อนุภาคของสสารในฟิสิกส์ควอนตัม ฟิสิกส์ควอนตัม: ไม่มีผู้สังเกตการณ์ - ไม่สำคัญ พื้นที่ของเราเป็นโค้ง

Okimono ในความรู้สึกแบบยุโรปดั้งเดิมคือรูปปั้น ในวัฒนธรรมญี่ปุ่น "การแกะสลัก" เป็นงานศิลปะและงานฝีมือของญี่ปุ่น ซึ่งเป็นรูปปั้นที่ออกแบบมาเพื่อตกแต่งภายใน ในอดีต คำว่าโอกิโมโนะหมายถึงประติมากรรมขนาดเล็กหรือของประดับตกแต่งที่วางอยู่ในโทโคโนมะของที่อยู่อาศัยแบบญี่ปุ่นดั้งเดิม

Okimono นั้นคล้ายกับ netsuke ทั้งในด้านการออกแบบ ในแปลง และมักจะมีขนาด แต่ใน okimono ไม่มีรูสำหรับเชือกซึ่งอยู่ใน netsuke

โดยทั่วไปแล้ว okimono ทำจากไม้ งาช้าง บรอนซ์ เงิน การผสมผสานของวัสดุเหล่านี้ไม่ใช่เรื่องแปลก ช่างฝีมือจึงใช้ลวดลายฝังมุก เคลือบฟัน คอรัล และแล็กเกอร์สีทองเพื่อเพิ่มเอฟเฟกต์การตกแต่ง สิ่งที่มีค่าที่สุดคือสิ่งของที่ทำจากงาช้าง บางครั้งก็ย้อมสีชาและตกแต่งด้วยเครื่องประดับแกะสลัก

อุดางาวะ คาซึโอะ. ผู้หญิงกำลังให้นมลูก

ผลงานของ Kazuo ได้รับการจัดแสดงในนิทรรศการระดับนานาชาติหลายครั้งและได้รับรางวัลอันทรงเกียรติจาก "มาดอนน่าญี่ปุ่น" อย่างถูกต้อง ในภาพของคุณแม่ยังสาว เราสามารถเดาได้ว่ามีความคล้ายคลึงกับ Benois Madonna ที่มีชื่อเสียงโดย Leonardo da Vinci อาจารย์ได้สร้างมันขึ้นมาหลายรุ่น - เป็นทองสัมฤทธิ์ (หนึ่งในสำเนาอยู่ในคอลเลกชันของ Nasser D. Khalili) ในไม้และกระดูก แน่นอนว่าสิ่งที่มีค่าที่สุดคือแบบจำลองที่แกะสลักจากงาช้างซึ่งประดับประดาคอลเลกชันของ A. Feldman

ก่อตั้งขึ้นภายใต้อิทธิพลของจีนและอินเดียบางส่วน การตกแต่งสไตล์จีนได้กลายเป็นต้นแบบสำหรับศิลปินญี่ปุ่น แต่พวกเขาได้สร้างระบบศิลปะที่เป็นเอกลักษณ์ของตนเอง ควรสังเกตว่าในสมัยโบราณและในยุคกลางญี่ปุ่นแทบไม่รู้จักการรุกรานจากต่างประเทศ สิ่งนี้ทำให้เธอสามารถสร้างประเพณีบางอย่างที่เกี่ยวข้องกับทัศนคติของกวีต่อภูมิทัศน์โดยรอบเป็นหลัก ภาพวาดตกแต่งของญี่ปุ่นมีความสัมพันธ์อย่างใกล้ชิดกับทัศนคติของญี่ปุ่นต่อธรรมชาติ ซึ่งถือว่าเป็นส่วนหนึ่งของภาพจักรวาลวิทยาภาพเดียวของโลก ที่ทุกอย่างเชื่อมโยงถึงกันและมีลำดับชั้น จิตรกรชาวญี่ปุ่นเลือกสิ่งนี้หรือลวดลายนั้น ไม่เพียงแต่พยายามสร้างภาพลักษณ์ที่แท้จริง (ต้นสน, ไซเปรส, ดอกโบตั๋น, ดอกไอริส) แต่ยังหาวิธีที่จะถ่ายทอดความเชื่อมโยงกับสิ่งทั่วไปและสำคัญกว่า วิธีเชื่อมโยงที่มีอายุหลายศตวรรษ ชั้น ของ ความ จํา ทางวัฒนธรรม ต่อ การ รับรู้

ในญี่ปุ่น เช่นเดียวกับในประเทศจีน ลวดลายและองค์ประกอบประดับมักเป็นสัญลักษณ์: นกและผีเสื้อเป็นสัญลักษณ์ของประสบการณ์ความรัก ความปรารถนาในความสุข นกกระเรียน (ซึรุ) เป็นสัญลักษณ์ของความโชคดีและความเจริญรุ่งเรือง อายุยืนยาว หัวไชเท้า (daikon) ถือเป็นสัญลักษณ์ของความแข็งแกร่งและอำนาจ การให้กำเนิด - ส้ม, พรหมจรรย์ - ดอกบัว, เชอร์รี่ (ซากุระ) - สัญลักษณ์แห่งความอ่อนโยน, ไผ่ - ความแข็งแกร่งและความกล้าหาญ, เป็ดแมนดารินนั่งบนก้อนหินใต้ต้นไม้ถือเป็นสัญลักษณ์ แห่งความสุขในชีวิตสมรสและความจงรักภักดี

ความเปราะบางและความแปรปรวนของสิ่งมีชีวิตนั้นชวนให้นึกถึงดอกซากุระที่ร่วงหล่นในฤดูใบไม้ผลิ ดอกเบญจมาศที่บานสะพรั่งเป็นสัญญาณบ่งบอกถึงอายุยืนยาว ในตอนต้นของศตวรรษที่ XVII ลวดลายของดอกโบตั๋นที่เบ่งบานถือเป็นสัญลักษณ์ของผู้สูงศักดิ์ผู้สูงศักดิ์

สัญลักษณ์ของฤดูกาลคือปรากฏการณ์ทางธรรมชาติ สัตว์และดอกไม้: หมอกควัน, ดอกเชอร์รี่, ต้นวิลโลว์, ดอกเคมีเลีย - ฤดูใบไม้ผลิ; นกกาเหว่า, จักจั่น, ดอกโบตั๋น - ฤดูร้อน; ใบเมเปิ้ลสีแดง, เบญจมาศ, กวาง, ดวงจันทร์ - ฤดูใบไม้ร่วง, ดอกพลัมในหิมะ - ฤดูหนาว

ดอกเบญจมาศเก๋เก๋มีหกกลีบในรูปแบบของวงกลมเป็นสัญลักษณ์ของอำนาจจักรวรรดิในญี่ปุ่น เขาเป็นตัวเป็นตนของดวงอาทิตย์ส่องสว่างดินแดนแห่งดวงอาทิตย์ขึ้นด้วยรังสีของมัน

ลวดลายมากมายในศิลปะญี่ปุ่นมีชื่อเรียก ตัวอย่างเช่น ลวดลาย "sei-gai-ha" แบบดั้งเดิมคือคลื่นของมหาสมุทรสีฟ้า ลายรังผึ้งเรียกว่า kikko (กระดองเต่า) เป็นสัญลักษณ์ของความโชคดี ดอกเบญจมาศทรงกลมมีลวดลายมารุงิคุ ซึ่งมักใช้กับผ้ากิโมโน ภาพวาดนกกระจอกถูกวาดบนลวดลายฟุคุระ-ซูซูเมะ และเกาลัดน้ำเก๋ไก๋ (ฮิชิ) ถูกวาดบนลวดลายฮิชิ-มง องค์ประกอบเดียวของรูปแบบ uro-ko-mon คือสามเหลี่ยมหน้าจั่ว สามเหลี่ยมดังกล่าวหลายร้อยรูปทำให้เกิดปิรามิดขนาดต่างๆ

องค์ประกอบเชิงบรรยายและเชิงสัญลักษณ์มีอิทธิพลในการตกแต่งงานศิลปะของญี่ปุ่น มีเครื่องประดับเรขาคณิตค่อนข้างน้อย ในทางกลับกัน ธีมของพืช ภูมิทัศน์ และสัตว์ต่างๆ เป็นศูนย์กลางในภาพวาดผลงานของญี่ปุ่น

กิ่งไม้ สมุนไพร ดอกไม้ มังกรขนนก สัตว์ประหลาดและงูที่น่าอัศจรรย์ ผีเสื้อ และแมลงอื่นๆ เป็นหัวข้อหลักในภาพวาดเครื่องลายคราม เครื่องเขิน ผ้า

การตกแต่งที่ผิดปกติทำให้ผลิตภัณฑ์ของอาจารย์ชาวญี่ปุ่นแตกต่างจากผลิตภัณฑ์ของชนชาติอื่นอย่างมีนัยสำคัญ สไตล์ญี่ปุ่นมีลักษณะที่ไม่สมมาตรโดยเจตนาในการตกแต่ง อัตราส่วนการตกแต่งและรูปแบบทางศิลปะที่เสรี ไม่ใช่การอยู่ใต้บังคับบัญชา แต่ในทางกลับกัน การวางเคียงกันที่ตัดกัน ขาดมุมมองในภาพ และความสำคัญของวัสดุ มีตรรกะและความได้เปรียบในการทำงานที่เข้มงวดอยู่เสมอ ความสอดคล้องตามความสมดุลของการผสมสี ความสอดคล้องกันของพื้นที่ว่างและเต็มพื้นที่

แต่ละรูปแบบควรมีความหมายที่ดีและการแสดงออกทางคำศัพท์ที่ดี ชาวญี่ปุ่นเชื่อในความมหัศจรรย์ของคำว่า kotodama พวกเขายังเชื่อว่าคำพูดสามารถทำให้เกิดปัญหาหรือในทางกลับกันก็นำโชคมาให้ เครื่องประดับที่เกี่ยวข้องกับคำที่ก่อให้เกิดการกระทำ เช่น 'เปิด' 'เริ่มต้น' 'เติบโต' 'ดำเนินการต่อ' 'เต้นรำ' - ถือว่าดี และรูปแบบที่เกี่ยวข้องกับคำว่า 'สิ้นสุด' 'ตก' ' หดตัว' 'ฉีกขาด' - ไม่ดี แต่ถึงกระนั้นที่นี่ก็มีรายละเอียดปลีกย่อย มีการแสดงภาพลำธารที่มีพายุ - หมายความว่าจะมีพายุภัยพิบัติ ลำธารนั้นเงียบสงบ - ​​ปรารถนาชีวิตที่สงบและวัดได้

เครื่องประดับสามารถมีองค์ประกอบที่ดีหรือไม่ดีก็ได้ หากกิ่งไม้ไม่มีดอกตูมหรือไม่มีที่ว่างด้านหน้าดอกตูมที่ดอกไม้สามารถเปิดได้ แสดงว่าไม่มีอนาคตสำหรับการออกดอก

ศิลปะญี่ปุ่นในอดีตพัฒนาขึ้นโดยอาศัยพื้นฐานของชีวิตทางศาสนาที่พัฒนาอย่างสูงซึ่งถูกกำหนดโดยพุทธศาสนา ศาสนาชินโต และลัทธิขงจื๊อ (มีแนวคิดเกี่ยวกับลัทธิเต๋าด้วย) ศาสนาสะท้อนให้เห็นอย่างชัดเจนและโดยปริยายในศิลปะญี่ปุ่น หนึ่งในวิธีที่มีประสิทธิภาพในการสร้างภาพลักษณ์ทางศิลปะคือการรวมข้อความศักดิ์สิทธิ์เข้าไว้ในโครงสร้างของงานศิลปะโดยตรง แต่บ่อยครั้งที่ลวดลายทางศาสนาฟังเฉพาะในจิตวิญญาณของอาจารย์เท่านั้น ซึ่งทำให้การสร้างสรรค์ของเขามีบรรยากาศพิเศษที่ชาวญี่ปุ่นยุคกลางจับได้อย่างสมบูรณ์แบบ

