Die Wahrheit über die Natur des Ursprungs der Kunst ist in der Antike verborgen. Viele Wissenschaftler suchen seit Jahrhunderten nach Antworten auf die Frage nach dem Ursprung der Kunst, aber über die künstlerische Tätigkeit der Menschheit in den frühen Entwicklungsstadien ist bisher noch nicht allzu viel bekannt. Die bis heute erhaltenen Werke (Felsmalereien, skulpturale Bilder aus Stein und Knochen) erschienen viel früher, als die bewusste Vorstellung des Menschen von künstlerischer Kreativität entstand. Die Ursprünge der Kunst können als primitive Gesellschaft angesehen werden, als die ersten Versuche auftauchten, die Welt um uns herum darzustellen. Eine solche Übertragung der eigenen Ideen trug zur Entstehung einer neuen Form der Kommunikation zwischen Menschen sowie zu den ersten Ansätzen des Lernens bei, weil. bot die Möglichkeit, Wissen und Fähigkeiten zu bewahren und weiterzugeben.

Derzeit gibt es viele Theorien zur Entstehung der Kunst, die auf archäologischen Fakten (das ist die Entdeckung der ersten Felsmalereien in der Höhle von Altamira in Spanien Ende des 19 archaische Schichten künstlerischer Kultur in der traditionellen Volkskunst). Wir listen nur einige davon auf:

1. Biologische Theorie der Entstehung der Kunst, basierend auf der Theorie von Ch. Darwin. Die Theorie behauptet, dass die Fähigkeit zur Kunst, zur künstlerischen Kreativität eine angeborene Fähigkeit eines Menschen ist, die er von der Natur erhalten hat. Die „Gesetze der Schönheit“ haben sich jedoch über viele tausend Jahre entwickelt. Schließlich begann ein Mensch, der mit der Natur kommunizierte, im Prozess der Arbeitstätigkeit Schönheit zu empfinden, sie dann in seinen Werken zu verkörpern und schließlich die Gesetze der Schönheit zu verstehen. In diesem Prozess des künstlerischen Schaffens entstand und entwickelte sich das ästhetische Empfinden des Menschen.

2. Theorie des erotischen Ursprungs der Kunst entstand unter dem Einfluss der Lehren von Sigmund Freud und Carl Jung. Befürworter der Theorie glauben, dass ein Kunstwerk Bilder enthält, die der Fantasie einer Person entspringen und eine Art „Wachtraum“ darstellen, und dass künstlerische Kreativität Ausdruck eines gebrochenen erotischen Verlangens ist und indirekte Befriedigung bringt. Laut Forschern berühren viele Handlungen primitiver Kreativität so wichtige Themen für eine Person wie Mutterschaft und Tod, und sie finden unbewusste Erotik in den rhythmischen Mustern der Primitivität (Ornamente).

3. Spieltheorie der Entstehung der Kunst. Die Begründer dieser Theorie – F. Schiller, G. Spencer, G. Allen, K. Gross und K. Lange – sehen den Hauptgrund für die Entstehung der Kunst in der Notwendigkeit, unverbrauchte Energie für Arbeitstätigkeit aufzuwenden. Daher definieren sie Spiel als eine mit einem Übermaß an menschlicher Kraft verbundene Tätigkeit, die nicht auf bestimmte Ziele gerichtet ist, sondern frei zum Ausdruck kommt. Laut den Autoren ist das Spiel immer eine Nachahmung.

Diese Theorie ist gewissermaßen eine Theorie der Freiheit, der freien Kreativität. F. Schiller betrachtete das Spiel als Eintritt eines Menschen aus der Sphäre der Notwendigkeit in die Sphäre der Kreativität. Sobald ein Mensch Freizeit hatte, begann sich seine Stärke ästhetisch in Kreativität zu manifestieren. In der Tat sind diese Bedingungen bis jetzt notwendig, um sie zu schaffen - freie Zeit und ungenutzte Kräfte. Diese Theorie ist durchdrungen vom Pathos der freien Kreativität und dem Austritt eines Menschen aus der Sphäre des Alltags in eine für ihn charakteristischere und angenehmere Sphäre - die freie Schöpfung. Die frühesten Beispiele für Kreativität - Fingerabdrücke, freie Zickzacklinien enthalten spontanen und spielerischen Charakter.

4. Die magische Theorie der Entstehung der Kunst wurde von S. Reynack entwickelt . Nach dieser Theorie liegen die Wurzeln der Kunst in zahlreichen primitiven magischen Riten und vor allem Riten, die mit einer erfolgreichen Jagd verbunden sind. Für diese Rituale schufen die Menschen Bilder von Tieren, die von Pfeilen durchbohrt wurden, die einem magischen Zweck dienten - Glück bringen, Beute anziehen, den Jäger selbst schützen. In der Tat erzeugen solche Bilder ein sehr natürliches und kraftvolles Gefühl und enthalten viele Informationen für den Magier. Neben Bildern von Tieren sehen wir das häufige Bild der Magier selbst, die das Ritual der Schamanen durchführen. Nach dieser Theorie waren Schamanen die ersten Künstler und Musiker, und Kunstwerke trugen die Prägung einer viel wichtigeren Handlung – des magischen Ritus selbst.

5. Theorie des Pragmatismus, deren Anhänger glauben, dass die Entstehung der ersten Kunstwerke klare gesellschaftliche Ziele verfolgte. Kommunikation, Vereinigung der Gemeinschaft, Wissen über die Welt, Weitergabe von Informationen über die Welt von Erwachsenen an Kinder. Das heißt, all diese Werke wurden für die spezifischen sozialen Ziele dieses Stammes geschaffen.

Theorien zur Entstehung der Künste

1. Biologische Theorie der Entstehung der Kunst.
Diese Theorie geht auf die Ideen von Charles Darwin zurück. Anhänger dieses Konzepts sehen den Beginn der Kunst darin, sich selbst zu schmücken, um das Bedürfnis zu befriedigen, die Aufmerksamkeit eines Lebewesens des anderen Geschlechts zu erregen.
Die Theorie basiert auf der Meinung, dass die Fähigkeit zur Kunst, zum künstlerischen Schaffen eine angeborene Fähigkeit eines Menschen ist, dass er sie von der Natur erhält. Die "Gesetze der Schönheit" haben sich jedoch historisch allmählich entwickelt. Sie begannen aus der Zeit hervorzugehen, als ein Mensch in der Arbeit, in Gemeinschaft mit der Natur, begann, Schönheit zu fühlen, sie dann in seinen Werken zu verkörpern und schließlich die Gesetze der Schönheit zu verstehen. In diesem Prozess des künstlerischen Schaffens entstand und entwickelte sich das ästhetische Empfinden des Menschen.
2. Psychoanalytische Theorie der Entstehung der Kunst.
Als Begründer dieser Theorie gilt Z. Freud. Kunst entsteht seiner Meinung nach aus affektiven Konflikten der Psyche, Kunst ist eine Form der Verdrängung und Sublimierung menschlicher Triebe (Nutzung der Energie elementarer Triebe für höhere Ziele).
3. Spieltheorie der Entstehung der Kunst.
Als Begründer dieser Theorie gelten G. Spencer, G. Allen, K. Gross und K. Lange. Diese Wissenschaftler sehen den Hauptgrund für die Entstehung der Kunst in der Notwendigkeit, Energie aufzuwenden, die in der Arbeitstätigkeit nicht verbraucht wurde. Und auch der Grund für das Entstehen von Kunst ist die Notwendigkeit des „Trainings“ für die Assimilation sozialer Rollen.

Einstufung.

Kunstklassifizierung:
- nach der Daseinsform
*Platz (Malerei, Grafik, Bildhauerei, Kunsthandwerk, Architektur)
* temporär (Musik, Wortkunst)
* räumlich-zeitlich (Theater, Kino, Tanz).
- in Bezug auf den Raum:
Es gibt drei Arten von Raumkunst:
* Staffelei (2,3-dimensionale Gemälde) (Staffeleimalerei, Staffeleigrafik etc.),
* Monumental (Monumentalskulptur, Wandmalerei etc.)
* angewendet (typische Massenarchitektur, Kleinplastik, Miniaturmalerei, Industriegrafik, Plakate etc.).
- gemäß der Botschaft des künstlerischen Bildes an das Publikum und die Zuhörer:
* fein (Malerei, Grafik, Skulptur etc.)
* ausdrucksstark (Musik, Tanz, Architektur etc.)
* verbal (Literatur)
* gemischt, synthetisch (Theater, Kino etc.)
- nach Genre (Arten von Werken basierend auf gemeinsamen Merkmalen):
Thematisches Prinzip der Auswahl von Genres (basierend auf dem im Werk reflektierten Realitätsbereich):
*häusliche*Liebe*Schlacht*Stillleben*abenteuerliche*historische* Landschaft
In der zeitgenössischen Kunst gibt es eine Tendenz, das Genre als stabile Form künstlerischen Schaffens zu leugnen (Postmoderne).
Es gibt Kunst und Pseudokunst. Arten von "Pseudo-Künsten":
Kunst als: 1. Unterhaltung2. „magisch“ 3. „Geheimnis“ 4. „Anweisung“ 5. "Predigt". .

Staffelei und Monumentalkunst

Staffelei Kunst

ein Begriff, der sich auf Werke der Malerei, Skulptur und Grafik bezieht, die einen eigenständigen Charakter haben und nicht direkt für irgendeinen Bau, eine Veröffentlichung usw. bestimmt sind. Die ideologische und künstlerische Ausdruckskraft der Werke von S. und. ändert sich nicht, je nachdem, wo sie sich befinden. Der Begriff „S. und." stammen von der „Maschine“ ab, auf der die Werke von S. und .; in der malerei ist es zum beispiel eine staffelei. Breite Entwicklung von S. und. aus der Renaissance und vor allem im 19. Jahrhundert erhalten.

monumentale Kunst

Art der bildenden Kunst. umfasst eine breite Palette von Werken, die für ein bestimmtes architektonisches Umfeld geschaffen wurden und diesem mit ihren ideologischen Qualitäten entsprechen. Dazu gehören Denkmäler und Denkmäler, skulpturale, bildliche, mosaikartige Dekoration von Gebäuden, Buntglasfenster, Stadt- und Parkskulpturen, Brunnen usw. Monumentale Kunst umfasst Werke großer Formen, die in Synthese mit Architektur agieren und für die Massenwahrnehmung konzipiert sind. Dies sind Wandmalereien, Mosaike, Buntglasfenster, Denkmäler, Gedenkbauten, Parkskulpturen. Die Synthese mit der Architektur, die Teilnahme an der Gestaltung des Stadtraums prägt die Formen der Monumentalkunst, sie bestimmt Größe, Form, Charakter der Proportionen,

Arten von Künsten.

Architektur, Malerei, Bildhauerei, Grafik, Kunsthandwerk, Theater- und Dekorationskunst.

Skulptur als Kunstform

Skulptur ist eine Skulptur, deren Kunststoffe eine dreidimensionale dreidimensionale Form haben und aus festen oder plastischen Materialien bestehen.
Skulptur ist eine räumliche und visuelle Kunst, die die Welt in plastischen Bildern erforscht, die in Materialien eingeprägt sind, die das Lebensbild von Phänomenen vermitteln können.
Die Skulptur weist eine gewisse Nähe zur Architektur auf: Sie beschäftigt sich ebenfalls mit Raum und Volumen, gehorcht den Gesetzen der Tektonik und ist materieller Natur. Aber anders als Architektur ist sie nicht funktional, sondern bildhaft. Die wichtigsten spezifischen Merkmale der Skulptur sind Körperlichkeit, Materialität, Lakonismus und Universalität.
Die Materialität der Skulptur beruht auf der Fähigkeit des Menschen, das Volumen zu fühlen. Arten von Skulpturen:
- kleine Plastik [alte Glyptik - Schnitzerei auf Halbedelmineralien; Knochenschnitzerei; Figuren aus verschiedenen Materialien, Amulette und Talismane; Medaillen usw.];
- Skulpturen kleiner Formen [Figuren bis zu einem halben Meter];
- Staffelei-Skulptur [eine Statue, die zur kreisförmigen Betrachtung bestimmt ist];
- monumentale und dekorative Skulpturen [Reliefs, Wandfriese, Giebelstatuen, Atlanten und Karyatiden, Brunnendekorationen usw.];
- monumental [Grabsteine, Denkmäler, Denkmäler]. Die wichtigsten ästhetischen Mittel der Skulptur sind Volumen, Silhouette, Proportionen, Hell-Dunkel, d.h. Aufbau einer dreidimensionalen Form, plastisches Modellieren, Silhouettenentwicklung, Textur, Material, manchmal Farbe.

6 primitive und traditionelle art.this ein moderner, althergebrachter Name für verschiedene Arten von bildender Kunst, die in der Steinzeit entstanden sind und etwa 500.000 Jahre überdauert haben. In der Altsteinzeit - der alten Steinzeit - wurde es durch primitive Musik, Tänze, Lieder und Rituale sowie Geoglyphen - Bilder auf der Erdoberfläche, Dendrographen - Bilder auf der Rinde von Bäumen und Bilder auf Tierhäuten, verschiedene dargestellt Körperschmuck mit Farbpigmenten und allerlei Naturgegenständen wie Perlen sind auch heute noch beliebt. Aber all dies kann dem Ansturm der zerstörerischen Zeit nicht standhalten. Daher wurden nur abstrakte Zeichen bewahrt und nach und nach entdeckt, künstlich in superharte Felsoberflächen gehauen, sowie animalische Höhlenmalerei, anthropomorphe Skulpturen kleiner Formen aus Knochen und Stein, Gravuren und Flachreliefs auf Knochen, Steinfliesen und ein Horn aus die Zeit des Jungpaläolithikums (35.000 - 30.000.000 Jahre) Ausgehend von der klassischen Antike streben Künstler danach, ihren individuellen Stil und ihre Originalität in ihren Werken zum Ausdruck zu bringen. Auch in der Volkskunst ist Individualität präsent, weicht aber in erster Linie der Tradition. Und die Tradition bewahrt über Jahrhunderte und sogar Jahrtausende nicht nur die Art der Bilder, sondern auch ihre kompositorischen Merkmale. Dies ist die Hauptähnlichkeit zwischen traditioneller und primitiver Kunst. Traditionelle Kunst ist eng mit dem rituell-mythologischen Kollektivbewusstsein verbunden, das zusammen mit Glaubensvorstellungen und Kulten, den Vorläufern entwickelter Religionen, ein System positiven Wissens für jede ethnische Gruppe angesammelt hat. Tatsächlich stellt die Kunst ein Mittel zur Weitergabe dieses allgemeinen Wissens dar. In der traditionellen Kunst ist die ästhetische Qualität eines Werks kein Selbstzweck. Werke der traditionellen Kunst bezeugen die Tatsache, dass die traditionelle Kunst, die in ihren nationalen, Stammes- und regionalen Erscheinungsformen sehr vielfältig ist, tiefe lokale Wurzeln hat, die durch die Gesetze der historischen Kontinuität mit der Kunst früherer Epochen verbunden sind. Ein Synonym für den Begriff „traditionelle Kunst“ kann „Volkskunst (Kunst)“ sein. Volkskunst wird als etwas Ursprüngliches, Autochthones, ursprünglich einer bestimmten Volksgruppe, einem Stamm oder einer Nationalität innewohnendes verstanden.

Genres der bildenden Kunst.

Basierend auf dem Thema des Bildes:

1 Landschaft, 2 Stilleben , 3 Porträt, Tier - Darstellung von Tieren 5 Haushalt - Darstellung des Lebens von Menschen , Battle - das Bild der Feindseligkeiten , Fabelhaftes Epos

4Historischer Charakter des Bildes (Karikatur, Karikatur).

8Syntheseproblem Behauptung:

Synthese der Künste.

Synthese der Künste, eine organische Verbindung verschiedener Künste oder Kunstgattungen zu einem künstlerischen Ganzen, das die materielle und geistige Umwelt der menschlichen Existenz ästhetisch organisiert. Architektur und Monumentalkunst tendieren immer wieder dazu, sich zu verbinden und eine architektonische und künstlerische Synthese zu schaffen, in der Malerei und Skulptur neben ihrer eigenen Aufgabe auch das architektonische Bild erweitern und interpretieren. Bei dieser räumlich-plastischen Synthese handelt es sich in der Regel um Kunsthandwerk (durch das eine objektive Umgebung des Menschen geschaffen wird) sowie häufig um Staffeleikunstwerke.

Eine Kombination verschiedener Kunstgattungen mit multilateraler ästhetischer Wirkung. Die Einheit der Bestandteile des Gesamtkunstwerks wird durch die Einheit der ideologischen und künstlerischen Gestaltung bestimmt. Das architektonische und künstlerische Gesamtkunstwerk bilden Architektur, bildende und dekorative Kunst (Bauensemble, Gebäude, Interieur). Performance, Film – eine Synthese aus Regie, Schauspiel, Literatur, Musik, bildender Kunst etc.

Megalithische Gebäude.

prähistorische Strukturen aus großen Steinblöcken, die ohne Verwendung von Zement oder Kalkmörtel verbunden sind.Eine separate Gruppe sind megalithische Strukturen, dh Objekte, die größtenteils aus Megalithen bestehen. Sie sind auf der ganzen Welt verbreitet. In Europa sind dies beispielsweise Stonehenge, Bauten der kretisch-mykenischen Kultur oder Ägyptens. Ihr gemeinsames Merkmal sind Steinblöcke mit einem Gewicht von teilweise mehr als hundert Tonnen, die oft aus zig Kilometer entfernten Steinbrüchen angeliefert werden, teilweise mit einem großen Höhenunterschied zur Baustelle. Megalithbauten dienten in der Regel nicht der Behausung, und von der Bauzeit bis heute sind keine Aufzeichnungen über die Technologien und den Zweck des Baus erhalten. Die planungstechnisch komplexeste Art von Megalithmonumenten sind Cromlechs. Dies sind konzentrische Reihen von Säulen-Menhiren, die durch Steinblöcke-Balken verbunden sind. In Cromlechs, einschließlich der größten, die sich in Stonehenge (England) befinden und der Bronzezeit angehören, gibt es ein streng durchdachtes System für die Anordnung von Steinblöcken. Dolmen sind weit verbreitet (vom bretonischen "tol" - ein Tisch, der eine vollständig fertiggestellte Art von architektonischer Struktur darstellt, da sich neben dem äußeren Volumen auch ein inneres darin befindet. Überreste anderer Arten von Megalithstrukturen sind heruntergekommen uns, einschließlich Stätten für die Durchführung magischer Riten, aufgrund der Besonderheiten der Existenz der Menschen dieser Zeit.

Kunst des Reiches der Mitte

Die Literatur des Mittleren Reiches brachte uns Reflexionen über die Probleme des Seins, Zweifel an der Möglichkeit eines Lebens nach dem Tod, wie die schriftlichen Denkmäler dieser Zeit belegen: "Lament of Ipuwer" und "Prophecy of Nofretete

Der Pharao wird immer noch vergöttert, aber er regiert nicht mehr so ​​absolut. Große Pyramidengräber wurden im Reich der Mitte durch in den Felsen gehauene Gräber oder kleine Pyramiden aus rohem Ziegelstein ersetzt, was für das Land nicht so ruinös war, sich aber als sehr brüchig herausstellte. Der Eingang zu den Felsengräbern war mit Säulengängen geschmückt, in denen man das Urbild des griechisch-dorischen Ordens sehen kann.

Wandmalereien werden bei der Dekoration von Gräbern immer beliebter. Die Wände der Gräber der Nomarchen waren hauptsächlich mit Wandmalereien und nicht mit bunten Reliefs geschmückt. Allmählich finden Änderungen in den Kanonen des Reliefbaus statt, Künstler bemühen sich, eine Person so darzustellen, wie sie ist.

Strenge, ruhige Friese werden durch freier gruppierte Szenen ersetzt, die Farben werden weicher und transparenter.

entwickelte eine neue Art der Schreibschrift: Business Hieratic Writing. Sie unterschied sich von der altägyptischen Handschrift und Hieroglyphenschrift.

Isk-Synthese im alten Ägypten

Das Gesamtkunstwerk ist eine organische Verbindung verschiedener Arten der bildenden und dekorativen Kunst mit der Architektur mit dem Ziel, ein ganzheitliches architektonisches und künstlerisches Werk zu schaffen. Die Synthese der Künste im alten Ägypten konnte am Beispiel beobachtet werden von: Statuen von Höhlentempeln (Bogen + Skulptur) Schriften an den Wänden (Bogen + Kalligrafie) Geschmückten Säulen (Bogen + Malerei)

Ein herausragendes Beispiel für die Synthese des Ägyptischen können die Katakomben von Kom-esh-Shuqaf in Alexandria sein, die komplexe Bilder griechisch-ägyptischer Gottheiten darstellen. Die synthetische Verschmelzung griechisch-römischer und ägyptischer Kulturen führte zu neuen Formen in Kunst und Religion, aber Ägypten wurde nie in dem Maße romanisiert und eingeebnet, wie die westlichen Provinzen des Römischen Reiches romanisiert und latinisiert wurden. Die Synthese von alten und altägyptischen Traditionen in der bildenden Kunst führte zu einer neuen Art von griechisch-ägyptischer Kunst.m

Glasmalerei in der gotischen Kunst

BUNTGLAS - eine dekorative oder dekorative Komposition (in einem Fenster, einer Tür, in Form einer unabhängigen Platte) aus Glas oder einem anderen Material, das Licht durchlässt. Farbige Glasmalereien in Fenstern (z. B. in gotischen Kathedralen) erzeugen ein farbiges Lichtspiel im Innenraum. Fresko ersetzt Buntglasfenster. In den Fensteröffnungen platzierte Buntglasfenster erfüllten das Innere der Kathedrale mit Licht, das in sanften und klangvollen Farben gestrichen war, was einen außergewöhnlichen künstlerischen Effekt erzeugte.

