediados de los años 20, estas cosas son relativamente asequibles. Así escribió el poeta Daniil Kharms en su diario en septiembre de 1926: “Compré botas Jim en Gostiny Dvor, lado Neva, tienda 28”. Las polainas (cubiertas blancas de gamuza o lino que se usan en los zapatos de los hombres), chaquetas, calzones, polainas (un tipo especial de botas suaves para hombres) son populares.

Si a principios de los años 20 era necesario observar los signos del bolchevismo y usar blusa o sudadera, así como gorra, gorra y botas, a fines de los años 20, gracias a la NEP, comenzó a revivir. Moda para ropa de estilo europeo. En el guardarropa de los hombres aparecieron chaquetas de castor, ropa exterior hecha de telas pesadas y densas: gabardina, chesuchi, abrigo de alfombra, cheviot, etc.. Las botas de cuero para hombres con puntas romas: los "bulldogs" se consideraban de lujo. La ropa muy habitual en los años 20 y principios de los 30 eran los pantalones de lino de los hombres y las zapatillas de lona blanca, que se limpiaban con polvo dentífrico, así como las camisetas de rayas, que vestían tanto hombres como mujeres. Los géneros de punto también se utilizaron ampliamente en el guardarropa de los hombres: suéteres, chalecos, bufandas, etc.

Dado que no todos tenían acceso a los servicios de los maestros de sastrería, telas de alta calidad o buenos productos terminados, hubo que inventar baños de moda a partir de medios improvisados. En las memorias de la escritora Nadezhda Teffi, se puede leer sobre la empresa de las mujeres: se usaron cortinas y cortinas, sábanas y otra ropa de cama y mesa, manteles y colchas. El colchón de teca a rayas era muy popular, así como cualquier otro tejido utilizado en el uso doméstico. Las pieles baratas eran muy populares: conejo, cygkey. El conejo teñido era el pelaje más común de esa época.

Es cierto que la piel se declaró rápidamente un signo de burguesía. Se suponía que un simple trabajador no debía perseguir pieles escasas, sino caminar en invierno con un abrigo acolchado con guata. Había grandes problemas con los zapatos, porque era imposible coserlos en casa como un vestido o una blusa, y aquellos que no podían pagar las tiendas privadas cambiaban los zapatos en los mercados de ropa o usaban el viejo hasta que se desmoronaba por completo, ayudaban las botas de fieltro. muchos en invierno.
Durante los años de la Guerra Civil y la Nueva Política Económica, los principales "mercados de pulgas" del país eran los mercados de Tishinsky y Sukharevsky, donde por relativamente poco dinero o intercambiando bienes por bienes, uno podía ponerse zapatos y vestirse. El mercado de Tishinsky fue un lugar comercial favorito para los moscovitas hasta la década de 1990, pero Sukharevsky se cerró a fines de la década de 1920.
Lo principal para un trabajador soviético común de finales de los años 20 y principios de los 30 era un cierto estándar promedio, tenías que parecerte a todos los demás, ser como todos los demás, no sobresalir en nada. En un país donde la palabra colectivo sonaba por doquier, la individualidad no era bien recibida. La multitud parecía bastante monótona.

Continuará ( La historia de la moda soviética - segunda parte años 30 )

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10:10 07/04/2012

El desarrollo de la moda en la década de 1910 del siglo XX estuvo determinado en gran medida por los acontecimientos mundiales, el principal de los cuales fue la Primera Guerra Mundial de 1914-1918. Las cambiantes condiciones de vida y las preocupaciones que recaían sobre los hombros de las mujeres exigían, ante todo, comodidad y confort en la ropa. La crisis financiera asociada con la guerra tampoco contribuyó a la popularidad de los vestidos lujosos hechos con telas caras. Sin embargo, como suele ser el caso, los tiempos difíciles crearon una demanda aún mayor de ropa hermosa: las mujeres, que no querían tolerar las circunstancias, mostraron milagros de ingenio en la búsqueda de telas y nuevos estilos. Como resultado, la segunda década del siglo XX fue recordada por modelos que combinaban elegancia y conveniencia, y la aparición de la legendaria estrella Coco Chanel en el cielo de la moda.

A principios de la segunda década del siglo XX, Paul Poiret seguía siendo el principal dictador del mundo de la moda. En 1911, los pantalones y culottes de mujer causaron sensación. El diseñador de moda continuó popularizando su trabajo a través de eventos sociales y varios viajes. Poiret celebró la creación de la colección Las mil y una noches con una lujosa recepción, y más tarde en el mismo 1911 abrió su propia escuela de artes y oficios, Ecole Martin. Además, el revolucionario de la moda siguió publicando libros y catálogos con sus productos. Luego, Poiret realizó una gira mundial, que duró hasta 1913. Durante este tiempo, el artista ha mostrado sus modelos en Londres, Viena, Bruselas, Berlín, Moscú, San Petersburgo y Nueva York. Todos sus desfiles y viajes iban acompañados de artículos y fotografías en periódicos, por lo que las noticias sobre el modisto francés dieron la vuelta al mundo.

Poiret no tenía miedo a los experimentos y se convirtió en el primer diseñador de moda en crear su propia fragancia: el perfume Rosina, que lleva el nombre de su hija mayor. En 1914, con el estallido de la Primera Guerra Mundial, la Casa de Paul Poiret cesó sus actividades, y el artista intentó volver al mundo de la moda recién en 1921.

Esto, sin embargo, resultó ser un fracaso, en gran parte debido a que el estilo lujoso y exótico de Poiret fue suplantado por los revolucionarios modelos de Coco Chanel.

La emancipación y los primeros modelos prácticos

El primer paso en la transición a la moda "cómoda" fue la desaparición definitiva de los corsés, los sombreros voluminosos y las faldas "cojeando" de los guardarropas de las mujeres. A principios de la década de 1910, entraron en uso nuevos modelos, el principal de ellos fue la "falda yule" con cintura alta, caderas anchas, cortinas y tobillos estrechos. En cuanto al largo, hasta 1915 el dobladillo de los vestidos llegaba hasta el suelo. Las faldas, en cambio, se acortaron un poco: se pusieron de moda modelos que llegaban “solo” hasta la altura de la pierna. Los vestidos a menudo se usaban con capas, y los vestidos con cola también eran populares. Un escote en forma de V era común, no solo en el pecho, sino también en la espalda.

El anhelo de practicidad tocó no solo la ropa, sino toda la imagen femenina. En la segunda década del siglo XX, las damas por primera vez dejaron de hacer peinados elegantes e intrincados y abrieron el cuello. Los cortes de pelo cortos aún no se han vuelto tan comunes como lo eran en la década de 1920, pero la moda del cabello largo y bellamente peinado en la cabeza se ha convertido en cosa del pasado.

En ese momento, la opereta era muy popular en toda Europa, y los bailarines que actuaban en el escenario se convirtieron en un ejemplo a seguir, incluso en términos de vestimenta. Junto a la opereta, el público disfrutó del cabaret, y en especial del baile del tango. Especialmente para el tango, se inventó un traje de escenario: pantalones de harén turcos, así como faldas drapeadas, en cuyos cortes se veían las piernas de los bailarines. Tales atuendos se usaban solo en el escenario, pero en 1911 la casa de moda parisina "Drecol and Beschoff" ofreció a las damas los llamados vestidos de pantalón y falda-pantalón. La parte conservadora de la sociedad francesa no aceptaba los nuevos atuendos, y aquellas chicas que se atrevían a aparecer en público con ellos eran acusadas de negar los estándares morales generalmente aceptados. Los pantalones de mujer, que aparecieron por primera vez a principios de la década de 1910, fueron recibidos negativamente por el público y se hicieron populares mucho más tarde.

En 1913, las mujeres emancipadas comenzaron a protestar en Europa contra la ropa que restringía el movimiento, insistiendo en la aparición de modelos cómodos y de corte sencillo. Al mismo tiempo, todavía había una ligera pero tangible influencia de los deportes en la moda cotidiana. Abundantes rayas y adornos, intrincados apliques y detalles que adornaban la ropa comenzaron a desaparecer. Las mujeres se permitieron desnudar sus brazos y piernas. En general, el corte de la ropa se ha vuelto mucho más libre, las camisas y las camisas de vestir se han puesto de moda.

Todas estas tendencias eran características de la ropa informal, mientras que los modelos elegantes aún se mantenían al estilo de la década de 1910. Los vestidos de cintura alta con elementos de estilo oriental, los modelos con un corpiño estrecho y una falda ancha con volantes seguían siendo populares en el mundo. Se puso de moda una falda de alforja, cuyo nombre se traduce del francés como "cesta". El modelo se distinguió por una silueta en forma de barril: las caderas eran anchas, pero la parte delantera y trasera de la falda era plana. En definitiva, los atuendos para salir eran más elegantes y conservadores, y algunos diseñadores de moda buscaron mantener las tendencias observadas en la moda del siglo XX. Erte se convirtió en el más notable entre los artistas que se adhirieron a modelos conservadores.

