Masaccio Madonna z Dzieciątkiem Opis. Masaccio - obrazy i biografia. Wczesna praca Masaccio

W miejscowości San Giovanni, niedaleko Florencji. Być może to miejsce i czas jego narodzin odegrały ważną rolę w ukształtowaniu go jako jednego z najwybitniejszych i najbardziej oryginalnych artystów wczesnego renesansu.

Niewiele jest informacji o życiu przyszłego mistrza. Wiadomo, że jego dziadek był artystą, specjalistą od bardzo wówczas popularnych skrzyń, które nazywano cassone i często wykorzystywano jako meble. Ponieważ takie skrzynie były wspaniale zdobione, niektórzy badacze twórczości Masaccio uważają, że mógł on nauczyć się niektórych umiejętności swojej sztuki w dzieciństwie lub odziedziczyć jako dar artystyczny.

Chłopiec wcześnie został bez ojca, a kiedy zmarł jego ojczym, okazał się żywicielem dość licznej rodziny. Oprócz niego i matki miała też młodszego brata, który również został artystą, znany pod pseudonimem Skezda (srebrna), a także dwie przyrodnie siostry – córki jej ojczyma. Przydomek brata wskazuje na jego możliwy związek z firmą rodzinną - produkcją skrzyń.

Sam Masaccio otrzymał swój przydomek („niezdarny, niechlujny”) za głębokie zanurzenie w swojej sztuce. Kiedy tworzył, nie interesował się niczym, więc jego ubrania często były poplamione farbami.

Studiując z innymi wielkimi mistrzami renesansu, Donatello i Brunelleschim, Masaccio wykorzystał najlepsze style tych artystów i rzeźbiarzy, dodał własną wizję świata i stworzył swój własny, rozpoznawalny styl. Była realistyczna i dość wiernie odwzorowywała wygląd ludzi, przyrody i architektury. Dla porównania należy dodać, że romantyczny, zniekształcony „gotycki” styl obrazu był w modzie.

Podczas swojego krótkiego życia Masaccio stworzył wiele obrazów i fresków, głównie przeznaczonych do kościołów. Powszechnie znane są jego arcydzieła, takie jak „Tryptyk św. Juwenala”, „Madonna z Dzieciątkiem ze św. Iluminacja”, która nie zachowała się do dziś., która kategorycznie nie spodobała się klientowi – klasztorowi Karmelitów, ale wywarła nieodparty wpływ na współczesnych.

Według zachowanych opisów przedstawiał pochód wielu osób, wyróżniał się jednak realizmem obrazu i całkowitym brakiem pompatyczności, tak charakterystycznej dla obrzędowego malarstwa tego stulecia. Ponadto wielu widziało na fresku wpływ starożytnej rzeźby rzymskiej i kochających wolność idei Grecji i.

Oprócz malarstwa kościelnego istnieją przykłady prac cywilnych, mistrzowsko wykonanych przez Masaccio. Są to portrety, tylko jeden („Portret młodzieńca”) został dokładnie zidentyfikowany, pozostałe dwa to najprawdopodobniej kopie. Przy całej klasycznej formie obrazu z profilu, wykazuje już cechy charakterystyczne dla obrazu renesansowego.

Nie będąc szczególnie popularnym za życia, artysta, po przedwczesnej śmierci w wieku 26 lat, stał się wzorem dla wielu naśladowców, w tym takich tytanów renesansu, jak

6 grudnia 2010

Masaccio(1401-1428), prawdziwe nazwisko Tommaso di Giovanni di Simone Cassai (Guidi) - słusznie uważany jest za jednego z największych artystów początku XV wieku.

Masaccio urodził się w 1401 roku w prowincjonalnym toskańskim mieście San Giovanni Valdarno. Jego prawdziwe imię to Tommaso di Giovanni di Simone Cassai. Za swoją beztroskę, roztargnienie i niepraktyczność, które wyróżniały go od wczesnego dzieciństwa, przyszły artysta otrzymał przydomek Masaccio, co oznacza z grubsza „niezdarny ekscentryczny” lub „niezdarny”. Oczywiście te cechy charakteru Masaccio tłumaczą fakt, że mając wcześnie stał się sławny, nigdy nie osiągnął dobrobytu materialnego i do końca życia znajdował się w trudnych warunkach.
Jego życie było bardzo krótkie – zmarł w Rzymie w wieku dwudziestu ośmiu lat, ale ślad pozostawiony przez artystę w sztuce trudno przecenić.

Pierwsza wzmianka o Masaccio jako artyście pochodzi z 1418 roku, kiedy młody artysta przybył do Florencji. Podobno tam uczył się w jednym z najsłynniejszych warsztatów malarskich tamtych czasów z Bicci di Lorenzo*. W 1422 Masaccio wstąpił do cechu lekarzy i farmaceutów, aw 1424, w uznaniu swego dojrzałego mistrza, Masaccio został przyjęty do cechowego stowarzyszenia artystów. Bractwo Świętego Łukasza*.

We wczesnym okresie twórczości Masaccio często współpracował z; wyraźne oddzielenie dzieł Masaccio i Masolino to jedno z najtrudniejszych zadań współczesnej historii sztuki.

Najwcześniejsze autentyczne dzieło artysty - „Madonna z Dzieciątkiem ze św. Ania"(Galeria Uffizi, Florencja) - powstała około 1424 r. wraz z Mazolino.

Madonna z Dzieciątkiem ze św. Anną. 1424 Masaccio. Galeria Uffizi, Florencja. Tempera.

Tryptyk z San Giovenale- wszyscy współcześni badacze uważają ten tryptyk za rzetelne dzieło Masaccio. W centrum ołtarza znajduje się Madonna z Dzieciątkiem z dwoma aniołami, po jej prawej stronie święci Bartłomiej i Błażej, po lewej święci Ambroży i Juwenal. U dołu dzieła widnieje inskrypcja, już nie gotykiem, ale współczesnymi literami używanymi przez humanistów w swoich pismach. To jest pierwsza inskrypcja neogotycka w Europie: ANNO DOMINI MCCCCXXII A DI VENTITRE D'AP(PRILE). (23 kwietnia 1422 od Narodzenia Chrystusa). Jednak reakcja na gotyk, z którego odziedziczono złote tła tryptyku, była nie tylko w inskrypcji. Z wysokiego punktu widzenia, wspólnego dla trecento, kompozycyjno-przestrzenna konstrukcja tryptyku podporządkowana jest prawom perspektywy, może nawet przesadnie geometrycznie prosta. Plastyczność form i śmiałość kątów stwarzają wrażenie masywnej trójwymiarowości, jakiej wcześniej w malarstwie włoskim nie było.
Jak wynika ze zbadanych dokumentów archiwalnych, dzieło powstało na zlecenie florenckiego Vanni Castellaniego, który patronował kościołowi San Giovenale. Monogram jego imienia - literę V, naukowcy widzą w złożonych skrzydłach aniołów. Tryptyk został namalowany we Florencji i pozostał tam przez kilka lat, aż do pojawienia się w inwentarzu kościoła San Giovenale w 1441 roku. Nie zachowały się żadne pamiętniki po tym dziele, chociaż Vasari wspomina o dwóch pracach młodego Masaccio na terenie San Giovanni Valdarno. Obecnie tryptyk znajduje się w kościele San Pietro a Cascia di Reggello.

Tryptyk z San Giovenale. 1422 Masaccio. San Pietro a Cascia di Reggello.

W pierwszej połowie XV wieku w malarstwie pojawia się samodzielny gatunek malarstwa - portret świecki, tworzony według jednego typu: wizerunki z profilu biustu. W swojej „Biografii Masaccio” Vasari wymienia trzy portrety. Historycy sztuki następnie utożsamiali je z trzema „portretami młodego mężczyzny”: z Muzeum Gardnera w Bostonie, z Muzeum Sztuk Pięknych w Chambery iz Galerii Narodowej w Waszyngtonie. Większość współczesnych krytyków uważa, że ​​dwa ostatnie nie są dziełami Masaccio, ponieważ czują się drugorzędne i gorszej jakości. Zostały namalowane później lub prawdopodobnie skopiowane z dzieł Masaccio. Wielu badaczy uważa jedynie portret z Muzeum Gardnera za wiarygodny – niektórzy uważają, że przedstawia on młodą osobę Leon Battista Alberti*. Portret datowany jest na lata 1423-1425; Masaccio stworzył go przed kolejnym portretem Albertiego, którego charakterystyczny profil widać na jego fresku. „Św. Piotr na tronie w kaplicy Brancaccich, gdzie jest przedstawiony na prawo od samego Masaccio.

Portret młodego mężczyzny. 1423-25 Masaccio. . Muzeum Gardnera w Bostonie.

Portret młodego mężczyzny. 1425 Masaccio (?). . Narodowa Galeria Sztuki w Waszyngtonie.

W 1426 Masaccio wykonał duży, wieloczęściowy ołtarz dla kościoła Santa Maria del Carmine w Pizie, zwany „Poliptyk Pizański”(„Madonna z Dzieciątkiem i Czterema Aniołami”). W tych pracach manifestują się już początki nowego, reformistycznego stylu artysty - energiczne modelowanie światłocienia, poczucie plastycznej trójwymiarowości postaci, chęć oddania głębi przestrzeni. Poliptyk Pisowy jest jedynym dokładnie datowanym dziełem artysty; datowanie wszystkich innych jego prac jest przybliżone.
19 lutego 1426 Masaccio podjął się namalowania tego wieloczęściowego ołtarza do kaplicy św. Juliana w kościele Pisa del Carmine za skromną sumę 80 florenów. Zakon pochodził od pisańskiego notariusza Giuliano di Colino Degli Scarsi da San Giusto, który w latach 1414-1425 objął patronat nad tą kaplicą. 26 grudnia 1426 r. poliptyk, sądząc po datowanym na ten dzień dokumencie płatności, był gotowy. W pracach nad nim brali udział asystenci Masaccio, jego brat Giovanni i Andrea del Giusto. Ramę do tej wieloczęściowej kompozycji wykonał rzeźbiarz Antonio di Biagio (być może na podstawie szkicu Masaccio).

W XVIII wieku Poliptyk pisański został podzielony na części i te odrębne dzieła rozprzestrzeniły się po całym świecie, a pod koniec XIX wieku. zachowanych 11 części zostało zidentyfikowanych w różnych muzeach i kolekcjach prywatnych. Ten ołtarz zawiera Madonna z Dzieciątkiem i Czterema Aniołami(Londyn, Galeria Narodowa), ukrzyżowanie(Neapol, Galeria Capodimonte), Adoracja Trzech Króli oraz Męka Świętych Piotra i Jana(Berlin-Dahlem, Galeria Sztuki Państwowego Muzeum).

Madonna z Dzieciątkiem i Czterema Aniołami. poliptyk pisański. 1426 Masaccio.

ukrzyżowanie Masaccio. Muzeum Narodowe Capodimonte, Neapol.

Obraz apostoła Pawła- jedyna pozostała część poliptyku w Pizie w Pizie (Muzeum San Matteo). Obraz przypisywano Masaccio już w XVII wieku (jest o nim napis z boku). Prawie przez cały XVIII wiek był przechowywany w Operze della Primaciale, a w 1796 roku został przeniesiony do Muzeum San Matteo. Paweł przedstawiony jest na złotym tle zgodnie z tradycją ikonograficzną – w prawej ręce trzyma miecz, w lewej księgę „Dzieje Apostolskie”. W swoim typie bardziej przypomina starożytnego filozofa niż apostoła.

Apostoł Paweł. poliptyk pisański. 1426 Masaccio. Muzeum Narodowe w Pizie. Tempera.