Fast bis zur Mitte des 12. Jahrhunderts blieben die Fenster in den Tempeln relativ klein, sodass sie nur kleine Buntglasfenster mit mehreren Szenen oder einer großen Figur aufnehmen konnten. Aber nach 1150 begann der Prozess der allmählichen "Auflösung" der Mauer: Die Größe der Fenster nahm stetig zu. Am Ende blieben so wenige glatte Wandflächen übrig, dass die Architektur im Wesentlichen auf Fensterrahmen reduziert wurde. Den ersten Höhepunkt in der Entwicklung dieses Trends bildeten die Ende des 12. Jahrhunderts errichteten Kathedralen in Soissons, Bourges und Chartres (Frankreich) sowie in Canterbury (England). Die riesigen Fenster dieser Gebäude waren mit farbigen Glasplatten verziert und bildeten Erzählzyklen, deren zahlreiche Episoden eine einzige geometrische Struktur bildeten. Zwar enthielten die Buntglasfenster in den Fenstern der oberen Reihe des Mittelschiffs immer noch nur ein oder zwei Szenen oder eine Figur. In der ersten Hälfte des 13. Jahrhunderts bildete sich im deutschsprachigen Raum ein besonderer Bildstil heraus und setzte sich neben Varianten der frühen französischen Gotik durch, die sich weitgehend an den Traditionen der byzantinischen Kunst orientierten. Die in diesem Stil gehaltenen Werke sind voll von scharfen Linien und scharfen Ecken, weshalb der Stil selbst als "eckig" bezeichnet wurde. In der zweiten Hälfte des 13. Jahrhunderts näherte sich der "eckige" Stil allmählich dem Charakter der sich entwickelnden reifen Gotik in Frankreich. Es gibt die Meinung, dass das höchste bildnerische Werk, das in Westeuropa vor Giotto geschaffen wurde, dh vor der ursprünglichen Formation der großen italienischen Renaissancemalerei, nicht als Fresko, Gemälde oder Buchminiatur anerkannt werden sollte, sondern

43. Periodisierung der byzantinischen Kunst. Hauptarbeiten Byzantinisches Reich - Das Römische Reich im Mittelalter mit seiner Hauptstadt Konstantinopel - Neu-Rom. 1 Periode von Konstantin dem Großen und Justinian. (5-8 Jahrhunderte) 2Mazedonische Zeit. (9.-11. Jahrhundert) 3. Komnin-Periode. (11-13) 4 Paläologische Periode. (13-15)

Das bemerkenswerteste Ravenna-Gebäude des 6. Jahrhunderts. ist die 526 gegründete Kirche San Vitale. und 547 geweiht. Dies ist ein mittig gewölbter Tempel. Von außen ist das Gebäude von geringem Interesse: Der achteckige Hauptkörper ist durch einfache vertikale und horizontale Stäbe zergliedert; über ihnen erhebt sich eine facettierte Trommel von trockener Form. Mosaik der Hagia Sophia in Konstantinopel. Byzanz erbte die Kunst des Mosaiks vom alten Rom. Das Mosaik bestand aus vielen Smaltenstücken - einer Legierung aus Glas mit Mineralfarben. Byzantinische Mosaikmeister nutzten die gesamte Bandbreite der Farbpalette.

44. Symbole des Tempels Tempelraum und seine dekorative Gestaltung..

Der Altar, der wichtigste Teil des Tempels, befindet sich immer an der Ostseite des Tempels. Der Altar ist der Hauptschrein des Tempels, der das gesamte Gebäude weiht und symbolisch das "Dorf Gottes" darstellt.

Der mittlere Teil des Tempels, das „Schiff“, repräsentiert den gesamten irdischen Raum, in dem sich die universale Kirche Christi befindet. Der mittlere Teil des Tempels symbolisiert die geschaffene Welt, aber bereits vergöttert, geheiligt, gerechtfertigt.

Ikonostase - besteht aus mehreren Reihen von Symbolen, die in einer bestimmten Reihenfolge angeordnet sind.

Die Westseite des Tempels symbolisiert das „Land der Toten“ und die Hölle. Die Gewölbe, die Kuppel, die die Kuppel mit dem Bild Christi krönt, ist ein Symbol für Christus – das Haupt der Weltkirche.

Säulen. - Auf den vier Säulen, die die Kuppel tragen, sind diejenigen abgebildet, die das Wort Gottes verkündeten: Apostel, Bischöfe, Asketen, Märtyrer.

Im 9.-10. Jahrhundert Wandmalereien von Tempeln in ein kohärentes System gebracht. Die Wände und Gewölbe der Kirchen sind mit Mosaiken und Fresken bedeckt, die in einer streng hierarchischen Ordnung angeordnet und der Zusammensetzung des Tempels untergeordnet sind. Der Innenraum schafft eine künstlerische Umgebung, die von einem einzigen Inhalt durchdrungen ist, zu dem die auf der Ikonostase platzierten Ikonen gehören

45. Byzantinische Kunst des 11. bis 12. Jh. Allgemeine Merkmale. Hauptarbeiten . Die byzantinische Kunst war das Produkt einer Kombination aus griechisch-römischen und orientalischen Elementen.

Die Architektur entwickelte die bestehenden Gebäudetypen weiter und interpretierte sie neu. In der Kirchenarchitektur gibt es eine definitive Mitte des 11. Jahrhunderts. Tendenz zu vertikalen Proportionen von Gebäuden. Die Malerei ist vom Geist der Strenge und Spiritualität durchdrungen. Die Mosaike dieser Zeit sind grafisch, sie kultivieren die Linie und die geschlossene Kontur. Formen werden dekorativer, ornamentaler, sie sind subtil und meisterlich gezeichnet, aber sie haben keine irdische Plastizität. Der Künstler versuchte, nur abstrakte geistige Energie, die emotionale Ausdruckskraft des Bildes zu vermitteln.

In der zweiten Hälfte des 11. Jh. In der Kirche des Klosters Daphne bei Athen entstand ein großer Mosaikzyklus. Die Grundstücke sind in einer streng hierarchischen Reihenfolge verteilt. Der Typ der Kreuzkuppelkirche mit einer Kuppel auf einer hohen Lichttrommel entwickelte sich weiter. In der zweiten Hälfte des 11. Jahrhunderts Schmuck verbreiten sorgfältige Art der Ausführung von kleinen Zeichnungen, in den Text eingewebt, dekorativ. - Kreuzigung. Mosaiken der Klosterkirche Daphni. Dieses Mosaik zeichnet sich durch seine besondere dekorative Eleganz aus. Die von sanften Linien umrissenen Figuren von Christus, Maria und Johannes sind ausgewogen und harmonisch. Sogar ein Blutrinnsal wird mit einer glatten Linie dargestellt.

46. Synthese der Künste in der byzantinischen Tempelarchitektur. Formen aus der antiken Architektur entlehnt, modifizierte die byzantinische Architektur diese nach und nach und entwickelte im 5. Jahrhundert vor allem für den Tempelbau einen Bautypus, der sich nach dem Plan und dem gesamten konstruktiven System deutlich von dem Typus antiker christlicher Basiliken unterschied . Sein Hauptmerkmal ist die Verwendung einer Kuppel, die den mittleren Teil des Gebäudes bedeckt. Die Entscheidung der byzantinischen Architekten bestand darin, die Ecken des Parallelepipeds so zu schneiden, dass die oberen Teile seiner Wände eine bogenförmige Form annahmen. Im Inneren der byzantinischen Tempel um den mittleren Kuppelraum herum gab es mit Ausnahme der Altarseite eine Galerie wie einen Chor. Die Kapitelle der Säulen in der byzantinischen Architektur verloren ihren Abakus und nahmen die Form einer abgestumpften tetraedrischen Pyramide an, wobei die kleinere Basis nach unten zeigte und mit nicht besonders konvexen Ornamenten bedeckt war, deren Motive Akanthusblätter und andere Formen des Pflanzenreichs sind. Das Innere des Gebäudes zeichnete sich nicht durch den Reichtum und die Komplexität architektonischer Details aus, aber seine Wände waren von unten mit teuren Marmorsorten verkleidet, und oben waren sie ebenso wie die Gewölbe reich mit vergoldeten Mosaikbildern verziert auf Goldgrund oder Freskomalerei. Im Zusammenhang mit der Verbreitung der Orthodoxie auf der ganzen Welt wurde eine große Vielfalt an Tempelarchitektur möglich. Im Wesentlichen mit den Traditionen der byzantinischen Architektur verbunden, ist es eine Synthese aus alten Bau- und Dekorationstechniken und Kanons mit stilistischen Merkmalen, die für die Architektur einer bestimmten Region charakteristisch sind. So wurden im Rahmen einer christlichen Konfession originelle und einzigartige Tempelstrukturen verkörpert, die nicht nur die Essenz der christlichen Lehre widerspiegeln, sondern auch die Weltanschauung eines einzelnen Volkes.

Kreativität des Griechen Theophanes.

Theophan der Grieche (um 1340 - um 1410) - der große russische und byzantinische Ikonenmaler, Miniaturmaler und Meister der monumentalen Freskenmalerei.
Feofan denkt eine Figur dreidimensional, plastisch. Er stellt sich klar vor, wie sich der Körper im Raum befindet, daher scheinen seine Figuren trotz des konventionellen Hintergrunds vom Raum umgeben zu sein und darin zu leben. Fn legte großen Wert auf die Übertragung von Volumen in der Malerei. Seine Modellierungsmethode ist wirkungsvoll, obwohl sie auf den ersten Blick skizzenhaft und sogar sorglos wirkt. Ein Wunder ist in F-ns Kunst immer unsichtbar präsent. Theophanes der Grieche war einer der byzantinischen Meister. Vor seiner Ankunft in Novgorod bemalte der Künstler über 40 Steinkirchen. Er arbeitete in Konstantinopel, Chalcedon, Galata, Caffa. Feofan besaß ein großes malerisches Talent und malte Figuren mit breiten Strichen. Über die ursprüngliche Polsterung setzte er satte weiße, bläulich-graue und rote Akzente.
Theophan der Grieche fertigte seine ersten Werke in Russland in Novgorod an. Dies sind die Fresken der Kathedrale der Verklärung des Erlösers, darunter die Büste des Allmächtigen Erlösers in der zentralen Kuppel. Die Hauptsache im Gemälde ist die Erhöhung der asketischen Leistung, die Erwartung der Apokalypse. Der Grieche arbeitete später in Nischni Nowgorod und beteiligte sich an der Schaffung von Ikonostasen und Fresken in der Spassky-Kathedrale, die bis heute nicht erhalten sind. Theophanes der Grieche wurde erstmals 1395 in Moskau erwähnt. Die Herstellung einer doppelseitigen Ikone „Unserer Lieben Frau vom Don“ ist mit der Werkstatt von Feofan verbunden, auf deren Rückseite die „Himmelfahrt der Jungfrau“ abgebildet ist.
Die „Mariä Himmelfahrt“ stellt dar, was normalerweise in Ikonen auf dieser Handlung dargestellt wird. Am Grabbett der Maria sind die Apostel, nicht wie strenge griechische Männer. Sie drängten sich in keiner bestimmten Reihenfolge um das Bett. Nicht gemeinsame erleuchtete Trauer, sondern das persönliche Gefühl eines jeden - Verwirrung, Überraschung, Verzweiflung, trauriges Nachdenken über den Tod - ist auf ihren einfachen Gesichtern abzulesen. Viele scheinen nicht in der Lage zu sein, die tote Maria anzusehen. Über dem Marienbett, über den Figuren der Apostel und Heiligen erhebt sich goldglänzender Christus mit der Seele der Gottesmutter in seinen Händen. Die Apostel sehen Christus nicht, seine Mandorla ist bereits eine dem menschlichen Auge unzugängliche Sphäre des Wunderbaren. Der scharfe Klang der Farben von Mariä Himmelfahrt offenbart sozusagen das extreme Maß an geistiger Anspannung, in der die Apostel leben. Es gibt ein Detail in Theophans „Assumption“, das das Drama der sich abspielenden Szene zu konzentrieren scheint. Diese Kerze brennt am Bett der Gottesmutter. Genau in der Mitte platziert, auf der gleichen Achse wie die Figur von Christus und dem Cherub, scheint die Kerze in der Ikone von Theophan von besonderer Bedeutung zu sein. Der apokryphen Überlieferung zufolge zündete Maria es an, bevor sie von einem Engel von ihrem Tod erfuhr. Die Kerze erlischt, was bedeutet, dass die Zeit des irdischen Abschieds von Maria zu Ende geht. In wenigen Augenblicken wird der strahlende Christus verschwinden, seine Mandel, befestigt wie ein Schlussstein, ein feuriger Cherub. Es gibt nur wenige Werke der Weltkunst, die Sie mit solcher Kraft die Bewegung, die Vergänglichkeit der Zeit spüren lassen, gleichgültig gegenüber dem, was zählt, alles unaufhaltsam zu Ende führt.
In der Spaso-Preobrazhensky-Kathedrale von Pereyaslavl-Zalessky malte Feofan 1399 die Kirche des Erzengels Michael und 1405 zusammen mit Andrei Rublev die Kathedrale der Verkündigung. Die Ikonostase der Verkündigung ist die älteste der bis heute erhaltenen russischen Ikonostasen.

56 Kreativität von Andrey Rublev.
Die Bildung von Rublevs Weltanschauung wurde stark von der Atmosphäre des nationalen Aufstands in der 2. Hälfte des 14. bis frühen 15. Jahrhunderts beeinflusst.In seinen Werken verkörperte er ein neues, erhabenes Verständnis der spirituellen Schönheit und moralischen Stärke des Menschen. Beispiel: Die Ikonen des Zvenigorod-Rangs („Retter“, „Apostel Paul“, „Erzengel Michael“), die sich durch lakonische, glatte Konturen auszeichnen, eine breite Malweise, die den Methoden der Monumentalmalerei nahe kommt.
1405 malte Rublev zusammen mit Theophan dem Griechen und Prokhor aus Gorodets die Verkündigungskathedrale des Moskauer Kremls (die Fresken sind nicht erhalten), und 1408 malte Rublev zusammen mit Daniil Cherny und anderen Meistern die Himmelfahrtskathedrale in Wladimir (das Gemälde wurde teilweise erhalten) und schuf Ikonen für seine monumentale dreistufige Ikonostase, die zu einer wichtigen Etappe in der Bildung des hohen russischen Ikonostasensystems wurde. Von den Fresken in der Mariä-Himmelfahrts-Kathedrale ist das Jüngste Gericht die bedeutendste Komposition, in der sich die traditionell beeindruckende Szene in eine fröhliche Feier des Triumphs der Gerechtigkeit verwandelte und den spirituellen Wert des Menschen bekräftigte.
In den Jahren 1425-27 malte Rublev zusammen mit Daniil Cherny und anderen Meistern die Dreifaltigkeitskathedrale des Dreifaltigkeits-Sergius-Klosters und schuf die Ikonen ihrer Ikonostase. Sie werden auf unterschiedliche Weise hergestellt und sind von ungleicher künstlerischer Qualität. In einer Reihe späterer Werke gelang es ihm, eindrucksvolle Bilder zu schaffen, sie spüren dramatische Töne, die vorher nicht charakteristisch für ihn waren („Der Apostel Paulus“). Die Farbgebung der Ikonen ist im Vergleich zu frühen Werken düsterer; Bei einigen Symbolen wird der dekorative Anfang verstärkt.
Ihm werden auch eine Reihe von Werken zugeschrieben, deren Zugehörigkeit zu Rublevs Pinsel nicht eindeutig bewiesen ist: die Fresken der Himmelfahrtskathedrale auf dem „Gorodok“ in Zvenigorod, Ikonen - „Vladimir Mother of God“, „Saviour in the Kraft“, Teil der Ikonen des festlichen Ranges („Weihnachten“, „Taufe“ , „Die Auferstehung des Lazarus“, „Verklärung“, „Einzug in Jerusalem“), Teil der Miniaturen des Evangeliums von Khitrovo
Fast alle Charaktere sind in einen Zustand stiller Kontemplation versunken, der als „Gottdenken“ oder „göttliche Spekulation“ bezeichnet werden kann; sie haben keine inneren Einflüsse.
Der klassische Sinn für Komposition, Rhythmen, jede individuelle Form, verkörpert in Klarheit, Harmonie, plastischer Perfektion, Andrei Rublev ist so makellos wie die griechischen Meister des ersten Drittels des 15. Jahrhunderts.
Rublevs Werk stellt einen der Höhepunkte der russischen und der Weltkultur dar. Bereits zu Lebzeiten von Andrei wurden seine Ikonen hoch geschätzt und als wundersam verehrt.

57 „Dreifaltigkeit“ von Andrey Rublev . um 1412 schuf er sein Meisterwerk – die Ikone „Die lebenspendende Dreifaltigkeit“. Rublev füllte die traditionelle biblische Geschichte mit tiefen theologischen Inhalten. Die biblische Geschichte bildete die Grundlage der Ikonographie der Trinität. Derjenige, der sagte, dass die erste Person, die Gott sah, der rechtschaffene ältere Abraham war. Gott erschien ihm in Gestalt von drei Engeln. Abraham vermutete, dass er unter dem Deckmantel dreier Fremder die drei Gesichter der Dreieinigkeit annahm. Voller Freude setzte er sie unter den Baldachin der Mamre-Eiche, befahl seiner Frau Sarah, ungesäuertes Brot aus bestem Mehl zu backen, und dem jungen Diener, ein zartes Kalb zu schlachten.Andre Rublev entfernte sich von der traditionellen Ikonographie und stellte eine einzelne Schüssel auf in der Mitte der Komposition, und wiederholte seine Umrisse in Konturen seitliche Engel. Die Kleidung des mittleren Engels (rote Tunika, blauer Himation, genähter Streifen - Clave) verweist uns eindeutig auf die Ikonographie von Jesus Christus. Zwei der am Tisch Sitzenden wenden sich mit Kopf und Bewegung des Lagers dem links geschriebenen Engel zu, in dessen Gestalt väterliche Autorität zu lesen ist. Sein Kopf ist nicht gebeugt, sein Lager ist nicht geneigt und sein Blick ist auf andere Engel gerichtet. Die hellviolette Farbe der Kleidung zeugt von königlicher Würde. All dies ist ein Hinweis auf die erste Person der Heiligen Dreifaltigkeit. Schließlich ist der Engel auf der rechten Seite in einem rauchgrünen Obergewand dargestellt. Dies ist die Hypostase des Heiligen Geistes, hinter der sich der Berg erhebt. Auf dem Symbol befinden sich mehrere weitere Symbole: ein Baum und ein Haus. Der Baum - die Mamvrian-Eiche - verwandelte sich in Rublev in den Baum des Lebens und wurde zum Hinweis auf die lebensspendende Kraft der Dreieinigkeit. Das Haus verkörpert Gottes Dispensation. Das Haus ist hinter dem Rücken eines Engels mit den Zügen des Vaters (Schöpfer, Leiter des Hausbaus) dargestellt, der Baum ist hinter dem Rücken des mittleren Engels (Sohn Gottes), der Berg ist ein Symbol der Bewunderung des Geistes, das heißt spiritueller Aufstieg, hinter dem Rücken des dritten Engels (Heiliger Geist) Der zentrale Engel wird durch einen ausdrucksstarken Kontrast von Flecken aus dunkler Kirsche und blauen Farben sowie einer exquisiten Kombination aus goldenem Ocker mit einem zarten hervorgehoben "gefüllter Kohl" und Grün. Und die Außenkonturen bilden ein 5-Eck, das den Stern von Bethlehem symbolisiert. „Trinity“ ist für entfernte und nahe Blickwinkel konzipiert, die den Reichtum der Schattierungen, die virtuose Arbeit des Pinsels jeweils auf andere Weise offenbaren. Die Harmonie aller Elemente der Form ist ein künstlerischer Ausdruck der Hauptidee der "Trinität" - Selbstaufopferung als höchster Zustand des Geistes, der die Harmonie der Welt und des Lebens schafft.

58 Werke von Dionysius
DIONISY (ca. 1440 - nach 1502), Ikonenmaler und Maler, einer der größten Künstler des Heiligen Russland.

Dionysius malte die Geburtskathedrale des Klosters Pafnutiev Borovsky (1467-76); gemalte Ikonen für die Ikonostase der Himmelfahrtskathedrale des Moskauer Kremls; Ikonen und Fresken der Domkirche des Joseph-Wolokolamsky-Klosters (nach 1485). In den Ikonen und Fresken von Dionysius manifestieren sich im Vergleich zur Kunst der Ära von Andrei Rublev Einheitlichkeit der Techniken, Merkmale der Festlichkeit und Dekoration, vor denen die psychologische Ausdruckskraft der Bilder etwas zurückgeht. Die Ikonen des Dionysius mit ihrer zarten Zeichnung und exquisiten Farbgebung mit stark verlängerten, anmutigen Figuren sind von Eleganz und Feierlichkeit geprägt („Odegetria die Muttergottes“, 1482; „Der Retter in Kraft“, „Kreuzigung“, beide 1500; Ikonen für das Ferapontow-Kloster, 1500-02, gemeinsam mit seinen Söhnen Wladimir und Theodosius Viele Werke werden dem Ikonenmaler aufgrund stilistischer Analysen zugeschrieben. Trotz der Anfälligkeit dieser Situation müssen wir dennoch einzelnen Beispielen zustimmen, die sich etabliert haben in der Kunstgeschichte. Die von Dionysius und seinen Söhnen in der Kathedrale des Ferapontov-Klosters in der Nähe der Stadt Kirillov (1500-02) geschaffenen Gemälde gehören zu den vollkommensten Beispielen russischer mittelalterlicher Monumentalkunst, in der ideologische, figurative und dekorative Aufgaben organisch sind gelöst in einem harmonischen und integralen System von Wandmalereien, kalte Farbpalette, die Dominanz des Lichts Schattierungen. Die Tatsache, dass Dionysius das Bedürfnis verspürte, die Heilige Schrift auf neue Weise zu verstehen, die dogmatischen Texte zu verstehen und sein Verständnis durch die Methoden der Malerei zum Ausdruck brachte, indem er völlig neue, lebendige Bilder schuf, legt nahe, dass die Kommunikation mit den Moskauer Häretikern (dem Kreis der Diakone Fjodor Kurizyn) ging nicht spurlos als Künstler durch.