Ruidoso debut del gran Erte

El diseñador de moda más popular Erte, cuyo nombre está asociado con imágenes lujosas y femeninas de la segunda década del siglo XX, no reconoció la tendencia hacia la practicidad y la funcionalidad.

© proporcionado por la agencia de Internet "Bi-group"

Boceto de un vestido del diseñador de moda Erte (Roman Petrovich Tyrtov)

Roman Petrovich Tyrtov nació en 1892 en San Petersburgo, ya la edad de veinte años se mudó a París. Erte tomó el seudónimo de las letras iniciales del nombre y apellido. Desde niño, el niño mostró predilección por el dibujo y el diseño. Desde los 14 años asistió a clases en la Academia de Bellas Artes de San Petersburgo, y tras mudarse a la capital francesa, pasó a trabajar en la Casa Paul Poiret. Su debut de alto perfil en París fue la creación de vestuario para la obra "El Minarete" en 1913. Al año siguiente, cuando Erte dejó la Casa de Poiret, sus modelos fueron muy populares no solo en Francia, sino también en las compañías de teatro de Montecarlo, Nueva York, Chicago y Glyndbourne. Los teatros de variedades llenaron de pedidos al talentoso diseñador de moda, y Erte creó vestuario para producciones como Music Box Repertoire de Irwin Berlin, Scandals de George White y Mary of Manhattan. Cada imagen creada por el modisto fue creación propia: en su trabajo, Erte nunca se basó en la experiencia de sus colegas y predecesores.

La imagen más reconocible creada por el diseñador de moda fue la misteriosa belleza, envuelta en lujosas pieles, con muchos accesorios, siendo los principales largos collares de perlas y cuentas, rematados con un original tocado. Erte creó sus atuendos, inspirándose en la mitología griega y egipcia antigua, así como en miniaturas indias y, por supuesto, en el arte clásico ruso. Negando una silueta delgada y patrones geométricos abstractos, Erte se convirtió en el artista principal de la revista Harpers Bazaar en 1916, un contrato que le ofreció el magnate William Hirst.

© RIA Novosti Serguéi Subbotin

Portada de la revista "Negocios de mujeres"

Popular incluso antes del estallido de la Primera Guerra Mundial, Erte fue uno de los pioneros hasta su muerte en 1990 a la edad de 97 años.

guerra y moda

La disputa entre los seguidores del estilo antiguo y los partidarios de la ropa práctica se decidió por la Primera Guerra Mundial que comenzó en 1914. Las mujeres, obligadas a hacer todo el trabajo masculino, simplemente no podían permitirse el lujo de vestirse con faldas y corsés largos e hinchados.

Durante este período, comenzaron a aparecer detalles funcionales en la ropa, en referencia al estilo militar: bolsillos de parche, cuello vuelto, chaquetas con cordones, solapas y botones de metal que las niñas usaban con faldas. Al mismo tiempo, los trajes de mujer se pusieron de moda. Los años duros trajeron consigo otra reforma: en la sastrería se utilizaron prendas de punto cómodas, a partir de las cuales se crearon jerséis, cárdigans, bufandas y gorros. Los vestidos casuales, cuya longitud se hizo más corta y llegaba solo a las pantorrillas, se usaban con botas altas y gruesas con cordones, debajo de las cuales las mujeres usaban mallas.

En general, esta época se puede describir como una búsqueda espontánea de nuevas formas y estilos, un deseo apasionado de alejarse de todos los estándares de moda que impusieron las casas de moda en el siglo XX. Las tendencias literalmente se reemplazaron unas a otras. Común a las siluetas de la época de la guerra era la libertad de corte, a veces incluso la ropa "caída". Ahora los atuendos no enfatizaron todas las curvas de la figura femenina, sino que, por el contrario, las ocultaron. Incluso los cinturones ya no se ajustaban a la cintura, por no hablar de las mangas, blusas y faldas.

La guerra, quizás, hizo a las mujeres mucho más independientes que todos los estallidos emancipadores que caracterizaron los primeros años de la década de 1910. Primero, las mujeres asumieron el trabajo que antes hacían los hombres: ocuparon lugares en fábricas, hospitales y oficinas. Además, muchos de ellos terminaron en servicios militares auxiliares, donde las condiciones de trabajo dictaban la practicidad como criterio principal a la hora de elegir la ropa. Las chicas vestían uniformes, camisetas deportivas color caqui y gorras. Quizás, por primera vez, las mujeres sintieron su independencia y significado, confiaron en sus fortalezas y habilidades intelectuales. Todo esto permitió a las propias damas dirigir el desarrollo de la moda.

© Ilustración del libro "Iconos de estilo. Historia de la moda del siglo XX. Editado por G. Buxbaum. San Petersburgo. "Ánfora", 2009"

Dartey "Crinolina militar", dibujo 1916.

Durante la guerra, cuando casi todas las casas de moda estaban cerradas, las mujeres se deshicieron voluntariamente de todos los cánones impuestos, liberando la ropa de detalles innecesarios. El estilo práctico y funcional echó raíces y se enamoró tanto que las casas de moda que reanudaron sus actividades después de la guerra se vieron obligadas a seguir nuevas tendencias, y los intentos de recuperar la popularidad de la crinolina anteriormente relevante y los incómodos estilos "estrechos" terminaron en fracaso. .

Sin embargo, cabe destacar que aparecieron al mismo tiempo y se convirtieron en "crinolinas militares" extremadamente populares. Estas faldas esponjosas se diferenciaban de sus predecesoras en que no usaban los aros habituales, sino una gran cantidad de enaguas para mantener su forma. Se necesitaba mucha tela para coser tales atuendos y, a pesar de la baja calidad, el precio de las "crinolinas militares" era bastante alto. Esto no impidió que la falda voluminosa se convirtiera en uno de los principales éxitos de la guerra, y más tarde este modelo se convirtió en un símbolo del estilo romántico provocado por la protesta general y el hastío de la guerra. Incapaces de resistir el estilo práctico dominado, los diseñadores de moda decidieron aportar originalidad y belleza a los atuendos de estilo simple a través de detalles y acabados. Los vestidos de "alta costura" estaban ricamente decorados con perlas, cintas, apliques y cuentas.

El impacto de la Primera Guerra Mundial en la moda no puede describirse únicamente por la tendencia emergente hacia la practicidad. Los soldados que participaron en batallas en territorios extranjeros trajeron a casa como trofeos, incluidas nuevas telas exóticas, así como chales, bufandas y joyas nunca antes vistos de Túnez y Marruecos. Los diseñadores de moda, al familiarizarse con las culturas de diferentes países, absorbieron ideas e incorporaron nuevos estilos, patrones y acabados en la sastrería.

Después del final de la guerra, cuando la vida secular mejoró y los bailes comenzaron a darse nuevamente en París, muchas mujeres abandonaron los disfraces que se habían vuelto familiares y volvieron a la moda de antes de la guerra. Sin embargo, este período no duró mucho: después de la guerra, comenzó una etapa completamente nueva en la moda, que en ese momento estaba más influenciada por Coco Chanel.

El estilo de los hombres de Chanel.

Coco Chanel

Coco Chanel, según ella misma admite, trató toda su vida de adaptar un traje de hombre a las necesidades y el estilo de vida de una mujer moderna.

Coco Chanel comenzó su andadura en el mundo de la moda en 1909 cuando abrió su propia tienda de sombreros en París. El rumor sobre el nuevo diseñador se extendió rápidamente por toda la capital francesa, y al año siguiente, Coco pudo lanzar no solo sombreros, sino también ropa, abriendo una tienda en 21 Rue Cambon, y luego su propia Casa de Moda en el resort de Biarritz. . A pesar del alto costo de la ropa y la simplicidad del corte, que era inusual en ese momento, los modelos de Chanel estaban ganando popularidad rápidamente y el diseñador tenía una amplia clientela.

La tarea principal de la ropa que los diseñadores de moda ofrecían anteriormente a las mujeres era enfatizar la cintura de avispa y resaltar el cofre, creando curvas antinaturales. Coco Chanel era delgada, bronceada y atlética, y el estilo común en ese momento no le quedaba perfecto: con todo el deseo, ninguna ropa podría hacer un "reloj de arena" con la figura de una niña. Pero ella era la modelo perfecta para sus propios atuendos. "Esposada en un corsé, con el pecho hacia afuera, el trasero expuesto, tan apretada en la cintura, como si estuviera cortada en dos partes... contener a una mujer así es lo mismo que administrar bienes raíces", dijo Koko.