มรดกประดับประดาของญี่ปุ่นมีมากมายและหลากหลาย ประวัติความเป็นมาของศิลปะการตกแต่งทำให้เรามีโอกาสติดตามได้อย่างชัดเจนว่ารูปแบบชีวิตทางสังคม สุนทรียศาสตร์ และความรู้ความเข้าใจถูกรวมเข้ากับความคิดสร้างสรรค์ของมนุษย์อย่างไร

สมัยอาสุกะ-นาระ (ศตวรรษที่ 6-8)มีลักษณะการใช้เครื่องประดับและลวดลายจากประเทศเพื่อนบ้านอย่างแข็งขัน - จีน เกาหลี แม้ว่าลวดลายเหล่านี้จำนวนมากถูกนำไปยังเอเชียตะวันออกตามเส้นทางสายไหมอันยิ่งใหญ่จากกรีซ อินเดีย ฯลฯ มีความคล้ายคลึงกันอย่างชัดเจนระหว่างเครื่องประดับเหล่านี้ ยุคและเครื่องประดับของวัฒนธรรมโบราณอื่น ๆ ของยูเรเซีย

เสื้อผ้าถูกตกแต่งด้วยภาพสัตว์ในตำนานและพืชที่เกี่ยวข้องกับความแข็งแกร่งและพลัง รูปนกฟีนิกซ์และมังกร ตลอดจนนกและปลาต่างถิ่น ตามความเชื่อของญี่ปุ่น สามารถขับไล่วิญญาณชั่วร้ายออกไปได้ ดังนั้นรูปสิงโตจีน ราชาแห่งสัตว์ จึงทำหน้าที่เป็นเครื่องราง

ในช่วงเวลาเดียวกันมีการยืมเครื่องประดับของชาวพุทธ - พืชและสัตว์ในสวรรค์ตะวันตกของดินแดนบริสุทธิ์ - เต่า, นกที่มีกิ่งไม้อยู่ในปากนก, นกนางฟ้าสวรรค์ Kalavinka, ดอกไม้ในตำนาน

เครื่องประดับโบราณกลุ่มที่สามเกี่ยวข้องกับเทห์ฟากฟ้าและปรากฏการณ์ทางธรรมชาติ - ดวงอาทิตย์, ดวงจันทร์, ดวงดาว, เมฆ ฯลฯ ซึ่งถือเป็นที่อยู่อาศัยของเทพซึ่งทำให้พวกเขามีพลังวิเศษ

ในสมัยเฮอันและคามาคุระ (ศตวรรษที่ 9-14)ระบบการตกแต่งของญี่ปุ่นกำลังเป็นรูปเป็นร่าง รูปแบบได้รับความหมายใหม่ตามประเพณีของญี่ปุ่น

เครื่องประดับมากมายที่อิงจากวรรณคดีคลาสสิกของจีนปรากฏขึ้น และการออกดอกของกวีนิพนธ์และร้อยแก้วของญี่ปุ่นก็มีส่วนช่วยในการสร้างเลเยอร์ขนาดใหญ่ของรูปแบบดังกล่าว ต้องขอบคุณการประดิษฐ์อักษรคะนะ จึงมีเครื่องประดับอักษรวิจิตรปรากฏขึ้น โดยที่อักษรถูกถักทอเข้ากับการตกแต่งในลักษณะที่หาได้ยากในองค์ประกอบโดยรวม การออกแบบประเภทนี้เรียกว่า 'กัน' และกลายเป็นเรื่องปกติสำหรับเวลานั้น 'ความเป็นญี่ปุ่น' ของเครื่องประดับยังแสดงให้เห็นในวงกว้างของวัตถุ สัตว์ และพืชที่รายล้อมบุคคล เช่น เชอร์รี่ออกดอก เบญจมาศ เมเปิ้ล นกกระจอก กวาง กระท่อม รั้ว ฯลฯ ในเวลาเดียวกัน ได้มีการสร้างเครื่องประดับของชนชั้นสูงขึ้น ซึ่งรู้จักกันในชื่อทั่วไปว่า 'yu: soku-monyo' เหล่านี้เป็นรูปแบบเล็กน้อยซึ่งกลายเป็นต้นแบบของเสื้อคลุมแขน

สมัยมุโรมาจิและโมโมยามะ (ศตวรรษที่ 15-16)เป็นที่ประจักษ์โดยการเผยแพร่คำสอนของนิกายเซนอย่างแพร่หลายและด้วยศิลปะของพิธีชงชาและการจัดดอกไม้ วัตถุทางพุทธศาสนาเริ่มถูกนำมาใช้เป็นลวดลายประดับ เจ้าชายทหารมีค่านิยมและมุมมองด้านสุนทรียศาสตร์ซึ่งแสดงออกอย่างชัดเจนในรูปแบบของวัฒนธรรมใหม่ในชีวิตประจำวัน ในเวลานี้ คำว่า 'ยุคสมัยสำคัญกว่าแบบจำลอง' (rei yori jidai) ปรากฏขึ้น ซึ่งเป็นเครื่องยืนยันถึงความปรารถนาที่จะแทนที่แบบจำลองจีนที่ยืมมาในสมัยโบราณด้วยรูปแบบใหม่ที่สอดคล้องกับแนวโน้มใหม่ของเวลา เมื่อรูปแบบเริ่มพรรณนาถึงวัตถุที่ก่อนหน้านี้อยู่นอกขอบเขตของสุนทรียศาสตร์ ต้องขอบคุณการพัฒนาความสัมพันธ์ระหว่างสินค้าและเงิน งานฝีมือได้รับการปรับปรุง และสินค้าหัตถกรรมจำนวนมากเริ่มถูกใช้เป็นบรรทัดฐานในการตกแต่งสิ่งของและเสื้อผ้า ในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 16 ญี่ปุ่นคุ้นเคยกับวัฒนธรรมยุโรปซึ่งมีอิทธิพลอย่างมากต่อการตกแต่งและศิลปะและงานฝีมือโดยทั่วไป เครื่องประดับของเวลานี้มักถูกนำไปใช้กับหมึก ในช่วงเวลาเหล่านี้ ภาพวาดด้วยหมึกได้รับความนิยมบนหน้าจอ พัดลม และของตกแต่งภายในอื่นๆ เป็นมูลค่าการกล่าวขวัญถึงกลุ่มศิลปินที่มีชื่อเสียง - Noami, Geyami, Soami ซึ่งเป็นโรงเรียน Pure Land

ในศตวรรษที่ 17 มีรูปแบบและเครื่องประดับที่หลากหลาย ยุคการปิดประเทศ การพัฒนาเศรษฐกิจภายในประเทศอย่างสันติ การพัฒนาสวัสดิการของประชากรในเมือง ส่งผลดีต่อการพัฒนาวัฒนธรรมดั้งเดิม งานฝีมือแบบดั้งเดิมของภูมิภาคนั้นกระจายไปทั่วประเทศ และด้วยการพัฒนาของงานฝีมือเหล่านี้ มันจึงเป็นไปได้ที่จะสร้างเครื่องประดับใหม่ที่ประณีตและซับซ้อนยิ่งขึ้น ภาพวาด "ยูเซ็น" ที่สงวนไว้ (ภาพวาดบนผ้า ผ้าบาติก) ทำให้สามารถพรรณนาภูมิทัศน์ที่ซับซ้อนบนเสื้อผ้าได้ ในช่วงเวลานี้ ภาพชีวิตประจำวันของผู้คน ฉากประเภทกลายเป็นเรื่องปกติ ขอบคุณการแพร่กระจายของการรู้หนังสือในหมู่ประชาชนงานคลาสสิกของกวีนิพนธ์และร้อยแก้วได้รับการอ่านใหม่ซึ่งนำไปสู่การตีความใหม่ของเครื่องประดับในรูปแบบวรรณกรรม

ในสมัยเอโดะ (ศตวรรษที่ 17-18)แคตตาล็อกที่พิมพ์ของเครื่องประดับกิโมโนปรากฏขึ้น - ฮินากาตะบอนซึ่งแทนที่หนังสือสั่งแบบดั้งเดิมซึ่งแต่ละคำสั่งซื้อได้รับการอธิบายรายละเอียดจากคำพูดของลูกค้า หนังสือและภาพพิมพ์สีฮินากาตะกลายเป็นนิตยสารแฟชั่นฉบับแรกในญี่ปุ่น บนพื้นฐานของการที่ชาวเมืองสั่งทำเสื้อผ้า

หลังจากการเปิดญี่ปุ่นในปี พ.ศ. 2398 สู่โลกภายนอก สินค้าและงานศิลปะของญี่ปุ่นก็ถูกนำไปยังยุโรปในปริมาณมาก และค้นหาผู้ชื่นชอบในนั้นได้อย่างรวดเร็ว ที่งานนิทรรศการระดับโลกในลอนดอนและปารีส มีการสาธิตงานแกะสลักสีของญี่ปุ่นและผลิตภัณฑ์ต่างๆ ของศิลปะการตกแต่งและศิลปะประยุกต์ (พอร์ซเลน กิโมโน ฉากกั้น เครื่องเขิน ฯลฯ)

ศิลปะญี่ปุ่นสร้างความตื่นตาตื่นใจให้กับตะวันตก มีอิทธิพลอย่างมากต่อศิลปะของศิลปินชาวยุโรปหลายคน และมีส่วนทำให้เกิดรูปแบบ "สมัยใหม่"

งานศิลปะ ราชวงศ์เซรามิกของญี่ปุ่น Rakuครอบครองสถานที่พิเศษและไม่เหมือนใครในประวัติศาสตร์เซรามิกส์และศิลปะการตกแต่งและประยุกต์ทั้งหมดของญี่ปุ่น ราชวงศ์ของช่างฝีมือเกียวโตยังคงรักษาความต่อเนื่องมาเป็นเวลาสิบห้าชั่วอายุคน โดยยังคงรังสรรค์เครื่องปั้นดินเผาตามประเพณีทางศิลปะแบบเดียวกับที่มีต้นกำเนิดในกลางศตวรรษที่ 16

ผลิตภัณฑ์ของตัวแทนของราชวงศ์ Raku ไม่ได้มุ่งเน้นไปที่การผลิตจำนวนมากหรือแม้แต่การผลิตต่อเนื่อง แต่เน้นการสร้างสรรค์ผลงานที่ไม่เหมือนใครสำหรับผู้ที่ชื่นชอบพิธีชงชาแบบ cha-no-yu ละครของการประชุมเชิงปฏิบัติการส่วนใหญ่ประกอบด้วยชามชา (tyavan), กระถางธูป (koro), กล่องธูป (kogo) ที่ไม่ค่อยบ่อยและแจกันสำหรับจัดดอกไม้ (กระท่อม) ดูเหมือนว่าข้อจำกัดความสามารถของช่างฝีมือ Raku นี้นำไปสู่การขัดเกลาและการตกผลึกของสไตล์ของเวิร์กช็อป สิ่งของทั้งหมดเหล่านี้มีร่องรอยที่ชัดเจนของความเป็นปัจเจกของปรมาจารย์ผู้สร้างพวกเขาและเวลาที่เป็นของเหล่านั้น

เทคโนโลยีของตระกูล Raku ขึ้นอยู่กับเทคนิคการขึ้นรูปและการเคลือบที่พัฒนาขึ้นเมื่อปลายศตวรรษที่ 16 ในระหว่างการทำงานของปรมาจารย์ที่โดดเด่น ผู้ก่อตั้งราชวงศ์ Raku Raku Tejiro: (楽　長次郎, ?-1589 ). ผลิตภัณฑ์ถูกปั้นด้วยมือ (อาจเป็นเพราะดินเหนียวในท้องถิ่นมีความเป็นพลาสติกต่ำ ซึ่งทำให้ไม่สามารถยืดบนล้อช่างหม้อได้) และเคลือบด้วยสารเคลือบที่หลอมละลายได้ในลักษณะโพลิโครม (เลียนแบบเซรามิกสามสีของจีน Sancai ของ สมัยหมิง (1368-1644)) หรือเคลือบสีแดงดำขาวดำ เป็นผลิตภัณฑ์ขาวดำที่มีชื่อเสียงที่สุดในหมู่ผู้เชี่ยวชาญด้านชาและได้รับชื่อ aka-raku (ราคุแดง) และ kuro-raku (ราคุสีดำ)