Charakteristisch für seine Kunst waren schmale, elegante Figuren, zarte, selbstbewusste Zeichnung und oft helle, transparente Farben. Er malte Fresken im Pafnutiev-Kloster, der Mariä Himmelfahrt-Kathedrale, wo er mit den Ikonenmalern Timothy, Horse und Yarez zusammenarbeitete. Er arbeitete im Joseph-Wolotsky-Kloster und malte mit seinen Söhnen Fresken und Ikonen im Ferapontov-Kloster. Erstellt die berühmte Ikone "Taufe".

59 Italienische Kunst der Vorrenaissance. Allgemeine Eigenschaften. Hauptwerke., In der italienischen Kultur des XIII-XIV Jahrhunderts. Vor dem Hintergrund der immer noch starken byzantinischen und gotischen Traditionen begannen sich Merkmale einer neuen Kunst abzuzeichnen - der zukünftigen Kunst der Renaissance. Daher wurde diese Periode seiner Geschichte als Proto-Renaissance bezeichnet. In der italienischen Kultur des XIII-XIV Jahrhunderts. Vor dem Hintergrund der immer noch starken byzantinischen und gotischen Traditionen begannen sich Merkmale einer neuen Kunst abzuzeichnen - der zukünftigen Kunst der Renaissance. Daher wurde diese Periode seiner Geschichte als Proto-Renaissance bezeichnet. Die Kunst der Proto-Renaissance zeichnet sich ab den ersten Jahrzehnten des 14. Jahrhunderts durch eine Tendenz zur visuellen Widerspiegelung der Realität, einen säkularen Beginn und ein Interesse am antiken Erbe aus. die führende Rolle in der Kunst beginnt sich allmählich zu verschieben Malerei.

Italienische Maler waren eng mit dem byzantinischen Malstil verbunden und verzögerten daher den Übergang zur Kunst der Proto-Renaissance. Aber als bis zum Ende des 13. Jahrhunderts. es gab einen Durchbruch, dann diente das starke Fundament der byzantinischen Tradition als verlässliche Stütze und italienische Künstler machten eine echte Revolution im bildnerischen Denken.

Schließlich behielt sie bei aller Schematisierung der byzantinischen Malerei eine Verbindung zum hellenistischen Erbe. In den abstrakten, statischen Kanons wurden die alten Techniken der Hell-Dunkel-Modellierung und Verkürzung bewahrt. Was gebraucht wurde, war ein brillanter Künstler, der in der Lage war, den Bann der byzantinischen Starre zu überwinden, um einen neuen künstlerischen Raum zu betreten.

Italienische Kunst fand ein solches Genie angesichts Florentiner Maler Giotto di Bondone. Im größten Freskenzyklus der Chapel del Arena in Padua sieht man eine Abkehr von der mittelalterlichen Tradition: Anstelle einer begrenzten Anzahl kanonischer Evangelien voll, von denen jedes eine symbolische Bedeutung annahm, schuf Giotto eine zusammenhängende historische Erzählung, die eine breite Palette von Themen umfasste. Die Fresken sind in gleichmäßigen Reihen angeordnet und in Rechtecke eingeschlossen. Zu den berühmtesten Fresken gehört der "Tod des heiligen Franziskus"

Das letzte Abendmahl von Leonardo

Das LETZTE ABENDMAHL ist nach christlicher Vorstellung das letzte gemeinsame Mahl (Mahlzeit) von Jesus Christus und den zwölf Aposteln am Vorabend des Tages (Karfreitag) des Todes Christi am Kreuz. Während des letzten Abendmahls sagt Christus voraus, dass Judas Iskariot ihn verraten wird, und errichtet das Sakrament der Eucharistie (Kommunion), indem er den Jüngern Brot zu essen und aus einem Kelch Wein zu trinken gibt.

Im Refektorium des Klosters Santa Maria delle Grazie entsteht Leonardos Gemälde "Das letzte Abendmahl" (1495-97; aufgrund des riskanten Experiments des Meisters, Öl mit Tempera für das Fresko zu verwenden, ist das Werk entstanden uns in sehr beschädigter Form). Der hohe religiöse und ethische Gehalt des Bildes, das die stürmische, widersprüchliche Reaktion der Jünger Christi auf seine Worte über den bevorstehenden Verrat darstellt, drückt sich in klaren mathematischen Mustern der Komposition aus, die nicht nur das Gemalte, sondern auch die reale Architektur gebieterisch unterwerfen Platz. Die klare Bühnenlogik von Mimik und Gestik sowie die wie immer bei Leonardo aufregend paradoxe Verbindung von strenger Rationalität mit einem unerklärlichen Rätsel machten Das letzte Abendmahl zu einem der bedeutendsten Werke der Weltkunstgeschichte 21 Jahre. Am 28. Mai 1999 wurde das Gemälde zur Besichtigung geöffnet.

Theorien zur Entstehung der Kunst. URSPRUNG DER KUNSTTHEORIE - 1) Nach der religiösen Theorie der Entstehung der Kunst ist Schönheit einer der Namen Gottes, und Kunst ist ein konkret-sinnlicher Ausdruck der göttlichen Idee; 2) Spieltheorie (G. Spencer, K. Bucher, W. Fritsche, F. Schiller) interpretiert Kunst als Spiel an sich, ohne jeden Inhalt. Da das Spiel älter ist als die Arbeit, ist die Kunst als Naturphänomen älter als die Herstellung von Gebrauchsgegenständen. Sein Hauptzweck ist Vergnügen, Genuss; 3) Erotiktheorie (N. Nardau, K. Lange, 3. Freudi usw.) versucht, die Entstehung von Kunst mit der Notwendigkeit zu rechtfertigen, die Aufmerksamkeit von Vertretern des anderen Geschlechts zu erregen (Dekoration, einladende Musikklänge usw.). ; 4) Die Theorie der Nachahmung (Demokrit, Aristoteles usw.) versucht, die Ursache der Entstehung der Kunst mit dem sozialen Zweck des Menschen in Verbindung zu bringen. Als Gründe für die Entstehung der Kunst betrachtete Aristoteles die natürliche Neigung des Menschen, die Natur nachzuahmen, nachzuahmen; 5) Der Marxismus stellt die sozialgeschichtliche Praxis, die produktive Tätigkeit der Menschen, in den Vordergrund.

Kunstklassifizierung.

Nach der Dynamik der Kunst kann unterteilt werden räumlich und vorübergehend. Je nach Nützlichkeit der Kunst werden sie unterteilt in angewandt und anmutig(sauber).

Durch Materialien Kunst kann

Staffelei und Monumentalkunst.

Staffelei Kunst- eine Art der bildenden Kunst, deren Werke eigenständiger Natur sind und keinen direkten dekorativen oder zweckdienlichen Zweck haben (anders als beispielsweise Werke der Monumentalkunst oder Buchillustrationen). In der Malerei sind das Bilder; in der Bildhauerei - Statuen, Büsten, Gruppen, Staffeleliefs; in Grafiken - Drucke, Staffeleizeichnungen.

monumentale Kunst(lat. Denkmal, aus moneo - erinnern) - eine der bildenden und nicht-bildenden Künste des plastischen Raums; diese Art von ihnen umfasst großformatige Werke, die in Übereinstimmung mit der architektonischen oder natürlichen Umgebung geschaffen wurden, kompositorische Einheit und Interaktion, mit der sie selbst ideologische und figurative Vollständigkeit erlangen und diese der Umgebung mitteilen. Werke der Monumentalkunst werden von Meistern verschiedener kreativer Berufe und in unterschiedlichen Techniken geschaffen. Monumentale Kunst umfasst Denkmäler und skulpturale Gedenkkompositionen, Gemälde und Mosaiktafeln, dekorative Dekoration von Gebäuden, Buntglasfenster sowie Werke, die in anderen Techniken hergestellt wurden, einschließlich vieler neuer technologischer Formationen (einige Forscher beziehen auch Werke der Architektur auf monumentale Kunst) .

Arten von Künsten.

Literatur, Architektur, Musik, bildende Kunst (einschließlich Malerei, Grafik, Skulptur). Synthetische Kunst: Kino, Theater usw.). Kunsthandwerk (oft als bildende Kunst bezeichnet). Darüber hinaus teilen sie auch räumliche, zeitliche, räumlich-zeitliche Künste

1. Bildhauerei als Kunstform

.

Skulptur(lat. Skulptur, aus Skulptur- schneiden, schnitzen) im weitesten Sinne des Wortes die Kunst, aus Ton, Wachs, Stein, Metall, Holz, Knochen und anderen Materialien das Abbild von Menschen, Tieren und anderen Naturobjekten in ihren fühlbaren, körperlichen Formen zu schaffen .

Bildhauer oder Bildhauer wird ein Künstler genannt, der sich der Bildhauerkunst verschrieben hat. Seine Hauptaufgabe ist es, die menschliche Figur in realer oder idealisierter Form wiederzugeben, Tiere spielen in seinem Werk eine untergeordnete Rolle, andere Gegenstände sind nur im Sinne von Nebensätzen oder werden ausschließlich zu ornamentalen Zwecken verarbeitet.

Primitive und traditionelle Kunst. http://teologia.ru/www/biblioteka/esthetika/trad.iscusstvo.htm

Genres der bildenden Kunst. SELBSTPORTRÄT - ein von sich selbst gemaltes Porträt.

ALLEGORIE - das Bild abstrakter Konzepte durch assoziative enge spezifische Bilder, Kreaturen und Objekte, die normalerweise mit Attributen ausgestattet sind, die ihren Inhalt erklären.

ANIMALISTIC - verbunden mit der Darstellung von Tieren in Malerei, Skulptur und Grafik; verbindet naturwissenschaftliche und künstlerische Prinzipien.

BATTLE - widmet sich der Darstellung von Krieg und Militärleben.

HAUSHALT - verbunden mit dem Bild des alltäglichen privaten und öffentlichen Lebens einer Person.

GALLANT - eine Art Haushalt.

HISTORISCH - eines der Hauptgenres der bildenden Kunst, das historischen Ereignissen der Vergangenheit und Gegenwart gewidmet ist, gesellschaftlich bedeutende Phänomene in der Geschichte der Völker.

KARIKATUR - ein Genre der bildenden Kunst, das die Mittel Satire und Humor, Groteske, Karikatur, künstlerische Übertreibung verwendet; Bild, bei dem der Comic-Effekt durch Überhöhung und Zuspitzung charakteristischer Züge entsteht.

MYTHOLOGISCH - den Ereignissen und Helden gewidmet, von denen Mythen erzählen.

STILLLEBEN - ein Genre der bildenden Kunst, das unbelebte Objekte zeigt, die in einer realen Haushaltsumgebung platziert und in einer bestimmten Gruppe organisiert sind; ein Bild, das Haushaltsgegenstände, Blumen, Früchte, zerlegtes Wild, gefangenen Fisch darstellt.

Nude - ein Genre der bildenden Kunst, das sich dem nackten Körper und seiner künstlerischen Interpretation widmet.

PASTORAL - ein Bild des idyllischen friedlichen Lebens von Hirten und Hirtinnen im Schoß der Natur.

LANDSCHAFT - ein Bild von jedem Gebiet, Naturbilder: Flüsse, Berge, Felder, Wälder, ländliche oder städtische Landschaft; Je nach Bildthema unterscheiden sie Architektur, Industrielandschaft, Veduta, Jachthafen (zeigt das Meer), historische und fantastische (futurologische) Landschaft.

PORTRÄT - ein Genre der bildenden Kunst, das dem Bild einer Person oder einer Gruppe von Personen gewidmet ist; Sorten - Selbstporträt, Gruppenporträt, Zeremoniell, Kammer, Kostümporträt, Porträtminiatur, Parsuna.

THEMA UND THEMATISCHES BILD - die Definition einer Art Kreuzung traditioneller Genres der Malerei, die zur Schaffung großformatiger Werke zu gesellschaftlich bedeutenden Themen mit einer klar definierten Handlung, Handlungshandlung und einer mehrfigurigen Komposition beitrug.

CARTOON - eine Art Karikatur, ein humorvolles oder satirisches Bild, in dem die charakteristischen Merkmale einer Person verändert und hervorgehoben werden.

Das Problem der Kunstsynthese. Synthese der Künste

eine Kombination verschiedener Kunstgattungen, die eine multilaterale ästhetische Wirkung entfaltet. Die Einheit der Bestandteile des Gesamtkunstwerks wird durch die Einheit der ideologischen und künstlerischen Gestaltung bestimmt. Das architektonische und künstlerische Gesamtkunstwerk bilden Architektur, bildende und dekorative Kunst (Bauensemble, Gebäude, Interieur). Eine Aufführung, ein Film ist eine Synthese aus Regie, Schauspiel, Literatur, Musik, bildender Kunst etc.

2. Die Hauptstadien in der Entwicklung der primitiven Kunst (Paläolithikum, Mesolithikum, Neolithikum). Lage der wichtigsten Denkmäler.

   Felsmalereien und Malereien in Höhlen. Lasko fr, altamira isp

Megalithische Gebäude.Megalithen(aus dem Griechischen μέγας - groß, λίθος - Stein) - Strukturen aus riesigen Steinblöcken (erschienen 9-1 Tausend v. Chr.) (Tempel der Insel Malta, Menhire, Cromlechs, Dolmen)

Periodisierung der ägyptischen Kultur. Bildung der charakteristischen Merkmale des ägyptischen Stils. Die Völker des alten Ägypten schufen eine originelle, interessante und reiche Kultur, von der viele Werte in die Schatzkammer der Weltkultur eingingen und zu ihrem organischen Bestandteil wurden.

Schon in der angewandten Kunst primitiver Gemeinschaften, in der Bemalung von Tongefäßen, in eleganten Bein- und Hornfiguren spürt man die charakteristischen Merkmale der ägyptischen Kunst – der Wunsch nach frontalem Einsatz dargestellter Szenen, realistische Detailtreue, eine Tendenz Kanons zu entwickeln. Mit dem Aufkommen einer Klassengesellschaft wird die Kunst zu einem mächtigen Mittel der ideologischen Beeinflussung, das in erster Linie darauf abzielt, die Macht des Pharaos zu verherrlichen und die Unantastbarkeit des bestehenden Systems zu behaupten. Es gibt Bilderkanone von Königen, eine Art offizielle Porträts mit Betonung auf übermenschlichen, mächtigen Körpern und herrschsüchtigen, strengen Gesichtern. Monumentale Architektur diente in vielerlei Hinsicht den gleichen Zwecken. Bereits in der Zeit des Alten Reiches erhält jene grandiose Monumentalität, die zum Markenzeichen der ägyptischen Architektur wird, einen deutlichen Ausdruck. Dies sind die riesigen Königsgräber - Pyramiden, deren ursprüngliche Form bankförmige Gräber (Mastabas) waren.

Die älteste Form der Pyramide ist die Stufenpyramide des Djoser in Sakara. Dank der Füllung der leeren Räume zwischen den Vorsprüngen wurde eine klassische Art von monumentaler Pyramide erhalten, die am deutlichsten in den grandiosen Pyramiden zum Ausdruck kommt, die von den Pharaonen der IV. Dynastie - Khufu, Khafre und Menekuar - erbaut wurden. In der Nähe der Pyramiden wurden Totentempel der Pharaonen errichtet. Die Wände dieser Tempel waren mit Reliefs geschmückt, die das Leben und die Taten des vergötterten Königs darstellten. Im Totentempel des Pharaos Sakhur und im Sonnentempel, der in der Nähe von Abusir errichtet wurde, sind die ältesten Säulen erhalten geblieben, die schematisch die Form eines Papyrusstamms oder einer Palme wiedergeben. Die Architektur des Reiches der Mitte ist das Bindeglied zwischen der Architektur des Alten und Neuen Reiches. Das Zentrum des monumentalen Tempels von Mentuhotep (XI. Dynastie) ist eine Pyramide, die auf einer erhöhten Terrasse steht. Die umfangreiche Verwendung von Säulengängen sowie der halbhöhlenartige Charakter des Tempels zeugen von neuen architektonischen Formen, die sich erst während des Neuen Reiches voll entwickelt haben, wie im Tempel der Königin Hatschepsut in Deir el-Bahri zu sehen ist. Die grandiosen Ruinen der Tempel des Neuen Reiches, insbesondere der Zeit der XVIII-XIX-Dynastie, geben eine lebhafte Vorstellung von der Blütezeit der Tempelarchitektur. Einer der größten architektonischen Komplexe dieser Zeit war der große Amun-Tempel in Theben, dessen Ruinen in Karnak ziemlich gut erhalten sind. Die kolossale Säulenhalle dieses unter Sethos I. und Ramses II. erbauten Tempels besteht aus 134 massiven Säulen, die in 16 Reihen angeordnet sind. Die 12 Mittelsäulen der großen Halle sind 21 Meter hoch, die Fläche der Halle beträgt 5000 Quadratmeter. m.

Die charakteristischen Merkmale der ägyptischen Skulptur – Frontalität und fast geometrisierte Statik – treten erstmals in den bildhauerischen Werken der Zeit des Alten Reiches auf. Der Künstler stellte einen Gott, einen vergötterten König oder Adligen dar und versuchte, ein idealisiertes Bild einer schönen und übermächtigen Person in einer Pose feierlicher und ruhiger Majestät zu vermitteln. So sind die ausdrucksstarken Statuen des Pharao Khafre und des Adligen Rahotep. Gleichzeitig zeigen sich im Relief und in der Zeichnung, insbesondere bei den Darstellungen von Dienern, Sklaven und einfachen Menschen im Allgemeinen, ganz deutliche Tendenzen zu Realismus und Bewegung. Ägyptische Meister befreiten sich allmählich von den alten Regeln der Stilisierung und versuchten, den menschlichen Körper in Dynamik darzustellen. Manchmal manifestierten sich diese Versuche sogar in den Bildern von Priestern, Beamten und Adligen. Solche sind die Statuen von Kaaper (dem sogenannten Dorfältesten) oder dem sitzenden Schreiber. Die gleichen Merkmale erscheinen in den Reliefs und Zeichnungen, die die Wände von Gräbern und Tempeln schmücken. Die Handlungen der Reliefs und Zeichnungen zeigen das ganze Leben der Ägypter. Hier sind kämpfende Bauern, Hirten und Fischer, Trauernde nach dem Trauerzug dargestellt. Dies sind die bemerkenswerten Reliefs der Gräber von Sakkara und Gizeh. Der Wunsch nach Realismus, insbesondere in der skulpturalen Porträtmalerei, verstärkt sich im Reich der Mitte. Der Künstler versucht, die inneren Erfahrungen eines Menschen zum Beispiel im kolossalen Kopf von Senuset III oder im Kopf von Mentuhotep zu vermitteln. Der prächtigen Architektur des Neuen Reiches entsprach eine ausgereifte Skulptur, die Beispiele für hochkünstlerischen Realismus und gleichzeitig raffinierte Stilisierung lieferte. Die Illustrationskunst erreichte in dieser Zeit eine hohe Entwicklung, zum Beispiel prächtige Zeichnungen auf Papyri aus der Sammlung religiöser Texte „Das Totenbuch“. Die Kunst der 18. Dynastie kulminierte in der turbulenten Amarna-Ära, als ein mutiger Versuch unternommen wurde, die alten Traditionen zu brechen, nicht nur auf dem Gebiet der Religion, sondern auch in der Kunst. Die Künstler, die in der neuen Hauptstadt Achetaton arbeiteten, versuchten den neuen Trends folgend, den alten Realismus mit einer schärferen Ausdruckskraft zu verbinden. In der Kunst hat sich ein neuer künstlerischer Stil herausgebildet, der auf einer eigentümlichen Darstellung des menschlichen Körpers basiert. Der Künstler betonte die stark individuellen Merkmale einer Person und erreichte das Karikaturische und Groteske, selbst in den Bildern des Pharaos und seiner Familienmitglieder. Auch Elemente der Stilisierung blieben erhalten, deren Entwicklung zwangsläufig zu neuen Formen führte, Kunst entstand auf der Grundlage der bisherigen Entwicklung der ägyptischen Kultur und hatte Einfluss auf deren weitere Entwicklung. Sein Einfluss lässt sich in der glatten Flüssigkeit der Linien der Werke der frühen 19. Dynastie, in den Reliefs des Abydos-Tempels und des Tempels in Medinet-Abu, die von innerer Bewegung durchdrungen sind, in dem elegant stilisierten Relief, das Trauernde darstellt, nachvollziehen im Staatlichen Museum der Bildenden Künste. A. S. Puschkin in Moskau.

Kunst

1. Ägyptische Malerei, ca. 1400 v. Chr e.

