Teatr baletu klasycznego N. Wasiliow. Jezioro łabędzie. Państwowy Akademicki Teatr Baletu Klasycznego N. Kasatkiny i W. Wasilowa Państwowy Akademicki Teatr Baletu Kasatkina

Teatr baletu klasycznego N. Kasatkina i V. Vasilev

„Moskiewski Balet Klasyczny” – pod tą nazwą zespół znany jest na całym świecie, który obecnie nosi nazwę Państwowego Akademickiego Teatru Baletu Klasycznego. Zespół baletowy powstał w 1966 roku pod nazwą Choreograficznego Zespołu Koncertowego ZSRR „Młody Balet”, przy wsparciu Ministerstwa Kultury ZSRR, a jego kierownikiem był słynny Igor Moiseev. W repertuarze znalazły się wówczas fragmenty baletów klasycznych i miniatury choreograficzne w inscenizacji samego Goleizowskiego, Messerera i Moiseeva. W 1977 roku Igor Moiseev przekazał kierownictwo artystyczne Vladimirowi Vasilevowi, uczniowi Asafa Messerera, a Natalia Kasatkina, uczennica Mariny Semyonova, została głównym choreografem. Przybycie nowych liderów zasadniczo zmieniło kierunek twórczy trupy, która z grupy koncertowej przekształciła się w teatr baletowy.

Klasyczny Teatr Baletu pod dyrekcją Natalii Kasatkiny i Władimira Wasilowa obchodził w 2011 roku 45-lecie istnienia. W 2012 roku minęła 35. rocznica kierownictwa artystycznego teatru przez Natalię Kasatkinę i Władimira Wasiljewa, reżyserów współczesnych spektakli i konserwatorów klasyki, twórców jedynego oryginalnego teatru baletowego w Moskwie.

Artyści Ludowi Rosji, laureaci Nagrody Państwowej - Natalia Kasatkina i Władimir Wasilew stworzyli 3 balety i 1 operę w Teatrze Bolszoj, 2 balety i 2 opery w Teatrze Maryjskim i 23 balety w Państwowym Teatrze Akademickim, nie licząc przedstawień na innych Sceny rosyjskie i zagraniczne. Balet Stworzenie Świata, stworzony w Teatrze Maryjskim dla M. Barysznikowa, został wystawiony w ponad 60 teatrach na całym świecie. Ostatnie dwie premiery odbyły się w USA. Autorski balet choreografów-reżyserów Natalii Kasatkiny i Władimira Wasilowa wniósł znaczący wkład w rozwój w światowej sztuce baletowej takiego kierunku, jak „Klasyka dziś” – klasyka w nowoczesnej interpretacji. Dziś wiele teatrów wystawia spektakle z wielkim sukcesem ze swoją choreografią, reżyserią i librettem.

„Wszystkie gatunki oprócz nudy!” - to motto Klasycznego Teatru Baletu, dlatego osobliwością wystawiania każdego dzieła w teatrze jest chęć uczynienia każdej historii zrozumiałą i interesującą dla ludzi w każdym wieku, narodowości i wyznań, dla ludzi współczesnych.

W repertuarze trupy znajdują się wszystkie balety P. I. Czajkowskiego, Kopciuszek i Romeo i Julia S. Prokofiewa, Don Kichot L. Minkusa, Giselle A. Adama, „Ognisty ptak” I. Strawińskiego, „Wspaniały Mandaryn” B. Bartok, „Spartakus” A. Chaczaturiana, „Stworzenie świata” i „Puszkin” A. Pietrowa i innych - łącznie około 30 baletów, - klasyczny i nowoczesny, różne style i trendy. Wśród obiecujących projektów teatru są balet „Lizystrata” Olgi Pietrowej na podstawie komedii Arystofanesa o tym samym tytule, „Korsarz” A. Adama oraz „Legenda o jeziorze łabędzim i brzydkie kaczątko” do muzyki E. Griega. Premiera 2008 – balet „Mowgli” do muzyki Alexa Pryera, 14-letniego kompozytora z Londynu, przeznaczony jest do rodzinnego oglądania.

Dzięki kreatywności teatru, oryginalności repertuaru, której zazdrości każdy zespół baletowy, publiczność zapoznała się z ponad 200 miastami Rosji i krajów sąsiednich, jego trasy koncertowe odbyły się w ponad 30 krajach świata na 5 kontynentach . Przez cały rok 75 tancerzy baletowych, 30 ton scenografii i 4000 kostiumów stworzonych do występów repertuarowych przemierza planetę.