ขั้นตอนเทคโนโลยีที่โดดเด่นที่สุดของ Raku คือการยิงที่อุณหภูมิในห้องเผาไหม้ตั้งแต่ 850 ถึง 1,000 ° C ผลิตภัณฑ์จะถูกลบออกอย่างรวดเร็วและทำให้เย็นในที่โล่งหรือโดยการแช่ในน้ำ (ชาเขียว) ทั้งรูปแบบชามที่ไม่โอ้อวด แต่มีชีวิตชีวาและแสดงออก และเอฟเฟกต์การเคลือบที่เกิดขึ้นระหว่างการเย็นลงอย่างกะทันหัน ให้ความหมายและเอกลักษณ์เฉพาะแก่ผลิตภัณฑ์ของการประชุมเชิงปฏิบัติการ และตรงตามข้อกำหนดของสุนทรียศาสตร์วาบิที่กำหนดพิธีชงชาของเซ็นโนะ Rikyu (1522-1591) และผู้ติดตามที่ใกล้ชิดที่สุดของเขา ในศตวรรษที่ 17 การรับรู้ของรูปแบบใหม่ของเซรามิกส์นี้ไม่เพียงแสดงออกถึงราคาสูงของ chawans ของเวิร์คช็อป Raku แต่ยังรวมถึงการเลียนแบบและการตีความของ utsushi ("การคัดลอกด้วยความแตกต่าง") ที่สร้างขึ้นโดยเซรามิคต่างๆ ศิลปิน. Hon'ami Koetsu (1558-1673) และ Ogata Kenzan (1663-1743) ช่างฝีมือที่ทรงอิทธิพลที่สุดแห่งยุคเอโดะ (1603-1868) ศึกษากับปรมาจารย์ของตระกูล Raku และสร้างการตีความที่สดใสของสไตล์

ดังนั้นในประเทศญี่ปุ่นในศตวรรษที่ 17 ทั้งผลิตภัณฑ์ของตระกูล Raku และผลิตภัณฑ์ที่ผลิตโดยช่างเซรามิกจากเวิร์คช็อปอื่น ๆ และศิลปินอิสระใน "raku style" จึงมีอยู่แล้ว แม้ว่าชื่อเครื่องปั้นดินเผาชนิดพิเศษจะกลายเป็นชื่อที่ถูกต้อง สืบต่อมาจากราคุ เทจิโระ: ฉันภายในเวิร์กช็อปเกียวโต คำว่า "ราคุ" ก็มีความหมายที่เป็นอิสระ ดังนั้นพวกเขาจึงเริ่มเรียกเซรามิกส์ที่สร้างขึ้นในประเพณีทางเทคโนโลยีและความงามของการประชุมเชิงปฏิบัติการเซรามิกที่มีชื่อเสียง ผลิตภัณฑ์จำนวนมากในรูปแบบของราคุ (ส่วนใหญ่มีไว้สำหรับพิธีชงชาแบบชะโนะยุด้วย) ถูกสร้างขึ้นโดยช่างฝีมือในช่วงศตวรรษที่ 17-19 ด้วย

การเปิดญี่ปุ่นสู่ตะวันตกในช่วงกลางศตวรรษที่ 19 นำไปสู่การยืมรูปแบบและลวดลายการตกแต่งจากวิจิตรศิลป์และมัณฑนศิลป์ของญี่ปุ่นโดยปรมาจารย์ชาวตะวันตกอย่างกว้างขวาง อย่างไรก็ตาม เซรามิกส์ของเวิร์คช็อป Raku ไม่ได้ดึงดูดความสนใจของนักชิมชาวตะวันตกจนถึงต้นศตวรรษที่ 20 เนื่องจากไม่ตรงตามความคาดหวังของบริษัทการค้าขนาดใหญ่ และไร้การตกแต่งที่สะดุดตาซึ่งทำให้สินค้าส่งออกของญี่ปุ่นโดดเด่น การประชุมเชิงปฏิบัติการเซรามิกในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 19


จิตรกรและช่างเซรามิกชาวอังกฤษ เบอร์นาร์ด ลีช (2430-2522)

ทุกวันนี้ คำว่า "raku" ถูกใช้กันอย่างแพร่หลายโดยช่างเซรามิกในรัสเซีย ยุโรปตะวันตกและตะวันออก ประเทศในแถบสแกนดิเนเวีย และสหรัฐอเมริกา อย่างไรก็ตาม แนวคิดของ "ceramic raku" ได้ผ่านการเปลี่ยนแปลงครั้งสำคัญในขณะที่แพร่กระจายไปทั่วโลก และการพิจารณาประเด็นเรื่องการก่อตัวของ "European" และ "American raku" ก็ดูเหมือนจะมีความเกี่ยวข้องกัน

ชาวยุโรปคนแรกที่แนะนำเซรามิกสไตล์ราคุให้กับช่างฝีมือชาวตะวันตกคือ เบอร์นาร์ด ลีช ศิลปินและนักเซรามิกส์ชาวอังกฤษ (พ.ศ. 2430-2522) หลังจากได้รับการศึกษาศิลปะในลอนดอน เขามาที่ญี่ปุ่นภายใต้อิทธิพลของหนังสือของ Patrick Lafcadio Hearn (1850-1904) ซึ่งอธิบายว่าญี่ปุ่นเป็นประเทศที่มีวัฒนธรรมซับซ้อน ธรรมชาติที่สวยงาม เงียบสงบ คนทำงานหนัก และผู้หญิงสวย . ครั้งหนึ่งในญี่ปุ่นในปี 1909 Leach ได้รู้จักกับวง Shirakaba (White Birch) ของนักปรัชญาและศิลปินหนุ่มชาวญี่ปุ่น ซึ่งตีพิมพ์นิตยสารวรรณกรรมและศิลปะในชื่อเดียวกันและพยายามนำเสนอมรดกทางศิลปะของโลกแก่ผู้อ่านที่หลากหลาย ไม่เป็นที่รู้จักในญี่ปุ่นจนถึงปลายศตวรรษที่ 19

กิจกรรมของ B. Leach ในสมาคมนี้มีขึ้นเพื่อเผยแพร่ภาพพิมพ์ในยุโรป ในเวลาเดียวกัน งานของเขาที่ชิราคาบะได้แนะนำให้เขารู้จักกับนักคิดและศิลปินรุ่นเยาว์เช่น Yanagi So:etsu (柳宗悦, 1889-1961), Hamada Se:ji (濱田 庄司, 1894-1978) และ Tomimoto Kenkichi (富本)憲吉記, 2429-2506). ในปีพ.ศ. 2454 หลังจากนิทรรศการเดี่ยวในโตเกียว Leach ได้เข้ามามีบทบาทในชีวิตศิลปะของโตเกียวและทั่วประเทศญี่ปุ่นในฐานะช่างแกะสลักและนักออกแบบสิ่งทอ ในปีเดียวกันนั้น เขาและ Tomimoto Kenkichi ได้รับเชิญให้เข้าร่วม "การประชุม raku" (ในไดอารี่ของเขา Leach เรียกพวกเขาว่าปาร์ตี้ raku)

การชุมนุมดังกล่าวเป็นรูปแบบที่นิยมของการพักผ่อนทางปัญญาและความคิดสร้างสรรค์ในหมู่ชาวญี่ปุ่นที่มีการศึกษา แขกจะได้รับผลิตภัณฑ์เซรามิกที่เคยผ่านการเผากอบกู้ ผู้เข้าร่วมวาดภาพและเคลือบพวกเขา และดูการลุกไหม้ซึ่งงดงามเป็นพิเศษในตอนกลางคืน เมื่อนำวัตถุร้อนแดงออกจากเตาและค่อยๆ เย็นลงในอากาศ สำหรับการวาดภาพ พวกเขารวมตัวกันในห้องของร้านน้ำชา (chashitsu) ซึ่งเน้นถึงบรรยากาศที่เป็นกันเองที่ผ่อนคลายของการประชุมและความเชื่อมโยงกับประเพณีการดื่มชา

จนกระทั่งถึงเวลานั้น บี. ลีช แม้จะสนใจเซรามิกส์ภายใต้กรอบของสิรากาบา แต่ก็ไม่ได้คิดที่จะทำงานกับวัสดุนี้ การมีส่วนร่วมใน "การประชุม raku" การแสดงการยิงและผลงานที่หลากหลายที่ได้รับจากผู้เข้าร่วมการประชุมที่แตกต่างกันทำให้ศิลปินต้องเปลี่ยนอาชีพทางศิลปะของเขาอย่างรุนแรง

ผลิตภัณฑ์แรกของ Bernard Leach ซึ่งผลิตใน "raku party" เป็นอาหารที่มีรูปนกแก้ว ลวดลายการตกแต่งนี้ยืมมาจากผลงานจิตรกรรมอันเดอร์เกลซโคบอลต์ของเครื่องลายครามหมิงของจีน (1368-1644) เมื่อพิจารณาจากคำอธิบายของอาหารจานนี้ มันคือสีโพลิโครม เช่นเดียวกับผลิตภัณฑ์มือสมัครเล่นอื่นๆ ของปาร์ตี้ดังกล่าว ซึ่งมักตกแต่งด้วยภาพวาดเคลือบใต้ผิวเคลือบ และไม่ใกล้เคียงกับผลิตภัณฑ์ดั้งเดิมของราคุ ข้อเท็จจริงนี้ชี้ให้เห็นว่าในญี่ปุ่นเมื่อต้นศตวรรษที่ 20 เทคโนโลยีของ raku ได้รับอิสรภาพบางอย่างไม่สอดคล้องกับประเพณีของครอบครัวดั้งเดิมอีกต่อไปและถูกมองว่าเป็นหนึ่งในวิธีการตกแต่งเซรามิกที่รู้จักกันดี

ในเวลาเดียวกัน ควรสังเกตว่า การประชุม raku นั้นมีความเกี่ยวข้องอย่างชัดเจนกับประเพณีเก่าแก่ของความคิดสร้างสรรค์ทางศิลปะ ซึ่งมีรากฐานมาจากจริยธรรมและสุนทรียศาสตร์ของพิธีชงชา ความคิดสร้างสรรค์ร่วมกันในบทกวี การแข่งขันของนักประดิษฐ์อักษรศิลป์ อาจารย์ ikebana แห่งศตวรรษที่ 17-19 . การหวนคืนสู่ประเพณีนี้ในตอนต้นของศตวรรษที่ 20 เป็นเวทีสำคัญในการก่อตัวของวัฒนธรรมประจำชาติสมัยใหม่ของญี่ปุ่น: รูปแบบทางวัฒนธรรมและศิลปะที่เกี่ยวข้องกับวัฒนธรรมชั้นยอดที่มีอำนาจของญี่ปุ่นในสมัยโบราณเป็นที่ต้องการอีกครั้ง เป็นลักษณะเฉพาะที่ในเวลานี้ในญี่ปุ่นมีการฟื้นฟูความสนใจในพิธีชงชา cha-no-yu เอง ในการฝึกชงชา sencha-do และศิลปะดั้งเดิมอื่น ๆ เช่นเดียวกับในศาสนาปรัชญาและสุนทรียศาสตร์ คำสอน

หลังจากพยายามฝึกฝนเครื่องปั้นดินเผาและการวาดภาพเซรามิกหลายครั้งด้วยตัวเขาเอง บี. ลีชก็เริ่มมองหาครูในโตเกียว เขาได้ไปเยี่ยมชมเวิร์คช็อปของ Horikawa Mitsuzan ผู้เชี่ยวชาญด้านรูปแบบของ raku อย่างไรก็ตาม Leach พบความเข้าใจร่วมกันมากขึ้นกับ Urano Shigekichi (浦野繁吉, 1851-1923, Kenzan VI) ซึ่งเซรามิกส์ได้สืบทอดประเพณีของอาจารย์ Ogata Kenzan (Kenzan I, 1663-1743) ที่โดดเด่น แม้ว่าในความเห็นของ Leach ผลงานของ Urano Shigekichi และความมุ่งมั่นในการตกแต่งที่โรงเรียนศิลปะ Rimpa นั้นปราศจากพลังงานและความแข็งแกร่ง แต่อาจารย์ท่านนี้มีความรู้ด้านเทคนิคทั้งหมดที่เป็นของราชวงศ์เซรามิกที่เก่าแก่และมีชื่อเสียงและพร้อม เพื่อสอนพื้นฐานการตกแต่งเซรามิกให้นักเรียนต่างชาติ