   Seit mehr als 3.500 Jahren halten Künstler an den Formen und Kanons fest, die bereits zu Zeiten des Alten Reiches entwickelt wurden, und folgten strengen Prinzipien, die auch in Zeiten ausländischer Einflüsse und interner Veränderungen Bestand hatten. Diese künstlerischen Standards drückten sich in einfachen Linien, Formen und charakteristischen flachen Projektionen von Figuren aus, ohne räumliche Tiefe anzuzeigen, was ein Gefühl von Ordnung und Ausgewogenheit in der Komposition erzeugte. Auf Gräbern und Tempelwänden, Gräbern, Stelen und Statuen waren Bild und Text eng miteinander verwoben. Farben wurden aus Mineralien wie Eisenerz (roter und gelber Ocker), Kupfererz (blau und grün), Ruß oder Holzkohle (schwarz) und Kalkstein (weiß) gewonnen. Sie könnten mit Gummi arabicum für die Viskosität gemischt und in Stücke geschnitten werden, die bei Bedarf mit Wasser benetzt werden könnten.

   Obwohl die Kanons der altägyptischen Kunst seit Tausenden von Jahren erhalten sind, spiegelte der künstlerische Stil einiger Perioden die sich ändernden kulturellen und politischen Einstellungen wider. So wurden in Avaris Fresken im minoischen Stil gefunden, die nach der Invasion der Hyksos und während der Regierungszeit von erschienen Echnaton Es wurde die „Amarna-Kunst“ entwickelt, die sich durch eine realistische Darstellung der sie umgebenden Welt auszeichnet.

   Die Kunst des alten Ägypten wurde von Wissenschaftlern während des Ägyptenfeldzugs Napoleons wiederentdeckt. Als Ergebnis der Expedition wurde eine große Anzahl historischer Denkmäler gesammelt und nach Europa gebracht.

   Die Architektur[Bearbeiten | Quelle bearbeiten]

   Hauptartikel:Architektur des alten Ägypten , siehe auch:Pyramiden von Ägypten, Liste der ägyptischen Pyramiden

   Die Architektur des alten Ägypten ist bekannt für den Bau der Gräber - die Pyramiden von Gizeh, Tempel- und Palastkomplexe - der Luxor-Tempel, die Paläste von Amarna: 281.

   Die Außen- und Innenwände der Gebäude sowie die Säulen waren mit Hieroglyphen und Fresken bedeckt und in leuchtenden Farben bemalt. Die Motive vieler ägyptischer Ornamente, wie Bilder des Skarabäus oder heiligen Käfers, der Sonnenscheibe und des Gerfalken, sind symbolisch. Andere häufige Motive sind Palmblätter, die Papyruspflanze sowie Lotusknospen und -blumen. Hieroglyphen wurden zu dekorativen Zwecken sowie zur Aufzeichnung historischer Ereignisse oder Zaubersprüche angebracht. Die Anordnung vieler religiöser Gebäude korrelierte mit den Phänomenen der Sonnenwende und des Äquinoktiums.

   

2. Pyramiden von Gizeh

   Die ägyptischen Pyramiden sind die größten Baudenkmäler des alten Ägypten, unter denen eines der „sieben Weltwunder“ die Cheops-Pyramide ist. Pyramiden sind riesige pyramidenförmige Steinstrukturen. Einige von ihnen wurden als Gräber für die Pharaonen des alten Ägypten verwendet. Das Wort „Pyramide“ ist griechisch. Einigen Forschern zufolge wurde ein großer Weizenhaufen zum Prototyp der Pyramide. Nach Ansicht anderer Wissenschaftler stammt dieses Wort vom Namen des Bestattungskuchens in Pyramidenform. Insgesamt wurden in Ägypten 118 Pyramiden entdeckt. Nach der allgemein akzeptierten Version wurde die erste ägyptische Pyramide im Auftrag des Pharaos der 3. Dynastie Djoser gebaut - die Stufenpyramide in Sakkara, deren Erbauer nach altägyptischer Tradition der höchste Würdenträger (Chati) ist. von Djoser Imhotep. Laut Ägyptologen ist diese Pyramide die Entwicklung von Mastaba - dem traditionellen Grab des Adels im alten Ägypten während der Zeit des frühen und alten Reiches. Die berühmtesten Pyramiden sind die Großen Pyramiden auf dem Gizeh-Plateau (die Pyramiden von Cheops, Chephren und Mykerin).

Kunst des Alten Reiches. Realistische Merkmale in der Porträtkunst.

http://dic.academic.ru/dic.nsf/enc_pictures/3971/%D0%94%D1%80%D0%B5%D0%B2%D0%BD%D0%B5%D0%B3%D0%BE '

In den Bestattungen der Ära des Alten Reiches gab es keine Bilder von Göttern, Sonne und Mond. Die den Wänden eingeprägte Welt war kein Spiegelbild der irdischen Existenz; Es war eine künstlich geschaffene Umgebung, die alle Bedürfnisse des Besitzers des Grabes erfüllte. Reliefs und Gemälde sind in Streifen unterteilt und werden wie Text „gelesen“; sie vermitteln das tägliche Leben der Ägypter so genau und detailliert, dass sie als verlässliche Quelle für dessen Studium dienen. Im Vergleich zur Realität wurden jedoch gewisse Änderungen am Bild der nach dem Tod stattfindenden „Zwillingswelt“ vorgenommen. Es gab keine Szenen des öffentlichen Dienstes, was auf eine untergeordnete Position hindeutet. Wandmalereien zeichnen sich durch Ebenheit und Helligkeit der Farben aus. Ägyptische Meister arbeiteten mit Leimfarben, meist ohne sie zu mischen; Halbtöne tauchten erst in der Spätzeit auf. Die Ausdruckskraft der Malerei basierte auf der Klarheit von Silhouetten, deren Konturen mit leuchtenden Farben gefüllt waren. Die Person wurde nicht wie gesehen dargestellt, sondern so, dass ein möglichst vollständiges Bild von ihr entsteht: Die Schultern, der Oberkörper und das Auge des Gesichts einer Person wurden von vorne, das Gesicht und die Beine - im Profil - dargestellt. ‘

Kunst des Reiches der Mitte.

Zu den berühmtesten Werken dieser Zeit gehören Bilder von Fischer- und Jagdszenen im Nildickicht (das Grab des Nomarchen Khnumhotep, Ende des 20. Jahrhunderts v. Chr.). Fische werden mit einem Speer gefangen, Vögel mit einem Bumerang und einem Netz gejagt. Eine Wildkatze versteckt sich auf einem Stengel aus blühendem Papyrus, der unter seinem Gewicht durchhängt, ein eleganter Schwarm bunter Vögel versteckt sich im durchbrochenen Laub von Akazien, darunter ein hübscher Wiedehopf, orange, mit schwarz-weißen Flügeln. In den Gräbern wurden viele Holzfiguren gefunden, die manchmal ganze Gruppen bildeten - Diener, Pflüger, Wäscherinnen, Hirten, Krieger, Schiffer. Wie Kinderspielzeug sind sie naiv und attraktiv. Ab der Mitte der Ära des Reiches der Mitte wurden in Tempeln Statuen von Pharaonen errichtet, die für die Öffentlichkeit bestimmt waren. Dies erforderte mehr Aufmerksamkeit für die Rekonstruktion charakteristischer Porträtmerkmale, einschließlich altersbedingter Veränderungen. Auf den Bildern von Senusret III und Amsnemkhet III (19. Jahrhundert v. Chr.) Verleihen scharfe, große Gesichtszüge und Falten auf den Wangen ihnen einen strengen, fast traurigen Ausdruck. Unter Senusret III blühte die Kunst des Hofschmucks auf. Seine großartigen Beispiele wurden in der Beerdigung der Tochter des Pharaos, Sithator, gefunden. In einem rechteckigen Schmuckkästchen aus Ebenholz, eingelegt mit Elfenbein und rosafarbenem Karneol, befanden sich ein goldverzierter Bronzespiegel, Weihrauchgefäße aus Obsidian und Gold und eine silberne Untertasse. Der Kopfschmuck der Prinzessin in Form eines goldenen Reifens mit dem Bild einer heiligen Kobra (Uräus), ihr Gürtel aus goldenen Muscheln ist nur ein kleiner Teil des in dieser Zeit geschaffenen Schmucks. Brustmuskeln gehören zu den exquisitesten. Sie enthalten oft Bilder eines Skarabäuskäfers (ein Symbol der Sonne und der Auferstehung von den Toten) und verschiedener Gottheiten. Der aus Goldblech geschnitzte und mit Türkis, Lapislazuli und Karneol verzierte Brustpanzer von Senusret III ist das harmonischste unter vielen ähnlichen Kunstwerken des alten Ägypten, die bis heute erhalten sind.\

Synthese der Künste im alten Ägypten.

Das wahre Gesamtkunstwerk ist die höchste Form der künstlerischen Entfaltung, da es nicht nur die ästhetische Vollendung seiner einzelnen Bestandteile (Werke einer bestimmten Kunstgattung) impliziert, sondern auch die ästhetische Qualität, die durch das künstlerische Zusammenspiel entsteht dieser Werke.

Das Gesamtkunstwerk ermöglicht auf der Grundlage einer Kombination spezifischer Ausdrucksmittel und figurativer Möglichkeiten verschiedener Kunstgattungen eine möglichst vollständige Verkörperung und Offenlegung des ideologischen und künstlerischen Inhalts des Ensembles und seines Wirkens auf eine Person . Daher ist die Grundlage echter S.I. Es gab und gibt immer die Integrität des ideologischen Entwurfs. S. ich. kann ein Ensemble sein, das organisch Bestandteile (Architektur, Skulptur, Malerei) enthält, die in verschiedenen Epochen entstanden sind und keine einheitlichen stilistischen Qualitäten besitzen.

Die Entwicklung der Monumentalplastik im alten Ägypten.

Skulptur des alten Ägypten- eines der ursprünglichsten und streng kanonisch entwickelten Kunstgebiete des Alten Ägypten. Die Skulptur wurde geschaffen und entwickelt, um die altägyptischen Götter, Pharaonen, Könige und Königinnen in physischer Form darzustellen. Es gab auch viele Ka-Bilder in den Gräbern gewöhnlicher Ägypter, meist aus Holz, von denen einige überlebt haben. Statuen von Göttern und Pharaonen wurden in der Regel auf öffentlichen Plätzen und außerhalb von Tempeln ausgestellt. Die Große Sphinx von Gizeh wurde nirgendwo sonst in voller Größe wiederholt, aber die Gassen mit verkleinerten Kopien der Sphinx und anderer Tiere sind zu einem unverzichtbaren Merkmal vieler Tempelanlagen geworden. Das heiligste Bild Gottes befand sich im Tempel, im Altarteil in der Regel in einem Boot oder einer Bark, die normalerweise aus Edelmetallen bestanden, jedoch ist kein einziges solches Bild erhalten geblieben. Eine große Anzahl geschnitzter Figuren ist erhalten geblieben - von Götterfiguren bis hin zu Spielzeug und Geschirr. Solche Figuren wurden nicht nur aus Holz, sondern auch aus Alabaster, einem teureren Material, hergestellt. Holzbilder von Sklaven, Tieren und Eigentum wurden in Gräbern platziert, um die Toten im Jenseits zu begleiten.

Statuen behalten in der Regel die ursprüngliche Form eines Steinblocks oder eines Holzstücks, aus dem sie geschnitzt sind. Bei traditionellen Statuen sitzender Schriftgelehrter finden sich ebenso häufig Ähnlichkeiten mit der Form einer Pyramide (kubische Statue).

Für die Erstellung altägyptischer Skulpturen gab es einen sehr strengen Kanon: Die Körperfarbe eines Mannes musste dunkler sein als die Körperfarbe einer Frau, die Hände einer sitzenden Person mussten ausschließlich auf den Knien liegen. Für die Darstellung der ägyptischen Götter gab es bestimmte Regeln: So hätte beispielsweise der Gott Horus mit einem Falkenkopf dargestellt werden sollen, der Totengott Anubis mit einem Schakalkopf. Alle Skulpturen wurden nach diesem Kanon geschaffen und das Folgende war so streng, dass es sich seit fast dreitausend Jahren des Bestehens des alten Ägypten nicht geändert hat.

Kunst des Neuen Reiches. Der Maßstab des Monumentalbaus.

OK. 1700 v. Chr e. Ägypten überlebte die Invasion asiatischer Stämme - der Hyksos (ägyptische Fremdherrscher). Die Zeit ihrer 150-jährigen Herrschaft war eine Zeit des Niedergangs. Die Vertreibung der Hyksos aus dem Land am Anfang. 16. Jahrhundert BC e. markierte den Beginn der Ära des Neuen Reiches, in der Ägypten eine beispiellose Macht erlangte. Die Architektur dieser Zeit ist geprägt von grandiosem Umfang, luxuriöser Dekoration und imperialer Pracht. Im 16. Jahrhundert BC e. entwickelt, der später zu einem klassischen Bodentempeltyp wurde ( Karnak und Luxor in Theben). Der der Göttin Hathor geweihte Felsentempel der Königin Hatschepsut in Deir el-Bahri (Anfang 15. Jahrhundert v. Chr., Architekt Senmut) wurde am Fuß steiler Klippen errichtet. Es besteht aus drei durch Rampen verbundenen Terrassen, in deren Inneren sich in die Dicke des Felsens gehauene Hallen befinden. Strenge, geometrisch korrekte Linien von Gesimsen und Säulen mit Kapitellen in Form des Kopfes von Hathor werden von den gewundenen Linien von Felsvorsprüngen beschattet. Während der Regierungszeit von Ramses II. wurde eine grandiose Tempelanlage errichtet Abu Simbele(erste Hälfte des 13. Jahrhunderts v. Chr.).

Bildhauerei und Malerei zeichnen sich durch Raffinesse und Liebe zum Detail aus. Silhouetten in Reliefs und Statuen werden feiner und glatter. Es gibt Versuche, schnelle Bewegungen zu vermitteln - rasende Streitwagen, laufende Tiere (Relief mit Darstellung der Feldzüge von Pharao Sethos I., 13. Jahrhundert v. Chr.), Starke Gefühle (Relief mit Trauernden, spätes 14. - frühes 13. Jahrhundert v. Chr.); Figuren verdecken sich manchmal gegenseitig. Bilder der anderen Welt und Götter erscheinen in den Wandmalereien, Fest- und Jagdszenen werden zu bevorzugten Motiven (die Gräber der Adligen von Nacht, 15. Jahrhundert v. Chr., und Sennedzhem, 13. Jahrhundert v. Chr.; beide in Theben). Durch die transparente Kleidung der Frauen scheint der Körper durch. Nackte Diener werden im Gegensatz zum Kanon von vorne oder im Profil von hinten dargestellt; Posen zeichnen sich durch natürliche Leichtigkeit aus. Papyrusrollen mit Texten (" Buch der Toten" usw.) begann, farbige Zeichnungen zu zeichnen. Das Kunsthandwerk erreichte eine besondere Blüte. Die goldene Maske, der Thron, die Gefäße, Schatullen und andere Utensilien aus dem Grab des Pharaos Tutanchamun (14. Jahrhundert v. Chr.) sind mit feinem Geschmack und Eleganz gefertigt. Infolge der Reform des Pharaos Echnaton wurde ein einziger Kult des Gottes der Sonnenscheibe Aten etabliert (Relief „Anbetung des Aten“, 14. Jh. v. Chr.). Eine neue Hauptstadt, Achetaton ("Horizont des Aten"), wurde errichtet. Die Kunst dieser Zeit zeichnet sich durch Lebendigkeit und Freiheit aus, eine besondere Lyrik. Starre Kanons wurden weicher: Der König erschien zum ersten Mal im Kreis seiner Familie, umarmte seine Frau und streichelte seine Töchter (das Relief des Hausaltars zeigt die Familie Echnatons, die erste Hälfte des 14. Jahrhunderts v. Chr.). Wahre Meisterwerke sind die Porträtbüsten von Königin Nofretete und Echnaton (um 1340 v. Chr., Bildhauer Thutmes). Im Jahr 332 v. e. Ägypten wurde von Alexander dem Großen erobert, der die Stadt Alexandria im Nildelta gründete. Im Rahmen der Kultur HellenismusÄgyptische Traditionen waren eng mit griechisch-römischen verflochten. Die interessantesten Denkmäler der Spätzeit sind Grabsteine. Fayum-Porträts, die die Entstehung der römischen und später der ostchristlichen Kunst beeinflusste.

Die Kunst der Zeit Achetatons.

Die errichtete Stadt mit Tempeln, Gärten, Palästen, reichen Adelsvierteln, Parks und Teichen wurde zum „Land des Gottes Aton“ erklärt. In dieser Stadt wurde sogar der Typ des altägyptischen Tempels völlig anders. Alle ehemaligen Tempel führten vom Licht in die Dunkelheit der Kultkapelle, die nur von Lampen an den Altären erleuchtet wurde. Der düstere Zustand der Seele wurde von der Natur der alten Götter verlangt, die für eine beängstigende Ehrfurcht bestimmt war.

Einen ganz anderen Charakter hatte der Kult des Gottes Aton. Der rituelle Hauptritus wurde vom Aufgang der Sonne begleitet, bei dem die Ufer des Nils zum Leben erwachten, blaue und weiße Lotusblüten blühten, Vogelschwärme aus dem Papyrusdickicht aufstiegen und mit ihren Schreien die erwachende Welt ankündigten. In diesem Moment brachten die Einwohner von Achetaton im Tempel, der ein riesiger, zur Sonne offener Hof war, ihre Geschenke zur Sonne: Blumen, Gemüse und Früchte. Der Tempel war festlich mit Pylonen, Pharaonenstatuen und Gemälden geschmückt. Echnaton stand auf der oberen Plattform des Hauptaltars und schwenkte ein Räuchergefäß mit Weihrauch, und die Musiker, die auf Harfen und Lauten, Höflinge, Priester und alle Anbeter begleiteten, sangen die Worte der Hymne:

Schön ist dein Aufgang am Horizont, o lebendiger Aton, Urheber des Lebens. Die Menschen stehen auf, waschen ihre Körper, heben die Hände und freuen sich über die Geburt eines neuen Tages!... Sie geben fernen Ländern Leben und befruchten ihr Land mit Regen. Wie zahlreich und schön sind deine Schöpfungen: Menschen, Tiere, Blumen, Kräuter – alles, was auf der Erde, im Wasser und in der Luft ist!

Die neuen Ideen des Pharao-Reformers tauchten auch in Poesie und Malerei, Architektur, Skulptur und sogar im Alltag auf. Echnaton führte keinen Krieg, daher wird er nirgends als Eroberer von Land oder als Bestrafer von Feinden dargestellt. Reliefs, malerische und skulpturale Porträts stellen ihn daher als einen in philosophische Reflexionen versunkenen Mann mit einer reichen inneren Welt dar: In den Bildern des Pharaos etwas Kontemplation, ein gesteigertes, fast sinnliches Gefühl der Fülle des Seins mit all seinen Freuden und Sorgen, wird vermutet.

Echnaton starb früh, als er noch keine 35 Jahre alt war, und hinterließ weder Söhne noch würdige Gefährten. Einige Forscher vermuten sogar, dass er vergiftet wurde, da eines der Gemälde einen Versuch auf sein Leben darstellt.

Die neuen Pharaonen taten alles, um die Erinnerung an ihren Vorgänger und seinen neuen Gott aus der Geschichte zu löschen. Sie löschten, trampelten und zerstörten alles, was von Echnaton geschaffen wurde. Besonders bemüht war der Heerführer Heremheb, der angeblich nach dem „Willen des Gottes Amun“ auf dem ägyptischen Thron regierte. Da er keine gesetzlichen Rechte auf den Thron hatte, verfolgte er die Erinnerung an Pharao Echnaton mit besonderem Eifer. Auf Befehl von Heremheb begann die Zerstörung von Achetaton, das zu diesem Zeitpunkt bereits vollständig verlassen war. Die schöne Stadt wurde mit Hass zertrümmert: Prächtige Tempel und Paläste, Statuen und Reliefs wurden zertrümmert und zerstört. Dann wurden die Ruinen von Achetaton allmählich mit Sand bedeckt, und die Wüste bedeckte sie mehrere Jahrtausende lang. An der Stelle, wo sie einst glänzten

Böschungen waren weiß, bis 1880 erstreckte sich ein schmaler Ackerstreifen im Reich der Sonne und der Stille, und drei kleine Dörfer schmiegten sich in den Schatten dichter Palmenhaine.

Ein typisches reiches Haus in Achetaton ist normalerweise ein ganzes Anwesen, das eine Fläche von 68 x 55 Metern einnimmt. In der Mitte befand sich ein Wohnhaus, um das sich ein Garten, eine Kapelle und andere Gebäude befanden. Das ganze Anwesen war von einer Mauer mit zwei Eingängen umgeben: Vom Haupteingang führte der Weg zu einem kleinen Hof, von wo aus sie über mehrere Stufen in den überdachten Eingang des Hauses gelangten. An den Eingang grenzte ein kleines Zimmer, durch das man in einen großen länglichen Raum mit 4 runden Säulen gelangte: Es war eine Art Empfang für Gäste und gleichzeitig ein Raum, in dem sich die Besitzer ausruhten.

Die Priester des Sonnengottes Aten befanden sich in einem weitläufigen Gebiet mit luxuriösen Portalen und Straßen für Prozessionen, mit säulengeschmückten Kapellen, mit Skulpturen und Reliefs. Nach Echnatons Plan wurden alle Räume teilweise in Form des Nilufers gestaltet: Dünne Säulen erinnerten an Papyrusstiele, Blumen und Lotusknospen sowie im Dickicht flatternde Vögel wiederholten sich in den Wand- und Bodenmalereien. Diese Motive sind in der ägyptischen Kunst schon früher begegnet, aber nie zuvor hatten sie einen solchen Reichtum an Plots und Farben, eine solche Freiheit und Anmut der Ausführung, eine solche Leidenschaft für die Schönheit von Linien und Farben ...