Tablica z wizerunkiem Apostoła Andrzeja znajdowała się w zbiorach Lankorońskich (Wiedeń), następnie trafiła do królewskich zbiorów księcia Liechtensteinu (Vaduz), a dziś znajduje się w Muzeum Paula Getty (Malibu). Postaci świętego nadana jest monumentalność, obraz zbudowany jest tak, jakbyśmy patrzyli na nią z dołu. Prawą ręką Andrzej trzyma krzyż, lewą Dzieje Apostolskie.

Apostoł Andrzej. poliptyk pisański. 1426 Masaccio. Kolekcja Paula Getty'ego, Malibu.

Cztery małe panele, każdy o wymiarach 38x12 cm, przypisano Masaccio, gdy znajdowały się w kolekcji Butlera (Londyn). W 1906 r. niemiecki uczony Schubring połączył te cztery prace z Poliptykiem Pisowym, sugerując, że wcześniej zdobiły one jego boczne pilastry. Trzej święci (Augustyn, Hieronim i karmelita z brodą) spoglądają w prawo, czwarty - również mnich - w lewo.

Mnisi karmelici. poliptyk pisański. 1426 Masaccio.

św. Hieronima i św. Augustyna. poliptyk pisański. 1426 Masaccio. Muzea Państwowe w Berlinie.

Zachowały się wszystkie trzy obrazy predelli: „Adoracja Trzech Króli”, „Ukrzyżowanie św. Piotr i egzekucja Jana Chrzciciela” oraz „Historia św. Juliana i św. Mikołaja".

Adoracja Trzech Króli. Polityk z Pizy. 1426 Masaccio. Tempera.

Ukrzyżowanie Piotra Apostoła*. Egzekucja Jana Chrzciciela. Polityk z Pizy. 1426 Masaccio. Muzeum Państwowe w Berlinie.

Ukrzyżowanie Piotra Apostoła. Polityk z Pizy. 1426 Masaccio. Muzeum Państwowe w Berlinie.

„Historia św. Juliana i św. Mikołaja". Polityk z Pizy. 1426 Masaccio. Muzeum Państwowe w Berlinie.

(Opowieść o św. Mikołaju jest oczywiście o ojcu i jego trzech córkach, którym święty wyrzuca pieniądze przez okno, by uratować ich przed pochopnym czynem. Co do św. Julia*, to jego historia jest następująca: Julian opuścił rodziców i wkrótce poślubił dziewczynę ze szlacheckiej rodziny. Kiedy jego rodzice przyszli go odwiedzić, był na polowaniu. Żona nakarmiła ich i położyła do łóżka. Tymczasem Szatan, zamieniając się w mężczyznę, spotkał Juliana i powiedział mu, że jego żona go zdradza, a jeśli Julian się pośpieszy, znajdzie ją w łóżku ze swoim kochankiem. W złości Julian wpadł do sypialni, zobaczył sylwetki mężczyzny i kobiety pod kocem iz wściekłości rąbnął ich mieczem. Gdy wyszedł z sypialni, poznał żonę, która przekazała mu dobrą nowinę o przybyciu rodziców.
Julian był niepocieszony, ale jego żona poparła go, mówiąc, że znajdzie odkupienie w Chrystusie. Od tego czasu Julian cały swój majątek wydał na budowę szpitali (zbudował ich 7) oraz domów dla pielgrzymów i potrzebujących podróżnych (25). Kiedyś Jezus Chrystus ukazał mu się w postaci żebraka, pielgrzyma dotkniętego trądem, a gdy Julian go przyjął, przebaczył mu grzechy i pobłogosławił go swoją żoną.

Na uwagę zasługuje niewielki panel w formie małego ołtarza z Muzeum Lindenau w Altenburgu. Zawiera dwie sceny: „Modlitwa o Puchar” oraz „Skruszona św. Hieronim”- jeden z ikonograficznych typów świętego - bijąc się kamieniem w pierś przed ukrzyżowaniem - święty na cztery lata oddalał się na pustynię i tam niestrudzenie zmagał się z pokusami i cielesnymi obsesjami i w jednym ze swoich listów opisał, jak musiał bić go w klatkę piersiową, aż gorączka pozwoli mu odejść. Kamień, który trzyma w tym celu, jest późniejszym wynalazkiem artystów - to jest ten „wynaleziony” kamień, który obserwujemy. Górna fabuła wykorzystuje złote tło, natomiast dolna jest w pełni utrwalona. Postacie trzech apostołów po prawej stronie powtarzają kształt obrazu wraz z ich konturami. Większość krytyków uważa, że ​​został napisany zaraz po Poliptyku Pisowym.

Chrystus w Ogrodzie Getsemani. Pokutnik św Hieronim. 1424-25 Masaccio. Muzeum Lindenau w Altenburgu. Tempera na drewnie.

Zerwanie artysty z dotychczasową tradycją artystyczną w pełni zamanifestowało się podczas pracy nad freskiem "Trójca"(1426-27), stworzony dla kościoła Santa Maria Novella we Florencji. W tej pracy Masaccio, pod wpływem twórczości Brunelleschiego, po raz pierwszy zastosował w malarstwie ściennym pełną perspektywę. Po raz pierwszy obie części fresku zostały wykonane precyzyjnymi obliczeniami matematycznymi w jednej perspektywie, której linia horyzontu odpowiada poziomowi widzenia widza, tworząc iluzję realności przedstawionej przestrzeni, architektury i postaci , nieznany do tej pory w malarstwie.

Perspektywiczna konstrukcja fresku była sposobem na ujawnienie idei dzieła. Centralna orientacja perspektywy podkreślała wagę głównych postaci. Znajdując się po drugiej stronie płaszczyzny obrazu, kaplica zdawała się należeć do innego świata, a wizerunki darczyńców, sarkofag i sama publiczność należały do ​​tego ziemskiego świata. Lakonizm kompozycji, rzeźbiarski relief form, wyrazistość twarzy, wyrazistość portretowych cech klientów wyróżnia innowacyjność. Malarstwo konkuruje z rzeźbą w sztuce oddania objętości, jej istnienia w realnej przestrzeni. Głowa Boga Ojca jest ucieleśnieniem wielkości i mocy, w obliczu Chrystusa panuje spokój i cień cierpienia.
Fresk wykonany jest na ścianie sięgającej w głąb kaplicy zbudowanej w formie łukowej niszy. Obraz przedstawia krucyfiks z postaciami Marii i Jana Chrzciciela. Krzyż jest w cieniu półpostaci Boga Ojca. Na pierwszym planie klęczą klienci, którzy dzięki iluzjonistycznej technice wydają się znajdować poza kaplicą. W dolnej części fresku artysta przedstawił sarkofag ze szkieletem Adama, który również zdaje się wystawać w przestrzeń świątyni. Napis nad sarkofagiem głosi: „Byłem kiedyś tym, kim jesteś, a kim jestem, staniesz się”. Stworzenie Masaccio jest pod każdym względem niezwykłe. Majestatyczny dystans obrazów łączy się tu z niespotykaną dotąd realnością przestrzeni i architektury, z obszernością postaci, ekspresyjnym portretowym rysem twarzy klientów, z zaskakującym wizerunkiem Matki Bożej. moc powściągliwego uczucia.

Fresk ten był jednym z pierwszych, które powstały z tektury - dużych rysunków w pełnej skali - zostały nałożone na ścianę, a następnie obrysowane drewnianym stylem. Jak w przypadku każdego fresku namalowanego na świeżym tynku, mimo słabego zachowania obrazu, badacze mogli ustalić, jak długo artysta pracował. W tym przypadku Masaccio zajęło to 28 dni (tyle razy dodano świeży plaster). Większość czasu spędzał na malowaniu głów i twarzy.

Po bokach Krucyfiksu znajdują się Matka Boska i św. John, tuż pod dawcą (ubrany w płaszcz przeciwdeszczowy i czerwone cappuccino - ubrania „gonfalonierzy sprawiedliwości”*) i jego żona. Domniemane imię darczyńcy to Lorenzo Lenzi, ponieważ pełnił tę funkcję, a u stóp fresku znajdował się nagrobek jego kuzyna Domenico Lenzi.

Trójca.1425-28 Masaccio.

Trójca. Szczegół. 1425-28 Masaccio. Santa Maria Novella we Florencji. Fresk.

Trójca. Szczegół. 1425-28 Masaccio. Santa Maria Novella we Florencji. Fresk.

Trójca. Schemat perspektywiczny.

Między 1425 a 1428 Masaccio (we współpracy z Masolino di Panicale) wykonuje murale w Kaplica Brancaccich w kościele Santa Maria del Carmine we Florencji, który stał się głównym dziełem krótkiego życia malarza.

Ten pokój zawdzięcza swój słynny cykl fresków potomkowi fundatora kaplicy, rywalowi Cosimo Starszego Medyceuszy, wpływowemu mężowi stanu Felice Brancacciemu (włoski Felice Brancacci; 1382-ok. 1450), który około 1422 roku nakazał Masolino i Masaccio pomalować kaplicę, znajdującą się w transepcie kościoła (dokładne udokumentowane daty prac nad freskami nie zachowały się).

Widok kaplicy Brancaccich po renowacji.

Freski w kaplicy Brancaccich(lewy)

Freski w kaplicy Brancaccich.(po prawej)

Tematyka malowideł poświęcona jest głównie życiu Apostoła Piotra ( „Święty Piotr uzdrawiający chorych swoim cieniem”, Jałmużna i śmierć Ananiasza»).

Apostoł Piotr uzdrawiał chorych swoim cieniem. 1426-27 Masaccio.

12 A przez ręce Apostołów dokonało się wiele znaków i cudów wśród ludu; i wszyscy byli jednomyślnie w przedsionku Salomona.
13 Ale żaden z obcych nie odważył się przyłączyć do nich, ale lud ich wychwalał.
14 A wierzący coraz bardziej przyłączali się do Pana, mnóstwo mężczyzn i kobiet,
15 Wynosili więc chorych na ulice i kładli ich na łożach i łóżkach, aby chociaż cień przechodzącego Piotra mógł zacienić jednego z nich.
16 Wiele okolicznych miast zbiegało się również do Jerozolimy, niosąc chorych i opętanych przez duchy nieczyste, którzy wszyscy zostali uzdrowieni. (Dzieje Apostolskie, rozdz. 5)

Podział majątku i śmierć Ananiasza. 1426-27 Masaccio. Kaplica Brancaccich, Santa Maria del Carmine, Florencja. Fresk.

1 Pewien człowiek, imieniem Ananiasz, sprzedał swój majątek ze swoją żoną Safirą,
2 Ukrył przed ceną, za wiedzą swojej żony, i przyniósł jej część i złożył u stóp Apostołów.
3 Ale Piotr powiedział: Ananiaszu! Dlaczego pozwoliłeś szatanowi włożyć do swojego serca myśl o okłamaniu Ducha Świętego i ukryciu go przed ceną ziemi?
4 Co posiadałeś, czy nie było to twoje, a co nabyłeś przez sprzedaż, nie było w twojej mocy? Dlaczego włożyłeś to do swojego serca? Nie okłamałeś ludzi, ale Boga.
5 Słysząc te słowa, Ananiasz padł bez życia; i wielki strach ogarnął wszystkich, którzy to słyszeli.
6 A młodzieńcy wstali i przygotowali go do pogrzebu, wynieśli go i pochowali.
7 Jakieś trzy godziny później weszła także jego żona, nie wiedząc, co się stało.
8 A Piotr zapytał ją: Powiedz mi, za ile sprzedałeś ziemię? Powiedziała: tak, za tak dużo.
9 A Piotr rzekł do niej: Dlaczego zgodziłaś się wypróbować Ducha Pańskiego? oto ci, którzy pochowali twego męża, wchodzą do drzwi; i zabiorą cię.
10 Nagle upadła do jego stóp i oddała ducha. A młodzi mężczyźni weszli i znaleźli ją martwą, wynieśli ją i pochowali obok jej męża.
11 I wielki strach ogarnął cały Kościół i wszystkich, którzy go słuchali. (Dzieje Apostolskie, rozdz. 5)

.1426-27 Masaccio. Kaplica Brancaccich, Santa Maria del Carmine, Florencja. Fresk.