เป็นเวลาสองปีที่ Leach ทำงานในเวิร์คช็อปของ Urano Shigekichi กับ Tomimoto Kenkichi ซึ่งในตอนแรกก็ทำหน้าที่เป็นนักแปลด้วย เนื่องจาก Leach ยังไม่รู้จักภาษาญี่ปุ่นดีพอ ในการประชุมเชิงปฏิบัติการของ Urano การสร้างแม่พิมพ์ไม่ได้เป็นส่วนหนึ่งของงาน: ช่องว่างสำหรับการวาดภาพถูกซื้อจากการประชุมเชิงปฏิบัติการอื่น ๆ หรือทำโดยช่างปั้นหม้อที่ได้รับเชิญ แต่ Leach ก็เริ่มเชี่ยวชาญเครื่องปั้นดินเผาเพื่อที่จะสามารถสร้างแม่พิมพ์ได้ด้วยตัวเอง เขาตั้งข้อสังเกตว่าเมื่อไม่ใช่คนญี่ปุ่น เขาไม่สามารถสัมผัสถึงธรรมชาติของรูปแบบและการตกแต่งแบบดั้งเดิมได้อย่างเต็มที่ ผลงานยุคแรกๆ หลายชิ้น (พ.ศ. 2454-2456) ของอาจารย์ตีความเซรามิกสไตล์ยุโรปในลักษณะที่แปลกประหลาดในแง่ของเครื่องปั้นดินเผาและประเพณีทางศิลปะของญี่ปุ่น ต่อมา เครื่องปั้นดินเผาของทั้งประเทศในแถบตะวันออกไกลและแอฟริกาก็จะมีอิทธิพลอย่างมากต่องานของ Leach


หลังจากหนึ่งปีของการฝึกงาน Urano อนุญาตให้ B. Leach ตั้งโรงงานของตัวเองที่มุมสวนบนที่ดินของเขาและสร้างเตาเผาราคุขนาดเล็ก หนึ่งปีหลังจากการสร้างเวิร์กช็อปนี้ อุราโนะมอบใบรับรองอย่างเป็นทางการให้กับเขาและโทมิโมโตะ เคนกิจิ (หนาแน่น:) ในการสืบทอดประเพณีของตระกูลเคนซัง และเบอร์นาร์ด ลีชก็ได้รับการยอมรับอย่างเป็นทางการว่าเป็นปรมาจารย์ของเคนซันที่ 7

นอกจากชื่อ Kenzan แล้ว Bernard Leach ยังได้รับเอกสาร "ครอบครัว" ที่มีสูตรเคลือบและความลับในการผลิตอื่น ๆ รวมถึงพื้นฐานของการยิง "raku" ซึ่งเป็นส่วนหนึ่งของมรดกของครอบครัว Kenzan ต่อจากนั้น Leach ได้ตีพิมพ์บางส่วนในผลงานของเขา รวมทั้ง The Potter's Book ซึ่งตีพิมพ์ในปี 1940 และมีผลกระทบอย่างมากต่อเซรามิกส์ของเวิร์คช็อปแบบตะวันตกในช่วงกลางศตวรรษที่ยี่สิบ กรองทำให้เทคโนโลยีแบบดั้งเดิมมีให้สำหรับช่างเซรามิกทุกคนที่สนใจในการเพิ่มคุณค่าทางศิลปะของสตูดิโอเซรามิกส์ ตลอดชีวิตที่สร้างสรรค์ของเขา อาจารย์ได้หันมาใช้เทคนิค raku ซ้ำแล้วซ้ำเล่า ทั้งขณะทำงานในญี่ปุ่นและในเซนต์ไอฟส์

เมื่อพูดถึงสภาพทั่วไปของศิลปะเซรามิกส์ในยุโรปเมื่อต้นศตวรรษที่ 20 ควรสังเกตว่า B. Leach เป็นศิลปินคนแรกในยุโรปที่ก่อตั้งสตูดิโออิสระ (ในปี 1920 ใน St. Ives, Cornwall หลังจาก กลับอังกฤษ) ค่อยๆ Leach และ Yanagi So:etsu ได้พัฒนาความเข้าใจใหม่เกี่ยวกับบทบาทของช่างฝีมือในประเพณีศิลปะของโลก: บางส่วนใกล้เคียงกับความคิดของ William Morris และ Arts and Crafts Movement (ประวัติของขบวนการนี้เป็นหัวข้อที่พบบ่อยใน บทสนทนาของ Bernard Leach และ Yanagi So:etsu) เช่นเดียวกับมอร์ริส Leach ต่อต้านการพัฒนาอุตสาหกรรมของยานและการเปลี่ยนแปลงไปสู่การผลิตแบบครบวงจร

สำหรับยานางิ โซ:เอ็ทสึ เช่นเดียวกับศิลปินและนักคิดชาวญี่ปุ่นหลายคนในช่วงต้นศตวรรษที่ 20 โอกาสที่อุตสาหกรรมใหม่ของญี่ปุ่นจะหลีกเลี่ยงไม่ได้ดูเหมือนจะเป็นภัยคุกคามร้ายแรงต่อวัฒนธรรมดั้งเดิมของงานหัตถกรรมและงานฝีมือพื้นบ้าน ในช่วงปี ค.ศ. 1920 ความปรารถนาที่จะรักษาขนบธรรมเนียมพื้นบ้านส่งผลให้เกิดการเคลื่อนไหวของ Mingei ที่ทรงอิทธิพล ซึ่งก่อตั้งโดย Hamada Shoji และ Kawai Kanjiro: (河井寛次郎, 1890-1978) ประเพณีของการประชุมเชิงปฏิบัติการเกี่ยวกับเซรามิกแบบเก่าได้รับการฟื้นฟูในช่วงทศวรรษที่ 1930 โดย Arakawa Toyozo: (荒川 豊 蔵, 1894-1985) และเกี่ยวข้องกับเซรามิกส์ของเวิร์คช็อปมิโนะ-เซโตะในสมัยโมโมยามะ (1573-1615) เป็นหลัก

การฟื้นฟูศิลปะแบบเก่าเป็นส่วนสำคัญของนโยบายระดับชาติของญี่ปุ่นในช่วงครึ่งแรกของศตวรรษที่ 20 นโยบายนี้พบการตอบสนองที่จริงใจและกระตือรือร้นที่สุดจากนักปรัชญาและศิลปินแห่งยุค หนังสือชาโดย Okakura Kokuzo (岡倉 覚三, 1862-1913) ตีพิมพ์ในปี 2449 มีอิทธิพลอย่างมากต่อการก่อตัวของความสนใจในประเพณีของชาติ - หนึ่งในโปรแกรมที่ทำงานเกี่ยวกับศิลปะดั้งเดิมซึ่งมีจริยธรรมและ คุณค่าความงามของพิธีชงชาเป็นสิ่งที่สมเหตุสมผล จัดพิมพ์เป็นภาษาอังกฤษ หนังสือเล่มนี้ได้กลายเป็นการเปิดเผยสำหรับผู้อ่านชาวตะวันตก นอกจากหนังสือ The Potter's Book ของ Bernard Leach แล้ว The Book of Tea ยังส่งผลกระทบอย่างใหญ่หลวงไม่เฉพาะกับช่างเซรามิกชาวตะวันตกเท่านั้น แต่ยังส่งผลต่อศิลปิน นักเขียน และนักคิดมากมายในช่วงกลางศตวรรษที่ 20 ด้วย

ในคอร์นวอลล์ เบอร์นาร์ด ลีชและฮามาดะ โช:จิ ไม่เพียงแต่มีส่วนร่วมกับความคิดสร้างสรรค์เท่านั้น แต่ยังมีส่วนร่วมในกิจกรรมการสอนด้วย นักเรียนชาวอเมริกันคนแรกของ Leach คือ Warren McKenzie (เกิดปี 1924) ซึ่งศึกษาที่ St. Ives workshop ระหว่างปี 1949 ถึง 1951

ในช่วงปลายทศวรรษ 1940 และต้นทศวรรษ 1950 ความสนใจของศิลปินชาวอเมริกันในประเพณีเครื่องปั้นดินเผาของญี่ปุ่นเพิ่มขึ้น หลังจากการตกต่ำทางเศรษฐกิจอันยาวนานของภาวะเศรษฐกิจตกต่ำครั้งใหญ่และการทหารของเศรษฐกิจในช่วงสงครามโลกครั้งที่สอง ช่วงเวลาแห่งความมั่นคงก็ได้มาถึงสหรัฐอเมริกา ซึ่งไม่สามารถส่งผลกระทบต่อการพัฒนาศิลปะและงานฝีมือได้ ในช่วงกลางของศตวรรษที่ 20 ความสนใจของนักเซรามิกชาวอเมริกันส่วนใหญ่เน้นไปที่การปรับปรุงเทคนิคของเซรามิกส์และการกำหนดสูตรการเคลือบ ในทศวรรษหลังสงคราม สุนทรียศาสตร์ของศิลปะประยุกต์ ไม่เพียงแต่ในเซรามิก แต่ยังรวมถึงการออกแบบเฟอร์นิเจอร์ สิ่งทอทางศิลปะ ฯลฯ มีการเปลี่ยนแปลงอย่างสิ้นเชิง การเพิ่มจำนวนวัสดุใหม่ที่สร้างขึ้นโดยอุตสาหกรรมการทหารได้นำไปสู่การขยายความเป็นไปได้ในการออกแบบ

บรรยายโดยตำนานโชจิ ฮามาดะ

เริ่มต้นในปี 1950 Craft Horizons เริ่มนำเสนอผลงานตีพิมพ์เกี่ยวกับผลงานของปรมาจารย์ด้านศิลปะและงานฝีมือ ในปี 1953 สภาการศึกษาของ American Craftsmen ได้จัดนิทรรศการ "ช่างฝีมือ-นักออกแบบ" ร่วมกับพิพิธภัณฑ์บรูคลิน ในปี พ.ศ. 2499 พิพิธภัณฑ์หัตถกรรมสมัยใหม่ในนิวยอร์กได้เปิดขึ้นโดยสมาคมเดียวกัน จำนวนสถาบันการศึกษาที่ศึกษางานฝีมือและศิลปะและงานฝีมือเพิ่มขึ้น และค่อยๆ สร้างสภาพแวดล้อมที่มีผลสำเร็จขึ้นในสหรัฐอเมริกาสำหรับผลงานของศิลปิน ผู้เชี่ยวชาญด้านศิลปะและงานฝีมือประเภทต่างๆ

โลกหลังสงครามที่เปลี่ยนแปลงอย่างรวดเร็วต้องการภาษาศิลปะใหม่ หลังสงครามโลกครั้งที่สอง โลกขยายตัวอย่างมีนัยสำคัญ และความสนใจในประเทศทางตะวันออกก็เพิ่มขึ้นเช่นกัน การปรากฏตัวของฐานทัพทหารอเมริกันในญี่ปุ่นเป็นผลข้างเคียง นำไปสู่การขยายตัวของการรับรู้ของชาวอเมริกันเกี่ยวกับวัฒนธรรมที่ห่างไกลและความสนใจในญี่ปุ่นอย่างยั่งยืน สุนทรียศาสตร์แบบญี่ปุ่นค่อยๆ เอาชนะจิตใจและจิตใจของศิลปินชาวอเมริกัน แนวคิดของศิลปะ "ออร์แกนิก" ความใกล้ชิดกับรูปแบบธรรมชาติ ทั้งหมดนี้เป็นการตอบสนองต่อวัฒนธรรมเทคโนโลยีและการออกแบบในช่วงสงคราม