Promoviendo la comodidad y el estilo unisex, el diseñador de moda creó vestidos y faldas muy simples, que se distinguen por líneas claras y la ausencia de joyas. La niña, sin dudarlo, hizo a un lado los detalles innecesarios y los accesorios innecesarios en busca del modelo perfecto que no restringe el movimiento y, al mismo tiempo, permite que una mujer siga siendo mujer. Independientemente de la opinión pública, introdujo hábilmente elementos de estilo masculino en la ropa de mujer, dando un ejemplo independiente del uso correcto de atuendos simples. “Una vez me puse un suéter de hombre, así nomás, porque tenía frío… Me lo até con una bufanda (en la cintura). Ese día estaba con los británicos. Ninguno se dio cuenta de que llevaba suéter. ...", recordó Chanel. Así aparecieron sus famosos trajes marineros de escote pronunciado con cuello vuelto y chaquetas de cuero tipo "jockey".

Al crear ropa, Chanel utilizó materiales simples: algodón, prendas de punto. En 1914, acortó la falda de las mujeres. Al comienzo de la Primera Guerra Mundial, Coco diseñó prácticos suéteres, blazers, vestidos camiseros, blusas y trajes. Fue Chanel quien contribuyó a la popularización de los pijamas, y en 1918 incluso creó pijamas de mujer, en los que podías bajar al refugio antiaéreo.

Más cerca de 1920, Coco, como muchos artistas de la época, se interesó por los motivos rusos. Esta línea en el trabajo de Chanel se desarrolló ya a principios de la tercera década del siglo XX.

La segunda década del siglo XX, a pesar de todas las dificultades y dificultades, se convirtió en un punto de inflexión en la evolución de la moda: fue en la década de 1910 cuando los artistas comenzaron a buscar activamente nuevas formas que pudieran dar libertad a las mujeres sin privarlas de gracia. Las reformas puestas de moda por la guerra y las tendencias de los años de la posguerra resultaron decisivas en el desarrollo de la industria en las décadas siguientes.

La moda no solo dicta nuestro guardarropa, proclama ideales, ya sea admirando las formas o la moda por el morbo gótico. La moda de la ropa viene de la moda del cuerpo. Enfatizó la ternura desprendida, como de las pinturas de los prerrafaelitas, la piel blanca aristocrática, los rizos femeninos, los vestidos que fluyen hasta el suelo. Los vestidos de Charleston encajan perfectamente en una figura juvenil plana. La piel masculina pesada tacha la ternura y se enfoca en una mujer fuerte con una figura incluso majestuosa. La moda nos dice directamente qué ponernos, por el camino susurrándonos al oído cómo llevarlo, qué tipo de postura observar al mismo tiempo, qué look nos acompañará al salir de la peluquería, donde, sin duda, nos hicimos con el pelo. lo que nos dijo Madame Fashion. La belleza de las mujeres es un espejo de la historia.

Antigüedad

La cultura de la antigüedad griega deificaba la forma del cuerpo, exaltando todo lo relacionado con ella: los Juegos Olímpicos hechizando con la belleza de las formas de los atletas, los discursos públicos, que incluían la capacidad de mostrar con gestos el significado del habla para aquellos que están en las filas de atrás y no escuchas al orador, la gimnasia está frente a los transeúntes, bueno, por supuesto, uno no debe olvidarse de la escultura, que era el arte más alto entre los griegos.

La situación era completamente opuesta en Oriente, donde el cuerpo era solo un caparazón temporal de un espíritu inmortal. El valor más alto son los pensamientos, los escritos.

La Antigüedad y la Edad Media, el Renacimiento y la Edad Moderna, nuestra modernidad es una serie de vaivenes de la espiritualidad y el culto al cuerpo.

moda de 1900

La interpretación e imagen del cuerpo femenino ha cambiado de década en década, de año en año. Hasta la Primera Guerra Mundial, la mujer conservó el misterio y el cuerpo femenino como tal, es decir, la desnudez femenina no estaba de moda. En la década de 1900, la moda de la silueta femenina comenzó su transformación, primero sometida a una influencia muy fuerte del estilo Art Nouveau, que identificaba a la mujer con un ser sobrenatural. La nueva silueta cambió de moda a gótica con una barriga protuberante y una espalda curvada. La moda de tal silueta se asoció con la popularidad de la apariencia de una mujer embarazada en la era de las Cruzadas y la ausencia de hombres. La nueva silueta en forma de S era todo lo contrario a su antecesora, y estaba provocada principalmente por la estructura del lino característica de la época y la forma especialmente curvada del corsé que levantaba el pecho y ponía énfasis en una cintura estrecha, que en casos extremos alcanzaban hasta 37 centímetros.

En 1906, durante la época eduardiana, la moda de la silueta femenina absorbió los gustos de la aristocracia inglesa de aquellos años, adquiriendo una silueta neoclásica más enderezada. Más respetables en relación con el Art Nouveau francés y más sencillos, incluso los colores blanco y negro y rayado de los trajes enfatizaron su alargamiento y geometría.

moda de 1910

Desde 1909, ha habido una ola de interés en el tema del harén, generada por el éxito de S.P. Diaghilev en París. La moda abandonó los corsés y llamó la atención sobre mujeres flemáticas, semidesnudas y redondas, recostadas en otomanas. El objeto de adoración eran formas completas con brazos y piernas regordetas y bien alimentadas. Paul Poiret, el famoso "emperador de la moda", fue el primero en adoptar esta tendencia de la moda e introdujo los vestidos sin corsé, los primeros bombachos y vestidos transparentes. Esta fue la primera moda para el cuerpo como tal en el siglo XX.

Durante la Primera Guerra Mundial, las mujeres asumieron las funciones de los hombres, lo que provocó la emancipación de la moda femenina. La actividad laboral enderezó la silueta, movió el sujetador hacia adelante desde atrás, cortó el cabello, facilitando el peinado. Debido a la ausencia de hombres, la moda del cuerpo femenino se disolvió en una niebla militar.

En aquellos días, nació un nuevo tipo de mujer: una mujer vampiro, en la jerga de aquellos tiempos, este tipo de mujer se llamaba "Vampiro", que era sinónimo de una seductora insidiosa, que enfatizaba una mirada dura, densamente resumida. con sombras negras. El primer vampiro de este tipo fue la estrella de cine Theda Bara.

moda de los años 20

En 1918, cuando la guerra trajo de vuelta las mermadas filas masculinas del frente, la competencia entre mujeres aumentó tanto que la exhibición del cuerpo impregnó toda la moda de la época. La era de la década de 1920 dio a luz a un nuevo estilo art deco, una especie de fusión de neoclasicismo y modernidad. Nació una nueva imagen de mujer, con una actitud completamente nueva hacia el cuerpo y sus formas: la imagen de una mujer medio niño, una adolescente. Con la presentación ligera de la famosa novela escandalosa de V. Marguerite "La Garcon" (que significa "niño" en francés), la moda femenina ha adquirido formas infantiles: la ausencia de senos, caderas, una cintura ancha y plana. Si la década de 1900 obligó a las mujeres a comer una variedad de drogas para aumentar el busto, visitar masajistas, entonces la década de 1920 encadenó a las mujeres en corpiños planos especiales que ocultan sus senos.

Gracias a los esfuerzos de Poiret, las mujeres se quitaron los corsés y, gracias a las formas simples de los trajes y vestidos de Coco Chanel, fueron completamente olvidados. Esa parte del cuerpo que hasta hace poco no se mostraba en absoluto se ha puesto de moda: la espalda. Las mujeres han estado usando corsés desde principios del siglo XIV y, al perderlo, decidieron que ahora sus espaldas deberían mostrarse con la mayor frecuencia posible. El único hecho que impidió una nueva tendencia de moda fue la palidez. Aparecieron las primeras playas mixtas, donde las mujeres primero se abrían al sol para luego presentarse ante la sociedad en traje de noche con la espalda abierta y los brazos desnudos. La moda de la palidez gótica fue reemplazada por una moda de bronceado.