Zmartwychwstanie syna Teofila i św. Piotra na tronie. Szczegół. 1426-27 Masaccio. Kaplica Brancaccich, Santa Maria del Carmine, Florencja. Fresk.

Zmartwychwstanie syna Teofila i św. Piotra na tronie. Szczegół. 1426-27 Masaccio. Kaplica Brancaccich, Santa Maria del Carmine, Florencja. Fresk.

Fresk przedstawia cud dokonany przez Piotra po jego uwolnieniu z więzienia za sprawą apostoła Pawła. Według „Złotej legendy” Jakuba Woraginskiego, Piotr, przybywszy do grobu swego syna Teofila, zmarłego 14 lat temu prefekta Antiochii, był w stanie w cudowny sposób go ożywić. Obecni w tym samym czasie od razu uwierzyli w Chrystusa, samego prefekta Antiochii i całą ludność miasta nawróconą na chrześcijaństwo. W efekcie w mieście powstała wspaniała świątynia, w centrum której ustawiono ambonę dla Apostoła Piotra. Z tego tronu czytał swoje kazania. Po spędzeniu na nim siedmiu lat Piotr udał się do Rzymu, gdzie przez dwadzieścia pięć lat zasiadał na tronie papieskim – ambonie.

Najsłynniejsza kompozycja „Cud z Staterem”- opowiada o tym, jak u bram miasta Kafarnaum zatrzymał Chrystusa i jego uczniów poborca ​​podatkowy, który zbierał pieniądze na utrzymanie świątyni. Chrystus powiedział Piotrowi, aby złowił rybę w Jeziorze Genezaret i wydobył z niej monetę. Ta wielopostaciowa scena przedstawiona jest w centrum kompozycji. Po lewej w tle widzimy, jak Piotr łowi ryby z jeziora. Po prawej stronie obrazu Piotr przekazuje pieniądze kolekcjonerowi.

Cud ze staterem.1426-27 Masaccio. Kaplica Brancaccich, Santa Maria del Carmine, Florencja. Fresk.

W ten sposób w jednym utworze Masaccio połączył trzy kolejne epizody z udziałem apostoła. W zasadniczo innowacyjnej sztuce Masaccio ta technika jest spóźnionym hołdem dla średniowiecznej tradycji narracyjnej opowieści, w tym czasie wielu mistrzów już ją porzuciło, a ponad sto lat temu - największy mistrz protorenesansu. Nie zaburza to jednak wrażenia śmiałej nowości, która wyróżnia całą figuratywną strukturę i kompozycję obrazu, jego żywotnie przekonujących, nieco niegrzecznych bohaterów. Artystce z niezwykłą wprawą udało się zbudować przestrzeń za pomocą perspektywy liniowej i powietrznej, umieścić w niej postacie, grupując je według idei opowieści; wiernie oddają ich ruchy, postawy i gesty.

Kolejne arcydzieło wykonane przez Masaccio w tej samej kaplicy Brancaccich - „Wypędzenie z raju”. W tej pracy artyście udało się rozwiązać najtrudniejsze zadanie zobrazowania nagiej postaci. Wciąż nie ma szczegółowej i dokładnej wiedzy o anatomii człowieka, ale wyraźnie wyłania się ogólna poprawna idea budowy ludzkiego ciała, poczucie jego cielesnego piękna, które absolutnie nie było typowe dla protorenesansu. Twarze grzeszników są zaskakująco wyraziste i pełne emocji, ich ruchy są naturalne i realistyczne. Wypędzenie z raju przedstawia jeden z pierwszych obrazów nagiego ludzkiego ciała w malarstwie włoskim. Z tego fresku uczyli się współcześni malarze Masaccio, a także kolejne pokolenia włoskich mistrzów. Uderzająca jest siła i surowość przeżyć przedstawionych na obrazie Adama i Ewy, którzy zostali wygnani z Edenu za złamanie zakazu ustanowionego przez Boga. Przytłoczony bezgraniczną rozpaczą Adam zakrył twarz dłońmi, prawdziwy żal wykrzywił twarz jego młodej towarzyszki - w napięciu brwi spłynęły do ​​grzbietu nosa, głęboko zapadnięte oczy zwróciły się do Stwórcy, usta miał otwarte w płaczu rozpaczy i modlitwy.

Wygnanie z raju. 1426-27 Masaccio. Kaplica Brancaccich, Santa Maria del Carmine, Florencja. Fresk.

Kaplica Brancaccich stała się miejscem pielgrzymek malarzy, którzy starali się poznać techniki Masaccio. Jednak dopiero kolejne pokolenia potrafiły docenić znaczną część dorobku twórczego artysty.

Kolejne dzieło Masaccio – choć jego atrybucja była długa – tzw Berlin tondo- drewniana taca o średnicy 56 cm malowana dwustronnie: z jednej strony Boże Narodzenie, z drugiej putto z małym psem. Zwykle dzieło to datuje się na okres ostatniego pobytu Masaccio we Florencji, zanim wyjechał do Rzymu, gdzie zmarł. Od 1834 roku dzieło przypisywane jest Masaccio (najpierw Gverrandi Dragomanni, następnie Münz, Bode, Venturi, Schubring, Salmi, Longhi i Bernson). Są jednak tacy, którzy uważają ją za dzieło Andrei di Giusto (Morelli), czy Domenico di Bartolo (Brandi), czy też dzieło anonimowego artysty florenckiego działającego w latach 1430-1440.
Produkt jest desco da parto* - stół obiadowy dla kobiet rodzących, który w tamtych czasach zwyczajowo wręczano kobietom z zamożnych rodzin, gratulując im narodzin dziecka (jak to się stało widać na przedstawionej szopce: po lewej, między tych oferujących prezenty, jest mężczyzna z tym samym deco i parto). Pomimo tego, że takie prace były bliskie twórczości rzemieślników, najsłynniejsi artyści Quattrocento nie gardzili ich produkcją. Berti widział w tym dziele „pierwsze renesansowe tondo”, zwracając uwagę na ważne innowacje i wykorzystanie architektury zbudowanej perspektywicznie zgodnie z zasadami Brunelleschiego.

Boże Narodzenie. Berlińskie tondo.1427-28 Masaccio.

Putto* z małym psem. Berlińskie tondo. 1427-28 Masaccio. Muzea Państwowe w Berlinie. Tempera na drewnie.

Istnieje świadectwo katastralne z lipca 1427 r. Dowiadujemy się z niego, że Masaccio żył z matką bardzo skromnie, wynajmując pokój w domu przy Via dei Servi. Zatrzymał tylko część studia, dzieląc się nim z innymi artystami, miał spore zadłużenie.

W 1428 roku, nie dokończywszy malowania kaplicy Brancaccich, artysta wyjeżdża do Rzymu i zaczyna wykonywać poliptyk w kościele Santa Maria Maggiore w Rzymie. Zapewne został wezwany przez Masolino, który potrzebował pomocnika do wykonywania dużych zleceń. Masaccio nie wrócił z Rzymu. Nagła śmierć artysty w tak młodym wieku, miał 28 lat, wywołała pogłoski, że został otruty z zazdrości. Ta wersja została udostępniona przez Vasariego, ale nie ma na to dowodów. Ponieważ nie ma dokładnej daty śmierci Masaccio.

Masaccio nie zdążył ukończyć nawet pierwszego fragmentu poliptyku - „Św. Hieronim i św. Jan Chrzciciel". Pracę wykonał Mazolino.

św. Hieronima i św. Jana Chrzciciela. 1428 Masaccio. Galeria Narodowa w Londynie. Tempera jajeczna.

Św. Hieronim i Św. Jan Chrzciciel. Szczegół. 1428 Masaccio. Galeria Narodowa w Londynie. Tempera jajeczna.

PS z das_prezent
Bardzo chciałem wybrać „Wypędzenie z raju” na dzisiejszy hit – sławny i czcigodny, przykład i naśladownictwo, ikoniczny i cierpiący – zwłaszcza, że ​​bardzo mi się podoba i wybór byłby nieskończenie szczery. Ale ja wybiorę "Portret młodzieńca" - ten sam z bostońskiego muzeum - profil i jasne nakrycie głowy. Ludzie odeszli i minione czasy zawsze przyciągają - są konkretni w swoim wyglądzie, abstrakcyjni i symbolizują wieki nieistnienia - w ich rysach szuka się tego, co ukryte, nieznane, smutne, nietrwałe, wieczne i piękne.

* 1. Bicci di Lorenzo(Bicci di Lorenzo) (1373-1452) - włoski malarz i rzeźbiarz, pracował we Florencji. Syn artysty Lorenzo di Bicci (Lorenzo di Bicci)
We współpracy z ojcem otrzymał wiele ważnych zleceń, w tym od Medyceuszy – według Vasariego – cykl fresków do Palazzo Medici, dla Duomo malował apostołów.
Jego najlepsze dzieła to Madonna intronizowana w Muzeum Narodowym w Parmie, Tryptyk z życia św. Mikołaja w katedrze w Fiesole oraz Narodzenia Pańskiego w kościele San Giovannino dei Cavalieri we Florencji.

* 2. Bractwo św. Łukasza.Św. Łukasz, ewangelista, mecenas artystów. Według legendy wykonał portret Madonny i Dzieciątka Jezus. Legenda jest pochodzenia greckiego i sięga VI wieku. W XII wieku. rozprzestrzenia się również w krajach zachodnich. Wizerunki św. ich patron. Od tego czasu spisek ten kojarzony jest z bractwami i znika w XVIII wieku. wraz ze zniknięciem tego ostatniego.

Boże Narodzenie. 1430/1435 Bicci di Lorenzo.

* 3. Leon Battista Alberti(włoski: Leone Battista Alberti; 18 lutego 1404, Genua - 20 kwietnia 1472, Rzym) był włoskim naukowcem, humanistą, pisarzem, jednym z twórców nowej architektury europejskiej i czołowym teoretykiem sztuki renesansu.
Alberti jako pierwszy spójnie zarysował matematyczne podstawy teorii perspektywy. Wniósł też znaczący wkład w rozwój kryptografii, proponując ideę szyfru polialfabetycznego.

Leon Battista Alberti. Pomnik w Galerii Uffizi.

* 4. Krzyż Świętego Piotra- odwrócony krzyż łaciński. Według legendy św. Piotr został ukrzyżowany na odwróconym krzyżu (do góry nogami). Ze względu na to, że Piotr jest uważany za założyciela chrześcijaństwa, symbol ten widnieje na tronie papieża.

* 5. gonfalonier- to. gonfaloniere - chorąży - od ser. 13 wiek szef milicji popolani we Florencji i innych włoskich miastach. W 1289 r. we Florencji ustanowiono stanowisko gonfaloniera sprawiedliwości (sprawiedliwości), który stał na czele signorii. Gonfaloniere miał sztandar o określonym kształcie i kolorze, symbolizujący jego moc. Powierzono mu ochronę konstytucji „Urządu Sprawiedliwości”.