ความสนใจยังเกิดขึ้นในวัฒนธรรมทางจิตวิญญาณของญี่ปุ่นซึ่งเน้นที่พุทธศาสนานิกายเซน ความรู้เกี่ยวกับโรงเรียนศาสนาพุทธแห่งนี้แพร่หลายในตะวันตกด้วยการตีพิมพ์และกิจกรรมการศึกษาเชิงรุกของ Suzuki Daisetsu Teitaro: (鈴木 大拙 貞 太郎, 1870-1966) และนักวิชาการด้านศาสนาและปราชญ์ Alan Wilson Watts (Alan Watts, 1915-1973) นอกจากกิจกรรมของ Watts ในฐานะผู้เผยแพร่ศาสนาพุทธนิกายเซนแล้ว ยังเป็นที่น่าสังเกตว่าแนวคิดของเขาเกี่ยวกับสุนทรียศาสตร์ของศิลปะประยุกต์ซึ่งถือกำเนิดขึ้นภายใต้อิทธิพลของชุมชนดรูอิดไฮทส์ (แคลิฟอร์เนีย สหรัฐอเมริกา) ชาวชุมชนนี้ก่อตั้งโดยนักเขียน Elsa Gidlow (1898-1986) รวมถึง Alan Watts ได้สร้างของใช้ในครัวเรือนที่จำเป็นทั้งหมดด้วยแนวคิดเกี่ยวกับสุนทรียศาสตร์ที่เป็นธรรมชาติและมีประโยชน์ใช้สอย วัตต์เห็นความเชื่อมโยงโดยตรงระหว่างรูปแบบง่ายๆ ของ "สุนทรียศาสตร์ประยุกต์" ของศิลปินสมัครเล่นชาวอเมริกัน กับสุนทรียศาสตร์ของสิ่งเหล่านั้นที่สร้างขึ้นด้วยจิตวิญญาณแห่งสุนทรียศาสตร์วาบิของญี่ปุ่นสำหรับศิลปะที่พัฒนาขึ้นตามประเพณีเซน (พิธีชงชา ดอกไม้ การจัดอิเคบานะ เป็นต้น) ในเวลาเดียวกัน Watts และผู้ติดตามของเขามองว่าทั้งจริยธรรมของพุทธศาสนานิกายเซนและสุนทรียศาสตร์เป็นวิธีการ "อพยพภายใน" ค้นหาเสียงของตนเองในสภาพอนุรักษ์นิยมและรวมทุกรูปแบบของชีวิตในอเมริกาเป็นอันหนึ่งอันเดียวกัน เซรามิกส์ "ฟรีฟอร์ม" ได้รับความนิยมในงานศิลปะและงานฝีมือของสหรัฐอเมริกา

Bernard Leach มีอิทธิพลอย่างมากต่อช่างเซรามิกชาวอเมริกันในช่วงทศวรรษ 1950 ซึ่งงาน The Potter's Book ได้รับการตีพิมพ์ในสหรัฐอเมริกาในปี 1947 อย่างไรก็ตาม การมาถึงของอาจารย์ภาษาอังกฤษ Yanagi So: etsu และ Hamada Se: ji ในสหรัฐอเมริกาด้วยการบรรยายและชั้นเรียนปริญญาโทในปี 1952 หลังจากการประชุมที่ Dartington Hall (Devonshire) มีอิทธิพลมากที่สุดต่อศิลปิน การประชุมแองโกล-ญี่ปุ่นครั้งนี้เน้นไปที่ศิลปะเซรามิกและการทอศิลปะ ภารกิจหลักคือการแสดงให้เห็นถึงความเป็นไปได้ในวงกว้างของความร่วมมือระดับนานาชาติในสาขาศิลปะนี้

ขอบคุณชั้นเรียนต้นแบบของ Hamada Shoji (อาจารย์ไม่ค่อยบรรยายในที่สาธารณะ แต่ทุกที่ที่เขาพบโอกาสในการแสดงงานของเขา - บนล้อช่างหม้อและดินเหนียวที่จัดเตรียมไว้ให้เขา) ช่างเซรามิกชาวอเมริกันคุ้นเคยกับพลาสติกชนิดพิเศษ คุณสมบัติของเซรามิกญี่ปุ่น เครื่องปั้นดินเผาญี่ปุ่นเริ่มได้รับการพิจารณาในแง่ของประติมากรรมด้วยความเป็นไปได้ทั้งหมดของรูปแบบศิลปะนี้ในการสร้างรูปแบบที่ซับซ้อนโดยมีปฏิสัมพันธ์กับพื้นที่โดยรอบโดยคำนึงถึงความสำคัญของพื้นผิว (และสี) ในการถ่ายทอดพลวัตภายในของ แบบฟอร์ม ฯลฯ

ในช่วงทศวรรษ 1950 และ 1960 ปรมาจารย์ที่มีชื่อเสียงของญี่ปุ่น เช่น Kitaoji Rosanjin (北大路 魯山人, 1883-1959) และ Kaneshige Toyo: (金重 陶陽, 1896-1967) ยังได้ไปเยือนสหรัฐอเมริกา ซึ่งส่งผลกระทบอย่างใหญ่หลวงต่อศิลปินชาวอเมริกัน หนึ่งในผู้เข้าร่วมที่มีความสนใจมากที่สุดในการบรรยายและชั้นเรียนปริญญาโทดังกล่าวคือ Paul Soldner (1921-2011) ซึ่งถือเป็นผู้ประดิษฐ์ "American raku" ซึ่งเมื่อเวลาผ่านไปกลายเป็นเทรนด์เซรามิกแบบตะวันตก เขาเป็นนักเรียนของศิลปินเซรามิกที่มีชื่อเสียงและมีอิทธิพลมากที่สุดคนหนึ่งในยุคของเขา Peter Voulkos (Panagiotis Voulkos, 1924-2002) ความแตกต่างระหว่างครูกับนักเรียนเพียงเล็กน้อย - อายุเพียงสามปีทำให้อาจารย์สามารถทดลองร่วมกันและมองหาเซรามิกรูปแบบใหม่

Soldner ได้รับอิทธิพลอย่างมากจากปรัชญาเซน พิธีชงชา และผลงานของช่างปั้นหม้อชาวญี่ปุ่น แต่ปรากฏการณ์เหล่านี้ไม่ได้มีอิทธิพลมากนักต่องานยุคแรกๆ ของเขา ซึ่งเป็นสิ่งของที่มีรูปร่างซับซ้อนและมโหฬารมากซึ่งทำขึ้นบนล้อของช่างหม้อ อย่างไรก็ตาม ในปี 1960 ขณะเตรียมชั้นเรียนสำหรับนักเรียนที่สถาบัน Scripps เขาเริ่มสนใจเซรามิก Raku และค้นพบความเป็นไปได้ที่ไร้ขีดจำกัดของเสรีภาพในการสร้างสรรค์และลักษณะเฉพาะตัวของเซรามิกประเภทนี้

Soldner ละทิ้งรูปแบบที่ซับซ้อนเพื่อสนับสนุน "อินทรีย์" ซึ่งใกล้เคียงกับรูปแบบธรรมชาติซึ่งนำไปสู่การละทิ้งล้อช่างหม้อ - วิธีการปั้นเริ่มคล้ายกับวิธีการที่ใช้ในการประชุมเชิงปฏิบัติการ Raku ในเกียวโตมากขึ้น การยิงจำเป็นต้องมีการวิจัยพิเศษ: การเปลี่ยนแปลงที่ยิ่งใหญ่ที่สุด (เมื่อเทียบกับราคุของญี่ปุ่น) เกิดขึ้นในขั้นตอนนี้ของการสร้างผลิตภัณฑ์เซรามิก

ในฐานะแหล่งข้อมูลหลัก Soldner ได้ใช้คำอธิบายเกี่ยวกับเซรามิค Raku และเทคโนโลยีของการสร้างสรรค์ใน "Potter's Book" โดย B. Leach ใช้คำอธิบายสั้น ๆ และวาดภาพจากประสบการณ์ของเขาเอง Soldner ได้สร้างเตาเผาขนาดเล็กขึ้น หลังจากใช้เวลาหลายชั่วโมงในการยิง Soldner ก็ได้นำหม้อเซรามิกร้อนแดงออกแล้วห่อด้วยใบไม้เปียกจากคูระบายน้ำในบริเวณใกล้เคียง ทำให้เกิดสภาพแวดล้อมที่ลดลงเมื่อชิ้นส่วนเย็นลง กระบวนการนี้เรียกว่าเซรามิกส์ "การรมควัน" (การรมควัน) และแตกต่างอย่างสิ้นเชิงจากวิธีการทำความเย็นผลิตภัณฑ์ raku แบบดั้งเดิมของญี่ปุ่นในสภาพแวดล้อมที่ออกซิไดซ์ อย่างไรก็ตาม วิธีการนี้เป็นการวางรากฐานสำหรับสิ่งที่เรียกว่า "มะเร็งในอเมริกา" และแพร่กระจายไปยังหลายประเทศทั่วโลก


Soldner ยังคงทำเตาเผาตามแบบของเขาเอง: ในปี 1960 เขาได้สร้างเตาเผา 11 เตาสำหรับการเผาผลิตภัณฑ์ที่อุณหภูมิต่างกันและในสภาวะรีดอกซ์ที่แตกต่างกัน รวมถึงเตาเผาและห้องลดขนาดสำหรับ raku ผู้สูบบุหรี่ในห้องเหล็กที่ปิดสนิทมีเส้นผ่านศูนย์กลางประมาณ 1.2 ม. และทำให้ผลิตภัณฑ์ 6-10 เย็นตัวลงพร้อม ๆ กันในสภาพแวดล้อมที่ลดลง เพื่อที่จะดำเนินการออกซิเดชันบางส่วนของพื้นผิวของผลิตภัณฑ์ (ซึ่งทำให้พวกเขามีบุคลิกลักษณะที่สดใส) ฝาของเตาเผาดังกล่าวอาจเพิ่มขึ้นครู่หนึ่ง ดังนั้น ในระหว่างการทดลองหลายครั้งกับเตาอบที่ออกแบบเอง การเคลือบสูตรต่างๆ และผลิตภัณฑ์รูปแบบต่างๆ Soldner จึงห่างไกลจากเทคนิคดั้งเดิมของญี่ปุ่นที่ใช้ในเตาอบ Raku แบบดั้งเดิม

การรักษาสูตรดั้งเดิมโดยไม่เสียค่าใช้จ่ายดังกล่าวถูกกำหนดโดยความเชื่อมั่นอย่างลึกซึ้งของ Soldner ว่าจำเป็นต้องก้าวไปข้างหน้า โดยได้รับคำแนะนำจากสัญชาตญาณและประสบการณ์เท่านั้น ในเวลาเดียวกัน การแสดงออกทางนามธรรมซึ่งมีความมุ่งมั่นเป็นพิเศษต่อความเป็นธรรมชาติและความคาดเดาไม่ได้ของผลลัพธ์ของการสร้างสรรค์งานศิลปะ เป็นไปตามความคิดของศิลปิน - โคตรของ Soldner เทียบได้กับหลักการของความเป็นธรรมชาติของเซนและความเป็นธรรมชาติ ดังนั้นประเพณียุคกลางของญี่ปุ่นในช่วงกลางศตวรรษที่ยี่สิบจึงฟังดูทันสมัยอย่างมาก

ชาม Chawan ซึ่งสร้างสรรค์โดย Soldner กับกลุ่มนักเรียน Otis ในทศวรรษที่ 1960 มีความแตกต่างจากแบบดั้งเดิมและในขณะเดียวกันก็มีการตีความประเพณีเซรามิกของญี่ปุ่นอย่างระมัดระวัง แบบฟอร์มใกล้เคียงกับภาษาญี่ปุ่น พื้นผิวที่ไม่สม่ำเสมอของด้านข้างของชามถูกปกคลุมด้วยฟรี
ริ้วของสีเคลือบ (ดำ, แดง, เหลืองหรือน้ำตาล) ซึ่งเป็นที่ตั้งของ craquelure ย้อมสีขนาดใหญ่ ปรมาจารย์หันมาใช้เซรามิกญี่ปุ่นรูปแบบคลาสสิกเหล่านี้ตลอดอาชีพการงานสร้างสรรค์อันยาวนานของเขา โดยนำคุณสมบัติใหม่และใหม่ที่เป็นต้นฉบับมาสู่ราคุฟรีสไตล์ ในช่วงทศวรรษ 1980 ลองใช้รูปแบบที่ซับซ้อนมากขึ้น ซึ่งใกล้กับประติมากรรมและวัตถุทางศิลปะแล้ว Soldner ยังทำให้การตกแต่งซับซ้อนขึ้น: อาจารย์ใช้การเคลือบในชั้นที่มีความหนาต่างกัน สร้างการเปลี่ยนผ่านที่ซับซ้อนจากเศษที่ไม่เคลือบเป็นพื้นที่หนาและไหลของสีเคลือบ .