„Fabryka Gwiazd Baletu” jest często nazywana Klasycznym Teatrem Baletu. To tutaj miało miejsce odkrywanie i formowanie artystów, którzy cieszyli się światowym uznaniem. Wśród nich są Irek Mukhamedov (obecnie solista Covent Garden Theatre), Galina Stepanenko (Prima Teatru Bolszoj), Vladimir Malakhov (dyrektor artystyczny i główny tancerz Niemieckiej Opery Narodowej w Berlinie, czołowy tancerz American Ballet Theatre, Wiodący gościnny występ w Wiedeńskiej Operze Państwowej), Ilgiz Galimullin (główny solista i pedagog naszego teatru oraz Teatru Narodowego w Tokio, Japonia). Kasatkina i Vassilev mają szczególną wizję oryginalnego talentu artystów i pod ich przewodnictwem teatr wychował nową plejadę światowej klasy gwiazd baletu klasycznego. Wśród solistów wychowanych przez teatr jest 2 zdobywców Grand Prix i 19 złotych medalistów międzynarodowych konkursów, 5 laureatów i 2 zdobywców Grand Prix Paryskiej Akademii Tańca, a także wielu innych tytułów i nagród prestiżowych konkursów baletowych .

Dziś teatr godnie reprezentują Jekaterina Berezyna, Ilgiz Galimullin, Marina Rzhannikova, Nikołaj Chevychelov, Natalia Ogneva, Artem Khoroshilov, Alexei Orlov, Alena Podavalova, Diana Kosyreva - Ludowe i Zasłużone Artystki Rosji oraz laureaci międzynarodowych konkursów.

Teatr Kasatkiny i Wasilowa można nazwać teatrem-paradoksem. Przeżyje w niemożliwych warunkach: 45 lat bez własnej sceny - i światowego uznania! Nieludzkie warunki pracy – i… laureaci najwyższych nagród baletowych. Stale utrzymywany jest poziom, który pozwala konkurować z kolegami z najlepszych światowych zespołów baletowych. Z wyimaginowanych ścian teatru wyszły światowej klasy gwiazdy. Nie ma miejsca na próby ze scenografią i oświetleniem, a w repertuarze teatru znajduje się około 30 baletów „na żywo”. I ciągle rodzą się nowe spektakle.

Natalia Kasatkina i Vladimir Vassilev prowadzą jeden z najbardziej znanych zespołów baletowych na świecie i nadal tworzą nowe spektakle i odkrywają nowe nazwiska dla świata.

Balet w 3 aktach, 4 sceny.
Libretto V. Begicheva, V. Geltsera.
Choreografia M. Petipy, L. Iwanowa, A. Gorskiego, A. Messerera, N. Kasatkiny, W. Wasilowa.
Spektakl zredagowali N. Kasatkina i V. Vasilev.
Artysta: T. Goodchild (Wielka Brytania).
Kostiumy zostały wykonane pod kierunkiem K. Bakera (Wielka Brytania).

Premiera spektaklu odbyła się latem 1988 roku podczas tournée Państwowego Akademickiego Teatru Baletu Klasycznego w Wielkiej Brytanii. To pierwsza wspólna produkcja rosyjsko-angielska w historii rosyjskiego baletu. Wersję choreograficzną i spektakl wykonała strona rosyjska – Państwowy Akademicki Teatr Baletu Klasycznego.
Scenografię, dekoracje, kostiumy wykonała strona angielska. Scenografem jest jeden z najbardziej znanych brytyjskich scenografów Tim Goodchild. Kostiumy powstają pod kierunkiem Kim Baker.
Główne role w spektaklu premierowym wykonali Vera Timashova i genialny Vladimir Malakhov.
Pierwszy balet Czajkowskiego „Jezioro łabędzie” (op. 1876) opowiada o walce o miłość i szczęście z siłami ciemności, o miłości jako najwyższej manifestacji człowieczeństwa. Temat ten, przewijający się przez całą twórczość Czajkowskiego, rozwijany jest we wszystkich jego baletach.
Zgodnie z pierwotnym zamysłem kompozytora balet zakończył się tragicznym zakończeniem wraz ze śmiercią głównych bohaterów. Pomysł ten nie został jednak zrealizowany w kolejnych produkcjach. Przedstawiona publiczności wersja Jeziora łabędziego wpisuje się właśnie w tę intencję autora.
W pierwszym spektaklu Jeziora łabędziego (1877, Moskiewski Teatr Bolszoj, choreograf V. Reisinger) innowacja muzyczna pozostała nieodkryta. Połączenie symfonizmu i tkwiącej w nim skuteczności zostało zawarte tylko w produkcji Lwa Iwanowa i Mariusa Petipy (1885, Teatr Maryjski w tańcu łabędzi św., rozwiązano narodowy zestaw znaków itp. Ta produkcja stała się podstawą wszystkich późniejszych wersje Jeziora łabędziego, w tym słynny występ choreografa Aleksandra Gorskiego w Teatrze Bolszoj w 1901 roku.
Ponad trzydzieści lat temu Wielka Brytania oklaskiwała przedstawienie Jeziora łabędziego w Teatrze Bolszoj, którego wersja w Rosji nazywana jest „starym moskiewskim Jeziorem łabędzim” (choreografia Mariusa Petipy, Lwa Iwanowa, Aleksandra Gorskiego, Asafa Messerera). Ta prawie zapomniana wersja Jeziora łabędziego stała się podstawą wersji oferowanej publiczności przez Państwowy Akademicki Teatr Baletu Klasycznego. Wiele wspaniałych „kawałków” ze starego wydania „Jeziora łabędziego” zostało starannie odrestaurowanych, a także odrestaurowano oryginalne pomysły Mariusa Petipy w pierwszej scenie baletu. A te fragmenty skomponowane na nowo, z wyczuciem i starannością oddają styl słynnego spektaklu.
Podczas realizacji spektaklu Natalia Kasatkina i Władimir Wasilew konsultowali się z Nikołajem Fadieczewem, jednym z najsłynniejszych książąt Teatru Bolszoj, ze słynną Mariną Siemionową, z Asafem Messererem.
Rosyjska krytyczka baletowa Elena Łucka nazwała tę pracę reżyserów „lekcję współczesnego podejścia do klasycznego dziedzictwa”.
Spektakl z powodzeniem pokazywany był na scenach USA, Turcji, Japonii, Francji, Włoch.
„Trupa przywiozła niesamowitą produkcję Jeziora łabędziego”, napisała prasa amerykańska, „to bogato zaprojektowane przedstawienie, wykonane z wielką świeżością. Publiczność zobaczyła balet o szczególnej lekkości i delikatności.
Spektaklowi towarzyszy orkiestra Teatru Operowego Nowaja. E.V. Kolobova.