Arrestan a niñas en Chicagopor usar un traje de baño en un lugar público

La silueta alargada de los vestidos de cintura baja dominó hasta 1924. Envalentonadas, mostrando sus espaldas y brazos, las mujeres decidieron endurecer la lucha por la atención de los hombres mostrando sus piernas. En 1924 y 1925, las casas de moda de Chanel y Jean Patou vestían a las mujeres con faldas cortas hasta la rodilla. Las damas comenzaron a mostrar sus pantorrillas y tobillos y esto condujo al nacimiento de las medias corporales. La moda femenina reveló cada vez más el cuerpo, en esto la ayudaron los bailes populares con música de jazz (por ejemplo, el Charleston).

moda de los años 30

Pero en 1929, la Gran Depresión acabó con el disfrute del lujo. Valores bastante diferentes reemplazaron el coraje de los años 20 con una unidad de cocaína en Rolls-Royce y bailes en destellos. La moda adoptó la silueta aerodinámica de la belleza neoclásica con las formas de la Venus de Milo. Casas de moda parisinas como Elsa Schiaparelli, Madeleine Vionnet complementaron la feminidad de la silueta de moda con cortinas de estilo antiguo.

moda de los 40

En 1935, bajo la influencia del totalitarismo europeo, los vestidos alargados fueron reemplazados por formas estrictas de chaquetas, trajes y abrigos. La moda femenina se envolvió en la masculinidad cuadrada de los primeros hombros acolchados, escondió las formas bajo la ropa de marco. Esta dirección de la moda femenina alcanzó su apogeo en 1943, durante la Segunda Guerra Mundial, cuando el tamaño de los hombros se volvió simplemente increíble. La ley marcial ha convertido a las mujeres en luchadoras.

moda años 50

Debilitó la legendaria moda militar "New look" de Dior en 1947. Trayendo de vuelta la moda victoriana, Dior ceñía la cintura de las mujeres en corsés, redondeaba las caderas y sacaba perchas acolchadas de las damas cansadas de la guerra. La moda ha recuperado el misterio, la feminidad y la sofisticación.

Moda años 60

En la década de 1960, bajo los famosos "Beatles" y "The Rolling Stones", abrieron una moda para los jóvenes que simplemente no existía antes. La moda femenina ha recuperado la silueta juvenil de los años 20, que ha convertido en popular a la modelo Twiggy. A pesar de las siluetas repetitivas, la moda de este período hizo muchos descubrimientos. Spaceflight tejió la moda con aluminio, plástico y flecos brillantes, desplazando a la lana, la seda y el algodón. Esta dirección fue apoyada con gusto por Paco Rabanne, Pierre Cardin, Courreges, quienes convirtieron sus modelos en la tripulación de una nave espacial. Pero cambiar las telas no fue suficiente para esta era de la moda, y cambió su forma: con la mano ligera de Mary Quant, las minifaldas se pusieron de moda.

La moda adquirió un nuevo look en 1968, vestida con el mismo corte que la ropa de los hombres: camisetas, chalecos, camisas, jeans: lo unisex se sintió en todas partes, incluso en los peinados. Los hippies cambiaron por completo la actitud hacia el cuerpo, decorándolo en el camino con pegatinas y tatuajes que simbolizan el amor y la paz.

moda de los 70

Esta dicha narcótica podría continuar hasta el día de hoy, solo que la esencia femenina no se reconcilió con la igualdad de género y resucitó bajo el lujo de un nuevo estilo retro que surgió a principios de la década de 1970 en conexión con el amor por la moda de antes de la guerra de los años 20 y 30. . Hombros estrechos, cinturas estrechas, faldas maxi y midi, plataformas que cambiaron las proporciones del cuerpo femenino, renovado interés por el cuerpo femenino. Amor libre, las primeras películas para adultos, revistas, desvestirse se ha convertido en un lugar común.

moda de los 80

Pero a principios de la década de 1980, se conocieron las consecuencias del amor libre, y esto se reflejó en la moda y las actitudes hacia el cuerpo, y se tomó conciencia de su valor. Diseñadores japoneses como Yohji Yamamoto y Kenzo Takada escondieron cuidadosamente los cuerpos de las mujeres en trajes negros en capas, y el resto de los diseñadores de la casa de moda hicieron lo mismo. La moda ha deformado la silueta femenina, y las exitosas colecciones de Thierry Mugler y Claude Montana han devuelto los hombros de los años 40.

moda de los 90

El éxito de los diseñadores japoneses fue seguido por la respuesta de la moda francesa: Jean Paul Gaultier y Christian Lacroix revivieron la moda para las formas femeninas. Los primeros tres años de los 90 se hicieron eco de los años 30 y 50 con corsés enfatizados y un profundo escote de la sexualidad femenina. Y luego siguió la crisis y el nacimiento de nuevos estilos, como el grunge, el étnico y el ecológico.

La moda del interés por el cuerpo revivió en forma de tatuajes rituales de indios brasileños, propuestos por Jean-Paul Gaultier. Pero para no asustar demasiado a sus fans, el diseñador sugirió no hacerse tatuajes en el cuerpo, sino probarlos con la ayuda de cuellos de tortuga color carne que creó con dibujos impresos en ellos.

La moda es un arte, o da lugar a una obra de fantasía del autor, o admira la majestuosidad del pasado, o se agota bajo la presión del presente. Pero siempre se está moviendo, moviéndose cíclicamente, reflejando la historia. La moda a veces envuelve las formas femeninas en capullos, como si ocultara las frágiles creaciones de la naturaleza, a veces se burla del cuerpo femenino, exaltando ideales antinaturales, pero a veces muestra la verdadera belleza de una mujer, ¡y en esos momentos es hermosa!

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Vestimenta de ciudadanos (1917-1922)

La Primera Guerra Mundial, el levantamiento revolucionario y la Guerra Civil cambiaron la apariencia de los ciudadanos de Rusia. El simbolismo icónico del traje comenzó a aparecer más claramente. Era una época en que la solidaridad o la oposición se expresaba con la ayuda de un disfraz o sus detalles individuales; se usó como una pantalla detrás de la cual uno podía ocultar temporalmente la verdadera actitud de uno hacia los eventos que tenían lugar. “En Moscú, la avena se repartía en tarjetas. Nunca antes la capital de la república había vivido un momento tan difícil como en el invierno del año veinte. Fue “una era de filas interminables de hambrientos, “colas” frente a “distribuidores de alimentos” vacíos, una era épica de carroña congelada podrida, cortezas de pan mohosas y sustitutos no comestibles.
“No se vende leña. No hay nada que ahogue a los holandeses. En las habitaciones hay estufas de hierro - estufas de barriga. De ellos debajo del techo hay tubos de samovar. Uno dentro de otro, uno dentro de otro, y justo en los huecos de las tablas con que se cierran las ventanas, se cuelgan tinajas en las uniones de los caños para que no gotee la resina. . Y, sin embargo, muchos seguían siguiendo la moda, aunque esta se limitaba solo a la silueta del traje o algunos detalles, por ejemplo, el diseño del cuello, la forma del sombrero y la altura del tacón. La silueta de la ropa de mujer iba camino de la simplificación. Se puede suponer que esta tendencia fue influenciada no solo por la moda parisina (la casa de ropa de Gabriel Chanel, inaugurada en 1916, promovió "rob de chemise" - formas simples de vestir, sin cortes complicados), sino también por razones económicas. "Revista para azafatas" en 1916. escribió: "... casi no hay telas en los almacenes ni en las tiendas, no hay pasamanería, ni siquiera hay hilos para coser un vestido o un abrigo". "... por un carrete de hilo (como un carrete ... pequeño) en la provincia de Samara dan dos puds de harina ... dos puds por un carrete tan pequeño ..." aprendemos de los Diarios de K. I. Chukovsky.