Dieselbe Natürlichkeit, die die kanonisierte Stilisierung von Haltungen und Gesten ablöste, manifestierte sich auch in der Darstellung von Menschen. So wird Echnaton beispielsweise oft im Familienkreis dargestellt – mit seiner Frau Nofretete und Töchtern. Unter den in el-Amarna gefundenen Denkmälern gibt es nur wenige, in denen der Pharao ohne Nofretete dargestellt ist. Bei der Gründung der neuen Hauptstadt Achetaton versprach Pharao Echnaton der Königin, darin zu Ehren der Sonne einen eigenen Platz zu errichten – den „Baldachin von Re“. Nofretete hatte ihr eigenes großes und prächtiges Schiff, das am Pier des Palastes neben dem Boot des Pharaos schaukelte. Leider sind heute nur noch Ruinen von Nofretetes Palast übrig, aber es ist bekannt, dass am nordöstlichen Ende des Gartens ein langes Gebäude stand, das sich entlang der Nordmauer des Palastes erstreckte. In dieser Halle standen die Säulen, die die Decke stützten, in einer einzigen Reihe, jede auf einer winzigen Insel zwischen unterbrochenen Becken. Diese Behälter wurden in Form von riesigen Buchstaben "T" hergestellt: In der oberen Reihe wurden sie mit einem vertikalen Ende nach unten und unten nach oben gedreht. Reihe für Reihe mit ihren durchsichtigen Enden verkeilt, bildeten die Buchstaben „T“ ein strenges Muster. Das Geländer und der Boden rund um die Reservoirs sowie die schrägen Wände des Geländers wurden vollständig mit floralen Ornamenten und Blumenbildern bemalt. So war dieses „prächtige Anwesen der Sonne“, geschmückt mit kleinen Tempeln, voller Wasseraktivitäten und eingebettet in Grün und Blumen. Nach Nofretete gingen diese Besitztümer an ihre Tochter Miyot über.

Kunst der zwei Flüsse. Allgemeine Eigenschaften. Hauptwerke.

Die Kunst Mesopotamiens am Ende des 4. - 3. Jahrtausends v (Staaten Sumer und Akkad)

Sumerisches Kulturstammmosaik

In der zweiten Hälfte des 4. Jahrtausends v. In den fruchtbaren Ebenen Südmesopotamiens entstanden die ersten Stadtstaaten. Die wichtigsten unter ihnen waren die Städte Sumer. In ihnen wuchsen die ersten Denkmäler der Monumentalarchitektur, die mit ihnen verbundenen Kunstformen blühten auf - Skulptur, Relief, Mosaik, verschiedene Arten von dekorativem Kunsthandwerk. Die kulturelle Kommunikation zwischen verschiedenen Stämmen wurde durch die Erfindung der Schrift durch die Sumerer, zuerst bildhaft und dann keilschriftlich, aktiv gefördert. Sie schrieben mit spitzen Stöcken auf feuchte Tontafeln, die dann mit Feuer verbrannt wurden.

Jede Stadt ehrte ihre Götter. Jede der Gottheiten war einem eigenen Tempel gewidmet, der zum Zentrum des Stadtstaates wurde. Die ersten mächtigen Gebäude von Sumer am Ende von 4000 v. in Uruk gab es den sogenannten „Weißen Tempel“ und das „Rote Gebäude“. Rechteckig im Grundriss, ohne Fenster, mit Wänden, die im Weißen Tempel durch vertikale schmale Nischen und im Roten Gebäude durch mächtige Halbsäulen zergliedert waren, einfach in ihren kubischen Volumen, ragten diese Strukturen deutlich auf der Spitze eines künstlichen Berges auf. Sie hatten einen offenen Hof, ein Heiligtum, in dessen Tiefen eine Statue einer verehrten Gottheit aufgestellt wurde. Der Weiße Tempel erhielt seinen Namen von der Weißtünche der Wände. Das rote Gebäude war mit einer Vielzahl geometrischer Ornamente aus kegelförmigen Zigatti-Nelken aus gebackenem Ton geschmückt, deren Hüte in Rot, Weiß und Schwarz bemalt waren. Aus der Ferne nahm dieses verschmolzene Ornament einen einzigen weichen rötlichen Farbton an.

Eine besondere Rolle spielten Mosaike mit eingelegten Edelsteinen, Perlmutt und Muscheln, die häufig zur Dekoration von Wänden, Säulen und Statuen verwendet wurden. Auch die Dekoration von Säulen mit Kupferblech, die Einbeziehung von Reliefkompositionen, kam zum Einsatz. Der Mitte des 3. Jahrtausends v. Chr. nahe der Stadt Ur errichtete Tempel der Göttin – der „Mutter aller Götter“ und „Göttin der bewaldeten Berge“ Ninhursag ist von einer Reihe solcher Neuerungen geprägt. Über dem rechteckigen Eingang zum Tempel befand sich ein Baldachin, der auf dünnen Holzsäulen ruhte, mit Kupfer gepolstert und mit Intarsien aus Perlmutt, Edelsteinen und Asphalt verziert war. Die Wände des Tempels waren neben vertikalen Nischen auch horizontal durch Bänder aus Mosaikfriesen unterteilt. Das Gesims des Tempels war mit einem Muster aus keramischen Nelken verziert, deren Hüte in Form von Blumen mit roten und weißen Blütenblättern hergestellt wurden. Der obere Fries enthielt auch Mosaikbilder von weißen Tauben auf einem Schieferhintergrund, der untere Fries bestand aus Kupferfiguren von Grundeln. Der Eingang wurde von zwei Holzfiguren von Wächterlöwen eingerahmt. Sie waren mit Kupferplatten bedeckt, und die Augen und Zungen waren mit farbigen Steinen eingelegt. Über der Eingangstür befindet sich eine rechteckige Kupferplatte, die die Relieffiguren des löwenköpfigen Adlers Imdugud darstellt, der mit seinen Tatzen zwei Hirsche festhält – eine Art Symbol der Macht der Gottheit über alle Bewohner der bewaldeten Berge und Täler. Einem Berggipfel gleich, erhob er sich auf einer Plattform und einer Terrasse, deren untere flächenmäßig 32 x 25 Meter misst.

Im 3. Jahrtausend v. Zikkurate entstanden in Sumer. Sie bestanden aus kleinen trapezförmigen riesigen Plattformen, die nach oben hin abfielen. Die obere Plattform wurde mit einem kleinen Heiligtum gekrönt. Aus der Antike sind uns nur wenige alte Türme in Trümmern überliefert. Die am besten erhaltenen Zikkurate von Elam (in Choga Sambil) und Borsippa (in der Nähe von Babylon). Jetzt wurde eine der ältesten Zikkuraten in Ur Ende des 3. Jahrtausends v. Chr. Teilrestauriert. Jetzt ist nur noch eine seiner unteren Terrassen sichtbar. Die Fläche eines riesigen abgeschnittenen Trapezes beträgt 65 x 43 Meter und die Höhe der Basis des Turms 20 Meter. Anfangs erreichte die Zikkurat, die aus drei Pyramidenstümpfen bestand, die wie übereinander gelegt nach oben abfielen, eine Höhe von 60 Metern. Drei steile, gerade Treppen flankierten die Fassade und liefen am Rand der Spitze der ersten Plattform zusammen, wodurch die Struktur der gesamten hoch aufragenden Struktur deutlich sichtbar wurde.

Narratives Relief entstand sehr früh in der Kunst Mesopotamiens. Themen der Reliefs der zweiten Hälfte des 4. bis frühen 3. Jahrtausends v Erwecken Sie vor uns den Kreis der Hauptanliegen der alten Bewohner des Tals von Tigris und Euphrat, die mit der Ernte verbunden sind. Dies sind meist Rituale zur Verehrung der Fruchtbarkeitsgöttin Inanna. Die Prozession von Spendern, die mit Geschenken an die Göttin Inanna gehen, ist in den Reliefs dargestellt, die die Oberfläche eines monumentalen Alabastergefäßes aus Uruk, Anfang 3000 v. Chr., füllen. Die Form eines hohen rituellen Steinkelchs, der dem Kult dieser Göttin gewidmet ist, ist in mehrere Gürtel unterteilt. Im unteren Fries sind Motive einer ländlichen Flusslandschaft und am Wasser wachsende Bäume angedeutet. Das nächste zeigt eine Reihe von Widdern, die sich gemessen am Flussufer entlang bewegen. Oben ist eine gleichmäßig gemessene Prozession von Menschen, die Speisen und Obst tragen. Der obere ist der Zeremonie gewidmet, bei der die Göttin verehrt und ihr Geschenke dargebracht werden.

Die skulpturalen Figuren von „Beschützern“, die in den Tempeln Nord- und Südmesopotamiens aufgestellt wurden, zeigen dies in der ersten Hälfte des 3. Jahrtausends v. In der Skulptur von Sumer gab es eine signifikante figurative Aufteilung. Steinklein (nur 34-40 Zentimeter hoch) und manchmal eineinhalb Meter, Statuen aus Alabaster, Kalkstein, Sandstein, Basalt hatten längliche Proportionen, längliche Gesichter. Die Figuren Südmesopotamiens waren großköpfig und gedrungen. Gleichzeitig scheinen beide miteinander verwandt zu sein. Alles in ihnen: die Haltung, die zum Himmel erhobenen Augen, die vor der Brust gefalteten Handflächen zielen darauf ab, den inneren Zustand der Erleuchtung zu enthüllen. Dies sind die Basaltfigur des Leiters der Getreidespeicher der Stadt Uruk Kurlil, die Alabasterstatue des Würdenträgers Ebih-Il (aus der Stadt Mari) und die Steinstatue des Gottes Ab-U aus der Stadt Eshnun.

Zahlreiche Statuen des Herrschers der Stadt Lagash Gudea (22. Jh. v. Chr.) zeichnen sich trotz ihrer relativ geringen Größe (etwa 1,5 Meter) durch echte Monumentalität aus. Die Statuen vermittelten sowohl die Altersspuren des Herrschers als auch die charakteristischen Züge seines Gesichts. In einem Steinblock gelang es den Handwerkern, die lebendige Plastizität des menschlichen Körpers zu offenbaren, die Anspannung der Muskeln zu spüren.

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Architektur und Kunst.

Der Reichtum der herrschenden Klasse spiegelte sich in der mächtigen und weit verbreiteten Bautätigkeit der Könige wider. Ein intensiver Bau, der das Land mit Tempeln und Palästen bedeckte, war durch die Anwesenheit zahlreicher Sklavenkriegsgefangener sowie den Einsatz der Arbeitskraft der freien Bevölkerung möglich. In Mesopotamien gab es jedoch im Gegensatz zu Ägypten aufgrund der örtlichen natürlichen Bedingungen keine Steinkonstruktion, und alle Gebäude wurden aus rohen Ziegeln gebaut.

Anders als in Ägypten entwickelte sich hier kein Begräbniskult in diesem Ausmaß und es wurde nichts wie die Steinmassen der Pyramiden oder die Grabbauten des ägyptischen Adels gebaut. Aber mit riesigen Mitteln errichteten die Architekten von Sumer und Akkad grandiose abgestufte Tempeltürme (Zikkuraten). In der Architektur Mesopotamiens sind seit der Antike Säulen zu finden, die jedoch keine große Rolle spielten, ebenso wie Gewölbe. Ziemlich früh taucht die Technik der Trennwände durch Leisten und Nischen sowie die Verzierung der Wände mit Friesen in Mosaiktechnik auf.

Sumerische Bildhauer schufen Statuen von Göttern und Vertretern des Adels sowie Reliefs (z. B. die „Drachenstele“). Wenn es den sumerischen Künstlern jedoch auch in der Zeit der Jemdet-Nasr-Kultur gelungen ist, das Bild einer Person zu vermitteln, dominiert während der Existenz der frühen Stadtstaaten eine grobe Schematisierung - eine Person wird entweder unnatürlich dargestellt gedrungen, oder in unnatürlich gestreckten Proportionen, mit übertriebenen Augen, Nase etc. Auch in der Steinmetzkunst ist das Bild geometrischen Mustern unterworfen. Die Bildhauer der akkadischen Dynastie übertrafen die frühen sumerischen Bildhauer bei weitem, indem sie insbesondere Lebewesen in Bewegung darstellen konnten. Die Reliefs aus der Zeit Sargons und besonders aus der Zeit seines Enkels Naramsin verblüffen durch ihr künstlerisches Können. Eines der bemerkenswertesten künstlerischen Denkmäler ist die Naramsin-Stele, die dem Sieg über die Bergstämme gewidmet ist. Das Relief zeigt das Drama der Schlacht in dem bergigen Gelände, in dem diese Schlacht stattfand.

Auch die angewandte Kunst von Akkad stand auf großer Höhe. Besonders hervorzuheben sind die kunstvoll ausgeführten Abbildungen von Handlungen aus Mythen und Epen, die auf Rollsiegeln aus farbigem Stein gemeißelt sind. Offensichtlich haben die Künstler dieser Zeit den Bezug zur Volkskunst Mesopotamiens nicht verloren.

Die Kunst von Lagash aus der Zeit von Gudea (wie zum Beispiel in den Porträtstatuen von Gudea selbst aus hartem Stein - Diorit) und der Zeit der III. Dynastie von Ur, verwendete zweifellos die besten Beispiele der akkadischen Kunst. Seit der III. Dynastie von Ur haben sich jedoch tote, kanonische Bildschemata in der Kunst etabliert, monotone religiöse Handlungen haben sich durchgesetzt.

Die Völker Mesopotamiens haben eine Reihe von Instrumenten geschaffen - eine Pfeife, eine Flöte, ein Tamburin, eine Harfe usw. Nach den uns überlieferten Denkmälern wurden diese Instrumente im Tempelkult verwendet. Sie wurden von besonderen Priestern gespielt, die auch als Sänger auftraten.

Kretisch-mykenische Kunst. Allgemeine Eigenschaften. Hauptwerke.

konventioneller Name für die Kunst des antiken Griechenlands der Bronzezeit (ca. 2800-1100 v. Chr.); der breitere Name ist Ägäische Kunst.

(Quelle: „Popular Art Encyclopedia.“ Herausgegeben von Polevoy V.M.; M.: Verlag „Soviet Encyclopedia“, 1986.)

Kretisch-mykenische Kunst

(Ägäische Kunst), Kunst, die sich auf den Inseln der Ägäis und im südlichen Teil der Balkanhalbinsel entwickelte (3. - 2. Jahrtausend v. Chr.). Kunst über. Kreta und die Inseln des Kykladen-Archipels - Paros, Naxos, Syros, Thera (3. - Mitte des 2. Jahrtausends v. Chr.) Werden normalerweise minoisch nach dem mythischen König Minos, dem Sohn des Gottes Zeus und der Prinzessin Europas, genannt . Die Kultur, die sich auf der Balkanhalbinsel (1600–1100 v. Chr.) entwickelte, wo die griechischsprachigen Stämme der Achäer lebten und wo das „goldreiche Mykene“, die Stadt des sagenumwobenen Königs Agamemnon, die beherrschende Stellung einnahm, wird genannt Mykenisch.

Labyrinth Säulen, die sich nach unten verjüngen, was sie mit Stalaktiten verglich, die an den Gewölben von Höhlen hängen. Später wurden auch in Phaistos und anderen Orten auf Kreta Ruinen von Palästen und kleineren Komplexen (den sogenannten Villen) gefunden. Alle Paläste hatten spektakuläre Veranstaltungsorte - mit Platten gepflasterte Höfe, eingerahmt von Steintreppen. Hier fanden heilige Spiele mit einem Stier statt, die gefährlicher waren als der spanische Stierkampf, da die jungen Männer und Mädchen, die daran teilnahmen, unbewaffnet waren (das Fresko „Spielen mit dem Stier“, 17.-16. Jahrhundert v. Chr.). Der Stier galt als heiliges Tier der Großen Göttin, in deren Bild die Kreter die Natur verehrten. Bilder von heiligen Hörnern und zweischneidigen Äxten Labris, mit deren Hilfe Opfer gebracht wurden - eines der Lieblingsmotive der minoischen Meister. Die Kunst der Kreter scheint jedoch das Böse und den Tod „nicht zu kennen“: in Vasenmalerei Labris "Spross" mit Lilienblättern; Rhytons (geformte Gefäße) in Form eines Stierkopfes, auf dessen Stirn an der Stelle, an der die Axt durchbohrt wird, eine Blume blüht, verblüffen mit Perfektion. Fresko Friese mit Landschaften und Festszenen umgeben die Räume. Die Silhouetten von Figuren und Gegenständen sind mit flexiblen, „laufenden“ Linien umrissen („Der Safransammler“, 17. Jh. v. Chr.). Charmant charmantes sogenanntes. "Pariser" (15. Jh. v. Chr.), Bildnis eines der Mädchen in der Szene des Festes im Olivenhain. Die kretischen Meister waren mit den ägyptischen Kanons der Darstellung der menschlichen Figur („König-Priester“, 15. Jahrhundert v. Chr.) vertraut, aber im Allgemeinen war die minoische Kunst nicht an strenge Regeln gebunden: Sie verkörperte eine begeisterte Bewunderung für die Natur, mit dem der Mensch organisch verschmolzen ist. Die Bilder der Natur wurden auch in den plastischen, elastischen Formen und Bemalungen kretischer Gefäße verkörpert (siehe Art. Vasenmalerei). Auf Kreta wurden keine großen Statuen entdeckt; Die Skulptur wird durch kleine Keramikfiguren von Göttinnen (oder Priesterinnen) mit Schlangen in ihren Händen, mit Wespentaille, in bauschigen Röcken mit Rüschen und Corsagen dargestellt, die ihre prächtigen Brüste enthüllen.
Stierspiele. Fresko im Palast von Knossos. 17.–16. Jahrhundert BC e. Die Insel Kreta "Boxende Jungs". Fresko. 15. Jh. BC e. Nationales Archäologisches Museum. Athen. Löwentor bei Mykene. 14. Jh. BC e. Der Niedergang der minoischen Kultur ist etwa mit einem Vulkanausbruch verbunden. Fera (jetzt Santorini), das c auftrat. ser. 2. Jahrtausend v e., der Erdbeben und eine Tsunamiwelle verursachte, die Kreta traf. Die Achäer nutzten die Schwächung von Knossos und eroberten die Insel, während sie den starken Einfluss der minoischen Kultur erlebten. Anderen Versionen zufolge nahmen die achäischen Herrscher, die die kretischen Prinzessinnen heirateten, die Insel während der Zeit der Verschärfung der dortigen inneren Streitigkeiten allmählich in Besitz. Aus dem 15. Jahrhundert BC e. Die minoische Kunst verlor ihre lebhafte Spontaneität, wurde trockener und härter. Die neuen Merkmale, die darin auftauchten, spiegelten den Geschmack der achäischen Herrscher wider, die zu dieser Zeit wahrscheinlich von vielen kretischen Meistern beschäftigt wurden. Die Blütezeit der mykenischen Kultur fällt auf das 14.-13. Jahrhundert. BC e. Die Städte der Achäer - Mykene, Tiryns, Athen, Pylos usw. - waren harte Festungen, die an den Hängen der Felsen errichtet wurden. Ihr Zentrum war Akropolis mit dem Palast des Herrschers (Megaron). Mächtige Festungsmauern wurden aus riesigen unbehandelten Steinen ohne Haftlösung errichtet (das sogenannte „zyklopische Mauerwerk“: Der Legende nach hoben einäugige Riesen-Zyklopen schwere Blöcke hoch). Die Mauern von Tiryns erreichten eine Dicke von 17 m; In ihnen befanden sich Durchgänge, in denen Wassertanks, Waffen und Lebensmitteldepots untergebracht waren. Der Eingang zur Zitadelle von Mykene war das Löwentor, das mit einer Platte geschmückt war, die zwei beeindruckende Löwinnen darstellte. 1876 ​​entdeckte der deutsche Archäologe G. Schliemann im Festungsschacht (in den Felsen gehauen) Gräber der Herrscher von Mykene, die er fälschlicherweise für Agamemnon und seine Gefährten hielt. Anschließend wurde festgestellt, dass die Bestattungen viel älter sind (16. Jahrhundert v. Chr.). Die Brüste der Toten waren mit goldenen Rüstungen bedeckt, goldene Masken lagen auf ihren Gesichtern. Die auf einem dünnen Goldblech eingravierten Gesichter vermittelten lakonisch und überzeugend das Aussehen strenger Kriegerführer (die sogenannte "Agamemnon-Maske"). Der Brauch, die Gesichter der Toten mit Masken zu verhüllen, gab es schon im alten Ägypten, aber bisher gibt es keine Hinweise darauf, dass die Achäer diesen Brauch von dort entlehnt haben. Im 15. Jahrhundert BC e. Schachtgräber wurden durch majestätische Steingräber - Tholos - ersetzt. Zu sog. „Grab des Atreus“ (14. Jh. v. Chr.) führt zu einem mit Steinplatten ausgekleideten Korridor-Dromos mit einer Länge von 36 m. Die Bestattung wird durch ein halbkugelförmiges falsches Gewölbe blockiert, das aus übereinanderstehenden Steinreihen besteht. In der Antike war die Decke mit vergoldeten Rosetten (blumenförmige Verzierungen) geschmückt, die den Sternenhimmel verkörperten. Von den mykenischen Palästen ist der Palast in Pylos, der in den 1950er Jahren von Archäologen entdeckt wurde, der am besten erhaltene. Strenge Nachdenklichkeit, Symmetrie des Grundrisses geräumiger rechteckiger Räume ist ein charakteristisches Merkmal der mykenischen Architektur. In der Monumental- und Vasenmalerei wurde der festliche Jubel der minoischen Kunst durch die Verherrlichung des Triumphs von Körperkraft, Heldengeist und strengem Mut ersetzt. Malerische Bilder zeichnen sich durch strenge Symmetrie und Starrheit der Formen aus. In der bildenden und dekorativen Kunst überwiegen Kampf und Jagd (ein Dolch mit einer Löwenjagdszene, ein goldener Ring mit einer Kampfszene; beides - 16 Jahrhundert v. Chr. n. e.). Der Trojanische Krieg (13. Jahrhundert v. Chr.) markierte den Beginn des Niedergangs der mykenischen Kultur. OK. 1200 wurde seine Entwicklung durch den Einfall der Dorer unterbrochen. Es ist auch möglich, dass die Dorianer in die Länder kamen, die bereits durch mörderische Kriege verwüstet waren. Es kam das „dunkle Zeitalter“, nach dem die Kunst im antiken Griechenland eine neue Blüte erlebte.