Czas trwania: 2 godziny (z przerwą).

Moskiewski balet klasyczny- pod tą nazwą znana jest na całym świecie grupa, która obecnie nosi nazwę Państwowego Akademickiego Teatru Baletu Klasycznego. Zespół baletowy powstał w 1966 roku przy pomocy Ministerstwa Kultury ZSRR, a na jego czele stanął słynny Igor Moiseev. W repertuarze znalazły się wówczas fragmenty baletów klasycznych i miniatury choreograficzne w inscenizacji samego Goleizowskiego, Messerera i Moiseeva. W 1977 roku Igor Moiseev przekazał kierownictwo artystyczne Vladimirowi Vasilevowi, uczniowi Asafa Messerera, a Natalia Kasatkina, uczennica Mariny Siemionowej, została głównym choreografem. Przybycie nowych liderów zasadniczo zmieniło kierunek twórczy trupy, która z grupy koncertowej przekształciła się w teatr baletowy.

Klasyczny Teatr Baletowy pod dyrekcją Natalii Kasatkiny i Władimira Wasilowa obchodził w 2006 roku 40-lecie swojego istnienia. W 2007 roku Natalia Kasatkina i Władimir Wasiljew, reżyserzy współczesnych przedstawień i konserwatorzy klasyki, twórcy jedynego oryginalnego teatru baletowego w Moskwie, obchodzili 30-lecie pracy jako dyrektor artystyczny teatru.

Artyści Ludowi Rosji, laureaci Nagrody Państwowej - Natalia Kasatkina i Władimir Wasilew stworzyli 3 balety i 1 operę w Teatrze Bolszoj, 2 balety i 2 opery w Teatrze Maryjskim i 23 balety w Państwowym Teatrze Akademickim, nie licząc przedstawień na innych Sceny rosyjskie i zagraniczne. Balet Stworzenie Świata, stworzony w Teatrze Maryjskim, został wystawiony w ponad 60 teatrach na całym świecie. Ostatnie dwie premiery odbyły się w Stanach Zjednoczonych w 2003 i 2004 roku. Autorski balet choreografów-reżyserów Natalii Kasatkiny i Władimira Wasilowa wniósł znaczący wkład w rozwój w światowej sztuce baletowej takiego kierunku, jak „Klasyka dziś” – klasyka w nowoczesnej interpretacji. Dziś wiele teatrów wystawia spektakle z wielkim sukcesem ze swoją choreografią, reżyserią i librettem.

„Wszystkie gatunki oprócz nudy!” - to motto Klasycznego Teatru Baletu, dlatego osobliwością wystawiania każdego dzieła w teatrze jest chęć uczynienia każdej historii zrozumiałą i interesującą dla ludzi w każdym wieku, narodowości i wyznania.

W repertuarze trupy znajdują się wszystkie balety P. I. Czajkowskiego, Kopciuszek i Romeo i Julia S. Prokofiewa, Don Kichot L. Minkusa, Giselle A. Adama, „Ognisty ptak” I. Strawińskiego, „Cudowny Mandaryn” B. Bartok, „Spartakus” A. Chaczaturiana, „Stworzenie świata” i „Puszkin” A. Pietrowa i innych - łącznie ponad 20 baletów, - klasyczny i nowoczesny, różne style i trendy. Wśród obiecujących projektów Teatru na najbliższą przyszłość są inscenizacje baletów Andrieja i Olgi Pietrowów, festiwal ludowy Lizystrata według komedii Arystofanesa o tym samym tytule oraz Burza według Szekspira z muzyką Jeana Sibeliusa. Premiera 2008 roku to balet „Mowgli” do muzyki Alexa Priora, 14-letniego kompozytora z Londynu.