Durante este período, el precio de la tela subió de 3 rublos. 64 kopeks (precio medio en 1893) hasta 80.890 rublos. en 1918 . Además, la espiral inflacionaria se desenrollaba cada vez más. No tiene precio la información del Diario de Moscovita, en el que el autor N.P. Okunev anotó diariamente todos los eventos cotidianos, significativos e insignificantes. “Pedí un par de chaquetas para mí, el precio es de 300 rublos, pensé que estaba loco, pero me dicen que otros pagan 4.008.500 rublos por trajes. ¡La bacanal de la vida está completa! Esta situación económica no contribuyó al desarrollo de un traje de moda, pero dio lugar a formas de vestir muy interesantes. Si M. Chudakova en la “Biografía de M. Bulgakov” alrededor de 1919 leemos: “en marzo, un colega de nuestro héroe, un médico de Kiev, escribió en su diario: “... sin práctica, tampoco dinero. Y la vida aquí es cada día más cara. El pan negro ya cuesta 4 rublos. 50 k por libra, blanco - 6,50 y así sucesivamente. Y lo más importante - en una huelga de hambre. Pan negro - 12815 rublos. por libra. Y no hay final a la vista.” Eso fue ya en 1921. En una carta a su madre, Mikhail Bulgakov escribe: “En Moscú, solo cuentan por cientos de miles y millones. Pan negro 4600 rub. por libra, blanco 14 000. ¡Y el precio sube y sube! Las tiendas están llenas de productos, pero ¿qué puedes comprar? Los teatros están llenos, pero ayer, cuando pasaba por el Bolshoi por negocios (¡ahora no sé cómo es posible no hacer negocios!), Los distribuidores vendían boletos por 75, 100, 150 mil rublos. ! Moscú lo tiene todo: zapatos, telas, carne, caviar, comida enlatada, manjares, ¡todo! Los cafés se abren y crecen como hongos. ¡Y cientos, cientos por todas partes! Cientos!! La ola especulativa está zumbando.
Pero volvamos a 1918. En ese momento, las revistas de moda no se publicaban en Rusia. En el mismo año, se cerró la "Revista para amas de casa" (se reanudó solo en 1922).Por lo tanto, al considerar las influencias de moda, uno puede confiar solo en fuentes extranjeras o nacionales que salieron antes de 1918. Los distribuidores públicos desempeñaron un cierto papel en la configuración de la apariencia de la gente del pueblo, donde las cosas acudían en tropel de tiendas abandonadas, casas de la burguesía, etc. En las "Memorias" de Valentin Kataev, que datan de 1919, leemos: , pantalones de lona, ​​madera sandalias en un pie descalzo, una pipa humeante en mis dientes, y en mi cabeza rapada un fez turco rojo con un cepillo negro, que recibí por pedido en lugar de un sombrero en el almacén de ropa de la ciudad. Esto también lo confirman las notas de N. Ya. Mandelstam: "En esos años, la ropa no se vendía, solo se podía obtener por pedido".
Las memorias de I. Odoevtseva están teñidas de ironía. “Él (O. Mandelstam, nota del editor) nunca ha visto mujeres con un traje de hombre. En aquellos días, esto era completamente impensable. Solo muchos años después, Marlene Dietrich introdujo la moda de los trajes de hombre. Pero resulta que la primera mujer en pantalones no fue ella, sino la esposa de Mandelstam. No Marlene Dietrich, pero Nadezhda Mandelstam revolucionó el guardarropa de las mujeres. Pero, a diferencia de Marlene Dietrich, esto no le dio fama. Su audaz innovación no fue apreciada ni por Moscú ni por su propio esposo.

Así es como M. Tsvetaeva describió su “traje” en una velada de poesía en el Museo Politécnico en 1921: “Sería una hipocresía no mencionarte a ti mismo, habiendo pasado por casi todos. Entonces, ese día me revelé a "Roma y el mundo" en un verde, como una sotana, no se puede nombrar un vestido (una paráfrasis de los mejores tiempos de un abrigo), honestamente (es decir, apretado) atado no incluso por un oficial, sino por un junker, escuela de alféreces 18 Peterhof, cinturón. El bolso de un oficial también está sobre su hombro (marrón, cuero, para anteojos o cigarrillos), que consideraría quitar como una traición y se quitó solo al tercer día después de la llegada (1922) a Berlín ... Piernas en botas de fieltro gris, aunque no para hombres, en la pierna, rodeadas de botes lacados, parecían pilares de un elefante. Todo el retrete, en virtud de su monstruosidad, me quitó cualquier sospecha de deliberación. Notas sorprendentemente francas de los contemporáneos. "Y ahora estoy saltando en la oscuridad total de una noche de invierno, poniéndome un viejo abrigo de piel y una bufanda (después de todo, no es para hacer cola con un sombrero, deja que los sirvientes cuenten por su hermano, de lo contrario se burlará de la dama)”. En relación con el cambio en la posición de la mujer que se ha producido desde el comienzo de la guerra, una serie de formas de ropa de hombre se transfieren a la mujer. En 191681917. estos son chalecos de hombre, en 1918-1920 chaquetas de cuero, que pasaron a la vida cotidiana de los uniformes militares fuera de servicio. (En 1916, los scooters del ejército ruso usaban chaquetas de cuero). Debido a la falta de información, la ruptura de los lazos tradicionales con Europa, la difícil situación económica y al mismo tiempo la conservación de antiguas formas de vestir, la vestimenta de muchas mujeres era un cuadro bastante ecléctico. (Esto se evidencia en dibujos, fotografías y esculturas de esos años). Por ejemplo, una mujer policía vestía así: una chaqueta de cuero, una boina azul uniforme, una falda de felpa marrón y botas con cordones con una parte superior de tela. Las damas que no servían no parecían menos exóticas. En los "Diarios" de K. I. Chukovsky leemos: "Ayer estuve en la Casa de los Escritores: la ropa de todos está arrugada, floja, está claro que la gente duerme sin desvestirse, escondiéndose en un abrigo. Las mujeres son masticables. Como si alguien los masticara y los escupiera. Esta sensación de magulladuras y andrajos surge incluso ahora cuando se miran fotografías de esa época. En todas partes se conservan antiguas formas de vestir. Además, en el ámbito laboral se siguen cosiendo vestidos a la moda de principios de siglo, y en los pueblos de provincia de la periferia nacional, las tradiciones del traje nacional también influyen en la vestimenta. en 1917 la silueta del vestido de mujer aún conserva los contornos inherentes al período anterior, pero la cintura se vuelve mucho más suelta, la falda es más recta y ligeramente más larga (hasta 12 cm por encima del tobillo). La silueta se asemeja a un óvalo alargado. De arriba a abajo, la falda se estrecha a 1,5-1,7 m. Después de 1917 dos siluetas conviven en paralelo: una parte inferior alargada y un “tubo”, el llamado vestido camisero “rob de chemise”. Los vestidos camiseros han aparecido en Rusia antes (las memorias de S. Diaghilev de N. Goncharova datan de 1914): “Pero lo más curioso es que la imitan no solo como artista, sino también externamente. Fue ella quien puso de moda un vestido camisero, negro y blanco, azul y rojo. Pero sigue siendo nada. Se dibujó flores en la cara. Y pronto la nobleza y la bohemia salieron en trineo con caballos, casas, elefantes en las mejillas, en el cuello, en la frente.
Vestido silueta 1920-1921 un corpiño recto, la cintura se baja al nivel de las caderas, la falda, fácilmente drapeada en pliegues, de 8 a 12 cm de largo por encima del tobillo, ya está muy cerca de la moda de los años siguientes. Pero a menudo se podía ver a una dama con un vestido hecho de tela de cortina. Y aunque esta pregunta parece controvertida para los contemporáneos, se pueden encontrar suficientes ejemplos en la literatura. Entonces A. N. Tolstoy: “Entonces la guerra terminó. Olga Vyacheslavovna compró una falda de una cortina de felpa verde en el mercado y se fue a servir en varias instituciones. O Nina Berberova: “Me quedé sin trabajo; Había sentido botas de una alfombra, un vestido de un mantel, un abrigo de piel de la rotonda de mi madre, un sombrero de un cojín de sofá bordado con oro. Es difícil decir si se trataba de una exageración artística o de la realidad. Tejidos producidos en el país en el período 1920-1923. "diferían en simplicidad y se imprimían de acuerdo con las muestras antiguas que requerían menos mano de obra". Pero aparentemente había pocos de ellos, por lo que los vestidos hechos con cortinas se convirtieron en un fenómeno omnipresente. Tatyana Nikolaevna Lappa recuerda esto en la "Biografía de M. Bulgakov": "Fui con mi único vestido negro de crepé de China con terciopelo panne: lo cambié del abrigo y la falda de verano anteriores". Se abrieron los cofres y se sacaron a la luz los atuendos de la abuela: vestidos con mangas abullonadas, con colas. Recordemos de M. Tsvetaeva: “Me sumerjo bajo mis pies en la oscuridad de un enorme armario e inmediatamente me encuentro en setenta años y hace siete años; no a los setenta y siete, sino a los 70 y 7. Con un conocimiento infalible como un sueño, siento algo que fue hace mucho tiempo y obviamente por la gravedad que ha caído, se ha hinchado, se ha asentado, ha derramado todo un charco de seda, y me lleno de hasta mis hombros. Y además: "Y una nueva inmersión en el fondo negro, y nuevamente una mano en un charco, pero ya no estaño, sino mercurio con agua que se escapa, juega debajo de las manos, no se acumula en un puñado, se esparce, se esparce por debajo los dedos remeros, porque si el primero se hundió por el peso, el segundo por la ligereza voló: de la percha como de una rama. Y detrás del primero, asentado, marrón, faev, bisabuela Condesa Ledokhovskaya bisabuela Condesa Ledokhovskaya sin coser, su hija mi abuela Maria Lukinichnaya Bernatskaya sin coser, su hija mi madre Maria Alexandrovna Mein sin coser, cosida por la bisnieta de la primera Marina en nuestra familia polaca por mí, mía, hace siete años, niñez, pero según el corte de la bisabuela: el corpiño es como una capa, y la falda es como el mar…”. Los contemporáneos recuerdan que “se alteraron los viejos vestidos de las madres y abuelas, se les quitaron las joyas y los encajes “eructos burgueses”. Luchando con cualquier manifestación de “burguesía”, las blusas azules cantaban: “Nuestra carta es estricta: sin anillos, sin aretes. Nuestra ética abajo con los cosméticos ”... Para las joyas, fueron marcadas con vergüenza y se quitaron los boletos de Komsomol. Esto no se aplicaba a las modas de las damas burguesas revividas durante la NEP, ya que se trataba de elementos hostiles. En revistas 1917-1918. hay recomendaciones sobre cómo hacer uno nuevo con un vestido viejo, cómo coser un sombrero, incluso cómo hacer zapatos. En la década de 1918-1920, aparecieron en la vida cotidiana muchos zapatos hechos en casa con suelas de madera, cartón y cuerda. V.G.Korolenko escribió en una carta a A.V.Lunacharsky: “... mira lo que visten tus soldados del Ejército Rojo y la intelectualidad que sirve contigo: a menudo te encontrarás con un soldado del Ejército Rojo con zapatos de bastón y una intelectualidad que sirve en sandalias de madera hechas de alguna manera. . Es una reminiscencia de la antigüedad clásica, pero ahora es muy inconveniente para el invierno”. La moda en este momento ofrece tacones dobles (alrededor de 9 cm de altura). A principios de los años 20, el talón no solo se eleva, sino que también se estrecha. Los contemporáneos testifican: “En 1922-1923. Desaparecen las botas militares en bruto con devanados. El ejército se pone botas. La silueta de la ropa militar también se está transformando. Después de 1917 el pelaje vuelve a alargarse, la cintura cae gradualmente 5-7 cm por debajo de la natural. Moda 1917 como si se refiriera a un traje popular. La revista "Ladies' World" (No. 2; 1917) escribe que "está de moda la imitación en el corte de cálidos abrigos de mujer de caftanes y abrigos de piel de varias provincias. El corte de los trajes de "mujer" de Yekaterinoslav: abrigos de piel anchos en la parte inferior, con cinturas recortadas y enormes cuellos vueltos que caen sobre los hombros, parece muy de moda, saltando de una revista parisina. De hecho, la simplificación de la forma condujo a las formas tradicionalmente simples del traje popular.