ในนิทรรศการปี 2012 พิพิธภัณฑ์ศิลปะ Missoula แสดงเรือขนาดใหญ่เกือบเป็นทรงกลมโดย Paul Soldner เคลือบด้วยสีน้ำตาลและเผาในประเพณี "raku" ภาชนะที่มีรูปร่างคล้ายคลึงกันซึ่งทำจากมวลเซรามิกสีเทาเข้มถูกเคลือบด้วยชั้นบาง ๆ และตกแต่งด้วยเคลือบ Engobe และสี - แสดงออกถึงรูปแบบนามธรรมของจังหวะและเส้นที่ตัดกัน ความประทับใจของแม่แบบไม้ที่มีรูปแบบที่แตกต่างกัน - ในรูปแบบของ หวีลาย, หดหู่เล็ก ๆ ฯลฯ

ในช่วงทศวรรษ 1960 ในบรรดานักเซรามิกส์ชาวอเมริกัน มีแนวคิดหลายอย่างเกี่ยวกับสิ่งที่ "ราคุ" คือ: พวกเขาเป็นวัตถุที่ถูกยิงในห้องที่มีควัน ("รมควัน") หรือถูกเผาและทำให้เย็นลงในห้องที่มีเชื้อเพลิงที่คุกรุ่นหรือในน้ำ . ความหลากหลายดังกล่าวได้รับการบันทึกเมื่อต้นศตวรรษที่ 21 ในคำอธิบายของเทคโนโลยี "raku" โดย Stephen Branfman: เขากำหนดเซรามิก "raku" ว่าถูกเผาในเตาเผาที่อุ่นแล้วนำออกจากเตาที่อุณหภูมิสูงสุดในห้องเผาไหม้ และค่อยๆ ระบายความร้อนด้วยน้ำ ในภาชนะที่มีวัสดุที่ติดไฟได้หรืออยู่กลางแจ้ง

Paul Soldner หลีกเลี่ยงการกำหนดเครื่องปั้นดินเผา raku ที่ไม่เหมือนใครผ่านเทคโนโลยี เขาดำเนินการตามแนวคิดที่ว่าคุณสมบัติหลักของเซรามิก Raku - เสรีภาพและความสะดวกสบายภายใน - อยู่นอกเทคโนโลยีในด้านความเข้าใจทางศิลปะของชีวิต อาจารย์มีโอกาสได้เห็นความแตกต่างระหว่างเทคนิคของตัวเองกับประเพณีดั้งเดิมของตระกูล Raku ระหว่างการเยือนญี่ปุ่นในช่วงปลายทศวรรษ 1990 อย่างไรก็ตาม เมื่อถึงเวลานั้น เทคโนโลยีการยิงผลิตภัณฑ์ที่เสนอโดยเขาในปี 1960 กลายเป็นที่รู้จักในชื่อ "raku" ไกลเกินขอบเขตของสหรัฐอเมริกา - ต้องขอบคุณการจัดนิทรรศการ สิ่งพิมพ์ และกิจกรรมการสอนของทั้ง Soldner เองและนักเรียนของเขา และผู้ติดตาม ทุกวันนี้ มีช่างทำเซรามิกจำนวนมากในสหรัฐอเมริกาที่ยังคงใช้ประเพณีการยิง raku แบบอเมริกัน แต่เทคนิคนี้มีเวอร์ชันต่างๆ ในประเทศตะวันตกอื่นๆ

David Roberts ช่างเซรามิกชาวอังกฤษ (David Roberts, b. 1947) เป็นหนึ่งในศิลปิน raku ร่วมสมัยที่ทรงอิทธิพลที่สุด งานของเขาไม่เพียงแต่เป็นการจินตนาการใหม่ในภาษาอังกฤษเกี่ยวกับเครื่องปั้นดินเผาญี่ปุ่นนี้ แต่ยังนำไปสู่การฟื้นตัวของความสนใจในโรคมะเร็งในสหรัฐอเมริกา ซึ่งเขาได้สร้างขบวนการ Naked Raku เพื่อทำให้เครื่องปั้นดินเผานี้ทันสมัยยิ่งขึ้น

รูปแบบที่ยิ่งใหญ่ของเครื่องปั้นดินเผานี้สร้างขึ้นโดยการปั้นด้วยมือ (โดยการสร้างมัด) จากนั้นพื้นผิวจะถูกปรับระดับและหลังจากการเผาบิสกิต (ประมาณ 1,000-1100 ° C) บางครั้งจะถูกเคลือบด้วยเอนโกเบบาง ๆ แล้วเคลือบด้วย . การเผา "raku" ครั้งที่สองที่อุณหภูมิ 850-900 °C จบลงด้วยการ "สูบบุหรี่" ของผลิตภัณฑ์ในสภาพแวดล้อมที่ลดลง - ในภาชนะที่มีกระดาษและขี้เลื่อยจำนวนเล็กน้อย ภายในไม่กี่นาที สีย้อมและสารประกอบของเอนโกเบและดินเหนียวจะกลับคืนสู่สภาพเดิม ผลิตภัณฑ์สำเร็จรูปจะถูกล้าง และในกระบวนการล้าง สารเคลือบจะถูกลอกออกจากพื้นผิว เผยให้เห็นเอนโกเบสีขาวที่มีลวดลายแปลกตาของพื้นผิวที่ดำคล้ำ (ซึ่งเป็นเหตุว่าทำไมเทคโนโลยีนี้จึงถูกเรียกว่า "ราคุเปล่า") ในบางกรณี ผลิตภัณฑ์สำเร็จรูปจะถูด้วยแว็กซ์ธรรมชาติเพื่อให้พื้นผิวมีความเงางามอย่างล้ำลึก

งานล่าสุดของ Roberts ดูเหมือนจะแกะสลักจากหิน: หินอ่อนสีขาวที่มีเส้นสายที่ซับซ้อนหรือออกไซด์ที่ตัดสินใจเลือกด้วยขาวดำที่พูดน้อย พื้นผิวทั้งหมด - ด้านหรือขัดเงา - มีความมันวาวลึกโดยไม่มีแสงสะท้อนที่สว่างและกระจายแสงอย่างนุ่มนวล จำได้ว่าเป็นความสามารถของหิน - คือหยก - ที่ทำให้เป็นวัสดุชั้นสูงในสายตาของคนจีนและทำให้เกิดการเลียนแบบหยกในเครื่องลายครามและเซรามิกของจีน (เริ่มตั้งแต่ศตวรรษที่ 12) และ ญี่ปุ่น (ตั้งแต่ศตวรรษที่ 8)

เครื่องปั้นดินเผาของ Roberts นั้นห่างไกลจากผลงานของเวิร์คช็อป Raku ของญี่ปุ่น เช่นเดียวกับการทดลองของ Paul Soldner ในทางกลับกัน "raku" ของเขาทำให้เกิดกาแล็กซีของปรมาจารย์ที่สดใสของ raku "เปล่า" ใหม่ในหลายประเทศทั่วโลก ผู้เชี่ยวชาญชาวตะวันตก ได้แก่ Charlie และ Linda Riggs (Charlie, Linda Riggs, Atlanta, USA) และ Paolo Reis (แอฟริกาใต้)

ในการประชุมเชิงปฏิบัติการต่างๆ ศิลปินทดลองกับองค์ประกอบต่างๆ ของดินเหนียว เอนโกบและเคลือบ วัสดุต่างๆ ที่ติดไฟได้สำหรับกระบวนการฟื้นฟูในห้องสูบบุหรี่ ตลอดจนผลิตภัณฑ์เซรามิกรูปแบบใหม่ ตั้งแต่แจกันแบบดั้งเดิมไปจนถึงองค์ประกอบ
วัตถุตกแต่งภายในและงานศิลปะ ช่างเซรามิกหลายคนในรัสเซียและประเทศเพื่อนบ้านสร้างผลงานด้วยเทคโนโลยี "อเมริกัน ราคุ" และยึดมั่นในสไตล์ของผลิตภัณฑ์ญี่ปุ่นดั้งเดิมที่มีรูปแบบออร์แกนิกหยาบ อุดมไปด้วยสีเคลือบ

สรุปการศึกษาปรากฏการณ์ "เครื่องปั้นดินเผาราคุ" ในผลงานของนักเซรามิกชาวตะวันตกในศตวรรษที่ 20 - ต้นศตวรรษที่ 21 ควรกล่าวได้ว่าคำว่า "เครื่องปั้นดินเผาราคุ" ได้รับการตีความอย่างกว้างขวางในวรรณคดีสมัยใหม่เกี่ยวกับศิลปะการตกแต่งและ เซรามิกส์ เช่นเดียวกับการปฏิบัติของช่างเซรามิก ตามเนื้อหา คำจำกัดความของ "มะเร็ง" ต่อไปนี้สามารถแยกแยะได้:

เซรามิกส์ที่สร้างขึ้นด้วยเทคโนโลยีและสุนทรียภาพแบบญี่ปุ่นดั้งเดิมโดยช่างฝีมือของตระกูล Raku (เกียวโต);
เซรามิกส์ที่ผลิตขึ้นด้วยเทคโนโลยีดั้งเดิมของญี่ปุ่นในเวิร์กช็อปอื่นๆ ในญี่ปุ่น
ในที่สุดเครื่องปั้นดินเผาของปรมาจารย์ชาวตะวันตกที่ตีความประเพณีของญี่ปุ่นทั้งในด้านเทคโนโลยีและสุนทรียศาสตร์

แม้จะมีความหลากหลายของประเภทของเซรามิกส์ทางเทคโนโลยีและโวหารที่สรุปในกลุ่มที่สาม แต่ก็รวมเป็นหนึ่งเดียวด้วยหลักการทางศิลปะที่สำคัญประการหนึ่ง: ปฏิบัติตามธรรมชาติร่วมมือกับมันในการสร้างภาพลักษณ์ทางศิลปะ (ซึ่งสอดคล้องกับ "ทิศทางอินทรีย์" และหลักการ ของเมแทบอลิซึมในสถาปัตยกรรมและการออกแบบของศตวรรษที่ 20)

หลักการนี้เกี่ยวข้องกับจิตสำนึกแบบตะวันตกโดยส่วนใหญ่กับปรัชญาเซนและสุนทรียศาสตร์แบบวาบิ ทำให้นักเซรามิกสมัยใหม่ทุกคนพิจารณาว่าตนเองเป็นผู้สืบทอดและตีความประเพณีทางจิตวิญญาณและเครื่องปั้นดินเผาของญี่ปุ่น ไม่ว่างานของพวกเขาจะมาจาก "แหล่งที่มาดั้งเดิม" มากเพียงใด อิสระและความเป็นธรรมชาติของความคิดสร้างสรรค์ ความร่วมมือของอาจารย์กับวัสดุ ผลลัพธ์สุดท้ายที่คาดเดาไม่ได้ และความเป็นเอกลักษณ์ด้านสุนทรียะทำให้เซรามิก Raku เป็นที่สนใจของศิลปินทุกคน