Knossos-Palast.

Die minoische Kultur erlebte in der ersten Hälfte eine strahlende Blüte. 2. Jahrtausend v e. Ihre Denkmäler wurden nur am Anfang geöffnet. 20. Jahrhundert Der englische Archäologe A. Evans legte etwa die Ruinen des Palastes von Knossos frei. Kreta, das er "Palast des Minos" nannte. Das Zentrum des riesigen Komplexes mit einer Fläche von über 8.000 m 2 war ein riesiger rechteckiger Hof; Um ihn herum, auf mehreren Stockwerken, befanden sich zeremonielle Säle, Heiligtümer und Lagerhäuser, die durch lange, gewundene Korridore und Treppen miteinander verbunden waren. Die unteren Räume waren in die Dicke des Felsens gehauen, die oberen überragten den Hügel. Der östliche Teil des Palastes öffnete sich mit Säulengalerien in die umgebende Landschaft. Im westlichen Teil, wo sich offenbar ein Haupteingang befand, war das Gelände durch mächtige Mauern geschützt. Der komplexe Grundriss des Palastes, die Fülle an verschlungenen Passagen, plötzlichen Abstiegen und Wendungen erinnerten die Griechen später an den Palast, der vom mythischen Architekten und Bildhauer Daedalus erbaut wurde Labyrinth, in dessen Kerker der Minotaurus lebte. Es gab keine Fenster. Die Korridore waren stockfinster. Nur manchmal um die Ecke in den Orten der sog. Lichtschächte leuchteten mit einer blendenden Lichtsäule, die von oben herunterströmte; Dazu wurden in Flachdächern quadratische Öffnungen hergestellt, die den gleichen Öffnungen in den darunter liegenden Stockwerken entsprachen. Treppen schlängelten sich um die offene Öffnung, geschmückt mit leuchtend rot beschichtetem Holz Säulen, die sich nach unten verjüngen, was sie mit Stalaktiten verglich, die an den Gewölben von Höhlen hängen.

archaische Kunst. Aufbau eines Bestellsystems.

Die Entwicklung des griechischen Tempels ging von einfachen zu komplexen Formen, von Holz zu Stein. Allmählich erschien ein von Säulen umgebener Peripter. Der Eingang war in der Regel von Osten. Der Hauptraum - Naos oder Cella - befand sich hinter der Schwelle - Pronaos. Hinter der Cella – im Adyton oder Opisthodom – wurden Geschenke aufbewahrt.

Im 7. Jahrhundert v e. architektonische Aufträge entstanden, in denen nicht nur die technischen Qualitäten des Gebäudes zum Ausdruck kamen, sondern auch die künstlerischen. In einem im Ordnungssystem gebauten Gebäude stehen sich zwei gegenüber

Griechische Architekten waren sich bewusst, dass das Verhältnis der Größen von Säulen, Balken, Architrav und Fries nicht nur eine konstruktive Rolle spielt. Durch die Veränderung ihrer Proportionen variierten die Handwerker das Zusammenspiel der tragenden und getragenen Kräfte und verliehen so der Architektur des Gebäudes den einen oder anderen künstlerischen Eindruck auf den Menschen.

Während der archaischen Ära war das Hauptmaterial für Bauherren Stein – zuerst Kalkstein, dann Marmor. Gebäude werden nicht nur haltbarer als Holzgebäude, sondern sehen auch prächtiger aus. Bemerkenswert ist, dass trotz des weit verbreiteten Materialwechsels das Erscheinungsbild der Ordnung - Säulen und Gebälk - wie in der Holzarchitektur gleich bleibt. Manchmal werden konstruktive Elemente (Fries) zu dekorativen. Meister lieben es, die Dächer von Tempeln mit Akroterien und Antefixen zu schmücken. Dies ist die Zeit der besonders breiten Produktion von ersten Bild- und dann Reliefmetopen, mehrfigurigen Kompositionen auf Friesen, komplexen Handlungsgruppen auf Giebeln. Hierfür werden Terrakotta, Kalkstein, Marmor verwendet.

Die Statuen des dorischen Tempels der Artemis auf der Insel Korfu haben die Zeit besser überstanden als andere. Seine Reliefs zeigen mehrere Themen. In der Mitte ist die von Perseus besiegte Gorgo Medusa ( krank. fünfzehn). Rechts - der Kampf der Olympier mit den Riesen, links - eine Episode aus dem Trojanischen Krieg. Szenen verschiedener Handlungen werden durch die Idee eines Kampfes vereint, der alle Sphären der Welt erfasst hat.

Runde Skulptur und Grabsteine

Das Hauptthema in der Kunst der Griechen ist vor allem ein Mann, dargestellt in Form eines Gottes, eines Helden, eines Athleten. Bereits zu Beginn der Archaik kommt es Ende des 7. Jahrhunderts v. Chr. zu einem kurzfristigen Ausbruch des Gigantismus in der Darstellung einer Person. e. auf Phazos, Naxos, Delos. In den Denkmälern der Skulptur des Archaischen wächst die Plastizität und ersetzt den Schematismus, der den Bildern der Geometrie innewohnt. Dieses Merkmal zeigt sich in der Bronzefigur des Apollon von Theben, wo die Rundung der Schultern, der Hüften und die zurückhaltende Verzierung der Haare auffallen. Nach der Trockenheit und Starrheit der Formen geometrischer Figuren in den frühen archaischen Denkmälern wächst die Frische der Wahrnehmung des Bildes, obwohl die Meister manchmal naiv bei der Lösung der Details sind ( krank. zwanzig). Eigenartige Denkmäler des 7. Jahrhunderts v. e. Es gab sogenannte Xoanons - in einem Baum dargestellte Götterbilder, von denen die seltensten Exemplare kürzlich in den griechischen Städten Siziliens gefunden wurden ( krank. 21).

Malerei und Vasenmalerei

Künstler des 7.-6. Jahrhunderts v. e. unterschiedliche Materialien verwendet. Sie schufen ihre Kompositionen auf Tonmetopen ( krank. 35), Holztafeln (Opferszene aus Sikyon) ( krank. 36), kleine den Göttern geweihte Tontafeln Pinaka (Athen) ( krank. 34), an den Wänden bemalte Tonsarkophage (Klazomenae), auf Kalkstein- und Marmorgrabsteinen (die Lysia-Stele, die Sounion-Stele). Aber es gibt nicht viele solcher Denkmäler, bei denen die Malerei auf einer ebenen Fläche aufgetragen wurde und die Zeichnungen auf den kugelförmigen Oberflächen der Vasen, die gebrannt wurden, was zur Haltbarkeit der Farbe beitrug, besser überlebten.

Ende des 8. Jahrhunderts v. e. In der griechischen Gesellschaft bildeten sich neue Geschmäcker und Interessen heraus. Vereinfachte, bedingte geometrische Bilder genügten nicht mehr; in Zeichnungen auf Vasen, Künstler des 7. Jahrhunderts v. e. begann reichlich Pflanzenmotive und Handlungsszenen einzuführen. Die Nähe des kleinasiatischen Ostens drückte sich in der Dekorativität und Brillanz der Kompositionen aus, die uns den Stil der Vasenmalerei des 7. Jahrhunderts v. Chr. nennen ließen. e. orientalisierend oder Teppich. Kunstvoll vollendete Gefäße wurden auf Kreta, den Inseln Delos, Melos, Rhodos und in den Städten Kleinasiens, insbesondere Milet, hergestellt. Ein wichtiges Zentrum für die Herstellung von Vasen im 7. und frühen 6. Jahrhundert war die Stadt Korinth und im 6. Jahrhundert Athen.

Im 7. Jahrhundert werden die Vasenformen vielfältiger, es ist jedoch eine Tendenz zur Rundung der Konturen erkennbar. Eine ähnliche Steigerung des Volumenreichtums fand in der Bildhauerei und Architektur statt. Dünne Holzstützen wichen plumpen Steinsäulen mit Entasis. Die Technik des Zeichnens von Zeichnungen auf Vasen des 7. Jahrhunderts wurde komplizierter, die Palette des Künstlers wurde reicher. Neben schwarzem Lack wurden weiße Farbe, Violett in verschiedenen Tönen und Kratzen verwendet, um Details anzuzeigen.

Apollo mit den auf dem Melian-Gefäß abgebildeten Musen und Artemis ist nicht so schematisch dargestellt wie in geometrischen Kompositionen. In den Gemälden dieser Zeit ist die Bewunderung der Meister für die leuchtenden Farben der Welt spürbar. Die Zeichnungen sind so dekorativ und mit Ornamenten durchtränkt, wie die homerischen Hymnen jener Zeit mit ausdrucksstarken Beinamen. In ihnen ist weniger Männlichkeit als in geometrischen Szenen, aber das lyrische Prinzip ist stärker. Die Art der Kompositionen auf den Vasen dieser Zeit stimmt mit der Poesie von Sappho überein.

In der Eleganz von Mustern aus Palmetten, Kreisen, Quadraten, Mäandern, Spiralranken entsteht der Duft stilisierter Natur, der das Gefühl eines Dekorateurs - eines Vasenmalers - durchdringt. Die Ornamentik, ein charakteristisches Merkmal der Zeichnungen dieser Zeit, durchdringt die figürlichen Bilder und absorbiert sie, löst sie in den melodischen Rhythmen ihrer Motive auf. Die Umrisse von Menschen und Tieren sind ornamental, die Zwischenräume zwischen Figuren und Objekten sorgfältig mit Mustern ausgefüllt.

Die Malerei auf den Inselschiffen liegt wie ein kunterbunter Teppich. Die Oberfläche eines saftigen und geschwollenen Rhodes-Krugs - Oinohoe - ist in Friese unterteilt - Streifen, auf denen regelmäßig Tiere hervorstehen ( krank. 37). Auf Rhodos werden Vasen, Tiere, Vögel, die nacheinander grasen oder ruhig gehen, manchmal echt, aber oft fantastisch - Sphinxe, Sirenen mit schönen dynamischen Linien elastischer Konturen, besonders oft dargestellt.

Es gibt viele Gemeinsamkeiten in der Natur solcher Wandmalereien mit dem Luxus der damals geliebten Kleidung, einer Fülle von Schmuck, auf die in den Gedichten von Dichtern des 7. Jahrhunderts Bezug genommen wird:

"Hector mit einer Gruppe von Freunden über das salzige Meer

Seltene Denkmäler der bildenden Kunst des ausgehenden 7. Jahrhunderts sind Tonmetopen des Apollotempels in Ferma. Auf einem von ihnen interpretierte der Künstler den Flug des Perseus als schnellen Lauf, um Steifheit zu vermeiden, aber auch hier verwendete er viele Ornamente, umrahmte die Ränder der Metope mit Rosetten und schmückte damit die Tunika des Helden.

Schwarz- und rotfigurige Vasenmalerei. Plots und Merkmale der Komposition.

Schwarzfigurige Vasenmalerei

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Darstellung eines Hahns auf einer korinthischen schwarzfigurigen Amphore ca. 575-550 n. Chr BC e. Louvre

Schwarzfigurige Vasenmalerei- neben der rotfigurigen Vasenmalerei eine der bedeutendsten Stilrichtungen der Vasenmalerei. Die Blütezeit der altgriechischen schwarzfigurigen Vasenmalerei fällt auf das 7. bis 4. Jahrhundert. BC e.

Herkunft[Bearbeiten | Quelle bearbeiten]

Amphora. Potter Andokid. Der Vasenmaler Andokides. Krieger, an den Seiten von Hermes und Athene. OK. 530 v e. Louvre. Paris

Die ersten Vasen im rotfigurigen Stil tauchten um 530 v. Chr. auf. e. Es wird angenommen, dass diese Technik vom Vasenmaler Andokid erfunden wurde. Anfänglich bemalten Andocides und andere Anhänger des neuen Stils (z. B. Psiax) Vasen gleichzeitig in zwei Stilen: Auf der einen Seite der Vase wurde das Bild mit schwarzen Figuren und auf der anderen Seite mit roten Figuren gestaltet. Solche Gefäße (zum Beispiel in der Ausstellung der Staatlichen Antikensammlung in München) werden als zweisprachig bezeichnet. Im Vergleich zum schwarzfigurigen Stil war das schon ein großer Schritt nach vorne, aber die Figuren darauf wirkten eher zurückhaltend und die Handlungsstränge selten miteinander kombiniert. Auf diesen Vasen lassen sich noch Techniken nachzeichnen, die dem alten Stil entlehnt sind, wie das Einkerben der Konturen von Bildern oder das Überziehen bedeutender Bereiche mit roter Farbe.

Griechische Skulptur der Klassik. Polykleitos Diadumenus Die verwundete Amazone

Miron Discobolus Scopas Mänade

Phidias Athena-Krieger, Athen-Promachos, Praxiteles APHRODITE KINSKAYAHermes mit Baby Dionysus Lysippus

Athen aus dem 6. Jahrhundert BC e. wurde zum Symbol der höchsten Errungenschaften der griechischen Kultur. Künstler, Dichter, Bildhauer strebten hierher. Dichter Pindar , der aus Böotien stammte und Athen immer feindlich gesinnt war, schrieb: „Brillantes, mit Veilchen gekröntes, verherrlichtes glorreiches Athen, die Stütze von Hellas, der göttlichen Stadt.“

Und einer der scharfzüngigen Zeitgenossen sagte: „Wenn du Athen nicht gesehen hast, dann bist du ein Baumstumpf, wenn du es gesehen hast und nicht bewundert wurdest, dann bist du ein Esel, und wenn du sie nach Belieben verlassen hast, dann bist du ein Kamel." Kamel war einer der anstößigsten Spitznamen der Antike.

Die Kunst der hohen Klassik ist ganz durch die Worte des Strategen Perikles geprägt, der fünfzehn Jahre lang an der Spitze von Athen stand: „Wir lieben Schönheit ohne Verrücktheit und Weisheit ohne Verweichlichung.“ Noch kürzer formulierte es der weise Solon: „Nichts Überflüssiges.“

http://obsaatetradantichnost.blogspot.com/p/5-4.html

Kunst Griechenlands, 5.–4. Jahrhundert BC e. Erstellen eines klassischen Kunststils.

Malerei auf Keramikskulptur

Periodisierung der antiken griechischen Kunst[Bearbeiten | Quelle bearbeiten]

Vorperiode - Ägäische Kunst (kretisch-mykenische Kunst)- XXX Jahrhundert. BC. - XII Jahrhundert. BC.

Achäisch-minoische Kunst

geometrische Periode("Homerisches Griechenland") - ca. 1050 v. Chr. - VIII. Jahrhundert. BC.

1. Protogeometrie(Submykenische Zeit) - ca. 1050 v. Chr. - c. 900 v. Chr

   Geometrie(blühend) - ca. 900 v. Chr. - c. 750 v. Chr

   Geometrische Spätzeit(Depylon) - ca. 750 v. Chr. - früh. 7. Jahrhundert BC.

archaische Zeit- VII Jahrhundert. BC - früh. 5. Jahrhundert BC.

1. Früharchaisch- frühzeitig 7. Jahrhundert BC. - 570er BC.

   ausgereift archaisch- 570er BC. - 525s BC.

   spätarchaisch- 525s BC. - 490s BC.

Klassik- V c. BC - ser. 4. Jahrhundert BC.

1. früher Klassiker("Strenger Stil") - 1. Stock. 5. Jahrhundert BC.

   hoher Klassiker- 2. Stock. 5. Jahrhundert BC.

   später Klassiker- IV Jahrhundert. BC.

Hellenistische Zeit- ser. 4. Jahrhundert BC. - Ich Jahrhundert. BC.

Gebäude der Akropolis und ihre skulpturale Dekoration. Synthese von Skulptur und Architektur. PHIDIAS PARFERON

Im Inneren des Parthenon befand sich eine riesige Statue von Athena Parthenos (Jungfrau),

Phidias schuf auch eine riesige sitzende Zeus-Statue für den Zeus-Tempel in Olympia mit der gleichen Chryso-Elefanten-Technik, die später in die Liste der sieben Weltwunder aufgenommen wurde.

Zwei Richtungen in der Entwicklung der Skulptur der klassischen Periode des antiken Griechenlands (Scopas. Praxiteles).

Umfang. Schlacht der Griechen mit den Amazonen. Fragment des Frieses des Mausoleums von Halikarnassos, Mänade (begleitet von Dionysos)

Praxiteles Aphrodite von Knidos

Individualisierung des Bildes, Psychologismus (Lysippus) und Idealisierung des Bildes (Leohar).

LISSIP: Ruhender Hermes

ein Skulpturenzyklus, der den Heldentaten des Herkules gewidmet ist

Skulptur von Kairos (Gott der günstigen Gelegenheit)

Herkules und Telephos

Koloss des Zeus in Tarentum

Ein Krater auf Merkur ist nach Lysippos benannt.

LEOHAR: Apoll Belvedere- Römische Marmorkopie eines Bronzeoriginals des antiken griechischen Bildhauers Leochar (Hofbildhauer Alexanders des Großen, ca. 330-320 v. Chr.)

Die Kunst des Hellenismus - Ende des 4. bis 1. Jahrhunderts. BC e. Allgemeine Eigenschaften. Hauptarbeiten

ALEXANDER DER MAZEDONISCHE ROM

Die Ära des Hellenismus war geprägt vom Wunsch nach Monumentalität. Riesige Statuen entstehen, ein typisches Beispiel ist der Koloss von Rhodos, die 32 Meter hohe Figur des Gottes Helios. MADE BY SHERRY von Lissips Lehrling

Pergamonschule. Mut verkörpern die Skulpturengruppen „Der sterbende Gallier“, „Der Gallier bringt sich und seine Frau um“. Hervorragende Skulptur des Hellenismus - Werk von Aphrodite de Milo Agesandra - halbnackt, streng und erhaben ruhig.

Kleine Menschenfiguren aus Terrakotta

Etruskerkunst.

Die Architektur der Etrusker war ziemlich entwickelt. Die am besten erhaltenen Mauern, die die etruskischen Städte und Gräber umgaben.

Die Meisterwerke des menschlichen Genies spiegeln tiefe Tendenzen wider, die in der Gesellschaft auftreten. Tatsächlich können die Autoren unvergänglicher Werke als Menschen mit besonderer geistiger Konstitution, sensiblen Naturen, die inneren Prozesse der Gesellschaft nicht gleichgültig beobachten - und ein emotionales Echo in ihren Schöpfungen hervorrufen. Kunst ist nur ein unvoreingenommener Spiegel der Realität, der alle Details und Phänomene mit erstaunlicher Schärfe widerspiegelt. Die Entwicklungsgeschichte der Kunst spiegelt die Entwicklungsgeschichte der Menschheit wider.

Die Entwicklung der Weltkunst sowie einzelner Länder und Nationalitäten verläuft bekanntlich nicht nur spiralförmig, sondern auch sinusförmig.

Neue Tendenzen in der Kunst, ihre Rezessionen oder Abstürze werden zu einer Art Indikator für universellen menschlichen Fortschritt oder Rückschritt in einem bestimmten Zeitraum.

In diesem Beitrag werden die Probleme der Kunstentstehung betrachtet, die wichtigsten Theorien und Ansätze zur Entstehung der Kunst analysiert und die Hauptmerkmale der primitiven Kunst untersucht.

primitive Kunst- die Kunst der Ära des primitiven Gemeinschaftssystems. Es entstand im Spätpaläolithikum (ca. 30.000 v. Chr.) und spiegelte die Lebensweise und Ansichten primitiver Jäger wider (primitive Behausungen, Höhlenbilder von Tieren voller Leben und Bewegung, weibliche Figuren). Die Bauern und Hirten des Neolithikums und des Äneolithikums hatten kommunale Siedlungen, Megalithen, Pfahlbauten, Bilder begannen, abstrakte Konzepte zu vermitteln, die Kunst der Ornamentik entwickelte sich. In der Ära des Neolithikums, Eneolithikums, der Bronzezeit entwickelten die Stämme Ägyptens, Indiens, West-, Mittel- und Kleinasiens, Chinas, Süd- und Südosteuropas eine Kunst, die mit der landwirtschaftlichen Mythologie verbunden ist, verzierte Keramik, Skulptur). Jäger und Fischer aus dem nördlichen Wald hatten früher Felszeichnungen und realistische Tierfiguren. Die Hirtensteppenstämme Osteuropas und Asiens um die Wende der Bronze- und Eisenzeit schufen den Tierstil.

Die späteren Stadien der Entstehung der Kunst sind mit der Auflösung des primitiven Systems verbunden. Ein Merkmal der primitiven Kultur ist zunächst, dass sie, bildlich gesprochen, auf das Maß der Person selbst zugeschnitten ist. Zu Beginn der materiellen Kultur wurden die Dinge vom Menschen befohlen und nicht umgekehrt. Natürlich war die Reichweite der Dinge begrenzt, ein Mensch konnte sie direkt beobachten und fühlen, sie dienten als Fortsetzung seiner eigenen Organe, in gewissem Sinne waren sie deren materielle Kopien. Aber im Zentrum dieses Kreises stand ein Mann – ihr Schöpfer. Die primitive Geschichte hatte wie die Kultur ein weiteres Merkmal - den primitiven Kollektivismus.