Los colores de la ropa estuvieron dominados por tonos marrones naturales. en 1918 "color de moda - terroso oscuro, tanto monocolor como melange"
, color "camel" en combinación con negro. Los enormes sombreros de ala ancha del período anterior a la guerra son cosa del pasado, sin embargo, muchos estilos de sombreros siguen en uso durante mucho tiempo. Una niña con sombrero, por ejemplo, se puede ver en la foto del desfile de las tropas de Vseobuch en 1918. en la Plaza Roja y entre las mujeres del Komsomol que organizan un programa educativo en la región de Rostov. Las "primeras damas" del estado también usaron sombreros: N. K. Krupskaya, M. I. Ulyanova, A. M. Kollontai. Es cierto que estamos hablando de pequeños sombreros de ala más bien estrecha, de tamaño pequeño, generalmente decorados solo con un lazo, pero su amplia y más amplia distribución, tanto en provincias como en la capital, está fuera de toda duda.
en 1918 boas, gorgueras pasan de moda; para reemplazarlos, las revistas ofrecen bufandas con pieles, encajes y borlas recortadas a lo largo del borde. Estas bufandas se usaban tanto alrededor del cuello como en el sombrero. En la vida cotidiana, las bufandas tejidas se usaban con mayor frecuencia.
En la vestimenta de los hombres, el período más activo en la política y la reconstrucción social no dio nuevas formas, sino que solo sirvió como impulso para la destrucción de las tradiciones de usarlo. En el traje de hombre se conservan las formas de años anteriores, con solo un ligero cambio en los detalles. En 1918-1920. solo quedan en uso los cuellos vueltos de camisas y blusas; los collares de pie no reciben más distribución. Nudo de corbata después de 1920 se estira, se estrecha y se acerca al rectángulo tanto como sea posible, y la corbata en sí es más estrecha y más larga. Su coloración es descolorida, tenue. La norma es un traje de hombre vuelto. En "Memorias" de A. Mariengof leemos: "Shershenevich con una elegante chaqueta gris claro con un gran cuadro. Pero el traicionero bolsillo izquierdo... del lado derecho, porque la chaqueta está al revés. Casi todos los dandis de esa época tenían los bolsillos superiores del lado derecho. La indumentaria masculina se está militarizando al máximo y, al mismo tiempo, se están perdiendo las reglas tradicionalmente establecidas para combinar el color de las botas con los pantalones y ambos con una chaqueta. Una chaqueta en combinación con cualquier pantalón se está convirtiendo en la ropa más popular para los hombres. "Llevaba un traje de paramilitar: una chaqueta inglesa, a cuadros, con cuero en la espalda, pantalones de montar y botas negras". “Después de Brest, muchos desmovilizados aparecieron en las estaciones. Los abrigos de los soldados "se pusieron de moda": colgaban en casi todos los pasillos, exudando el olor de la pelusa, la estación quemada y la tierra podrida. Por las noches, al salir a la calle, se ponían abrigos, era más seguro en ellos. En la vida cotidiana, las prendas de punto se distribuyen ampliamente, aparentemente debido a la relativa facilidad de fabricación. De Kataev: “Vanechka estaba vestido con una túnica negra, calzones mostaza y enormes, por encima de las rodillas, torpes botas de piel de vaca que lo hacían parecer un gato con botas. Sobre la túnica, alrededor del cuello, se soltó un cuello grueso de un suéter de papel de mercado. Las chaquetas de cuero no solo eran muy populares, sino que también eran una distinción obligatoria para los comandantes, comisarios y trabajadores políticos del Ejército Rojo, así como para los empleados de las tropas técnicas. Es cierto que los contemporáneos refutan su distribución masiva. Continuaron usando los uniformes de varios departamentos. Y si en 1914-1917. los uniformes de los funcionarios no se observaron tan estrictamente, entonces a partir de 1918. y deja por completo de corresponder al puesto ocupado y permanece en uso como ropa familiar. Después de la abolición de los antiguos rangos y títulos en enero de 1918. Los uniformes militares del ejército zarista comenzaron a usarse con botones hechos de hueso o forrados con tela (en lugar de botones con un escudo de armas). “Oficialmente, se anunció la supresión de todas las distinciones, incluidas las hombreras. Nos vimos obligados a quitarlos y, en lugar de botones con águilas, coser botones de hueso civil o envainar los viejos de metal con tela. Los contemporáneos recuerdan que "... en la década de 1920 se inició una campaña contra las gorras de los estudiantes, y sus dueños fueron perseguidos por su forma de pensar burguesa".

El eclecticismo también era inherente al traje de hombre. Esto es lo que I. Bunin escribió sobre la ropa de los soldados del Ejército Rojo: “Están vestidos con algún tipo de harapos del equipo. A veces un uniforme de los años 70, a veces, sin motivo aparente, polainas rojas y al mismo tiempo un abrigo de infantería y un enorme sable anticuado. Pero los representantes de otra clase no vestían menos extravagantemente. En el libro “Biografía de M. Bulgakov” leemos: “En uno de los días de este invierno, en la casa número 13 de Andreevsky Spusk, ocurrió un episodio que se conservó en la memoria de Tatyana Nikolaevna. Una vez vinieron los pieles azules. Están calzados con botas de mujer, y las espuelas están en las botas. Y todo el mundo está perfumado con "Coeur de Jeannet" - perfumes de moda.
Se lumpenizó la apariencia de la multitud y de los individuos. Volvamos a la literatura. Bunin: “En general, a menudo ves a los estudiantes: con prisa en algún lugar, todos hechos pedazos, en un camisón sucio debajo de un viejo abrigo abierto, una gorra descolorida en su cabeza peluda, zapatos caídos en sus pies, un rifle colgando abajo en una cuerda en su hombro ...
Sin embargo, el diablo sabe si realmente es un estudiante. Y así es como se veía la multitud en la descripción de M. Bulgakov: “Había adolescentes entre ellos con camisas caqui, había chicas sin sombrero, algunas con una blusa blanca de marinero, otras con una chaqueta colorida. Había sandalias con los pies descalzos, con zapatos negros gastados, hombres jóvenes con botas de punta roma. Vl. Khodasevich recordó que antes de la guerra, las asociaciones literarias individuales podían permitirse algo así como un uniforme. “Para entrar en este santuario, tuve que coser pantalones negros y para ellos, una chaqueta ambigua: no una de gimnasio, porque era negra, pero no una de estudiante, porque tenía botones plateados. Debo haber parecido un operador de telégrafo en este equipo, pero todo fue redimido por la oportunidad de finalmente llegar el martes: los martes se realizaron entrevistas literarias en el círculo. Figuras literarias, los actores adquieren un aspecto peculiar, incluso exótico. Pero esto no fue tanto la extravagancia de la ropa de los futuristas (la notoria chaqueta amarilla de Mayakovsky), sino simplemente la ausencia de ropa como tal y fuentes aleatorias para obtenerla. M. Chagall recordó: “Llevaba pantalones anchos y un guardapolvo amarillo (regalo de los americanos que nos enviaban ropa usada por piedad)…”. M. Bulgakov, según las memorias de Tatyana Nikolaevna, en ese momento vestía un abrigo de piel “... en forma de rotonda, que vestían los ancianos del clero. Sobre piel de mapache, y el cuello vuelto del revés con piel. La parte superior era azul acanalado. Era largo y sin sujetadores, realmente envolvía y eso es todo. Debe haber sido el abrigo de mi padre. Tal vez su madre lo envió desde Kiev con alguien, o tal vez lo trajo él mismo en 1923 ... ". El poeta Nikolai Ushakov escribió en 1929. en sus memorias: “En 1918-1919, Kiev se convirtió en un centro literario; Ehrenburg andaba en esos días con un abrigo que arrastraba por las aceras, y con un gigantesco sombrero de ala ancha…”.
Sobre la base de todos estos materiales (memorias, fotografías), podemos concluir que la ropa masculina de este período era de naturaleza extremadamente ecléctica y, en ausencia de unidad estilística, se basaba en los gustos y capacidades personales de su propietario. Desde 1922-1923. comienzan a aparecer revistas de moda nacionales. Pero, aunque en ese momento maestros como N.P. Lamanova, L.S. Popova, V.E. Tatlin intentaron crear ropa nueva que correspondiera al espíritu de la época, y en particular monos, sus experimentos fueron solo incompletos.