* 6. Desco da parto(desco da parto) - taca rodzących kobiet - ważny symboliczny prezent w przypadku udanego porodu w późnym średniowieczu. Wiele „tac” przechowywanych w muzeach kojarzy się z rodzinami szlacheckimi, ale badania pokazują, że tace porodowe i inne specjalne przedmioty, takie jak haftowane poduszki, przetrwały bardzo długo po najbardziej udanych porodach przez wiele lat we wszystkich klasach społecznych - tablica podarowana przez Ojca Lorenzo de' Medici do swojej matki Lucrezia Tornabuoni był trzymany w domu Lorenza aż do śmierci. Często tace były produkowane masowo w warsztatach i „autoryzowane” herbem, dopiero w momencie zakupu.
Śmiertelność niemowląt i śmierć po porodzie były niezwykle wysokie, a udane porody były świętowane ze szczególną hojnością.
Malowane tace zaczęły pojawiać się około 1370 roku, pokolenie po najeździe Czarnej Śmierci (dżumy).

Taca rodzącej kobiety na podstawie „Dekameronu” Bocaccio. 1410 Metropolitan Museum of Art, Nowy Jork

Triumf chwały.(Taca rodzącej kobiety) 1449 Metropolitan Museum of Art, Nowy Jork.

* 7. Putto. To włoskie słowo, które przeszło do wszystkich języków europejskich, oznacza wizerunek (obraz lub rzeźbę) nagiego dziecka: anioła lub kupidyna. Ten obraz łączy w sobie cechy anioła, kupidyna i dziecka.

Biografia

Tommaso urodził się 21 grudnia 1401 w dniu św. Thomas, po którym został nazwany, w rodzinie notariusza o nazwisku Ser Giovanni di Mone Cassai i jego żony Jacopa di Martinozzo. Szymon, dziadek przyszłego artysty (ze strony ojca), był rzemieślnikiem, który wykonywał skrzynie cassonowe i inne meble. Badacze widzą w tym fakcie rodzinną ciągłość artystyczną, możliwość, że przyszły malarz zetknął się ze sztuką i pierwsze lekcje otrzymywał od dziadka. Dziadek Szymon był bogatym rzemieślnikiem, miał kilka działek ogrodowych i własny dom.

Pięć lat po urodzeniu Tommaso nagle zmarł jego 27-letni ojciec. Jego żona, będąca wówczas w ciąży, wkrótce urodziła drugiego syna, któremu nadała imię swojego ojca – Giovanniego (później też został artystą, znanym jako lo Skeggia). Pozostawiony z dwójką dzieci w ramionach, Jacopa wkrótce ożenił się ponownie, tym razem z farmaceutą Tedesco di Mastro Feo, wdowcem, który miał dwie córki. Drugi mąż Jacopy zmarł 17 sierpnia 1417, kiedy Masaccio nie miał nawet 16 lat. Następnie został najstarszym mężczyzną w rodzinie, tj. właściwie jej żywicielem rodziny. Dokumenty archiwalne mówią o winnicy i części domu pozostawionej po śmierci drugiego męża Jakopy, ale ona z nich nie korzystała i nie miała z nich dochodów. Jedna z sióstr Masaccio wyszła później za mąż za malarza Mariotto di Cristofano.

Masaccio wcześnie przeniósł się do Florencji. Badacze sugerują, że przeprowadzka miała miejsce przed 1418 rokiem. Zachowały się dokumenty, według których matka Masaccio wynajmowała mieszkanie w okolicy San Niccolo. Prawdopodobnie warsztat, w którym pracował artysta, znajdował się gdzieś w pobliżu. Vasari twierdzi, że Masolino był jego nauczycielem, ale to błąd. Masaccio otrzymał tytuł mistrza malarstwa i został przyjęty do warsztatu 7 stycznia 1422 r., tj. przed Masolino, przyjęty w 1423 r. Ponadto w jego pracach nie widać śladów wpływów tego artysty. Niektórzy badacze uważają, że w 1421 r. pracował w warsztacie Bicci di Lorenzo i przypisują mu malowaną terakotową płaskorzeźbę z kościoła San Egidio. Jednak styl prac tych artystów jest zbyt odmienny, by mówić o ich bliskim kontakcie. Jednak od 1421 młodszy brat Masaccio, Giovanni (Lo Sceggia), pracuje w warsztacie Bicci di Lorenzo.

Prawdziwymi nauczycielami Masaccio byli Brunelleschi i Donatello. Zachowały się informacje o osobistych związkach Masaccio z tymi dwoma wybitnymi mistrzami wczesnego renesansu. Byli jego starszymi towarzyszami i zanim artysta dojrzał, odnieśli już pierwsze sukcesy. Brunelleschi do 1416 r. był zajęty opracowywaniem perspektywy liniowej, której ślady można zobaczyć na jego płaskorzeźbie „Bitwa pod św. George ze smokiem. Od Donatello Masaccio zapożyczył nową świadomość osoby ludzkiej, charakterystyczną dla rzeźb wykonanych przez tego rzeźbiarza dla kościoła Orsanmichele.

W sztuce Florencji na początku XV wieku dominował styl znany jako „gotyk międzynarodowy”. Artyści tego stylu stworzyli w swoich obrazach fikcyjny świat o arystokratycznej urodzie, pełen liryzmu i konwencji. Na ich tle twórczość Masaccio, Brunelleschiego i Donatella była pełna naturalizmu i surowej prozy życiowej. Ślady wpływu starszych przyjaciół widać w najwcześniejszym znanym dziele Masaccio.

Tryptyk z San Giovenale (Tryptyk z St. Juvenaly).

Wszyscy współcześni badacze uważają ten tryptyk za pierwszą rzetelną pracę Masaccio (wymiary: panel środkowy 108x65cm, panele boczne 88x44cm). Został odkryty w 1961 roku przez włoskiego naukowca Luciano Berti w małym kościele św. Juwenala, położonym w pobliżu miejscowości San Giuvanni Valdarno, w której urodził się Mazzacio, i pokazany na wystawie „Starożytna sztuka sakralna” (Starożytna sztuka sakralna) . Bertie szybko doszedł do wniosku, że jest to oryginalne dzieło Masaccio, gdyż przedstawienia postaci w tryptyku są bardzo podobne do innych dzieł tego mistrza – Madonny z Dzieciątkiem ze św. Anna” z Muzeum Uffizi we Florencji, z „Madonną” z Poliptyku w Pizie oraz z Poliptykiem Santa Maria Maggiore w Rzymie.

W centrum ołtarza znajduje się Madonna z Dzieciątkiem i dwoma aniołami, święci Bartłomiej i Błażej po jej prawej stronie, święci Ambroży i Juwenal po lewej. U dołu dzieła widnieje inskrypcja, już nie gotykiem, ale współczesnymi literami używanymi przez humanistów w swoich pismach. To pierwsza neogotycka inskrypcja w Europie: ANNO DOMINI MCCCCXXII A DI VENTITRE D'AP(PRILE). (23 kwietnia 1422 od Narodzenia Chrystusa). Jednak reakcja na gotyk, z którego odziedziczono złote tła tryptyku, była nie tylko w inskrypcji. Z wysokiego punktu widzenia, wspólnego dla trecento, kompozycyjno-przestrzenna konstrukcja tryptyku podlega prawom perspektywy, może nawet nadmiernie geometrycznie prosta (jak przystało na wczesnych eksperymentach). Plastyczność form i śmiałość kątów stwarzają wrażenie masywnej trójwymiarowości, jakiej wcześniej w malarstwie włoskim nie było.

Jak wynika ze zbadanych dokumentów archiwalnych, dzieło powstało na zlecenie florenckiego Vanni Castellaniego, który patronował kościołowi San Giovenale. Monogram jego imienia - literę V, naukowcy widzą w złożonych skrzydłach aniołów. Tryptyk został namalowany we Florencji i pozostał tam przez kilka lat, aż do pojawienia się w inwentarzu kościoła San Giovenale w 1441 roku. Nie zachowały się żadne pamiętniki po tym dziele, chociaż Vasari wspomina o dwóch pracach młodego Masaccio na terenie San Giovanni Valdarno.

Po odrestaurowaniu tryptyk został pokazany na wystawie „Metodo a Sienza” w 1982 roku, gdzie ponownie przyciągnął uwagę krytyków. Obecnie znajduje się w kościele San Pietro a Cascia di Reggello.

Sagra. (Poświęcenie).

7 stycznia 1422 Masaccio został przyjęty do cechu Arte dei Medici e degli Speciali (do cechu lekarzy i farmaceutów, w skład którego wchodzili również artyści), a 19 kwietnia tego samego roku wraz z Donatello, Brunelleschi i Masolino objął udział w uroczystej ceremonii poświęcenia kościoła Santa Maria del Carmine, znajdującego się przy klasztorze karmelitów we Florencji. Masaccio otrzymał później zlecenie upamiętnienia tej ceremonii na fresku. Jednak wcześniej (badacze zazwyczaj datują Sagrę na 1424 rok) artysta prawdopodobnie odwiedził Rzym na obchody Jubileuszu 1423 roku, bo tylko ta podróż może wyjaśnić fakt, że ukazana na fresku procesja mocno przypominała starożytne rzymskie płaskorzeźby. Uważnie studiował sztukę starożytnego Rzymu i sztukę wczesnochrześcijańską.

Fresk „Konsekracja” został namalowany na ścianie klasztoru Karmelitów i przetrwał do około 1600 roku. Na nim, według Vasariego, Masaccio zobrazował scenę na placu przed kościołem, ku której zmierzała wielka procesja, ustawiona pod pewnym kątem i tworząca kilka rzędów. Do dziś przetrwały jedynie rysunki różnych artystów (m.in. Michała Anioła), kopiujące fragmenty tego fresku. Jak na swoje czasy miał świetną nowość i prawdopodobnie klientom się nie podobał z powodu zbyt dużego wrażenia rzeczywistości, które wywoływał. Nie było w nim nic ze zwykłego stylu gotyckiego z jego arystokracją, wzorzystymi drogimi tkaninami, złotą biżuterią. Wręcz przeciwnie, Masaccio przedstawił procesję obywateli w bardzo prostych ubraniach. Wśród uczestników procesji, według Vasariego, można było zobaczyć nie tylko jego przyjaciół - Donatello, Brunelleschiego i Mazolino, ale także tych przedstawicieli polityki florenckiej, którzy opowiadali się za przemianami w republice i walczyli z mediolańskim zagrożeniem - Giovanniego di Bicci Medici, Niccolo da Uzzano, Felice Brancacci, Bartolomeo Valori, Lorenzo Ridolfi, którym zaledwie w 1425 roku udało się osiągnąć porozumienie z Wenecją przeciwko Mediolanowi. Luciano Berti uważa, że ​​Masaccio w ogóle nie przedstawił ceremonii religijnej, ale wykorzystał spisek do ucieleśnienia aktualnych idei obywatelskich, republikańskich, politycznych i patriotycznych. Niewykluczone, że realizm Masaccio był wówczas postrzegany nie tylko jako antyteza gotyku, ale także jako sztuka demokratyczna warstw średnich, będąca swego rodzaju ideologiczną przeciwwagą dla arystokracji.

Portret.