Es gibt keine allgemein akzeptierte Erklärung für den Ursprung der Kunst. In der marxistischen Lehre wird der Ursprung der Kunst durch Arbeitstätigkeit erklärt. G.V. Plechanow schrieb bei dieser Gelegenheit, Kunst sei das Kind der Arbeit, nicht des Spiels.

Nach anderen Auffassungen ist Kunst mit Religion verbunden. Der Zauber der Jagd und der Zauber der Fruchtbarkeit spiegelten sich in den Aktivitäten primitiver Künstler wider, bei denen den Bildern der Kunst eher die Bedeutung eines Zaubers als eines Vergnügens beigemessen wurde. Diese Sichtweise basiert weitgehend auf der Tatsache, dass primitive Künstler Bilder an den verborgenen Orten von Höhlen, in dunklen Kammern und Korridoren in beträchtlicher Entfernung vom Eingang gemacht haben, wo sich nicht einmal zwei Personen zerstreuen konnten. Dies erklärt sich aus dem Wunsch, um die Wandbilder herum eine geheimnisvolle Atmosphäre zu schaffen, die für magische Aktionen natürlich ist.

Es gibt auch eine Tradition, den Ursprung der Kunst mit spielerischen Aktivitäten zu verbinden. Es ist seit langem festzustellen, dass primitive Bilder allmählich weniger realistisch und konventioneller wurden. Aber für ein Spiel ist es gerade die Schaffung einer von ihm bestimmten Ordnung durch einen Menschen in einem bedingten Raum und einer bestimmten Zeit. Ein spielender Mensch äußert sich in einem bedingt unabhängigen, freien Zustand, in einem Zustand des Desinteresses gegenüber allem, was nicht mit dem Spiel zusammenhängt. Das Fehlen eines äußeren, fremden Ziels, wenn die Aktivität selbst zum Ziel wird, macht Kunst und Spiel verwandt.

In dem Buch "Morgen der Kunst" Akademiker A.P. Okladnikov schrieb, dass primitive Künstler nur einen materialisierten Ausdruck innerer Erfahrungen, Gefühle und Ideen sowie kreative Vorstellungskraft brauchten.
Es ist möglich, dass die primitiven Künstler, die in die verborgenen Orte der Höhlen eindrangen, dies nicht aus Zauberei taten, sondern um Zeugen ihrer Arbeit zu vermeiden, die von außen leer, unverständlich und deshalb vielleicht schädlich erscheinen könnten Besetzung. Manche Wissenschaftler verbinden mit dem Spiel nicht nur die Kunst, sondern die gesamte Urkultur, sie sehen das Spiel in seinen Ursprüngen. Dieser Ansatz ist typisch für die philosophische Hermeneutik. G. Gadamer betrachtete Geschichte und Kultur als eine Art Spiel im Element der Sprache.

Noch aufschlussreicher in dieser Hinsicht sind die Ansichten des niederländischen Kulturhistorikers I. Heusinga (manchmal auch Huizinga geschrieben). In seinem Buch „The Playing Man. Ein Versuch, das Spielelement in der Kultur zu definieren“ (1938) verallgemeinerte er den Begriff des Spiels, auf den er die ganze Vielfalt menschlicher Aktivitäten reduzierte und es als Hauptquelle und höchste Manifestation menschlicher Kultur betrachtete. Je näher eine Kultur an Archetypen, d.h. je primitiver es ist, desto verspielter ist es; aber wenn sich die Kultur von ihren Ursprüngen entfernt, so wie sich der Mensch von seiner Kindheit entfernt, verliert die Kultur ihr spielerisches Prinzip.
Natürlich ist jede Theorie, in der der Ursprung der Kunst wie auch der Kultur auf Arbeit oder Spieltätigkeit, auf Magie reduziert wird, nicht unumstritten. Natürlich ist die Schaffung jeglichen kulturellen Wertes Arbeit. Aber ist Spielen nicht Arbeit? Was könnte für ein Kind ernster sein als ein Spiel? Aber die Arbeit eines völlig erwachsenen Menschen, wenn sie ihm an sich Freude und Befriedigung bereitet, unterscheidet sich nicht wesentlich vom Spiel. Schließlich haben Kultur und Kunst nicht eine magische Wirkung, die uns mit Gedanken und Gefühlen beflügelt oder Sehnsüchte weckt, die wir ohne sie einfach nicht gehabt hätten?

Bei der Frage nach dem Ursprung der Kunst ist es wichtig, weniger den Grund als die Ziele zu verstehen, die der primitive Künstler bei der Schaffung von Bildern verfolgte. Es ist klar, dass sie unterschiedlich sein könnten, dass die Bilder selbst später für andere Zwecke verwendet wurden. Aber wenn der Künstler, wie A.P. Okladnikov, sein Bedürfnis nach einem materialisierten Ausdruck der für ihn idealen inneren Erfahrungen befriedigte, diente das Bild des Ideals als Ziel seiner Arbeit. Wenn die Kultur als Ganzes durch eine ständige Diskrepanz zwischen Zielen und Idealen gekennzeichnet ist, so ist diese Koinzidenz im Anfangsstadium der Kultur dennoch aufgrund des synkretistischen Charakters primitiver kultureller Aktivitäten aufgetreten.

2. THEORIEN ZUR ENTSTEHUNG DER KUNST

Niemand kann heute den Zeitpunkt der Entstehung der Kunst genau bestimmen. Aber viele Beweise deuten darauf hin, dass die Kunst in der Ära des Auftretens des Homo sapiens geboren wurde. Das Problem der Kunstentstehung ist untrennbar mit dem Problem des Menschen verbunden. So wie es mehrere Theorien über den Ursprung des Menschen gibt, so gibt es auch mehrere Theorien über den Ursprung der Kunst.

Der große Ästhetiker und Kunsthistoriker Micheles Panaotis schreibt über die Verbindung zwischen Kunst und dem Göttlichen. „Zwischen dem Menschen und der Gottheit ist die Natur, das Universum, das dem Menschen die einfachsten Bilder gibt, an die er denkt – die Sonne, Sterne, wilde Tiere und Bäume – und die einfachsten, aber starken Emotionen hervorruft – Angst, Verwirrung, Frieden. Bilder und Eindrücke aus der Außenwelt sind zunächst fester Bestandteil der religiösen Erfahrung. Der Mensch, der Mikrokosmos, stellt sich nicht nur dem Makrokosmos entgegen, sondern ist mit ihm durch das Göttliche verbunden. Darüber hinaus sind menschliche Eindrücke nicht ohne ästhetischen Charakter, und die Bilder der Natur, die die religiöse Vorstellungskraft nähren, liefern dem Meister Modelle und inspirieren den Künstler, sich durch diese Modelle auszudrücken. Mit Hilfe von Kunst und Handwerk (die zunächst nicht getrennt waren) imitiert und symbolisiert der Urmensch die Elemente nicht nur, sondern erobert sie auch, weil er bereits entwirft und erschafft. Er herrscht nicht nur über den Geist eines wilden Tieres, indem er ihn an den Wänden der Höhle darstellt; Er baut behütete Behausungen, speichert Wasser in Gefäßen, erfindet das Rad neu. Der Mikrokosmos, bereichert durch Kunst und Handwerk, spirituelle und technische Eroberungen, stellt sich mutig dem Makrokosmos.“

Die zweite Theorie der Entstehung von Kunst - Ästhetik, spiegelt sich teilweise in den vorherigen Argumenten von M. Panaotis wider. Fels- und Höhlenmalereien stammen aus der Zeit von 40-20.000 Jahren v. Die ersten Bilder beinhalten lebensgroße Profilbilder von Tieren. Später erscheinen Bilder von Menschen. Zur Zeit der Entstehung von Stammesverbänden wurden Lieder und Hymnen geschaffen: Lieder von Landbesitzern, die während der landwirtschaftlichen Arbeit und an Feiertagen nach der Ernte auf den Feldern aufgeführt wurden, Schlachthymnen von Kriegern - Peans, die vor Beginn der Schlacht gesungen wurden, Hochzeit Hymnen - Hymenen, Trauerklagen - Orens. Gleichzeitig entstanden Legenden über Götter und Göttinnen, ihre Eingriffe in die Angelegenheiten von Einzelpersonen und ganzen Stämmen. Echte historische Fakten wurden mit sagenumwobenen Details überwuchert. Von einem Stamm stammend, verbreiteten sich diese Geschichten und Legenden unter anderen und wurden von Generation zu Generation weitergegeben.

So wurden mit Hilfe der Kunst kollektive Erfahrungen gesammelt und weitergegeben. Die primitive Kunst war einheitlich, nicht in getrennte Typen unterteilt und hatte einen kollektiven Charakter. In einer Sklavenhaltergesellschaft, mit dem Aufkommen eines Überschussprodukts der Arbeitstätigkeit, das es den Menschen ermöglichte, sich nur mit Kunst zu beschäftigen. Es gibt auch eine Einteilung der Kunst in Typen.

Neben den oben genannten Theorien zur Entstehung der Kunst gibt es eine psychophysiologische Theorie. Aus Sicht dieser Version war die Kunst für die Menschheit notwendig, um sich selbst zu erhalten und (aus psychologischer Sicht) in dieser komplexen Welt zu überleben. Der Philosoph und Psychoanalytiker Erich Fromm schreibt über das menschliche Bedürfnis nach Kreativität. „Im Gegensatz zu der dem Tier innewohnenden passiven Anpassung streben Menschen danach, die Welt zu verändern. Und das geht nicht ohne die Gravitation zum Jenseits, ohne die Suche nach dem Ideal. Ohne diese innere Bereitschaft zum Erhabenen, zum romantischen Impuls kann sich der Einzelne nicht über die alltägliche Prosa des Lebens erheben. Dieses Bedürfnis wird durch das Vorhandensein kreativer Kräfte in jedem Einzelnen bestimmt, unter denen Vorstellungskraft und Emotionalität einen besonderen Platz einnehmen. Im Akt der Kreativität vereint sich ein Mensch mit der Welt, durchbricht die Grenzen der Passivität seiner Existenz, tritt in das Reich der Freiheit ein.

Die Kunst hat ihre Hauptzüge in der Antike erhalten, aber dort wurde sie nicht sofort als eine besondere Art von Tätigkeit angesehen. Bis Platon hieß „Kunst“ auch die Fähigkeit, Häuser zu bauen, und Navigationsfähigkeiten, und Heilung, und Regierung, und Poesie, und Philosophie und Rhetorik. Dieser Prozess der Isolierung der eigentlichen ästhetischen Tätigkeit, also der Kunst in unserem Sinne, begann zunächst in bestimmten Handwerken und wurde dann auf das Gebiet der spirituellen Tätigkeit übertragen, wo auch das Ästhetische nicht zuerst vom Nützlichen, Ethischen und Kognitiven isoliert wurde .

3. PRIMÄRE TECHNIK: ALLGEMEINE BESCHREIBUNG

Primitive oder auch primitive Kunst genannt umfasst geografisch alle Kontinente außer der Antarktis und zeitlich die gesamte Ära der menschlichen Existenz, die bei einigen Völkern, die in abgelegenen Ecken des Planeten leben, immer noch erhalten ist.

Die Bekehrung des Urmenschen zu einer für ihn neuen Tätigkeitsart - der Kunst - ist eines der größten Ereignisse in der Geschichte der Menschheit. Die primitive Kunst spiegelte die ersten Vorstellungen der Menschen über die Umwelt wider, trug zur Bewahrung und Weitergabe von Wissen und Fähigkeiten bei und diente als Kommunikationsmittel. Für den Urmenschen wurde die Kunst zum gleichen universellen Werkzeug der spirituellen Kultur wie ein geschärfter Stein in seiner Arbeitstätigkeit.

Was veranlasste eine Person, über das Bild bestimmter Objekte nachzudenken? Woher wissen Sie, ob die Körperbemalung der erste Schritt zur Schaffung von Bildern war oder ob eine Person die vertraute Silhouette eines Tieres in einem zufälligen Umriss eines Steins erraten und ihr nach dem Schneiden eine größere Ähnlichkeit verliehen hat? Oder diente vielleicht der Schatten eines Tieres oder einer Person als Grundlage für die Zeichnung, und der Skulptur geht der Abdruck einer Hand oder eines Fußes voraus? Auf diese Fragen gibt es keine eindeutige Antwort. Die alten Menschen konnten auf die Idee kommen, Objekte nicht auf eine, sondern auf viele Arten darzustellen.

Bis vor kurzem hatten Wissenschaftler zwei gegensätzliche Ansichten über die Geschichte der primitiven Kunst. Einige betrachteten die naturalistische Höhlenmalerei und -skulptur als die ältesten, während andere schematische Zeichen und geometrische Figuren betrachteten. Nun sind die meisten Forscher der Meinung, dass beide Formen ungefähr gleichzeitig aufgetreten sind. Zu den ältesten Bildern an den Wänden paläolithischer Höhlen gehören zum Beispiel Abdrücke einer menschlichen Hand und zufällige Verflechtungen von Wellenlinien, die mit den Fingern derselben Hand in nassen Ton gepresst wurden.

Die ersten Werke der primitiven Kunst wurden vor etwa dreißigtausend Jahren geschaffen, am Ende der Altsteinzeit oder der alten Steinzeit. Die Steinzeit ist die älteste Periode in der Geschichte der Menschheit (begann vor über 2 Millionen Jahren, dauerte bis zum 6. Jahrtausend v. Chr.), als Werkzeuge und Waffen aus Stein hergestellt wurden; unterteilt in Paläolithikum, Mesolithikum und Neolithikum.

Die ältesten bildhauerischen Darstellungen sind heute die sogenannten „paläolithischen Venus“ – primitive Frauenfiguren. Sie sind noch sehr weit von einer echten Ähnlichkeit mit dem menschlichen Körper entfernt. Alle haben einige gemeinsame Merkmale: vergrößerte Hüften, Bauch und Brust, fehlende Füße. Primitive Bildhauer interessierten sich nicht einmal für Gesichtszüge. Ihre Aufgabe bestand nicht darin, eine bestimmte Natur zu reproduzieren, sondern ein bestimmtes allgemeines Bild einer weiblichen Mutter, eines Symbols der Fruchtbarkeit und der Hüterin des Herdes zu schaffen. Männerbilder in der Altsteinzeit sind sehr selten. Neben Frauen wurden auch Tiere dargestellt: Pferde, Ziegen, Rentiere usw. Fast alle paläolithischen Skulpturen bestanden aus Stein und Knochen.

In der Geschichte der Höhlenmalerei der Altsteinzeit unterscheiden Experten mehrere Perioden. In der Antike (etwa ab dem 20. Jahrtausend v. Chr.) füllten primitive Künstler die Fläche innerhalb des Umrisses der Zeichnung mit schwarzer oder roter Farbe.

Später (etwa vom 18. bis zum 15. Jahrtausend v. Chr.) begannen primitive Meister, den Details mehr Aufmerksamkeit zu schenken: Sie stellten Wolle mit schrägen parallelen Strichen dar, lernten, zusätzliche Farben (verschiedene Gelb- und Rottöne) zu verwenden, um Flecken auf die zu malen Häute von Bullen, Pferden, Bisons. Auch die Konturlinie veränderte sich: Sie wurde entweder heller oder dunkler, markierte die hellen und schattigen Partien der Figur, Hautfalten und Wollmassen (z. B. Pferdemähne, massiver Büffelnacken) und vermittelte so Volumen. In einigen Fällen wurden die Konturen oder die ausdrucksstärksten Details von alten Künstlern mit einer geschnitzten Linie betont.

Im XII Jahrtausend v. e. Die Höhlenkunst erreichte ihren Höhepunkt. Die Malerei dieser Zeit vermittelte Volumen, Perspektive, Farbe und Proportionen von Figuren, Bewegung. Gleichzeitig wurden riesige malerische "Leinwände" geschaffen, die die Gewölbe tiefer Höhlen bedeckten.

1868 wurde in Spanien in der Provinz Santander die Höhle von Altamira entdeckt, deren Eingang zuvor von einem Erdrutsch bedeckt war. Fast zehn Jahre später entdeckte der spanische Archäologe Marcelino Sautuola, der in dieser Höhle Ausgrabungen durchführte, primitive Bilder an Wänden und Decke. Altamira war die erste von vielen Dutzenden ähnlicher Höhlen, die später in Frankreich und Spanien gefunden wurden: La Moute, La Madeleine, Trois Frere, Font de Gome usw. Dank gezielter Suche gibt es heute etwa hundert Höhlen mit Bildern aus der Urzeit allein in Frankreich bekannt.

Eine herausragende Entdeckung wurde im September 1940 ganz zufällig gemacht. Die Lascaux-Höhle in Frankreich, die noch berühmter wurde als Altamira, wurde von vier Jungen entdeckt, die spielend in ein Loch kletterten, das sich unter den Wurzeln eines umgestürzten Baums öffnete nach einem Sturm. Die Malerei der Höhle von Lascaux - Bilder von Stieren, Wildpferden, Rentieren, Bisons, Widdern, Bären usw. - ist das perfekteste Kunstwerk aus dem, was der Mensch in der Altsteinzeit geschaffen hat. Die Bilder von Pferden sind am spektakulärsten, zum Beispiel kleine dunkle Steppenpferde, die Ponys ähneln. Interessant ist auch die klare dreidimensionale Figur einer Kuh, die sich über ihnen befindet und sich darauf vorbereitet, über einen Zaun oder eine Fallgrube zu springen. Diese Höhle wurde nun in ein erstklassiges Museum umgewandelt.

In der Folge verloren die Bilder insgesamt ihre Lebendigkeit, ihr Volumen; Stilisierung (Verallgemeinerung und Schematisierung von Objekten) intensiviert. In der letzten Periode fehlen realistische Bilder vollständig. Die paläolithische Malerei kehrte sozusagen dorthin zurück, wo sie begann: An den Wänden der Höhlen erschienen chaotische Linienverflechtungen, Punktreihen und unklare schematische Zeichen.

In der Ära des Mesolithikums oder der mittleren Steinzeit (XII-VIII Jahrtausend v. Chr.) Veränderten sich die klimatischen Bedingungen auf dem Planeten. Einige der gejagten Tiere sind verschwunden; sie wurden durch andere ersetzt. Die Fischerei begann sich zu entwickeln. Die Menschen schufen neue Arten von Werkzeugen, Waffen (Bögen und Pfeile) und zähmten den Hund. All diese Veränderungen wirkten sich natürlich auf das Bewusstsein der Urmenschen aus, was sich in der Kunst widerspiegelte.

Davon zeugen beispielsweise Felsmalereien in den küstennahen Bergregionen Ostspaniens zwischen den Städten Barcelona und Valencia. Früher konzentrierte sich der antike Künstler auf die von ihm gejagten Tiere, heute auf die in schneller Bewegung dargestellten Menschenfiguren. Wenn paläolithische Höhlenmalereien getrennte, nicht miteinander verbundene Figuren darstellten, begann die mesolithische Felskunst von mehrfigurigen Kompositionen und Szenen dominiert zu werden, die verschiedene Episoden aus dem Leben der Jäger dieser Zeit lebhaft wiedergeben. Neben verschiedenen Rottönen wurde auch Schwarz und gelegentlich Weiß verwendet, und als Bindemittel dienten hartnäckige Verbindungen wie Eiweiß, Blut und möglicherweise Honig.

Im Mittelpunkt der Felskunst standen Jagdszenen, in denen Jäger und Tiere in einer sich energisch entfaltenden Handlung miteinander verbunden sind. Jäger folgen der Spur oder jagen die Beute, werfen auf der Flucht Pfeile auf sie, versetzen den letzten Todesstoß oder rennen vor einem wütenden verwundeten Tier davon. Gleichzeitig tauchten Bilder von dramatischen Episoden militärischer Zusammenstöße zwischen Stämmen auf. In einigen Fällen sprechen wir anscheinend sogar von Hinrichtung: Im Vordergrund steht die Figur eines liegenden Mannes, der von Pfeilen durchbohrt ist, im zweiten eine enge Reihe von Bogenschützen, die ihre Bögen erhoben. Frauenbilder sind selten: Sie sind meist statisch und leblos. Große Gemälde wurden durch kleine ersetzt. Aber der Umfang der Kompositionen und die Anzahl der Charaktere sind auffällig: Manchmal gibt es Hunderte von Bildern von Menschen und Tieren. Menschliche Figuren sind sehr bedingt, sie sind eher Symbole, die nur der Darstellung von Massenszenen dienen. Der Künstler befreite die Figuren von allem aus seiner Sicht Nebensächlichem, was die Übertragung und Wahrnehmung komplexer Posen, Bewegungen, der Essenz des Geschehens stören würde. Der Mensch ist für ihn eine verkörperte Handlung.

Das Abschmelzen der Gletscher in der Jungsteinzeit oder Jungsteinzeit (5000-3000 v. Chr.) setzte Völker in Bewegung, die begannen, neue Räume zu besiedeln. Intensivierter Kampf zwischen den Stämmen um den Besitz der günstigsten Jagdgründe, um die Eroberung neuer Ländereien. In der Jungsteinzeit war der Mensch von der schlimmsten Gefahr bedroht – einem anderen Menschen! Neue Siedlungen entstanden auf den Inseln in den Biegungen der Flüsse, auf kleinen Hügeln, d.h. an Orten, die vor plötzlichen Angriffen geschützt sind.