El desarrollo de la moda en la década de 1910 del siglo XX estuvo determinado en gran medida por los acontecimientos mundiales, el principal de los cuales fue la Primera Guerra Mundial de 1914-1918. Las cambiantes condiciones de vida y las preocupaciones que recaían sobre los hombros de las mujeres exigían, ante todo, comodidad y confort en la ropa. La crisis financiera asociada con la guerra tampoco contribuyó a la popularidad de los vestidos lujosos hechos con telas caras. Sin embargo, como suele ser el caso, los tiempos difíciles crearon una demanda aún mayor de ropa hermosa: las mujeres, que no querían tolerar las circunstancias, mostraron milagros de ingenio en la búsqueda de telas y nuevos estilos. Como resultado, la segunda década del siglo XX fue recordada por modelos que combinaban elegancia y conveniencia, y la aparición de la legendaria estrella Coco Chanel en el cielo de la moda.

A principios de la segunda década del siglo XX, Paul Poiret seguía siendo el principal dictador del mundo de la moda. En 1911, los pantalones y culottes de mujer causaron sensación. El diseñador de moda continuó popularizando su trabajo a través de eventos sociales y varios viajes. Poiret celebró la creación de la colección Las mil y una noches con una lujosa recepción, y más tarde en el mismo 1911 abrió su propia escuela de artes y oficios, Ecole Martin. Además, el revolucionario de la moda siguió publicando libros y catálogos con sus productos. Luego, Poiret realizó una gira mundial, que duró hasta 1913. Durante este tiempo, el artista ha mostrado sus modelos en Londres, Viena, Bruselas, Berlín, Moscú, San Petersburgo y Nueva York. Todos sus desfiles y viajes iban acompañados de artículos y fotografías en periódicos, por lo que las noticias sobre el modisto francés dieron la vuelta al mundo.

Poiret no tenía miedo a los experimentos y se convirtió en el primer diseñador de moda en crear su propia fragancia: el perfume Rosina, que lleva el nombre de su hija mayor. En 1914, con el estallido de la Primera Guerra Mundial, la Casa de Paul Poiret cesó sus actividades, y el artista intentó volver al mundo de la moda recién en 1921.

Esto, sin embargo, resultó ser un fracaso, en gran parte debido a que el estilo lujoso y exótico de Poiret fue suplantado por los revolucionarios modelos de Coco Chanel.

La emancipación y los primeros modelos prácticos

El primer paso en la transición a la moda "cómoda" fue la desaparición definitiva de los corsés, los sombreros voluminosos y las faldas "cojeando" de los guardarropas de las mujeres. A principios de la década de 1910, entraron en uso nuevos modelos, el principal de ellos fue la "falda yule" con cintura alta, caderas anchas, cortinas y tobillos estrechos. En cuanto al largo, hasta 1915 el dobladillo de los vestidos llegaba hasta el suelo. Las faldas, en cambio, se acortaron un poco: se pusieron de moda modelos que llegaban “solo” hasta la altura de la pierna. Los vestidos a menudo se usaban con capas, y los vestidos con cola también eran populares. Un escote en forma de V era común, no solo en el pecho, sino también en la espalda.

El anhelo de practicidad tocó no solo la ropa, sino toda la imagen femenina. En la segunda década del siglo XX, las damas por primera vez dejaron de hacer peinados elegantes e intrincados y abrieron el cuello. Los cortes de pelo cortos aún no se han vuelto tan comunes como lo eran en la década de 1920, pero la moda del cabello largo y bellamente peinado en la cabeza se ha convertido en cosa del pasado.

En ese momento, la opereta era muy popular en toda Europa, y los bailarines que actuaban en el escenario se convirtieron en un ejemplo a seguir, incluso en términos de vestimenta. Junto a la opereta, el público disfrutó del cabaret, y en especial del baile del tango. Especialmente para el tango, se inventó un traje de escenario: pantalones turcos, así como faldas drapeadas, en cuyos cortes se veían las piernas de los bailarines. Tales atuendos se usaban solo en el escenario, pero en 1911 la casa de moda parisina "Drecol and Beschoff" ofreció a las damas los llamados vestidos de pantalón y falda-pantalón. La parte conservadora de la sociedad francesa no aceptaba los nuevos atuendos, y aquellas chicas que se atrevían a aparecer en público con ellos eran acusadas de negar los estándares morales generalmente aceptados. Los pantalones de mujer, que aparecieron por primera vez a principios de la década de 1910, fueron recibidos negativamente por el público y se hicieron populares mucho más tarde.

En 1913, las mujeres emancipadas comenzaron a protestar en Europa contra la ropa que restringía el movimiento, insistiendo en la aparición de modelos cómodos y de corte sencillo. Al mismo tiempo, todavía había una ligera pero tangible influencia de los deportes en la moda cotidiana. Abundantes rayas y adornos, intrincados apliques y detalles que adornaban la ropa comenzaron a desaparecer. Las mujeres se permitieron desnudar sus brazos y piernas. En general, el corte de la ropa se ha vuelto mucho más libre, las camisas y las camisas de vestir se han puesto de moda.

Todas estas tendencias eran características de la ropa informal, mientras que los modelos elegantes aún se mantenían al estilo de la década de 1910. Los vestidos de cintura alta con elementos de estilo oriental, los modelos con un corpiño estrecho y una falda ancha con volantes seguían siendo populares en el mundo. Se puso de moda una falda de alforja, cuyo nombre se traduce del francés como "cesta". El modelo se distinguió por una silueta en forma de barril: las caderas eran anchas, pero la parte delantera y trasera de la falda era plana. En definitiva, los atuendos para salir eran más elegantes y conservadores, y algunos diseñadores de moda buscaron mantener las tendencias observadas en la moda del siglo XX. Erte se convirtió en el más notable entre los artistas que se adhirieron a modelos conservadores.

Ruidoso debut del gran Erte

El diseñador de moda más popular Erte, cuyo nombre está asociado con imágenes lujosas y femeninas de la segunda década del siglo XX, no reconoció la tendencia hacia la practicidad y la funcionalidad.

Roman Petrovich Tyrtov nació en 1892 en San Petersburgo, ya la edad de veinte años se mudó a París. Erte tomó el seudónimo de las letras iniciales del nombre y apellido. Desde niño, el niño mostró predilección por el dibujo y el diseño. Desde los 14 años asistió a clases en la Academia de Bellas Artes de San Petersburgo, y tras mudarse a la capital francesa, pasó a trabajar en la Casa Paul Poiret. Su debut de alto perfil en París fue la creación de vestuario para la obra "El Minarete" en 1913. Al año siguiente, cuando Erte dejó la Casa de Poiret, sus modelos fueron muy populares no solo en Francia, sino también en las compañías de teatro de Montecarlo, Nueva York, Chicago y Glyndbourne. Los teatros de variedades llenaron de pedidos al talentoso diseñador de moda, y Erte creó vestuario para producciones como Music Box Repertoire de Irwin Berlin, Scandals de George White y Mary of Manhattan. Cada imagen creada por el modisto fue creación propia: en su trabajo, Erte nunca se basó en la experiencia de sus colegas y predecesores.