W swojej „Biografii Masaccio” Vasari wymienia trzy portrety. Historycy sztuki następnie utożsamiali je z trzema „portretami młodego mężczyzny”: z Muzeum Gardnera w Bostonie, z Muzeum Sztuk Pięknych w Chambery iz Galerii Narodowej w Waszyngtonie. Większość współczesnych krytyków uważa, że ​​dwa ostatnie nie są dziełami Masaccio, ponieważ czują się drugorzędne i gorszej jakości. Zostały namalowane później lub prawdopodobnie skopiowane z dzieł Masaccio. Wielu badaczy uważa tylko portret z Muzeum Gardnera za wiarygodny, a Berti i Raggianti twierdzą, że przedstawia on młodego Leona Battistę Albertiego. Portret datowany jest na lata 1423-1425; Masaccio wykonał go wcześniej niż inny portret Albertiego, którego charakterystyczny profil widać w jego fresku „Św. Piotr na tronie” w kaplicy Brancaccich, gdzie jest przedstawiony na prawo od samego Masaccio.

Masaccio i Masolino.

Masaccio brał udział w kilku wspólnych projektach z Masolino i wydaje się, że łączyła ich przyjaźń. Pod względem temperamentu i światopoglądu byli zupełnie innymi artystami. Masolino skłaniał się ku arystokratycznemu gotykowi międzynarodowemu z jego religijną bajecznością, płaskością i elegancją, podczas gdy Masaccio, według humanisty Cristoforo Landino, był pełen żarliwego zainteresowania światem ziemskim, jego wiedzą i twierdzeniem o jego wielkości, działając jako wykładnik spontaniczne materialistyczne formy panteizmu wczesnego renesansu. Badacze uważają, że innowacje Masaccio wpłynęły na twórczość Masolino, który niewątpliwie należał do największych mistrzów pierwszej połowy XV wieku. Najprawdopodobniej sposób Masolino, bliższy i bardziej zrozumiały dla większości współczesnych, dawał mu większe szanse na zdobycie dobrych zamówień, więc w duecie grał wiodącą rolę organizatora pracy, a Masaccio był jego asystentem, choć bardzo utalentowany. Ich pierwszym znanym wspólnym dziełem jest Madonna z Dzieciątkiem i św. Anna” z Galerii Uffizi.

Madonna z Dzieciątkiem i św. Ania.

W 1424 roku nazwa Masaccio pojawia się w spisach towarzystwa św. Łukasza - organizacji artystów florenckich. W tym roku krytycy wyznaczają również początek wspólnej pracy Masaccio i Masolino (dokładniej między listopadem 1424 a wrześniem 1425).

„Madonna z Dzieciątkiem ze św. Anna ”(rozmiar 175x103 cm) została namalowana dla kościoła Sant'Ambrogio i była tam, dopóki nie została przeniesiona do Galerii Akademii Florenckiej, a następnie do Galerii Uffizi. Vasari uważał to za dzieło Masaccio, ale już w XIX wieku Masselli (1832), a następnie Cavalcaselle (1864), zauważyli różnice w malarstwie od stylu Masaccio. Roberto Longhi, który wnikliwie przestudiował współpracę Masolino i Masaccio (1940), doszedł do wniosku, że Madonna z Dzieciątkiem i prawy anioł trzymający zasłonę należą do ręki Masaccio, a wszystko inne wykonał Masolino, który prawdopodobnie zamówił ten obraz (przypuszcza się, że w związku z wyjazdem wkrótce na Węgry Masolino zlecił wykonanie dzieła Masaccio). Inni badacze - Salmi (1948) i Salvini (1952) uważają, że postać św. Anna, ponieważ jej lewa ręka, wyciągnięta nad głową małego Chrystusa, jest napisana pod kątem niezbędnym do oddania głębi przestrzennej. Obraz ma zarówno dekoracyjną urodę, charakterystyczną dla Masolino, jak i charakterystyczną dla Masaccio chęć oddania fizycznej masy i przestrzeni.

Ikonografia średniowieczna przedmiotu określana zwykle jako „św. Anna w trzech” domagał się wizerunku Anny, na której kolanach siedzi Maryja, a na kolanach tej ostatniej – Dzieciątka Chrystus. Zachowany jest tu schemat ikonograficzny, trzy postacie połączone są w trójwymiarową, poprawnie zbudowaną piramidę. Szorstkie formy mas i mocne, pozbawione wdzięku lądowanie, Mary przypomina „Madonnę Pokory” z National Gallery w Waszyngtonie, którą niektórzy badacze dość problematycznie przypisują młodemu Masaccio (bardzo zły stan zachowania sprawia, że nie da się dokładnie określić jego autorstwa, mimo że Bernson uważał go kiedyś za dzieło Masaccio).

Przestrzeń obrazu składa się z równoległych planów (tę technikę powtarza Masaccio w niektórych kompozycjach kaplicy Brancaccich): na pierwszym planie kolana Madonny, na drugim Dzieciątko Chrystus i ręce Madonny, na trzeci - tors Madonny, w czwartym - tron ​​św. Anna, zasłona i aniołki, a na ostatnim złotym tle. Obecność św. Anna na zdjęciu może mieć szczególne znaczenie; symbolizuje synowskie posłuszeństwo sióstr benedyktynek wobec Matki Przełożonej (Verdon, 1988).

Wspólna praca Masolino i Masaccio była kontynuowana w kolejnym dużym projekcie - malowidłach ściennych kaplicy Brancaccich.

Kaplica Brancaccich

Freski w kaplicy Brancaccich są głównym dziełem stworzonym przez Masaccio w jego krótkim życiu. Od XV wieku do dnia dzisiejszego zawsze podziwiali je zarówno profesjonaliści, jak i szeroka publiczność. Jednak dyskusje wokół tych fresków nie ustały do ​​tej pory.

Kaplica Brancaccich została dodana do południowego transeptu kościoła karmelitów Santa Maria del Carmine (zbudowanego w 1365) około 1386 roku. Życzenie budowy wyraził zmarły w 1367 r. Pietro Brancacci – o czym w testamencie z dnia 20 lutego 1383 r. donosi jego syn Antonio di Pietro Brancacci i podaje, że jego ojciec zostawił 200 florenów na budowę kaplicy. W 1389 r. przedstawiciel innej gałęzi tego rodu, Serotino Brancacci, przekazał kolejne 50 florenów na „adornamento et picturas fiendo in dicta capella” („udekoruj i pomaluj wskazaną kaplicę”). W 1422 r. odnoszący sukcesy kupiec jedwabiu Felice di Michele Brancacci przejął sprawy kaplicy, o czym informuje w testamencie z 26 czerwca tego samego roku, kiedy został wysłany z ambasadą do Kairu. To właśnie Felicja jest uważana za klientkę murali. Ten człowiek był bardzo ważną postacią w życiu Florencji. Należał do klasy rządzącej republiki: od co najmniej 1412 r. piastował prominentne stanowiska w rządzie. Jest później wspomniany jako ambasador w Lunigianie, a następnie był ambasadorem w Kairze. W 1426 Felicja służyła jako komisarz, oficer, który dowodził oddziałami podczas oblężenia Brescii podczas wojny z Mediolanem. Jego żona Lena należała do innej wybitnej rodziny florenckiej, Strozzich. Najprawdopodobniej Brancacci zamówił malowanie kaplicy wkrótce po przybyciu z Kairu w 1423 roku. Większość badaczy zgadza się, że Masolino i Masaccio rozpoczęli pracę pod koniec 1424 r. (Masolino był zajęty zamawianiem Empoli do listopada 1424 r.), a prace trwały z przerwami do 1427 lub 1428 r., kiedy Masaccio wyjechał do Rzymu, pozostawiając niedokończone freski. Znacznie później, w latach osiemdziesiątych XVIII wieku, niedokończone dzieło ukończył Filippino Lippi.
Freski w kaplicy poświęcone są życiu św. Piotra, ale nie posiadają spójnej chronologicznie prezentacji jego życia, lecz przedstawiają zbiór wątków w różnym czasie. Wynika to prawdopodobnie z faktu, że same wątki zostały zaczerpnięte z trzech źródeł – Ewangelii, Dziejów Apostolskich i Złotej Legendy Jacopo da Varazze. Jednak zaczynają się od grzechu pierworodnego. W kaplicy Brancaccich Masaccio brał udział w wykonaniu sześciu fresków.

1. Wygnanie z raju.

Fresk przedstawia biblijną historię - wypędzenie z raju pierwszych ludzi, Adama i Ewy, po złamaniu przez Ewę zakazu Bożego. Z płaczem są usuwani z Edenu, nad ich głowami drogę do grzesznej ziemi wskazuje anioł na czerwonej chmurze z mieczem w ręku. Wymiary fresku to 208x88cm.

Wszyscy badacze zgadzają się, że jest w całości wykonany przez Masaccio. Dramat tkwiący we fresku ostro kontrastuje ze sceną Kuszenia namalowaną przez Masolino na przeciwległej ścianie. Wbrew tradycji gotyckiej scena wygnania otrzymała na ten czas zupełnie nową głębię psychologiczną. Adam jest przedstawiany jako grzesznik, który nie utracił swojej duchowej czystości. Masaccio najwyraźniej zapożyczył pozę gorzko płaczącej Evy z rzeźby uosabiącej Wstyd, wykonanej przez Giovanniego Pisano na ambonę katedry w Pizie. Jako źródło inspiracji dla wizerunku Ewy badacze przytaczają również grecko-rzymski posąg „Wenus Pudica”. Odnaleziono również analogie w rzeźbie w pozie Adama, od Laokoona i Marci po bardziej współczesne przykłady, takie jak Ukrzyżowanie Donatella dla florenckiego kościoła Santa Croce.

Podczas odbudowy świątyni w latach 1746-48 zaginęła górna część fresku. Jednak jeszcze wcześniej, około 1674 roku, pobożni kapłani kazali okrywać liśćmi genitalia Adama i Ewy. W tej formie freski istniały do ​​ostatniej renowacji, przeprowadzonej w latach 1983-1990, kiedy to zostały usunięte.

2. Cud ze staterem.

Fresk „Cud z Staterem” od czasów Vasariego uważany jest za najlepsze dzieło Masaccio (w niektórych rosyjskich książkach nazywa się go „Poddaj”).

Ten epizod z życia Chrystusa zaczerpnięty jest z Ewangelii Mateusza (17:24-27). Jezus i apostołowie podróżujący z kazaniami przybyli do miasta Kafarnaum. Aby wjechać do miasta, trzeba było uiścić opłatę w wysokości jednego statera. Ponieważ nie mieli pieniędzy, Chrystus nakazał Piotrowi złapać rybę w pobliskim jeziorze i dokonać cudu, wyciągając z jej łona monetę. Fresk przedstawia jednocześnie trzy epizody. W centrum - Chrystus w otoczeniu apostołów wskazuje Piotrowi, co należy zrobić; po lewej - Piotr, który złapał rybę, wyjmuje z jej łona monetę; po prawej - Piotr daje monetę poborcy podatkowemu w pobliżu swojego domu.

Wielu badaczy zastanawiało się, dlaczego temat płacenia podatku znalazł się w cyklu fresku. Istnieje kilka interpretacji tego epizodu, które wydają się celowo podkreślać zasadność żądania podatkowego. Procacci (1951), Miss (1963) i Bertie (1964) zgadzają się, że włączenie spisku było spowodowane sporami o reformę podatkową, które miały miejsce we Florencji w latach 20. XIV wieku i zakończyły się w 1427 r. przyjęciem Catasto (wł. ") - zbiór praw, które ustanowiły bardziej sprawiedliwe opodatkowanie. Steinbart (1948) uważał, że historie z działalności Piotra, założyciela Kościoła rzymskiego, mogą być aluzją do polityki papieża Marcina V, zmierzającej do światowej dominacji Kościoła rzymskiego i monety z Jeziora Genezaret jest aluzją do dochodowych przedsięwzięć morskich Republiki Florenckiej, realizowanych pod przewodnictwem Brancacciego, który m.in. służył we Florencji jako konsul marynarki wojennej. Moller (1961) zasugerował, że historia ewangelii z samym staterem może ukrywać ideę, że Kościół musi zawsze płacić daninę, nie z własnej kieszeni, ale z jakiegoś zewnętrznego źródła. Casazza (1986) za Millard Miss (1963) uznał ten epizod za jeden z elementów historii salutis („historia zbawienia”), gdyż tak zinterpretował tę intrygę bł. Augustyn, stwierdzając, że religijne znaczenie tej przypowieści to zbawienie poprzez Kościół. Są też inne opinie.