„Fabryka Gwiazd Baletu” jest często nazywana Klasycznym Teatrem Baletu. To tutaj miało miejsce odkrywanie i formowanie artystów, którzy cieszyli się światowym uznaniem. Wśród nich są Irek Mukhamedov (obecnie solista Covent Garden Theatre), Galina Stepanenko (Prima Teatru Bolszoj), Vladimir Malakhov (dyrektor artystyczny i główny tancerz Niemieckiej Opery Narodowej w Berlinie, czołowy tancerz American Ballet Theatre, Wiodący gościnny występ w Wiedeńskiej Operze Państwowej). Kasatkina i Vassilev mają szczególną wizję oryginalnego talentu artystów i pod ich przewodnictwem teatr wychował nową plejadę światowej klasy gwiazd baletu klasycznego. Wśród solistów wychowanych przez teatr jest 2 zdobywców Grand Prix i 19 złotych medalistów międzynarodowych konkursów, 5 laureatów i 2 zdobywców Grand Prix Paryskiej Akademii Tańca, a także wielu innych tytułów i nagród prestiżowych konkursów baletowych .

Od trzydziestu lat Natalia Kasatkina i Vladimir Vasilev prowadzą jeden z najsłynniejszych zespołów baletowych na świecie i nadal tworzą nowe spektakle i odkrywają nowe nazwiska dla świata.

Artyści ludowi Rosji Natalia Dmitrievna Kasatkina (ur. 1934) i Vladimir Yudich Vasilev (ur. 1931) ukończyli Moskiewską Szkołę Choreograficzną, obaj pracowali przez ponad dwadzieścia lat w Teatrze Bolszoj, gdzie wykonywali charakterystyczne występy (N.D. Kasatkina także klasyka). ) obaj rozpoczęli działalność choreograficzną na początku lat 60., a od 1977 r. kierują teatrem baletowym, który obecnie nosi nazwę Państwowego Akademickiego Teatru Baletu Klasycznego.

Opisując ich działalność, konieczne jest zastosowanie słowa „po raz pierwszy” do szeregu ich przedsięwzięć. Były to pierwsze pod wieloma względami, które wydarzyły się w życiu artystycznym naszego baletu w drugiej połowie XX wieku.

Wiadomo, że na przełomie lat pięćdziesiątych i sześćdziesiątych nastąpiła radykalna zmiana we wszystkich rodzajach sztuki domowej – literaturze, teatrze, kinie, muzyce, plastyce. W życie weszło nowe, utalentowane pokolenie, nazwane później „latami sześćdziesiątymi”. Pokolenie to przezwyciężyło ideologiczne dogmaty i stagnację artystyczną poprzedniego okresu, poszerzyło duchowe i figuratywne horyzonty twórczości artystycznej oraz określiło główne osiągnięcia sztuki rosyjskiej drugiej połowy ubiegłego wieku.

Przełom w rozwoju całej kultury artystycznej dotknął także choreografii. Zostało to określone na przełomie lat 50. i 60., przede wszystkim w spektaklach J. N. Grigorowicza i I. D. Belskiego, którzy znaleźli nowe drogi w rozwoju baletu i wpłynęli na całe pokolenie choreografów. Ale Yu N Grigorovich i ID Belsky pracowali w Petersburgu, chociaż ich oszałamiające innowacje odbiły się echem w całym kraju. Yu.N. Grigorowicz przeniósł się do Moskwy i nieco później przyszedł do Teatru Bolszoj, określając jego twórcze oblicze do końca wieku. W Moskwie N. D. Kasatkina i V. Yu Vasilev zostali pierwszymi młodymi choreografami nowej fali. Ich spektakle Vanina Vanini (1962) i Heroic Poem (1964) z muzyką N. N. Karetnikowa, Święto wiosny I. F. Strawińskiego (1965) i nieco później wystawił w Petersburgu sztukę „Stworzenie świata” A. P. Petrova (1971) włączyła się w ogólny proces aktualizacji sztuki domowej i odegrała w nim znaczącą rolę.

N. D. Kasatkina i V. Yu Vasilev jako pierwsi w naszym kraju (po krótkich, później przerwanych eksperymentach choreografów z lat 20.) wystawiali spektakle do muzyki awangardowej. Współpracowali z młodym kompozytorem N. N. Karetnikowem, który podążał ścieżką awangardowej twórczości. To było nowe, nie wszyscy akceptowali w tamtym czasie taką muzykę w balecie. Teraz stało się to dość powszechne, ale wtedy było nieoczekiwane i świeże, wyznaczając nowe ścieżki w balecie, stymulując poszukiwania w dziedzinie języka i form choreograficznych.

N. D. Kasatkina i V. Yu Vasilev jako pierwsi wystawili w naszym kraju przełomowy balet I. F. Strawińskiego Święto wiosny. Powstał w 1913 roku i był pokazywany w Paryżu w „Pory roku rosyjskim” S.P. Diagilewa z choreografią V.F. Niżyńskiego. Potem wielokrotnie występował za granicą. Teraz można go zobaczyć na wielu scenach w naszym kraju. Ale N. D. Kasatkina i V. Yu Vasilev jako pierwsi zwrócili się do niego w naszym kraju. To było na tyle odważne, że I. F. Strawiński był wtedy jeszcze na wpół zakazanym kompozytorem wśród nas jako emigrant i modernista, a wielu nie akceptowało jego muzyki, nowatorskiej i bardzo złożonej. Ale N. D. Kasatkina i V. Yu Vasilev zrozumieli to głęboko i adekwatnie, tworząc wspaniałe przedstawienie, które wciąż jest na scenie ich teatru.