เครื่องปั้นดินเผาญี่ปุ่นในตระกูล Raku ซึ่งคงไว้ซึ่งรากฐานของเทคโนโลยีและสุนทรียศาสตร์ตั้งแต่ศตวรรษที่ 16 จึงได้รับการพิสูจน์แล้วว่าเป็นหนึ่งในประเภทศิลปะและงานฝีมือที่ทรงอิทธิพลที่สุดแห่งศตวรรษที่ 20

ญี่ปุ่นเป็นประเทศที่น่าทึ่งซึ่งให้เกียรติและรักษาขนบธรรมเนียมประเพณีอย่างระมัดระวัง งานปักญี่ปุ่นหลากหลายและน่าทึ่งไม่แพ้กัน ในบทความนี้ศิลปะการเย็บปักถักร้อยหลักซึ่งมีบ้านเกิดคือญี่ปุ่น - อามิกุมิ, คันซาชิ, เทมาริ, มิซูฮิกิ, โอชิเอะ, คินุซางะ, เทอริเมน, ฟุโรชิกิ, คุมิฮิโมะ, ซาชิโกะ. คุณอาจเคยได้ยินเกี่ยวกับบางประเภท บางทีคุณอาจเริ่มสร้างเทคนิคนี้ขึ้นมาเอง ซึ่งบางประเภทก็ไม่เป็นที่นิยมนอกประเทศญี่ปุ่น ลักษณะเด่นของการเย็บปักถักร้อยของญี่ปุ่นคือความแม่นยำ ความอดทน และความอุตสาหะ แม้ว่า ... เป็นไปได้มากว่าคุณลักษณะเหล่านี้สามารถนำมาประกอบกับการเย็บปักถักร้อยของโลกได้)

Amigurumi - ของเล่นถักนิตติ้งญี่ปุ่น

คันซาชิญี่ปุ่น - ดอกไม้ผ้า

Temari เป็นศิลปะการปักลูกบอลของญี่ปุ่นโบราณ

ในภาพเป็นลูกบอลเทมาริ (ผู้เขียนงานปัก: Kondakova Larisa Aleksandrovna)

- ศิลปะการปักผ้าแบบญี่ปุ่นโบราณ ที่ครองใจแฟนๆ ทั่วโลก จริงอยู่ บ้านเกิดของเทมาริคือจีน งานปักนี้ถูกนำเข้ามาที่ญี่ปุ่นเมื่อ 600 ปีที่แล้ว เริ่มแรก เทมาริทำขึ้นสำหรับเด็กที่ใช้เศษของเก่าด้วยการประดิษฐ์ยางการถักเปียของลูกบอลเริ่มถือเป็นศิลปะและงานฝีมือ เทมาริเป็นของขวัญที่แสดงถึงมิตรภาพและความจงรักภักดีนอกจากนี้ยังมีความเชื่อว่าพวกเขานำความโชคดีและความสุขมาให้ ในญี่ปุ่นถือว่ามืออาชีพเทมาริเป็นผู้ที่ผ่านทักษะทั้ง 4 ระดับ ในการนี้คุณต้องทอลูกบอลเทมาริ 150 ลูกและเรียนเป็นเวลาประมาณ 6 ปี!

ศิลปะประยุกต์ของญี่ปุ่นที่เฟื่องฟูอีกประเภทหนึ่งในเทคโนโลยีนี้คล้ายกับการทอผ้ามาคราเม แต่ดูสง่างามและมีขนาดเล็กกว่า

แล้วมันคืออะไร มิซูฮิกิ- นี่คือศิลปะของการผูกปมต่าง ๆ จากเชือกอันเป็นผลมาจากลวดลายของความงามอันน่าทึ่งซึ่งรากของมันกลับไปสู่ศตวรรษที่ 18

ขอบเขตยังมีความหลากหลาย - โปสการ์ด, จดหมาย, ทรงผม, กระเป๋าถือ, การห่อของขวัญ ยังไงก็ต้องขอบคุณการห่อของขวัญ มิซูฮิกิได้รับการยอมรับอย่างกว้างขวาง ท้ายที่สุดแล้ว ของขวัญขึ้นอยู่กับทุกเหตุการณ์ในชีวิตของบุคคล มีปมและองค์ประกอบจำนวนมากในมิซูฮิกิที่แม้แต่คนญี่ปุ่นทุกคนก็ไม่รู้จักพวกเขาทั้งหมดด้วยใจ นอกจากนี้ยังมีปมพื้นฐานที่ใช้บ่อยที่สุดที่ใช้ในการแสดงความยินดีกับการกำเนิดของเด็กสำหรับงานแต่งงาน ฉลองวันเกิดหรือเข้ามหาวิทยาลัย

- งานแฮนด์เมดญี่ปุ่นเพื่อสร้างภาพวาดสามมิติจากกระดาษแข็งและผ้าหรือกระดาษโดยใช้เทคโนโลยีappliqué งานปักประเภทนี้เป็นที่นิยมมากในญี่ปุ่น แต่ในรัสเซียยังไม่มีการแจกแจงมากนัก แม้จะเรียนรู้วิธีสร้างสรรค์งานก็ตาม ภาพวาดโอชิเอะง่ายมาก. ในการสร้างภาพวาดโอชิเอะนั้น จำเป็นต้องใช้กระดาษวาชิของญี่ปุ่น (ซึ่งใช้เส้นใยของต้นหม่อน กัมปี มิตซูมาตะ และพืชอื่นๆ อีกหลายชนิด) ผ้า กระดาษแข็ง ลูกบอล กาว และกรรไกร

การใช้วัสดุของญี่ปุ่น - ผ้าและกระดาษในรูปแบบศิลปะนี้เป็นพื้นฐาน เนื่องจากกระดาษ Washi มีคุณสมบัติคล้ายกับผ้า ดังนั้นจึงมีความแข็งแรงและเป็นพลาสติกมากกว่ากระดาษธรรมดา สำหรับผ้านั้นใช้ผ้าที่ใช้เย็บที่นี่ แน่นอนว่าช่างฝีมือสตรีชาวญี่ปุ่นไม่ได้ซื้อผ้าใหม่สำหรับโอชิเอะ พวกเขาให้ชีวิตใหม่กับชุดกิโมโนเก่าของพวกเขา โดยใช้ผ้านั้นในการสร้างภาพวาด ตามเนื้อผ้า ภาพวาดโอชิเอะแสดงภาพเด็กในชุดประจำชาติ ฉากจากเทพนิยาย

ก่อนที่คุณจะเริ่มทำงาน คุณต้องเลือกภาพวาดสำหรับรูปภาพ เพื่อให้องค์ประกอบทั้งหมดมีลักษณะที่เสร็จสิ้น ชัดเจน ต้องปิดทุกบรรทัด เช่นเดียวกับในสมุดระบายสีสำหรับเด็ก กล่าวโดยสรุป เทคโนโลยีสำหรับการสร้างโอชิเอะมีดังนี้ องค์ประกอบกระดาษแข็งแต่ละชิ้นของลวดลายถูกห่อด้วยผ้า และติดลูกบอลลงบนกระดาษแข็งก่อน เนื่องจากการตีบอล รูปภาพจึงได้รับปริมาณ

รวมเทคนิคต่างๆ เข้าด้วยกัน: การแกะสลักไม้, การเย็บปะติดปะต่อกัน, การปะติดปะต่อ, โมเสก ในการสร้างภาพ kinusaiga คุณต้องวาดภาพร่างบนกระดาษก่อน แล้วจึงโอนไปยังกระดานไม้ บนกระดานตามแนวของภาพวาดจะทำร่องชนิดหนึ่ง หลังจากนั้น กิโมโนไหมเก่าชิ้นเล็ก ๆ จะถูกตัดเป็นชิ้นเล็กชิ้นน้อย จากนั้นจึงเติมร่องที่ตัดบนแผ่นกระดาน ผลลัพธ์ที่ได้คือภาพที่ได้ของ kinusaiga โดดเด่นด้วยความงามและความสมจริง

- ศิลปะการพับผ้าแบบญี่ปุ่นสามารถอ่านประวัติลักษณะและวิธีการบรรจุภัณฑ์หลักในเทคนิคนี้ได้ ใช้เทคนิคนี้ในการแพ็คกิ้ง สวย กำไร สะดวก และในตลาดคอมพิวเตอร์ญี่ปุ่น เทรนด์ใหม่คือโน้ตบุ๊กที่อัดแน่นอย่างมีสไตล์ ฟุโรชิกิ. เห็นด้วย เดิมมาก!

(งานฝีมือจิริเม็ง) - โบราณ งานปักญี่ปุ่นซึ่งมีต้นกำเนิดในยุคศักดินาญี่ปุ่นตอนปลาย แก่นแท้ของศิลปะและงานฝีมือนี้คือการสร้างหุ่นของเล่นจากผ้า ซึ่งส่วนใหญ่เป็นศูนย์รวมของสัตว์และพืช นี่เป็นงานปักประเภทผู้หญิงล้วนๆ ผู้ชายญี่ปุ่นไม่ควรทำ ในศตวรรษที่ 17 หนึ่งในทิศทางของ "terimen" คือการผลิตกระเป๋าตกแต่งซึ่งใส่สารหอมพวกเขาสวมใส่ด้วยตัวเอง (เช่นน้ำหอม) หรือใช้ในการปรุงผ้าลินินสด (ซองชนิดหนึ่ง) ปัจจุบัน หุ่นจำลองใช้เป็นองค์ประกอบในการตกแต่งภายในของบ้าน ในการสร้างตุ๊กตาเทอริเมนนั้น ไม่จำเป็นต้องฝึกฝนเป็นพิเศษ แค่มีผ้า กรรไกร และความอดทนมากก็เพียงพอแล้ว

- หนึ่งในประเภททอเชือกผูกรองเท้าที่เก่าแก่ที่สุด โดยครั้งแรกที่กล่าวถึงมีอายุย้อนไปถึงปี 50 แปลจาก คุมิ ภาษาญี่ปุ่น - พับ, ฮิโมะ - เธรด (การพับของเธรด) เชือกผูกรองเท้าถูกใช้เพื่อวัตถุประสงค์ในการใช้งาน - ติดอาวุธซามูไร ผูกเกราะกับม้า ผูกของหนัก และเพื่อการตกแต่ง - คาดเข็มขัดกิโมโน (โอบิ) ห่อของขวัญ สาน คุมิฮิโมะ เชือกรองเท้าส่วนใหญ่บนเครื่องมี 2 ประเภทคือ ทาคาไดและมะรุไดเมื่อใช้สายแรกจะได้สายแบนในสายที่สอง

- เรียบง่ายและซับซ้อน งานปักญี่ปุ่นสิ่งที่คล้ายกับการเย็บปะติดปะต่อกัน ซาชิโกะนี่เป็นงานปักด้วยมือที่เรียบง่ายและสวยงามในเวลาเดียวกัน แปลจากภาษาญี่ปุ่นคำว่า "sashiko" หมายถึง "การเจาะขนาดเล็ก" ซึ่งอธิบายลักษณะเทคนิคการเย็บอย่างเต็มที่ การแปลตามตัวอักษรจากคำภาษาญี่ปุ่น "sashiko" หมายถึง "โชคดี, ความสุข" เทคนิคการปักแบบโบราณนี้เกิดจากความยากจนของชาวชนบทของญี่ปุ่น ไม่สามารถเปลี่ยนเสื้อผ้าเก่าเป็นเสื้อผ้าใหม่ได้ (ผ้ามีราคาแพงมากในสมัยนั้น) พวกเขาคิดหาวิธีที่จะ "ฟื้นฟู" ด้วยความช่วยเหลือของการเย็บปักถักร้อย ในขั้นต้น ลวดลายซาชิโกะถูกใช้สำหรับควิลท์และเสื้อผ้าที่ให้ความอบอุ่น ผู้หญิงที่ยากจนพับผ้าที่สวมใส่แล้วหลายชั้นและเชื่อมต่อโดยใช้เทคนิคซาชิโกะ จึงเป็นการสร้างแจ็คเก็ตควิลท์ที่อบอุ่น ปัจจุบันซาชิโกะมีการใช้กันอย่างแพร่หลายเพื่อการตกแต่ง ตามเนื้อผ้า ลวดลายถูกปักบนผ้าสีเข้ม ส่วนใหญ่เป็นสีน้ำเงิน โทนด้วยด้ายสีขาว เชื่อกันว่าเสื้อผ้าที่ปักด้วยภาพวาดสัญลักษณ์ป้องกันจากวิญญาณชั่วร้าย