Masaccio zbudował postacie postaci wzdłuż poziomej linii, ale grupa apostołów pośrodku tworzy wyraźne półkole. Badacze uważają, że ten półokrąg ma starożytne pochodzenie, ponieważ w starożytności w ten sposób przedstawiano Sokratesa i jego uczniów, wówczas wzór ten został przeniesiony do sztuki wczesnochrześcijańskiej (Jezus z apostołami), a w epoce wczesnego renesansu artyści tacy jak Brunelleschi nabrali nowego znaczenia - okrąg symbolizuje geometryczną doskonałość i kompletność. Okrągłą strukturę wykorzystał Giotto we freskach z Padwy, a także Andrea Pisano w baptysterium florenckim.

Wszystkie postacie fresku są obdarzone jasną osobowością, ucieleśniają różne ludzkie postacie. Ich postacie ubrane są w tuniki w stylu antycznym - z końcówką zarzuconą na lewe ramię. Tylko Piotr, wyjmując monetę z pyszczka ryby, zdjął i położył obok siebie tunikę, żeby się nie pobrudzić. Pozy bohaterów przypominają pozy greckich posągów, a także płaskorzeźby z etruskich urn pogrzebowych.
Roberto Longhi w 1940 roku doszedł do wniosku, że nie cały fresk został wykonany ręką Masaccio, głowę Chrystusa namalował Masolino (głowa Adama na fresku „Pokusa” stworzonym przez Masolino w tej samej kaplicy jest niezwykle podobna do Głowa Chrystusa). Większość badaczy zgodziła się z tym wnioskiem (Miss, 1963; Berti, 1964-68; Parronchi i Bolonia, 1966). Dzięki renowacji przeprowadzonej w latach 80. ten punkt widzenia został potwierdzony - technika malarska w wykonaniu głowy Chrystusa różni się od reszty fresku. Baldini (1986) twierdzi jednak, że głowa Adama i głowa Chrystusa są wykonane różnymi technikami malarskimi.

3. Chrzest neofitów.

Epizod zaczerpnięty z Dziejów Apostolskich (2:41): „Tak więc ci, którzy dobrowolnie przyjęli Jego słowo, zostali ochrzczeni iw tym dniu dodano około trzech tysięcy dusz;”. Renowacja w latach 80., która umożliwiła usunięcie warstwy sadzy ze świec i ognia, odsłoniła cały urok jasnych barw tego fresku, jego wspaniałe wykonanie i potwierdziła entuzjastyczne recenzje, jakie jest przyznawany od tamtych czasów Magliabechiano i Vasariego.

Fresk przedstawia Apostoła Piotra dokonującego obrzędu chrztu. W tle postacie neofitów, gotowych do przyjęcia nowej wiary. Starożytni autorzy szczególnie podziwiali naturalność pozy nagiego młodzieńca, zmarzniętego w oczekiwaniu na ceremonię. Cała grupa, przedstawiająca „około trzech tysięcy dusz”, składa się z 12 osób (Piotr XIII), a w jej liczbie odbija się echem dwunastu apostołów tworzących „ludzkie Koloseum” (Chrystus XIII) z fresku „Cud z Staterem”. ”.

W przeszłości kilku uczonych twierdziło, że ten fresk nie był całkowicie autorstwa Masaccio, że brał w nim udział Masolino lub Filippino Lippi. Longhi (1940) uważał, że dwie postacie po lewej stronie Piotra są dziełem Filippino. Był wspierany przez F. Bolonię (1966). Procacci (1951) uważał, że oprócz tego Masolino namalował również głowę samego Piotra, ale po renowacji w latach 80. nie miał wątpliwości, że fresk był w całości autorstwa Masaccio. Parronchi (1989) twierdzi, że dwa portrety po lewej stronie Petera są autorstwa nieznanego asystenta Masaccio, a głowa Petera jest tak słabej jakości, że nie może być dziełem ani Masaccio, ani Masolino. Po renowacji dyskusja na temat współpracy Masolino i Masaccio rozgorzała ponownie: na przykład Berti (1989) twierdzi, że Masolino jest autorem całego tła krajobrazowego tego fresku.

4. Święty Piotr uzdrawia chorych swoim cieniem.

Fabuła fresku (wymiary 230x162cm) zaczerpnięta jest z Dziejów Apostolskich (5:12-16), w księdze bezpośrednio śledzi historię Ananiasza, którą przedstawia fresk sąsiedni po prawej stronie. Apostołowie dokonali wielu cudów, dzięki którym wzrosła liczba wiernych. Ci, którzy uwierzyli, wynieśli chorych na ulice Jerozolimy w nadziei, że Piotr przykryje swoim cieniem jednego z nich. Ludzie przyjeżdżali nawet z innych wiosek i wszyscy zostali uzdrowieni.

Uczeni nigdy nie wątpili, że fresk został w całości namalowany przez Masaccio. Od czasów Vasariego, który mężczyznę w czerwonej opasce uznał za portret Masolino i umieścił na stronie biografii artysty, badacze starali się utożsamiać przedstawione postacie z postaciami historycznymi. Meller (1961) uważał, że brodaty mężczyzna z rękami złożonymi do modlitwy był portretem Donatella, a Bertie (1966) uważał, że Donatello jest starszym mężczyzną z siwą brodą, który jest przedstawiony między Piotrem a Janem.

Artysta umieścił wydarzenia na współczesnej florenckiej ulicy. Masaccio przedstawił ją z perspektywy, pozostawiając za sobą plecy apostołów. Badacze uważają, że jest tu przedstawiony obszar kościoła San Felice na Piazza; jego pamiętna kolumna ze stolicą w Koryncie jest widoczna za Johnem. Ulica jest otoczona domami typowymi dla średniowiecznej Florencji. Dolna część fasady skrajnie lewego budynku przypomina Palazzo Vecchio, podczas gdy górna część Palazzo Pitti.

5. Podział majątku i śmierć Ananiasza.

Fabuła została zaczerpnięta z Dziejów Apostolskich (4:32-37 i 5:1-11). Ta część księgi opisuje, w jaki sposób wczesna społeczność chrześcijańska zbierała majątek do wspólnego użytku w celu dystrybucji go zgodnie ze sprawiedliwymi zasadami. Jednak pewien Ananiasz sprzedawszy swój majątek, przystępując do gminy, ukrył część dochodów. Po wyrzutowych słowach Apostoła Piotra Ananiasza ogarnął taki strach, że zmarł na miejscu. Masaccio na tym fresku (wymiary 230x162 cm) przedstawił dwie sceny: Piotr rozdaje darowany apostołom majątek oraz śmierć Ananiasza, którego martwe ciało leży u stóp Jana. Scena dystrybucji nadawana jest epickiej powagi. Wszyscy badacze zgodzili się, że fresk należy w całości do ręki Masaccio. Niedawna renowacja ujawniła, że ​​różowawy płaszcz Johna i dłonie Anani zostały namalowane przez Filippino Lippi na fresku Masaccio (Baldini, 1986).

Wraz z rozumieniem tematu fresku jako zbawienia przez wiarę, istnieje inna interpretacja zaproponowana przez Luciano Berti (1964). Uważa, że ​​fresk po raz kolejny chwali instytut podatkowy Catasto przyjęty w 1427 r., który gwarantuje większą równość wśród ludności republiki, uważając, że kara Ananiasza jest lekcją dla bogatych florenckich, którzy nie chcieli płacić podatków w całości. Meller (1961) uważa, że ​​fresk zawiera przypomnienie o rodzinie klienta: mężczyzna klęczący w czerwonej szacie kardynała i wyciągający rękę do Piotra – być może kardynała Rinaldo Brancacciego lub kardynała Tommaso Brancacciego.

6. Zmartwychwstanie syna Teofila i św. Piotra na ambonie

Fresk (wymiary 230x598cm) przedstawia cud dokonany przez Piotra po jego uwolnieniu z więzienia za sprawą apostoła Pawła. Według „Złotej legendy” Jacopo da Varazze, Piotrowi, który przybył do grobu zmarłego 14 lat temu syna Teofila, prefekta Antiochii, udało się go w cudowny sposób ożywić. Obecni w tym samym czasie od razu uwierzyli w Chrystusa, samego prefekta Antiochii i całą ludność miasta nawróconą na chrześcijaństwo. W efekcie w mieście powstała wspaniała świątynia, w centrum której ustawiono ambonę dla Apostoła Piotra. Z tego tronu czytał swoje kazania. Po spędzeniu na nim siedmiu lat Piotr udał się do Rzymu, gdzie przez dwadzieścia pięć lat zasiadał na tronie papieskim – ambonie.

Masaccio ponownie umieścił na jednym fresku dwa wydarzenia: po lewej i pośrodku - Piotr Apostoł wskrzesza syna Teofila, po prawej - Piotr Apostoł na tronie. Artysta umieścił w świątyni scenę, w której znalazły się prawdziwe postacie kościelne - przedstawiciele bractwa karmelitańskiego z Santa Maria del Carmine oraz parafianie, m.in. Masolino, Leon Battista Alberti i Brunelleschi. Vasari zwrócił uwagę, że fresk rozpoczął Masolino, ale kolejni historycy sztuki, z nielicznymi wyjątkami, uważali go za dzieło Masaccio. W XIX wieku naukowcy powrócili do poglądu, że prace te rozpoczął Masolino, a ukończył Masaccio. Ponadto przytłaczająca większość ekspertów zaakceptowała wersję, że ostateczne wykonanie fresku powierzono Filippino Lippi, który dodał puste przestrzenie pozostawione przez Masaccio i przepisał uszkodzone i zamazane fragmenty, które przedstawiały wrogów rodu Medici, obejmował Brancacciego.
Vasari wierzył, że pod postacią wskrzeszonego młodzieńca Filippino Lippi wcielił się w postać malarza Francesco Granacciego, choć Granacci nie był już wtedy młodzieńcem, „… i podobnie Messer Tommaso Soderini, szlachcic Pietro Guicciardini, ojciec Messera Francesco, który pisał historię, Piero del Pugliese i Luigi Pulci, poeta…” Po przestudiowaniu ikonografii i możliwych portretów fresku włoski naukowiec Peter Meller w swojej pracy „Kaplica Brancaccich: problemy ikonograficzne i portretowe” (1961) potwierdził opinię Vasariego: i doszedł do wniosku, że fresk zawiera między innymi podtekst polityczny: karmelita (czwarty od lewej) to portret kardynała Brandy Castiglione, Teofil siedzący na wysokim tronie to portret księcia Mediolanu Gian Galeazzo Visconti, a mężczyzna siedzący po prawej stronie u jego stóp to kanclerz Republiki Florenckiej Coluccio Salutati, autor inwektyw przeciwko rządowi mediolańskiemu. Dodatkowo po prawej stronie fresku obok Apostoła Piotra na ambonie znajdują się (od prawej do lewej) - Brunelleschi, Leon Batista Alberti, Masaccio i Masolino.

poliptyk pisański.