N. D. Kasatkina i V. Yu Vasilev jako pierwsi w naszym kraju stworzyli własny teatr baletowy, który można nazwać autorskim i eksperymentalnym. Czyli jest to ich osobisty (w sensie twórczym) teatr, który powstał jako równoległa i dodana do czołowych teatrów stolicy. Teraz V. M. Gordeev, G. L. Taranda, S. N. Radchenko mają własne zespoły baletowe, jest balet kameralny „Moskwa”, istnieje kilka zespołów tańca ludowego i tańca współczesnego. Ale teatr N. D. Kasatkiny i V. Yu Vasilev stał się pierwszym autorem i eksperymentalnym zespołem baletowym. W 1977 r. kierowali zespołem koncertowym, utworzonym w 1966 r. (najpierw pod kierownictwem I. A. Moisejewa, a następnie Yu. T. Żdanowa) i przekształcili go w teatr baletowy. Podstawą repertuaru nie są już numery koncertowe i miniatury choreograficzne, ale pełnoprawne duże spektakle. Teatr N. D. Kasatkiny i V. Yu Vasilev zyskał popularność w ich ojczyźnie i koncertuje ze stałymi sukcesami w wielu krajach świata.

N. D. Kasatkina i V. Yu Vasilev jako pierwsi w naszym kraju przyciągnęli słynnego zagranicznego choreografa Pierre'a Lacotte'a, który specjalizował się w przywracaniu utraconego dziedzictwa klasycznego, w celu przywrócenia starego spektaklu. Teraz Pierre Lacotte przywrócił wiele znikniętych baletów za granicą, aw naszym kraju - w teatrach Bolszoj (Córka faraona) i Maryjskim (Ondyna). Ale N. D. Kasatkina i V. Yu Vasilev jako pierwsi w naszym kraju wezwali go w tym celu, wystawiając w 1980 roku w jego restauracji stary balet „Natalie, czyli szwajcarska dojarka” kompozytora A. Girovets, stworzony w 1821 roku przez założyciel baletu romantycznego Philip Taglioni. W dzisiejszych czasach rekonstrukcje stały się modne, ale aby rozpocząć ten biznes, potrzebna była twórcza inicjatywa, która zawsze jest charakterystyczna dla tych choreografów.

Wreszcie N. D. Kasatkina i V. Yu Vasilev jako pierwsi w naszym kraju eksperymentowali w złożonych i niezwykłych gatunkach muzycznych i choreograficznych, wystawiając w 1986 roku symfonię wokalną i choreograficzną „Puszkin. Refleksja nad poetą” A.P. Pietrowa, kompozytora, z którym łączyła ich twórcza przyjaźń przez wiele lat. Uosabiali na scenie zarówno jego balety, jak i operę „Piotr I”, ukazując talent nie tylko choreografów, ale i reżyserów. Idea Puszkina to złożony syntetyczny gatunek, który łączy dramatyczną akcję, muzykę symfoniczną, wokal i choreografię.

Już w jednym z wyliczeń zjawisk choreograficznych, gdzie społeczność tych choreografów nacechowana jest słowem „po raz pierwszy”, widać ich wrodzoną inicjatywę twórczą, chęć poszukiwań artystycznych, odnajdywania nowych dróg i form w sztuce.

Mówiąc o ich teatrze baletowym, który ma obecnie szeroką gamę spektakli, należy zwrócić uwagę na harmonijne połączenie klasyki i nowoczesności, zarówno w repertuarze, jak i języku choreograficznym ich spektakli.

N. D. Kasatkina i V. Yu Vasilev wystawili kilka klasycznych baletów, w tym Giselle, Don Kichot, wszystkie trzy balety P. I. Czajkowskiego. Jednocześnie twórczo podchodzą do ucieleśnienia dzieł klasycznych, nigdy nie znoszą mechanicznie wersji stołecznych teatrów, ale tworzą własne. Niektórym widzom te wersje mogą się podobać bardziej, innym mniej, co jest całkiem naturalne. Ale najważniejsze nie jest to, ale twórcza interpretacja materiału, który oczywiście jest cenny w sztuce.

Szczególnie ważne w działalności N. D. Kasatkiny i V. Yu Vasilyeva jest inscenizacja nowych baletów, współpraca ze współczesnymi kompozytorami, wśród których byli N. N. Karetnikov, A. P. Petrov, T. N. Khrennikov, A. I. Chaczaturian i inni, nie mówiąc już o tym, że wystawił balety I. F. Strawińskiego - „Święto wiosny”, „Pocałunek wróżki”, „Ognisty ptak” i S. S. Prokofiewa - „Romeo i Julia”, „ Kopciuszek”. W wystawianiu baletów współczesnych kompozytorów wkład tych choreografów w sztukę jest chyba najbardziej znaczący.