หลักการพื้นฐานของซาชิโกะ:
ความเปรียบต่างของผ้าและด้าย - สีดั้งเดิมของผ้าคือสีน้ำเงินเข้ม คราม สีของด้ายเป็นสีขาว มักใช้การผสมผสานระหว่างสีดำและสีขาว แน่นอนว่าจานสีไม่ได้ยึดติดอย่างเคร่งครัดนัก
ตะเข็บไม่ควรตัดกันที่จุดตัดของเครื่องประดับ ควรมีระยะห่างระหว่างพวกเขา
เย็บแผลควรมีขนาดเท่ากันระยะห่างระหว่างพวกเขาไม่ควรไม่สม่ำเสมอ

สำหรับการปักประเภทนี้ จะใช้เข็มพิเศษ (เช่น เข็มสำหรับจักรเย็บผ้า) รูปแบบที่ต้องการถูกนำไปใช้กับผ้าแล้วสอดเข็มที่มีเกลียวเป็นเกลียวโดยควรเหลือห่วงเล็ก ๆ จากด้านใน งานปักนี้เป็นงานที่รวดเร็ว ความยากอยู่ที่ความสามารถในการลงลายและคละสีเท่านั้น รูปภาพทั้งหมดถูกปักด้วยวิธีนี้ สิ่งสำคัญคือการหยิบด้ายเพื่อให้ได้ภาพวาดที่สมจริง ด้ายที่ใช้สำหรับงานไม่ธรรมดา - นี่คือ "สายไฟ" พิเศษที่คลี่คลายระหว่างการทำงานและด้วยเหตุนี้จึงได้ตะเข็บที่สวยงามและผิดปกติมาก

- แปลจากภาษาญี่ปุ่น kusuri (ยา) และ tama (บอล) ตามตัวอักษรว่า "medicinal ball" ศิลปแห่งกุสุทามะมาจากประเพณีญี่ปุ่นโบราณ เมื่อ kusudama ถูกใช้สำหรับธูปและส่วนผสมของกลีบแห้ง โดยทั่วไป คุซูดามะเป็นลูกบอลกระดาษที่ประกอบด้วยโมดูลจำนวนมากที่พับจากกระดาษแผ่นสี่เหลี่ยมจัตุรัส (ดอกไม้เป็นสัญลักษณ์ของ)

ญี่ปุ่นเป็นประเทศทางตะวันออกที่น่าตื่นตาตื่นใจ ตั้งอยู่บนเกาะ อีกชื่อหนึ่งสำหรับประเทศญี่ปุ่นคือดินแดนอาทิตย์อุทัย ภูมิอากาศแบบอบอุ่นชื้นที่อบอุ่นเล็กน้อย เทือกเขาของภูเขาไฟและน้ำทะเลทำให้เกิดภูมิทัศน์ที่สวยงามในหมู่วัยรุ่นญี่ปุ่นที่เติบโตขึ้น ซึ่งทิ้งรอยประทับบนศิลปะของรัฐเล็กๆ แห่งนี้อย่างไม่ต้องสงสัย ที่นี่ผู้คนตั้งแต่อายุยังน้อยคุ้นเคยกับความงาม ดอกไม้สด ไม้ประดับ และสวนขนาดเล็กที่มีทะเลสาบเป็นคุณลักษณะของบ้านของพวกเขา ทุกคนพยายามจัดระเบียบสัตว์ป่าให้ตัวเอง เช่นเดียวกับชนชาติตะวันออกทั้งหมด ชาวญี่ปุ่นยังคงมีความเชื่อมโยงกับธรรมชาติ ซึ่งได้รับเกียรติและเคารพตลอดหลายศตวรรษของการดำรงอยู่ของอารยธรรมของพวกเขา

การทำความชื้นในอากาศ: เครื่องล้างอากาศ WINIX WSC-500 สร้างอนุภาคละเอียดของน้ำ..โหมดการทำงานของอ่างล้าง Winix WSC-500: ช่องระบายอากาศ "WINIX WSC-500" มีโหมดการทำงานอัตโนมัติที่สะดวก ในเวลาเดียวกัน ความชื้นที่เหมาะสมและสบายที่สุดในห้องจะยังคงอยู่ - 50-60% และโหมดการฟอกอากาศในพลาสมาและไอออไนเซชัน ("Plasma Wave™") จะเปิดใช้งานตามค่าเริ่มต้น

สถาปัตยกรรมญี่ปุ่น

เป็นเวลานานที่ญี่ปุ่นถือเป็นประเทศปิดการติดต่อกับจีนและเกาหลีเท่านั้น ดังนั้นการพัฒนาของพวกเขาจึงเกิดขึ้นตามเส้นทางพิเศษของตัวเอง ต่อมาเมื่อนวัตกรรมต่างๆ เริ่มบุกเข้าไปในอาณาเขตของเกาะต่างๆ ชาวญี่ปุ่นได้ปรับเปลี่ยนอย่างรวดเร็วเพื่อตนเองและสร้างขึ้นใหม่ด้วยวิธีของตนเอง รูปแบบสถาปัตยกรรมญี่ปุ่นเป็นบ้านที่มีหลังคาโค้งมหึมาซึ่งช่วยให้คุณป้องกันตัวเองจากฝนตกหนักได้อย่างต่อเนื่อง ผลงานศิลปะที่แท้จริงคือพระราชวังอิมพีเรียลที่มีสวนและศาลา

ในบรรดาสถานที่สักการะที่พบในประเทศญี่ปุ่น เราสามารถแยกแยะวัดไม้ เจดีย์พุทธ และวัดพุทธที่มีชีวิตรอดมาจนถึงทุกวันนี้ ซึ่งปรากฏให้เห็นในยุคต่อมาของประวัติศาสตร์ เมื่อพระพุทธศาสนาเข้ามาในประเทศจากแผ่นดินใหญ่และได้ประกาศให้ ศาสนาประจำชาติ อย่างที่ทราบกันดีว่าอาคารไม้นั้นไม่ทนทานและเปราะบาง แต่ในญี่ปุ่น เป็นเรื่องปกติที่จะสร้างอาคารขึ้นใหม่ในรูปแบบดั้งเดิม ดังนั้นแม้หลังจากเกิดเพลิงไหม้แล้ว อาคารเหล่านั้นก็ถูกสร้างขึ้นใหม่ในรูปแบบที่สร้างในคราวเดียว

ประติมากรรมของญี่ปุ่น

พุทธศาสนามีอิทธิพลอย่างมากต่อการพัฒนาศิลปะของญี่ปุ่น ผลงานมากมายเป็นตัวแทนของพระพุทธรูป จึงมีการสร้างรูปปั้นและประติมากรรมของพระพุทธเจ้าจำนวนมากขึ้นในวัด พวกเขาทำด้วยโลหะ ไม้และหิน ในเวลาต่อมา ช่างฝีมือปรากฏตัวขึ้นซึ่งเริ่มสร้างประติมากรรมภาพเหมือนแบบฆราวาส แต่เมื่อเวลาผ่านไป ความต้องการสำหรับพวกมันก็หายไป บ่อยครั้งมากขึ้นเรื่อยๆ ที่ประติมากรรมนูนต่ำนูนสูงด้วยการแกะสลักลึกจึงเริ่มถูกนำมาใช้ในการตกแต่งอาคาร

ประติมากรรม netsuke ขนาดเล็กถือเป็นรูปแบบศิลปะแห่งชาติในญี่ปุ่น ในขั้นต้น ตัวเลขดังกล่าวมีบทบาทเป็นพวงกุญแจซึ่งติดอยู่กับเข็มขัด ตุ๊กตาแต่ละตัวมีรูสำหรับร้อยเชือกสำหรับแขวนสิ่งของที่จำเป็น เนื่องจากเสื้อผ้าในเวลานั้นไม่มีกระเป๋า ตุ๊กตา Netsuke พรรณนาถึงตัวละครทางโลก เทพเจ้า ปีศาจ หรือสิ่งของต่างๆ ที่มีความหมายลับเฉพาะ เช่น ความปรารถนาให้ครอบครัวมีความสุข เนตสึเกะทำจากไม้ งาช้าง เซรามิกหรือโลหะ

ศิลปหัตถกรรมญี่ปุ่น

การผลิตอาวุธมีคมได้รับการยกระดับเป็นศิลปะในญี่ปุ่น ทำให้การผลิตดาบซามูไรสมบูรณ์แบบ ดาบ มีด ที่ยึดดาบ อาวุธยุทโธปกรณ์ที่ใช้ต่อสู้เป็นเครื่องประดับประเภทหนึ่ง บ่งบอกว่าเป็นของชนชั้น จึงสร้างโดยช่างฝีมือผู้ชำนาญ ประดับด้วยเพชรพลอยและงานแกะสลัก นอกจากนี้ งานฝีมือพื้นบ้านของญี่ปุ่นยังมีการผลิตเซรามิก เครื่องเขิน การทอผ้า และงานแกะสลักไม้อีกด้วย ช่างปั้นหม้อชาวญี่ปุ่นวาดภาพเครื่องปั้นดินเผาแบบดั้งเดิมด้วยลวดลายและการเคลือบต่างๆ

จิตรกรรมญี่ปุ่น

ในตอนแรก ภาพวาดของญี่ปุ่นถูกครอบงำด้วยภาพเขียนแบบโมโนโครมซึ่งเชื่อมโยงกับศิลปะการประดิษฐ์ตัวอักษรอย่างใกล้ชิด ทั้งสองถูกสร้างขึ้นตามหลักการเดียวกัน ศิลปะการทำสี หมึกและกระดาษมาจากแผ่นดินใหญ่ในญี่ปุ่น ในเรื่องนี้ การพัฒนาศิลปะการวาดภาพรอบใหม่ได้เริ่มต้นขึ้น ในเวลานั้น ภาพวาดญี่ปุ่นประเภทหนึ่งคือม้วนหนังสือแนวยาวของ emakinomo ซึ่งพรรณนาฉากจากชีวิตของพระพุทธเจ้า การวาดภาพทิวทัศน์ในญี่ปุ่นเริ่มพัฒนาขึ้นมากในเวลาต่อมา หลังจากที่ศิลปินปรากฏตัวขึ้นซึ่งเชี่ยวชาญในฉากต่างๆ จากชีวิตฆราวาส ภาพเหมือน และฉากทางทหาร

ในญี่ปุ่น พวกเขามักจะวาดบนตะแกรงพับ โชจิ ผนังบ้าน และเสื้อผ้า หน้าจอสำหรับคนญี่ปุ่นไม่ได้เป็นเพียงองค์ประกอบการใช้งานของบ้านเท่านั้น แต่ยังเป็นผลงานศิลปะเพื่อการไตร่ตรองซึ่งกำหนดอารมณ์ทั่วไปของห้อง ชุดกิโมโนประจำชาติยังเป็นงานศิลปะของญี่ปุ่นอีกด้วย โดยมีรสชาติแบบตะวันออกเป็นพิเศษ แผงตกแต่งบนแผ่นฟอยล์สีทองที่ใช้สีสดใสสามารถนำมาประกอบกับผลงานจิตรกรรมญี่ปุ่นได้เช่นกัน ชาวญี่ปุ่นมีทักษะที่ยอดเยี่ยมในการสร้าง ukiyo-e หรือที่เรียกว่าแม่พิมพ์ เนื้อเรื่องของภาพเขียนดังกล่าวเป็นเรื่องราวจากชีวิตของพลเมืองธรรมดา ศิลปิน และเกอิชา ตลอดจนภูมิทัศน์อันงดงาม ซึ่งเป็นผลมาจากการพัฒนาศิลปะการวาดภาพในญี่ปุ่น