Poliptyk w Pizie jest jedynym dokładnie datowanym dziełem artysty; datowanie wszystkich innych jego prac jest przybliżone. 19 lutego 1426 Masaccio podjął się namalowania wieloczęściowego ołtarza do kaplicy św. Juliana w kościele Pisa del Carmine za skromną sumę 80 florenów. Zakon pochodził od pisańskiego notariusza Ser Giuliano di Colino Degli Scarsi da San Giusto, który w latach 1414-1425 objął patronat nad tą kaplicą. 26 grudnia 1426 r. poliptyk, sądząc po datowanym na ten dzień dokumencie płatności, był gotowy. W pracach nad nim brali udział asystenci Masaccio, jego brat Giovanni (Sceggia) i Andrea del Giusto. Ramę do tej wieloczęściowej kompozycji wykonał rzeźbiarz Antonio di Biagio (być może na podstawie szkicu Masaccio).
W XVIII wieku poliptyk rozebrano, a poszczególne jego fragmenty trafiły do ​​różnych muzeów. Wiele obrazów zaginęło wraz z oryginalną ramą ołtarzową. Dziś z tego wielkiego dzieła pozostało tylko 11 obrazów. Christa Gardner von Teuffel zaproponowała wersję jego rekonstrukcji, którą dziś śledzi większość znawców. Jednak pytanie o środkowy rząd poliptyku wciąż pozostaje bez odpowiedzi. Według jednej wersji był to zwykły wieloczęściowy ołtarz. Według innej jej część środkowa nie była wieloczęściowa, lecz solidna (tzw. pala), czyli postacie świętych po bokach Madonny nie były napisane na osobnych tablicach, lecz na jednej dużej ( według Vasariego byli to Piotr Apostoł, Jan Chrzciciel, św. Julian i św. Mikołaj). Stan zachowanych fragmentów nie pozwala odczuć całego blasku oryginalnego pomysłu. Był to jeden z pierwszych ołtarzy, którego konstrukcja kompozycyjna opierała się na wypracowanych niedawno prawach perspektywy, z liniami zbiegającymi się w jednym punkcie. Sądząc po centralnym panelu Madonny z Dzieciątkiem, wszystkie postacie w centralnej części poliptyku zostały namalowane tak, jakby były oświetlone jednym źródłem światła z lewej strony.

1.Madonna i dziecko.

Centralnym panelem poliptyku była Madonna z Dzieciątkiem i Czterema Aniołami (135x73cm). W 1855 r. był przechowywany w kolekcji Suttona jako dzieło Gentile da Fabriano. W 1907 Bernard Berenson zidentyfikował go jako dzieło Masaccio. Od 1916 obraz jest przechowywany w National Gallery w Londynie. Kawałek był poważnie uszkodzony; jest odcięty w dolnej części, na powierzchni ubytku warstwy farby, zniekształcony retuszem. Wcześniej suknia Madonny była wykonana świetlistą czerwoną farbą nałożoną na srebrne tafle tła. Dziś genialny efekt dekoracyjny dzieła zaginął.

Masaccio porzucił tu niemal całkowicie podstawy malarstwa gotyckiego - wyraźną, gładką linię zarysowującą sylwetki postaci, ale rzeźbi formę kolorem, upraszczając ją i nadając jej uogólniony geometryczny rytm (naukowcy uważają, że postać Madonny odzwierciedla fakt, że artysta dokładnie przestudiował rzeźbę Nicola Pisano i Donatello). Odrzuca tu też dekoracyjną grę wzorów, tkwiącą we wspólnym malowaniu z Mazolino „Madonna z Dzieciątkiem ze św. Anna”, które najwyraźniej były mu zupełnie obce. Złote tło Masaccio, tradycyjne dla obrazów z XIV wieku, jest prawie całkowicie pokryte monumentalnym antycznym-klasycystycznym tronem, ozdobionym małymi kolumnami z porządkiem korynckim. Typ dziecka został przez niego zapożyczony ze starożytnych wizerunków Herkulesa w dzieciństwie; dziecko w zamyśleniu ssie winogrona, pomagając im lepiej smakować palcami. Intrygę z winogronami badacze uważają za aluzję eucharystyczną, symbol wina komunijnego, czyli m.in. ostatecznie symbol krwi Chrystusa, która zostanie przelana na krzyżu. Symbolizm ten został wzmocniony sceną Ukrzyżowania, która znajdowała się bezpośrednio nad Madonną z Dzieciątkiem.

2. Ukrzyżowanie.

Ukrzyżowanie (wymiary 83x63cm) jest przechowywane w Muzeum Capodimonte w Neapolu od 1901 roku. Obraz został przypisany Masaccio i przypisany Poliptykowi Pisowemu przez włoskiego krytyka sztuki Lionello Venturiego. Jest napisany na złotym tle, pod stopami bohaterów jest tylko wąski pas ziemi. Złote tło symbolizuje ponadczasowość i nieziemski charakter tego, co się dzieje. Po lewej stronie Madonna, po prawej Jan Chrzciciel, u stóp krzyża Maria Magdalena rozłożyła ramiona w rozpaczy. Ogólnie rzecz biorąc, ten poliptykowy panel nawiązuje do tradycji malarstwa XIV-wiecznego. Niektórzy badacze uważają, że zdeformowane ciało Chrystusa jest nieudaną próbą przedstawienia go w zredukowanej perspektywie widzianej z dołu. Mimo ekspresyjnego gestu Magdaleny scena jest niezwykle statyczna. Roberto Longhi zasugerował, że postać Magdaleny została przypisana przez mistrza później, ponieważ. ma inną aureolę niż reszta postaci.

3. Apostołowie Paweł i Andrzej.

Wizerunek apostoła Pawła jest jedyną pozostałą częścią poliptyku w Pizie (Muzeum San Matteo). Wymiary płyciny to 51x31 cm, obraz przypisywano Masaccio już w XVII wieku (jest o tym napis z boku). Prawie przez cały XVIII wiek był przechowywany w Operze della Primaciale, a w 1796 roku został przeniesiony do Muzeum San Matteo. Paweł przedstawiony jest na złotym tle zgodnie z tradycją ikonograficzną – w prawej ręce trzyma miecz, w lewej księgę „Dzieje Apostolskie”. W swoim typie bardziej przypomina starożytnego filozofa niż apostoła. W przeszłości niektórzy krytycy uważali asystenta Masaccio, Andreę di Giusto, za autora obrazu, ale wszyscy współcześni badacze podzielają pogląd, że jest to dzieło Masaccio.

Tablica z wizerunkiem Apostoła Andrzeja (wymiary 51x31cm) znajdowała się w zbiorach Lankorońskich (Wiedeń), następnie trafiła do królewskich zbiorów księcia Liechtensteinu (Vaduz), a dziś znajduje się w Muzeum Paula Getty (Malibu) . Postaci świętego nadana jest monumentalność, obraz zbudowany jest tak, jakbyśmy patrzyli na nią z dołu. Prawą ręką Andrzej trzyma krzyż, lewą Dzieje Apostolskie. Podobnie jak obraz Pawła, twarz Andrieja ma filozoficzną głębię.

4. Św. Augustyn, Św. Hieronim i dwaj mnisi karmelici.

Cztery małe panele, każdy o wymiarach 38x12 cm, przypisano Masaccio, gdy znajdowały się w kolekcji Butlera (Londyn). W 1905 zostały przejęte przez Muzeum Berlińskie. W 1906 r. niemiecki uczony Schubring połączył te cztery prace z Poliptykiem Pisowym, sugerując, że wcześniej zdobiły one jego boczne pilastry. Trzej święci (Augustyn, Hieronim i karmelitański mnich z brodą) patrzą w prawo, czwarty w lewo. Wszystkie liczby są napisane tak, jakby światło padało na nie z tego samego źródła. Niektórzy badacze uważają, że w tych niewielkich pracach widoczna jest ręka jednego z asystentów Masaccio.

5. Limit.

Zachowały się wszystkie trzy obrazy predelli: „Adoracja Trzech Króli” (21x61 cm), „Ukrzyżowanie św. Piotra i rozstrzelanie Jana Chrzciciela” (21x61cm) oraz „Historia św. Juliana i św. Mikołaja" (22x62cm). Pierwsze dwa w 1880 roku zostały nabyte przez Muzeum Berlińskie we florenckiej kolekcji Capponiego. W 1908 roku Muzeum Berlińskie nabyło trzecią – „Historię św. Juliana i św. Mikołaja". W przypadku dwóch pierwszych nikt nie wątpił w autorstwo Masaccio, istniały rozbieżności dotyczące trzeciego: Bernson uważał go za dzieło Andrei di Giusto, Salmi było dziełem brata Masaccio, Giovanniego (Skeggia).

W obrazach predelli Masaccio nie używał złotego tła. Badacze wielokrotnie zwracali uwagę na rolę predelli w rozwoju malarstwa renesansowego jako całości: wydłużony poziomo format zbliżył go do antycznego reliefu; ponadto to właśnie w obrazach predelli artyści zyskali większą swobodę, porzucając złote tła.

Większość badaczy zgadza się, że Adoracja Trzech Króli została napisana jako pierwsza w czasie. Vasari szczególnie zauważył: „… w środku są Mędrcy przynoszący dary Chrystusowi, a w tej części kilka koni jest napisanych tak pięknie, że lepiej nie można sobie wyobrazić…”. Cała scena ma szczególną powagę. Trzej mędrcy są przedstawieni z orszakiem, w którym M. Salmi (1932) widział obecność klienta Giuliano de Colino dei Scarsi; stoi w ciemnym nakryciu głowy tuż za Mędrcami, w zamyśleniu przyglądając się temu, co się dzieje.

Kolejna plansza predella przedstawia dwa różne tematy - św. Piotr, umęczony męczeńską śmiercią, ukrzyżowany na odwróconym krzyżu (w Masaccio nie wisi, ale opiera głowę o ziemię – powtórzenie spisku z kaplicy Brancaccich) oraz ścięcie Jana Chrzciciela, który został stracony przez rozkaz króla Heroda. Kat Jana ukazany jest z tyłu, mocno opiera się na nogach (ta pozycja nóg wyraźnie nawiązuje do nóg celnika w scenie „Cud z Staterem” z kaplicy Brancaccich) – to właśnie dla tę umiejętność prawidłowego oddania pozycji nóg (której nikt przed nim nie potrafił) chwalił Masaccio Giorgio Vasari.

Obecność przy ołtarzu w Pizie św. Juliana i św. Mikołaja i sceny z ich życia badacze rozważają konsekwencję faktu, że św. Julian (wł. Giuliano) był patronem klienta Giuliano di Colino, a św. Mikołaj był patronem swoich rodziców (Kolino - skrót od Nikolino lub Nikola).

Modlitwa o filiżankę.

Niewielka tablica (50x34cm) w formie małego ołtarza z Muzeum Lindenau w Altenburgu zawiera dwie sceny: „Modlitwa za kielich” i „Komunia św. Hieronim”. Górna fabuła wykorzystuje złote tło, natomiast dolna jest w pełni utrwalona. Postacie trzech apostołów po prawej stronie powtarzają kształt obrazu wraz z ich konturami. Większość krytyków uważa, że ​​został napisany zaraz po Poliptyku Pisowym. Pod koniec XIX wieku niemiecki naukowiec Szmarsow przypisał to Masaccio, jednak nie wszyscy badacze poparli tę atrybucję. Bernson przypisuje obraz Andrei di Giusto, a Longhi i Salmi uważają go za dzieło Paolo Schiavo. Wartość tej pracy i przypisanie Masaccio zostały potwierdzone w pracach Ortela (1961), Bertiego (1964) i Parronchi (1966), którzy dostrzegli w nim wyraźną oryginalność.