Harmonijne połączenie klasyki i nowoczesności jest również charakterystyczne dla ich plastycznego języka. N. D. Kasatkina i V. Yu Vasilev wychowali się na klasycznej choreografii i biegle się nią posługują. Ale języka tańca klasycznego nie da się zredukować do zestawu ruchów szkolnych. Rozwija się, wzbogaca i może wchłonąć, gdy trzeba stworzyć obrazy artystyczne, różnorodne elementy plastyczne: tańce ludowe, towarzyskie, tańce historyczne, taniec nowoczesny i jazzowy, pantomimę codzienną i dramatyczną, pracę, sport, kulturę fizyczną i ruchy akrobatyczne i inne. Tą drogą podąża większość rodzimych choreografów drugiej połowy XX wieku. A w swoich oryginalnych baletach N. D. Kasatkina i V. Yu Vasilev również podążają tą ścieżką. Język tańca ich baletów można nazwać zaktualizowanym lub unowocześnionym klasykiem, czyli tańcem klasycznym, wzbogaconym zgodnie z wymogami treści figuratywnej o elementy innych systemów plastycznych.

Na szczególną uwagę zasługuje fakt, że teatr N. D. Kasatkiny i V. Yu Vasilev to prawdziwa „fabryka gwiazd”. Wyprodukował tylu laureatów międzynarodowych konkursów baletowych, w tym światowych sław, jakich nie dał żaden inny teatr. Ich artyści zdobyli na konkursach dziewiętnaście złotych medali, nie mówiąc już o wielu srebrnych i brązowych. Nie wszyscy wiedzą, że to właśnie w teatrze N. D. Kasatkiny i V. Yu Vasilev rozpoczęły swoją działalność takie światowe gwiazdy jak I. D. Mukhamedov, V. A. Malakhov, G. O. Stepanenko, S. V. Isaev , tak wielkie talenty jak A. V. Gorbatsevich, T. G. Paliy, M. Perkun-Bebezichi i wielu innych laureatów. Wszystko to świadczy o wysokim poziomie trupy io tym, że jej liderzy potrafią wykształcić kreatywne jednostki i wyhodować wybitnych aktorów.

Dzieło N. D. Kasatkiny i V. Yu Vasilev zostało nagrodzone Nagrodą Państwową ZSRR (1976) i pierwszą nagrodą Ogólnounijnego Konkursu Numerów Koncertowych (1969). Wiele ich występów zostało sfilmowanych.

Ich rozległa i wieloaspektowa działalność zasługuje na szczególne i kompleksowe opracowanie. W tym eseju chciałbym zwrócić uwagę na najważniejszą rzecz, dzięki której ci utalentowani ludzie napisali zauważalną stronę w rozwoju kultury narodowej.

Wasiliew

26 sierpnia 1958 Władimir Wasiliew został przyjęty do Kompanii Baletowej Bolszoj. Ukończył szkołę jako tancerz półpostaci i nawet nie myślał o tańczeniu klasyki. I początkowo w teatrze miał naprawdę charakterystyczne role: taniec cygański w operze „Syrenka”, lezginka w operze „Demon”, Pan w scenie choreograficznej „Noc Walpurgii” - pierwsza duża część solowa. Było jednak w młodym tancerzu coś, co zwróciło na niego uwagę wielkiej Galiny Ulanowej, która zaprosiła go na swojego partnera w klasycznym balecie Chopiniana. Galina Sergeevna na wiele lat zostanie przyjaciółką, nauczycielką i wychowawcą Wasiliewa i będzie miała ogromny wpływ na zawodową i duchową formację artysty.

Wierzyłem w jego talent i choreografa Jurija Nikołajewicza Grigorowicza, który właśnie przyszedł do teatru. Zasugerował

18-letniemu absolwentowi szkoły centralną rolę w jego produkcji baletu S.S. „Kamienny kwiat” Prokofiewa, w którym Wasiliew natychmiast zdobył miłość i uznanie widzów i krytyków. Inne ważne role w repertuarze współczesnym i klasycznym to: Książę (Kopciuszek, 1959), Andrei (Strony życia, 1961), Bazyli (Don Kichot, 1962), Paganini (Paganini, 1962), Frondoso (Laurencia, 1963), Albert („Giselle”, 1964), Romeo („Romeo i Julia”, 1973).