La imagen más reconocible creada por el diseñador de moda fue la misteriosa belleza, envuelta en lujosas pieles, con muchos accesorios, siendo los principales largos collares de perlas y cuentas, rematados con un original tocado. Erte creó sus atuendos, inspirándose en la mitología griega y egipcia antigua, así como en miniaturas indias y, por supuesto, en el arte clásico ruso. Negando una silueta no ajustada y patrones geométricos abstractos, en 1916 Erte se convirtió en el artista principal de la revista Harpers Bazaar, contrato que le ofreció un magnate.

Popular incluso antes del estallido de la Primera Guerra Mundial, Erte fue uno de los pioneros hasta su muerte en 1990 a la edad de 97 años.

guerra y moda

La disputa entre los seguidores del estilo antiguo y los partidarios de la ropa práctica se decidió por la Primera Guerra Mundial que comenzó en 1914. Las mujeres, obligadas a hacer todo el trabajo masculino, simplemente no podían permitirse el lujo de vestirse con faldas y corsés largos e hinchados.

Durante este período, comenzaron a aparecer detalles funcionales en la ropa, en referencia al estilo militar: bolsillos de parche, cuello vuelto, chaquetas con cordones, solapas y botones de metal que las niñas usaban con faldas. Al mismo tiempo, los trajes de mujer se pusieron de moda. Los años duros trajeron consigo otra reforma: en la sastrería se utilizaron prendas de punto cómodas, a partir de las cuales se crearon jerséis, cárdigans, bufandas y gorros. Los vestidos casuales, cuya longitud se hizo más corta y llegaba solo a las pantorrillas, se usaban con botas altas y gruesas con cordones, debajo de las cuales las mujeres usaban mallas.

En general, esta época se puede describir como una búsqueda espontánea de nuevas formas y estilos, un deseo apasionado de alejarse de todos los estándares de moda que impusieron las casas de moda en el siglo XX. Las tendencias literalmente se reemplazaron unas a otras. Común a las siluetas de la época de la guerra era la libertad de corte, a veces incluso la ropa "caída". Ahora los atuendos no enfatizaron todas las curvas de la figura femenina, sino que, por el contrario, las ocultaron. Incluso los cinturones ya no se ajustaban a la cintura, por no hablar de las mangas, blusas y faldas.

La guerra, quizás, hizo a las mujeres mucho más independientes que todos los estallidos emancipadores que caracterizaron los primeros años de la década de 1910. Primero, las mujeres asumieron el trabajo que antes hacían los hombres: ocuparon lugares en fábricas, hospitales y oficinas. Además, muchos de ellos terminaron en servicios militares auxiliares, donde las condiciones de trabajo dictaban la practicidad como criterio principal a la hora de elegir la ropa. Las chicas vestían uniformes, camisetas deportivas color caqui y gorras. Quizás, por primera vez, las mujeres sintieron su independencia y significado, confiaron en sus fortalezas y habilidades intelectuales. Todo esto permitió a las propias damas dirigir el desarrollo de la moda.

Durante la guerra, cuando casi todas las casas de moda estaban cerradas, las mujeres se deshicieron voluntariamente de todos los cánones impuestos, liberando la ropa de detalles innecesarios. El estilo práctico y funcional echó raíces y se enamoró tanto que las casas de moda que reanudaron sus actividades después de la guerra se vieron obligadas a seguir nuevas tendencias, y los intentos de recuperar la popularidad de la crinolina anteriormente relevante y los incómodos estilos "estrechos" terminaron en fracaso. .

Sin embargo, cabe destacar que aparecieron al mismo tiempo y se convirtieron en "crinolinas militares" extremadamente populares. Estas faldas esponjosas se diferenciaban de sus predecesoras en que no usaban los aros habituales, sino una gran cantidad de enaguas para mantener su forma. Se necesitaba mucha tela para coser tales atuendos y, a pesar de la baja calidad, el precio de las "crinolinas militares" era bastante alto. Esto no impidió que la falda voluminosa se convirtiera en uno de los principales éxitos de la guerra, y más tarde este modelo se convirtió en un símbolo del estilo romántico provocado por la protesta general y el hastío de la guerra. Incapaces de resistir el estilo práctico dominado, los diseñadores de moda decidieron aportar originalidad y belleza a los atuendos de estilo simple a través de detalles y acabados. Los vestidos de "alta costura" estaban ricamente decorados con perlas, cintas, apliques y cuentas.

El impacto de la Primera Guerra Mundial en la moda no puede describirse únicamente por la tendencia emergente hacia la practicidad. Los soldados que participaron en batallas en territorios extranjeros trajeron a casa como trofeos, incluidas nuevas telas exóticas, así como chales, bufandas y joyas nunca antes vistos de Túnez y Marruecos. Los diseñadores de moda, al familiarizarse con las culturas de diferentes países, absorbieron ideas e incorporaron nuevos estilos, patrones y acabados en la sastrería.

Después del final de la guerra, cuando la vida secular mejoró y los bailes comenzaron a darse nuevamente en París, muchas mujeres abandonaron los disfraces que se habían vuelto familiares y volvieron a la moda de antes de la guerra. Sin embargo, este período no duró mucho: después de la guerra, comenzó una etapa completamente nueva en la moda, que en ese momento estaba más influenciada por Coco Chanel.

El estilo de los hombres de Chanel.

Coco Chanel, según ella misma admite, trató toda su vida de adaptar un traje de hombre a las necesidades y el estilo de vida de una mujer moderna.

Coco Chanel comenzó su andadura en el mundo de la moda en 1909 cuando abrió su propia tienda de sombreros en París. El rumor sobre el nuevo diseñador se extendió rápidamente por toda la capital francesa, y al año siguiente, Coco pudo lanzar no solo sombreros, sino también ropa, abriendo una tienda en 21 Rue Cambon, y luego su propia Casa de Moda en el resort de Biarritz. . A pesar del alto costo de la ropa y la simplicidad del corte, que era inusual en ese momento, los modelos de Chanel estaban ganando popularidad rápidamente y el diseñador tenía una amplia clientela.

La tarea principal de la ropa que los diseñadores de moda ofrecían anteriormente a las mujeres era enfatizar la cintura de avispa y resaltar el cofre, creando curvas antinaturales. Coco Chanel era delgada, bronceada y atlética, y el estilo común en ese momento no le quedaba perfecto: con todo el deseo, ninguna ropa podría hacer un "reloj de arena" con la figura de una niña. Pero ella era la modelo perfecta para sus propios atuendos. “Esposada en un corsé, con el pecho hacia afuera, el trasero expuesto, tan apretada en la cintura, como si estuviera cortada en dos partes... contener a una mujer así es lo mismo que administrar bienes raíces”, dijo Koko.

Promoviendo la comodidad y el estilo unisex, el diseñador de moda creó vestidos y faldas muy simples, que se distinguen por líneas claras y la ausencia de joyas. La niña, sin dudarlo, hizo a un lado los detalles innecesarios y los accesorios innecesarios en busca del modelo perfecto que no restringe el movimiento y, al mismo tiempo, permite que una mujer siga siendo mujer. Independientemente de la opinión pública, introdujo hábilmente elementos de estilo masculino en la ropa de mujer, dando un ejemplo independiente del uso correcto de atuendos simples. “Una vez me puse un suéter de hombre, así nomás, porque tenía frío… Me lo até con una bufanda (en la cintura). Ese día estaba con los británicos. Ninguno se dio cuenta de que llevaba suéter. ...", recordó Chanel. Así aparecieron sus famosos trajes marineros de escote pronunciado con cuello vuelto y chaquetas de cuero tipo "jockey".

Al crear ropa, Chanel utilizó materiales simples: algodón, prendas de punto. En 1914, acortó la falda de las mujeres. Al comienzo de la Primera Guerra Mundial, Coco diseñó prácticos suéteres, blazers, vestidos camiseros, blusas y trajes. Fue Chanel quien contribuyó a la popularización de los pijamas, y en 1918 incluso creó pijamas de mujer, en los que podías bajar al refugio antiaéreo.

Más cerca de 1920, Coco, como muchos artistas de la época, se interesó por los motivos rusos. Esta línea en el trabajo de Chanel se desarrolló ya a principios de la tercera década del siglo XX.

La segunda década del siglo XX, a pesar de todas las dificultades y dificultades, se convirtió en un punto de inflexión en la evolución de la moda: fue en la década de 1910 cuando los artistas comenzaron a buscar activamente nuevas formas que pudieran dar libertad a las mujeres sin privarlas de gracia. Las reformas puestas de moda por la guerra y las tendencias de los años de la posguerra resultaron decisivas en el desarrollo de la industria en las décadas siguientes.