Felskunst in der Jungsteinzeit wird immer schematischer und bedingter: Bilder ähneln nur noch geringfügig einer Person oder einem Tier. Dieses Phänomen ist typisch für verschiedene Regionen der Erde. Dies sind zum Beispiel Felsmalereien von Hirschen, Bären, Walen, Robben, die in Norwegen gefunden wurden und eine Länge von acht Metern erreichen. Neben Schematismus zeichnen sie sich durch sorglose Ausführung aus. Neben stilisierten Figuren gibt es verschiedene geometrische Figuren (Kreise, Rechtecke, Rauten, Spiralen usw.), Bilder von Waffen (Äxte, Dolche) und Fahrzeuge (Boote, Schiffe). Die Reproduktion von Wildtieren tritt in den Hintergrund.

Primitive Kunst spielte eine wichtige Rolle in der Geschichte und Kultur der antiken Menschheit. Nachdem eine Person gelernt hat, Bilder zu erstellen (skulptural, grafisch, bildlich), hat sie im Laufe der Zeit eine gewisse Macht erlangt. Er legte sozusagen den Grundstein für eine neue Seinsform – eine Kunstform – deren Entwicklung sich in der Kunstgeschichte nachvollziehen lässt.

Wenn wir uns von der Religion zur Kunst bewegen, liegt das keineswegs daran, dass diese beiden Bereiche der spirituellen Kultur in ihrem Ursprung oder Inhalt direkt miteinander verbunden waren. In der Wissenschaft der Vergangenheit gibt es jedoch eine sehr weit verbreitete „Theorie“, die die Entstehung der Kunst aus religiösen Formen, insbesondere aus Magie und Totemismus, ableitet.

Die Frage nach den Ursprüngen der Kunst in ihren verschiedenen Formen sowie nach dem Wesen ihrer ersten Manifestationen ist nicht ohne Komplexität. Die zuvor erwähnte „Theorie“ sollte jedoch entschieden verworfen werden. Es genügt, daran zu erinnern, dass, wie wir aus der archäologischen Forschung wissen, sowohl Religion als auch Kunst, insbesondere die schönen Künste, gleichzeitig in der Aurignac-Solutrean-Periode oder auf der Bühne erscheinen. Die Kunst von der Religion abzulehnen bedeutet, die Präexistenz der letzteren anzunehmen, also die Religion zu den frühesten Stadien der menschlichen Existenz zu zählen, und zwar in einer so weit entwickelten Form, dass sie imstande ist, auf der nächsten Stufe eine neue komplexe Manifestation ihrer selbst hervorzurufen . Dass Religion die Kunst beeinflussen kann, muss nicht gesagt werden, sondern nur deshalb, weil im Allgemeinen alle Formen der Ideologie in engem Kontakt stehen und sich gegenseitig beeinflussen und die Religion in stärkerem Maße mit extremer Aktivität nach Ausdruck sucht sich selbst und übt Einfluss aus wie auf andere Formen der Ideologie, dringt in die Sprache, das Denken, die Wissenschaft usw. und in die sozialen Beziehungen ein.

Zeichnen auf dem Stein. Aurignacische Kultur.

Eine andere Theorie, die es wert ist, erwähnt zu werden, leitet die Kunst aus einem Sinn für Schönheit und Ästhetizismus ab, der dem Menschen sozusagen organisch innewohnt. Tatsächlich entwickelt sich bei einem Menschen während seiner gesamten spirituellen Entwicklung ein Sinn für Ästhetik auf der Grundlage der Wahrnehmung von Perfektion, Harmonie und Schönheit, die der Natur innewohnen, nur in dem Moment, in dem ein Mensch beginnt, solche natürlichen Eigenschaften in seinen Werken zu reproduzieren eigene Arbeit und in allen möglichen Formen des persönlichen Ausdrucks, der eigenen Gefühle und Gedanken, also in verschiedenen bereits entstandenen Kunstformen. Daher kann der Ästhetizismus keine Quelle der Kunst sein, und die Kunst entwickelt, wie die Natur, in einer Person unabhängig einen ästhetischen Sinn.

Überhaupt ist es keineswegs notwendig, Kunst von irgendeinem anderen ideologischen Phänomen abzuleiten, sie zu einem Überbau über einem Überbau zu machen. Die Kunst hat mit allen ideologischen Phänomenen eine gemeinsame Quelle.

Eine solche gemeinsame Quelle der primitiven Kunst in all ihren Erscheinungsformen ist die Arbeit und die gesamte Arbeitstätigkeit eines Menschen des Altertums. Mit der Entwicklung des Menschen und der menschlichen Gemeinschaft, mit der Verkomplizierung der Ideologie, wird diese anfängliche Quelle der Kunst natürlich immer mehr durch neu entstehende Aktivitäten und menschliche Beziehungen vermittelt. Die primitive Kunst in all ihren verschiedenen Formen ist ihrem Wesen und Inhalt nach nichts anderes als eine Ausdrucksform, die mit der Tätigkeit der menschlichen Arbeit, ihren Gefühlen, Wahrnehmungen, Stimmungen und Gedanken in Berührung kommt. Diese Kunst ist keineswegs Selbstzweck, Kunst um der Kunst willen, sondern entsteht in der Gesellschaft aus dem Bedürfnis der Menschen nach Kommunikation, dem Wunsch, ihre Gedanken und Gefühle zu vermitteln.

Der ursprüngliche Inhalt der Kunst, ihre Handlungen und Motive wiederum werden vollständig durch die Arbeit einer Person im Team bestimmt. Mit der gesellschaftlichen Entwicklung und ihren Beziehungen verbinden sie sich hier in ihrer ganzen Vielfalt und in ihrer ganzen Komplexität von Wahrnehmungen, Gefühlen, Gedanken usw., die mit persönlichen Erfahrungen und sozialen Beziehungen einer Person verbunden sind.

Archäologische Denkmäler bewahrten aus offensichtlichen Gründen direkt Abdrücke von ausschließlich bildenden Künsten aus verschiedenen Kunstgattungen.

Denkmäler des frühen Paläolithikums (Chelle, Ashel, Mouster) zeigen keine Anzeichen für das Vorhandensein von bildender Kunst. Aber gleichzeitig, zusammen mit dem Aufstieg in der Entwicklung der primitiven Gesellschaft, die durch das Aurignac-Solutrean-Stadium repräsentiert wird, erscheinen hier alle Arten von bildender Kunst auf einmal. Wir haben hier eine Zeichnung, die ein Konturbild auf sehr primitivem Niveau enthält, durch Schnitzen oder Schnitzen auf einem Stein, Horn oder Knochen. Dieselbe Primitivität in der Malerei, ähnlich begrenzt wie ein Konturfelsenbild, in schwarzer oder roter Farbe, aller Wahrscheinlichkeit nach mit dem Finger aufgetragen. Eine Art Tier - ein Pferd, ein Hirsch, ein Nashorn, ein Löwe - fungiert hauptsächlich als Handlung. Meist ist nur der Kopf angegeben, selten die ganze Figur. Streng realistischer Stil, was insbesondere für die Zeichnung gilt.

Zeichnen an der Höhlenwand. Aurignac-Solutrean-Kultur.

Bedingte Bilder der Aurignac-Solutrean-Ära stellen eine Reihe von Punkten oder Linien dar. Skulpturen mit runder Form werden meistens durch weibliche Figuren dargestellt, die aus weichem Gestein, Kalkstein, Mergel, seltener aus Mammutknochen geschnitzt sind. Selten trifft man auf männliche Figuren und einzelne Tierfiguren. Weibliche Figuren werden in der Art des Realismus hergestellt, manchmal wird der Oberkörper jedoch verlängert und die sexuellen Merkmale werden deutlich betont. Das Gesicht fehlt, und die Hände sind bedingt. Gelegentlich wird die Figur in einer sitzenden Pose gegeben. Normalerweise beträgt die Höhe dieser Skulpturen fünf bis zehn Zentimeter, manchmal mehr als fünfzehn. Ein schönes Beispiel für solche Figuren, gefunden in Willendorf, Österreich, erhielt den Spitznamen "Venus von Willendorf". Einen ähnlichen Charakter haben große Reliefbilder einer Frau auf den Felsen.

"Willendorfer Venus"

Nach diesen ersten, aber schon recht selbstbewussten Schritten bietet die Madeleine-Kultur das Bild einer schönen Blütezeit in der bildenden Kunst. Zwar ist die Skulptur hier viel seltener, und weibliche Figuren verschwinden fast vollständig; nur Bilder von Tierköpfen kommen vor. Aber die Zeichnung erreicht eine für ihre Zeit wirklich bemerkenswerte Perfektion. Natürlich gibt es auch weniger gelungene Dinge. Und hier werden in den meisten Fällen große Tiere zur Handlung - das Hauptjagdobjekt dieser Zeit: ein Bison, ein Pferd, ein Hirsch, gelegentlich - ein Mammut, ein Nashorn, Raubtiere sind noch seltener. Und hier sind die Bilder von Tieren einzeln, die Kompositionen sind sehr wenige, manchmal wird eine Gruppe von Tieren durch Wiederholung eines Details gegeben, zum Beispiel wird eine Herde von Hirschen als eine Reihe von sich verzweigenden Hörnern dargestellt. Gelegentlich gibt es Bilder von Fischen, Lachsen, Hechten, Karpfen, Döbeln usw. - Vögeln. Abbildungen einer Person sind ziemlich selten, und diese Zeichnungen sind immer weniger realistisch und weniger erfolgreich. Bilder von Pflanzen sind ebenso selten. Ein besonderer Platz in der Madeleine-Zeichnung ist hinter Bildern, die halb Mensch, halb Tier darstellen.

Wesentlich höher im Vergleich zur Aurignac-Solutrean-Kunst ist die Malerei von Madeleine. Dies ist normalerweise eine direkt in den Felsen gehauene Kontur, die mit weißen, roten, gelben und schwarzen Farben bemalt ist, wobei Rot in einem größeren Volumen vorhanden ist. Diese Farben sind, wie Studien gezeigt haben, mineralisch, mit Fett oder Knochenmark vermischt. An den Madeleine-Standorten werden oft Farben gefunden, die anscheinend in zerkleinerter und gemischter Form für die Zukunft vorbereitet sind, sogar eine Knochenflasche wurde gefunden, in der rotes Ockerpulver aufbewahrt wurde. Das Thema der Madeleine-Malerei sind fast ausschließlich große Pflanzenfresser, insbesondere Bisons und Hirsche, selten Raubtiere. Die Abmessungen der Bilder sind in der Regel sehr groß und reichen bis zu 2,5 m. Gemessen an der Tatsache, dass sich die Madeleine-Bilder hauptsächlich in tiefen Höhlen befinden, muss man davon ausgehen, dass die Arbeiten unter künstlicher Beleuchtung mit den gefundenen fetten Lampen durchgeführt wurden an den Stätten dieser Kultur. Es gibt Höhlen, die ganze Sammlungen paläolithischer Gemälde sind. Madeleines Malerei und Zeichnung zeichnen sich durch großen Realismus aus, sie offenbaren oft eine bemerkenswerte Kenntnis der Natur. Weitgehend konturiert bleibend und nur vereinzelt schraffiert, ist die Madeleine-Zeichnung vollkommen ausdrucksstark. Im Gegensatz zur Unbeweglichkeit der Aurignac-Solutrean-Bilder ist die Natur in der Madeleine-Zeichnung mit Bewegung gefüllt, verschiedene Posen werden perfekt vermittelt, besonders erfolgreich - die Drehung des Kopfes.

Relief auf einer Steinplatte. Aurignacische Kultur.

Die Madeleine-Zeichnung ist nicht perspektivlos. Die Malerei vermittelt gut Volumen, während die Plastizität durch die Verteilung von hellen und dunklen Tönen erreicht wird; manchmal wird ein bunter Hintergrund gegeben. Anstelle der unvollständigen Darstellung der Natur in der vorherigen Schicht der Madeleine geben sowohl das Zeichnen als auch das Malen dem Tier häufiger eine vollständige Figur. Schließlich steht das bedingte Ziehen bei der Madeleine viel höher. Wir begegnen hier entweder einem stilisierten Bild eines Tieres oder einem freien ornamentalen Motiv, das auf einem Werkzeug angebracht ist. Auf einigen Mustern der Zeichnung dieser Pore lässt sich ein Übergang von einem Bild mit Zeichen des Realismus zu einer Stilisierung mit einem Ornament nachvollziehen.

Zeichnen auf dem Stein. Madeleine.

Natürlich sollte man die künstlerischen Vorzüge der paläolithischen Kunst nicht überbewerten. Ihre kulturgeschichtliche Bedeutung liegt jedenfalls darin, dass wir die ersten Beispiele menschlicher Kreativität in bildnerischer Richtung vor uns haben.

Werke der bildenden Kunst von Aurignac-Solutrean und Madeleine sind überall dort zu finden, wo wir Denkmäler dieser Kulturen finden. Herausragende Denkmäler der paläolithischen Malerei sind Höhlen: Font-de-Gaume in Frankreich und Altamira in Spanien. Schöne Beispiele für Skulpturen waren Denkmäler, die auf dem Territorium Russlands gefunden wurden: Gagarino, Kostenki, Malta usw.

Ein besonderer Platz in der Handlung und Art hinter der Zeichnung ist die sogenannte Capsian-Kultur (vom Namen der Oase und der Stadt Gafsa - Roman Capsa - in Tunesien). Diese Kultur, die Entsprechungen mit europäischen Kulturen des Jungpaläolithikums und des frühen Neolithikums aufweist, ist im Südosten Spaniens, teilweise in Italien, in Nordafrika, Kleinasien und teilweise im Kaukasus verbreitet. Die Bilder hier sind hauptsächlich Silhouetten - aus schwarzen und roten Farben - und zeichnen auf den Felsen, aber nicht in Höhlen, sondern an offenen Orten. Die Größe ist normalerweise klein.

Zeichnungen an den Wänden der Höhle. Madeleine.

Die größte Errungenschaft der kapsischen Kunst ist der Übergang zur Komposition, die manchmal sehr komplex ist, zusätzlich zu Bildern von einzelnen Figuren. Es sind Alltagsbilder, Jagdszenen, Kriegsepisoden. Capsian Drawing ist extrem ausdrucksstark, das Bild ist grundsätzlich realistisch, aber der Wunsch, Bewegung zu vermitteln, führt zu extremer Konventionalität.

Bison mit Pfeilen. Zeichnen auf dem Felsen. Madeleine.

Andererseits ist die bildende Kunst des frühen Neolithikums in Europa sehr arm. Es muss zugegeben werden, dass nach dem wunderbaren, wahrhaft glanzvollen Aufstieg der bildenden Kunst im Spätpaläolithikum ein deutlicher Niedergang eingetreten ist. Infolgedessen sind fast die einzigen Beispiele für Azils Kunst bemalte Kieselsteine, auf denen bedingte Zeichnungen oder Zeichen mit rotem Ocker angebracht sind, die nicht in akzeptabler Weise interpretiert werden können.

Die bildenden Künste der nächsten Stadien des Neolithikums entwickeln sich in eine neue Richtung. Es gibt wunderbare Beispiele runder Skulpturen aus Holz, Knochen und Stein. Einige Petroglyphen (Felszeichnungen) geben realistische oder bedingte Bilder von Tieren und Menschen wieder. Im Allgemeinen folgt die neolithische Kunst der dekorativen Linie und gibt hier andererseits eine Fülle verschiedener Formen. In dieser Epoche ist der Wunsch, alle Dinge zu dekorieren, die eine Person umgeben, die ihm dient, bis hin zu den gewöhnlichsten und unprätentiösesten Gegenständen des täglichen Gebrauchs, insbesondere Tongeschirr, in dieser Epoche weit verbreitet. Ein solches Ornament bildet ein Ornament (lateinisch ornamentum - „Dekoration“), von seinen einfachsten Formen - narbig, kammartig oder primitiv geometrisch - bis hin zu sehr komplex und hochkünstlerisch, mit verschiedenen Motiven und Plots, verschiedenen Farben. Kleidung, Gebrauchsgegenstände und Waffen sind ebenfalls mit verschiedenen, zum Teil sehr reichen Ornamenten überzogen. Skulptur und Relief haben in der Jungsteinzeit dekorativen Charakter. Menhire, die die Form von Menschenbildern annehmen, geben den Anfang einer Statue. Eine besondere Form der Menhire stellen "Steinstatuen" dar - massive, meist bis zu 2 m hohe und mehr Statuen mit einem primitiv geformten Gesicht und einem noch primitiveren Oberkörper. Diese Statuen waren auf dem Territorium der ehemaligen UdSSR, auf einem großen Gebiet ihrer europäischen und asiatischen Teile, insbesondere im südlichen Teil Europas, weit verbreitet.

Wenden wir uns nun dem ethnographischen Material zu, so treffen wir hier meist auf eine dekorative Richtung, die recht viele verschiedene Formen gibt und oft eine bedeutende künstlerische Höhe erreicht. Was das Zeichnen und Malen betrifft, so zeigen zwar nicht wenige Nationalitäten bemerkenswerte Fähigkeiten in dieser Richtung, aber mit einer Ausnahme finden wir hier nichts, was der Kunst von Madeleine und Capsa ebenbürtig oder auch nur ähnlich wäre. Die Ausnahme bilden die wunderbaren Umrisszeichnungen und Gemälde der Buschmänner. Wir sehen hier Fels- und Höhlenmalereien, deren Handlung Tiere, Vögel, Menschen sind, sowohl einzeln als auch in Gruppen. Die Natur wird im Profil dargestellt, meist in Bewegung. Kompositionen sind keine Seltenheit – Jagdszenen, religiöse Zeremonien, militärische Episoden. Sowohl in der Madeleine als auch hier gibt es Menschenbilder mit Tierkopf.

Jagdszenen. Zeichnungen auf dem Felsen. Kapsische Kultur. Ostspanien.

Die Buschmann-Malerei unterscheidet sich von der Madeleine-Malerei dadurch, dass bei ihr die Kontur oft willkürlich in zwei oder drei Farben, rot, schwarz, gelb oder weiß, auf die Oberfläche gemalt wird. Buschmänner verwendeten Pinsel und eine Steinpalette zum Färben. Bilder zeichnen sich durch bemerkenswerten Realismus, Genauigkeit, hervorragende Proportionen und Ausdruck aus. Natürlich ist auch hier auf künstlerischer Ebene nicht alles gleich.

Skulpturen, rund und reliefiert, sind unter der Masse der Stämme und Nationalitäten weit verbreitet. Größtenteils ist es eng mit Religion und Kult verbunden, meist eher primitiv. Aber auch hier treffen wir auf Werke - sowohl realistische als auch rein stilisierte oder phantastische - bei aller Originalität, bei aller "Exotik", unverwechselbar im Geschmack und künstlerischer Perfektion. Dies gilt besonders für die runden Holzskulpturen der Neger Westafrikas und der Melanesier und für die dekorativen Reliefs der Polynesier und Indianer im Nordwesten Nordamerikas, der Hydes, der Tlingit und anderer.

Masken werden zu einem besonderen Manifestationsbereich der bildenden Kunst. Der Ursprung der Masken gehört offenbar einer sehr archaischen Vergangenheit an: Sie sind bereits sehr rückständigen Stämmen bekannt. Gleichzeitig hat die Maske unterschiedliche Ursprünge: Verkleidung als Tier als Jagdmethode und eine der Formen totemistischer Verfahren sowie als Mittel zur Einschüchterung des Feindes. Die Masken vieler Stämme und Nationalitäten sind oft wunderbare Werke der Skulptur und Malerei, und mit der vorhandenen Groteske sind sie ohne Übertreibung herausragende Beispiele der bildenden Kunst.

Archäologisches und ethnografisches Material, das die frühen Manifestationen der bildenden Kunst abdeckt, hinterlässt viele Lücken und wirft eine Reihe ernsthafter Fragen auf. Es muss offen gesagt werden, dass sowohl die Unvollständigkeit des Materials als auch die Unkenntnis solcher Fragen dazu zwingen, viele von ihnen offen zu lassen. Wir werden nur noch einmal auf die Frage nach dem Zusammenhang zwischen primitiver Kunst und Religion zurückkommen. Wir wissen bereits, dass die Religion auch in den Bereich der Kunst vordringt. Daher ist es nicht unerwartet, dass einige primitive Kunstwerke den Stempel der Religion tragen und manchmal vollständig von ihr bedingt sind. Religiöser Einfluss zeigt sich besonders in den späteren Stadien der sich entwickelnden primitiven Kunst, genauer gesagt in der Bildhauerei und Ornamentik. Diese religiöse Konditionierung der Kunst ist jedoch nicht überall zu finden. Übrigens gibt es in der paläolithischen Malerei sehr selten Bilder eines Tieres mit darin steckenden Pfeilen. Diese Bilder sind ein beliebtes und stereotypes Argument der religiösen Kunsttheorie. Sie sagen, dass wir hier ein magisches Gerät haben: Mittels eines solchen Bildes dachte der Künstler an die Bereitstellung seiner eigenen erfolgreichen Jagd. Aber eine andere Interpretation dieser Zeichnung, nämlich als ziemlich realistisches Bild eines Tieres mit hineingefallenen Pfeilen, ist kaum zu bestreiten. Ein weiterer Beweis wird ebenso oft geführt. Bilder von halb Tieren, halb Menschen, die in paläolithischen Denkmälern und in der Malerei der Buschmänner zu finden sind, werden als Bilder von Zauberern interpretiert. Aber auch hier sieht man ziemlich realistische Bilder einer speziellen Jagdtechnik, die als Tier getarnt ist, eine Technik, die von vielen Stämmen, einschließlich derselben Buschmänner, weit verbreitet ist.