Choreografowie nie tylko zaproponowali Wasiliewowi główne role, ale też specjalnie je dla niego wystawili. Był pierwszym wykonawcą partii solowej w „Suicie tanecznej” (w inscenizacji A.A. Varlamova, 1959), partii Iwanuszki w balecie „Mały koń garbaty” R.K. Spartakusa” AI Chaczaturiana (w inscenizacji L.V. Yakobsona, 1960). , 1962), Łukasz w „Pieśni lasu” G.L. „Pietruszka” Strawińskiego (inscenizacja K.F. Boyarsky'ego wg M.M. Fokina, 1964), w wykonaniu Batyra w „Shural” F.Z. Jarulina. W każdym nowym dziele Wasiliew obalał ugruntowaną opinię na temat swoich umiejętności jako artysty i tancerza, udowadniając, że naprawdę jest „wyjątkiem od reguły”, osobą, która może ucieleśnić dowolny obraz na scenie - klasyczny balet Prince i gorący Hiszpan Bazyli i Rosjanin Iwanuszka, szaleńczo zakochana wschodnia młodzież, potężny przywódca ludu i krwawy despota król. Wielokrotnie powtarzali to zarówno krytycy, jak i jego koledzy ze sztuki. Legendarny M. Liepa, Artysta Ludowy ZSRR, premiera Teatru Bolszoj, ma następujące oświadczenie: „Wasiliew to genialny wyjątek od reguły! Ma fenomenalny talent w technice i aktorstwie, w posiadaniu frazy tanecznej, w muzykalności, w zdolności do transformacji itp.” A oto co F.V. Lopukhov, patriarcha rosyjskiego baletu: „Pod względem różnorodności nie można go porównywać z nikim… Jest zarówno tenorem, jak i barytonem oraz, jeśli chcesz, basem”. Wielki rosyjski choreograf Kasyan Yaroslavich Goleizovsky wyróżnił Wasiljewa spośród wszystkich tancerzy, jakich kiedykolwiek widział, nazywając go „prawdziwym geniuszem tańca”. Jeszcze w 1960 roku Goleizovsky stworzył specjalnie dla niego numery koncertowe „Narcissus” i „Fantasy” (dla Wasiljewa i E.S. Maksimowej), aw 1964 roku – rolę Majnuna w balecie S.A. Balasanyan „Leyli i Majnun”.

Prawie wszystkie występy z najlepszego okresu Yu.N. Grigorowicz kojarzy się również z nazwiskiem Władimira Wasiljewa, który był pierwszym wykonawcą głównych ról w jego spektaklach: Dziadek do orzechów (1966), Błękitny ptak (1963) i Książę pożądania (1973) w P.I. „Dziadek do orzechów” i „Śpiąca królewna” Czajkowskiego; słynny Spartakus w balecie o tej samej nazwie autorstwa A.I. Chaczaturian (1968; za tę rolę Wasiliew otrzymał Nagrodę Lenina i Nagrodę Lenina Komsomola), Iwan Groźny w balecie o tej samej nazwie do muzyki S.S. Prokofiew (1975, druga premiera), Siergiej w A.Ya. Eshpay (1976; Nagroda Państwowa). Jednak stopniowo między W. Wasiljewem i Y. Grigorowiczem pojawiła się poważna różnica w pozycjach twórczych, która przerodziła się w konflikt, w wyniku którego w 1988 r. V. Wasiliew, E. Maksimova, podobnie jak wielu innych czołowych solistów, byli zmuszony do rozstania się z Teatrem Bolszoj.

Podczas swojej twórczej kariery Wasiliew grał wiele i z wielkim sukcesem za granicą - w Grand Opera, La Scala, Metropolitan Opera, Covent Garden, Roman Opera, Colon Theatre itp. e. Fenomen Władimira Wasiljewa zawsze przyciągał wybitnych postaci teatru zagranicznego: Maurice Bejart wystawił własną wersję baletu I.F. „Pietruszka” Strawińskiego („Balet XX wieku”, Bruksela, 1977). Później na koncertach Wasiliew wraz z Maximovą wielokrotnie wykonywali fragment swojego baletu Romeo i Julia do muzyki G. Berlioza. W 1982 roku Franco Zeffirelli zaprosił go i Ekaterinę Maksimową do udziału w kręceniu opery filmowej La Traviata (taniec hiszpański - inscenizacja i performance). W 1987 roku Wasiljew wcielił się w rolę profesora Unrata w przedstawieniu Błękitnego Anioła Rolanda Petita do muzyki M. Constanta (Marseilles Ballet). Rok 1988 upłynął pod znakiem prawykonania głównej roli Zorby w spektaklu Greka Zorby Lorki Myasina do muzyki M. Theodorakisa (Arena di Verona), a także prawykonania głównych partii baletów jednoaktowych Leonida Myasina Pulcinella autorstwa I.F. Strawiński (Pulcinella) i „Paryska radość” do muzyki J. Offenbacha (Baron) w odrodzeniu Lorca Massine w Teatrze San Carlo (Neapol). W 1989 roku Beppe Menegatti wystawił sztukę „Niżyński” z Wasiljewem w roli tytułowej (Teatr San Carlo). Spektakle Wasiliewa (a później jego balety) zawsze wzbudzały szczególną postawę publiczności – Francuzi nazywali go „bogiem tańca”, Włosi nosili go na rękach, w Argentynie po premierze jego spektaklu do muzyki Argentyńscy kompozytorzy „Fragments of a Biography”, po prostu stał się bohaterem narodowym i honorowym obywatelem Buenos Aires, Amerykanie nazwali go honorowym obywatelem miasta Tucson itp.

Oprócz Ekateriny Maksimowej, stała partnerka Władimira Wasiliewa, którą zawsze nazywał swoją Muzą, tak znane baleriny jak Galina Ulanova, Maja Plisiecka, Olga Lepeshinskaya, Raisa Struchkova, Marina Kondratieva, Nina Timofeeva, Natalia Bessmertnova, Irina Kolpakova, tańczą z nim Lyudmi Semenyaka, Alicia Alonso i Josefina Mendez (Kuba), Dominique Calfuni i Noel Pontois (Francja), Liliana Cosi i Carla Fracci (Włochy), Rita Pulward (Belgia), Zsuzsa Kuhn (Węgry) i inni.

Niesamowita wirtuozeria tancerza, plastyczna ekspresja, wyjątkowa muzykalność, talent dramatyczny, głębia myśli i ogromna siła emocjonalnego oddziaływania ujawniły nowy typ współczesnego tancerza baletowego, dla którego nie ma trudności technicznych, nie ma ograniczeń co do roli i fabuły. Deklarowane przez Wasiliewa standardy wykonania pozostają do dziś w dużej mierze nieosiągalne – na przykład Grand Prix Międzynarodowego Konkursu Baletowego, które zdobył w 1964 roku, nigdy nikomu nie został przyznany na kolejnych konkursach. Fedor Wasiliewicz Łopukhov napisał: „... Kiedy mówię słowo „Bóg” w stosunku do Wasiljewa... Mam na myśli cud w sztuce, doskonałość”. Wasiliew słusznie uważany jest za reformatora tańca męskiego, innowatora, z którym kojarzą się jego największe osiągnięcia. To naturalne, że pod koniec XX wieku, według sondażu czołowych światowych ekspertów, to Władimir Wasiljew został uznany za „Tancerza XX wieku.

Balet w dwóch aktach, jedenaście scen.
Inscenizacja i choreografia: N. Kasatkina, V. Vasilev.
Libretto na podstawie materiałów historycznych, motywów powieści R. Giovagnoli oraz własnych fantazji Natalii Kasatkiny i Władimira Wasiljewa.
Scenografia: Artysta Ludowy ZSRR, Laureat Nagród Państwowych ZSRR I. Sumbatashvili.
Kostiumy: E. Dworkina.
Koordynator kaskaderów: wiceprezes Freestyle Combat Federation, wiceprezes Rosyjskiej Federacji Bojowej, generał dywizji, książę Aleksander Małyszew.
Premiera miała miejsce w 2002 roku.

Wersja libretta i choreografii „Spartakusa” N. Kasatkiny i W. Wasilowa skupia się na bohaterskiej historii przywódcy legendarnego powstania niewolników.
„Spartakus” Kasatkiny i Wasilowa to oczywiście balet klasyczny, ale prawdziwie nowoczesny. Reżyserom zależało na oddaniu stylu, nastroju, tragicznej i zmysłowej, wręcz erotycznej atmosfery tamtej epoki, epoki genialnego upadku Rzymu. „Tylko pies pozostał niewinny w tym przedstawieniu” – napisał w 2002 roku po premierze baletu „Spartakus” nieznany dziś krytyk. Krytyka szalała równie wściekle jak sala pod koniec przedstawienia.
„Spartakus” Kasatkiny i Wasilowa na zawsze pozostanie w sztuce baletowej najpiękniejszym skandalem początku wieku. 300 oszałamiająco luksusowych strojów Elizavety Dworkiny, 6 ton unikalnych dekoracji zaprojektowanych przez Iosifa Sumbatashvili (składano je ponad osiem godzin!), zabawę w broń wykonaną w najsłynniejszej fabryce biżuterii – wszystko po to, by pokazać zmysłowy, namiętny styl epoki genialnego upadku Rzymu.
Ciało podlega pasji, namiętność wolności, szczere sceny zastępują walki, a kiedy na scenę wdziera się hazardowy i radosny Spartak, uważa się, że wszystkie bitwy są jego, a wszystkie kobiety są jego, i potrzebuje tylko upojnej wolności, co oznacza, że ​​jest skazany…
Nawiasem mówiąc, zawodowy kaskader Aleksander Małyszew nauczył artystów technik prawdziwej rzymskiej bitwy. Ale kto nauczył innych technik artystów wykonujących „Taniec Gaditan Maidens”? Jeśli nie widziałeś tego tańca, nie wiesz nic o erotyce, ale oni, ci starożytni Rzymianie, wiedzieli... Może dlatego całkowicie się rozłożyli?..
A całemu temu namiętnemu światu towarzyszy i nieubłaganie jest posłuszna wspaniała muzyka Arama Chaczaturiana. Po raz pierwszy w spektaklu Spartakusa wykorzystano muzykę, choć napisaną przez kompozytora do tego baletu, ale nigdy wcześniej nie włączaną do występów innych choreografów. Partyturę tych fragmentów przekazali wyłącznie Kasatkinie i Wasilowowi spadkobiercy kompozytora.
Rezultatem jest fascynujący, żywy spektakl, całkiem w rzymskiej tradycji.
Występowi towarzyszy orkiestra symfoniczna. Dyrygent - Siergiej Kondraszew.

Czas trwania: do 3 godzin (z przerwą).