Madonna z Dzieciątkiem.

Ta praca pochodzi mniej więcej z tego samego okresu co Poliptyk w Pizie. Na złotym tle, nałożona na tablicę o wymiarach 24x18 cm, wypisana jest Madonna, czule łaskocząca brodę dziecka. Rewers przedstawia herb z tarczą, na żółtym tle, na którym unosi się sześć gwiazd, przepasanych pośrodku czarną wstążką ze złotym krzyżem, całość wieńczy kardynalski kapelusz - taki jest herb ramiona Antonia Casiniego, który stopień kardynała otrzymał 24 maja 1426 r. Roberto Longhi, który zaprezentował tę pracę publiczności w 1950 roku i przypisał ją Masaccio, przypisał ją do czasu powstania Poliptyku w Pizie, ponieważ ma harmonię chromatyczną i „wspaniałe efekty przestrzenne”. Większość dzisiejszych krytyków zgadza się z poglądem, że to dzieło Masaccio.

Na pocz. Galeria, Florencja.

Historia św. Juliana.

Na małej tablicy o wymiarach 24x43 cm opowieść z życia św. Juliana. Po lewej stronie św. Julian podczas polowania rozmawia z diabłem w ludzkiej postaci, który przepowiada śmierć ojca i matki Juliana z jego ręki. Centralna część przedstawia ojca i matkę św. Julian w sypialni, gdzie myląc ich ze swoją żoną i jej kochankiem, zabił ich oboje. Po prawej stronie jest zszokowany, widząc żywą żonę. Przez długi czas ten mały panel z Muzeum Rogu we Florencji był uważany za część predelli ołtarza w Pizie. Według innej wersji dzieło to należy do innego dzieła, w tworzeniu którego Masaccio mógł uczestniczyć wraz z Masolino - Tryptyku Carnesecchi.

Trójca.

„Trójca” to fresk o wymiarach 667x317 cm, namalowany w kościele Santa Maria Novella we Florencji, a następnie przeniesiony na płótno. Istnieje kilka punktów widzenia na czas jego powstania. Jedna część badaczy uważa, że ​​powstała przed kaplicą Brancaccich około 1425 roku (Borsuk, Gilbert, Parronchi), druga, że ​​równolegle z pracami w kaplicy Brancaccich w latach 1426-7 (Salmi, Procacci, Brandi), trzeci, który znajduje się bezpośrednio przed wyjazdem Masaccio do Rzymu w latach 1427-8 (Berti).

Fresk przedstawia Boga Ojca górującego nad krucyfiksem, obok którego znajdują się cztery postacie nadchodzących – Maryi i Jana Chrzciciela, a pod nimi – dwóch darczyńców, którzy złożyli ręce do modlitwy. W dolnej części znajduje się nagrobek z relikwiami Adama. Pomimo tego, że na fresku obecny jest darczyńca i jego żona, nie zachowały się żadne dokumenty dotyczące zleceniodawcy dzieła. Niektórzy uważają, że mógł to być Fra Lorenzo Cardoni, który pełnił funkcję przeora kościoła Santa Maria Novella od 1423 do początku 1426, inni, że był to Domenico Lenzi, który zmarł w 1426 i został pochowany w tej świątyni obok fresku . Możliwe również, że fresk został zamówiony przez Alessa Strozziego, przyjaciela Ghibertiego i Brunelleschiego, który przejął przeor kościoła po o. Lorenzo Cardoni.
„Trójca” uważana jest za jedno z najważniejszych dzieł, które wpłynęły na rozwój malarstwa europejskiego. Już w 1568 r. Vasari podziwiał fresk, ale kilka lat później w świątyni wzniesiono nowy ołtarz, co zamknęło ją dla publiczności, ponadto centralny panel tego ołtarza, „Madonna Różańcowa”, został namalowany przez Sam Vasari. Fresk pozostawał nieznany kolejnym pokoleniom do 1861 roku, kiedy to został przeniesiony na wewnętrzną ścianę fasady pomiędzy lewym i centralnym wejściem do świątyni. Po tym, jak Hugo Procacci w 1952 r. odkrył dolną część fresku przedstawiającego relikwie Adama za neogotyckim ołtarzem wzniesionym w XIX wieku, przeniesiono ją na dawne miejsce.

Ze względu na to, że prawa perspektywy i zasady architektoniczne Brunelleschiego są ucieleśnione w tym dziele ze szczególną konsekwencją, krytycy wielokrotnie pisali, że powstało pod bezpośrednim nadzorem tego architekta, ale większość nie podziela tego punktu widzenia. W przeciwieństwie do tradycyjnego przedstawienia krucyfiksu na tle błękitnego nieba z płaczącymi aniołami i tłumem u stóp, Masaccio umieścił krzyż w architektonicznym wnętrzu podobnym do sklepienia starożytnego rzymskiego łuku triumfalnego. Cała scena bardzo przypomina architektoniczną niszę, w której stoją rzeźby. Technologia wykonania kompozycji była prawdopodobnie prosta: Masaccio wbił gwóźdź w dolną część fresku, z którego wyciągnął nitki i narysował na nich powierzchnię łupkowym ołówkiem (jego ślady są widoczne do dziś). W ten sposób zbudowano perspektywę liniową.

Zgodnie z najpowszechniejszą interpretacją ikonografii tego fresku odnosi się on do tradycyjnych średniowiecznych kaplic podwójnych Kalwarii, w których dolnej części znajdował się grób Adama (relikwie), a w górnej części krucyfiksu (podobnie kaplice skopiowały świątynię Kalwarii w Jerozolimie). Badacze uważają, że projekt ten ucieleśnia ideę ruchu ducha ludzkiego w kierunku zbawienia wiecznego: wyrastania z życia ziemskiego (ciało zniszczalne) poprzez modlitwę (dwie nadchodzące) oraz wstawiennictwo Matki Bożej i świętych (Nasz Pani i Jana Chrzciciela), duch pędzi do Trójcy - najwyższego ucieleśnienia boskiej istoty.

Berlińskie tondo.

Drewniana taca o średnicy 56 cm jest obustronnie pomalowana: z jednej strony Boże Narodzenie, z drugiej putto z małym psem. W 1834 tondo było własnością Sebastiano Ciampi z San Giovanni Valdarno, w 1883 nabyło je Muzeum Berlińskie we Florencji. Zwykle dzieło to datuje się na okres ostatniego pobytu Masaccio we Florencji, zanim wyjechał do Rzymu, gdzie zmarł. Od 1834 roku dzieło przypisywane jest Masaccio (najpierw Gverrandi Dragomanni, następnie Münz, Bode, Venturi, Schubring, Salmi, Longhi i Bernson). Są jednak tacy, którzy uważają ją za dzieło Andrei di Giusto (Morelli), czy Domenico di Bartolo (Brandi), czy też dzieło anonimowego artysty florenckiego działającego w latach 1430-1440 (Pittaluga, Procacci, Miss).
Dzieło to desco da parto - stół jadalny dla rodzących, który w tamtych czasach zwyczajowo dawano kobietom z zamożnych rodzin, gratulując im narodzin dziecka (jak to się stało widać na przedstawionej szopce : po lewej, wśród ofiarujących prezenty, jest mężczyzna z tym samym dekorem i parto). Pomimo tego, że takie prace były bliskie twórczości rzemieślników, najsłynniejsi artyści Quattrocento nie gardzili ich produkcją. Berti widział w tym dziele „pierwsze renesansowe tondo”, zwracając uwagę na ważne innowacje i wykorzystanie architektury zbudowanej perspektywicznie zgodnie z zasadami Brunelleschiego. Klasyczna harmonia tkwiąca w tym dziele będzie kontynuowana we freskach Fra Angelico.

Ostatni okres.

Z nielicznych dokumentów archiwalnych dotyczących życia artysty zachował się zapis florenckiego katastru podatkowego. Jest datowany na lipiec 1427; mówi, że Masaccio wraz z matką wynajął skromny pokój przy Via dei Servi, mając możliwość utrzymywania tylko części pracowni, którą dzielili z innymi artystami. W swojej „Biografii Masaccio” (1568) Vasari podaje mu następującą charakterystykę: „Był bardzo roztargniony i bardzo nieostrożny, jak ci, których cała myśl i wola koncentrują się tylko na rzeczach związanych ze sztuką i kto płaci mało uwagi na siebie, a jeszcze mniej na innych. A że nigdy w żaden sposób nie chciał myśleć o codziennych sprawach i zmartwieniach, w tym nawet o swoim ubraniu, a od dłużników żądał pieniędzy tylko w skrajnej potrzebie, zamiast Tommaso, jak miał na imię, wszyscy go nazywali Masaccio [tj. rozmazany], ale nie z powodu zepsucia, bo z natury był życzliwy, ale z powodu jego bardzo roztargnienia, co nie przeszkadzało mu tak chętnie świadczyć innym takich usług i uprzejmości, o których nie można nawet marzyć.

Masaccio miał wiele długów. Potwierdza to wzmianka o śmierci artysty, sporządzona w 1430 r. przez jednego z jego wierzycieli, który wyraża wątpliwości co do wypłacalności swego dłużnika, powołując się na słowa brata Giovanniego (Sceggi), który zrzekł się spadku po Masaccio, składającego się z długi. Taki był stan rzeczy przed jego wyjazdem do Rzymu.

Ile miesięcy Masaccio spędził w Rzymie nie jest jasne. Jego śmierć była nieoczekiwana, ale nie ma podstaw dla wersji otrucia przedstawionej przez Vasariego. Antonio Manetti osobiście usłyszał od brata artysty, że zmarł w wieku około 27 lat, czyli pod koniec 1428 r. lub na samym początku 1429 r. W dokumentach podatkowych z listopada 1429 r. przed nazwiskiem Masaccio napisano ręką urzędnika dopisek: „Mówią, że zmarł w Rzymie”. Z odpowiedzi na jego śmierć przetrwały tylko słowa Brunelleschiego „Jaką wielką stratę ponieśliśmy”. Zapewne te słowa świadczą o niewielkiej liczbie kręgu innowacyjnych artystów, którzy rozumieli istotę pracy mistrza.

Tryptyk dwustronny z ok. 1900 r. Santa Maria Maggiore.

W 1428 Masaccio zostawił niedokończone freski w kaplicy Brancaccich, udał się do Rzymu. Najprawdopodobniej Masolino wezwał go tam do pracy nad poliptykiem dla rzymskiego kościoła Santa Maria Maggiore i innych prestiżowych zakonów. Według większości badaczy Masaccio zdołał uruchomić lewe skrzydło ołtarza z wizerunkiem św. Hieronim i Jan Chrzciciel. Mazolino musiał sam ukończyć tryptyk. W XVII wieku dzieło to znajdowało się w Palazzo Farnese, ale w XVIII wieku zostało rozebrane i sprzedane. Tryptyk był dwustronny, dlatego podobnie jak w przypadku słynnej „Maesty” Duccio został przetarty wzdłużnie, aby oddzielić awers i rewers. Na koniec „Św. Hieronim i Jan Chrzciciel” oraz „św. Liberio i św. Mateusza” wylądował w London National Gallery, centralnym panelu „Fundacja kościoła Santa Maria Maggiore” i „Wniebowstąpienie Maryi” w Muzeum Capodimonte w Neapolu, „St. Piotra i Pawła” oraz „Jan Masolino. Ukrzyżowanie. San Clemente. fresk. ok. 1428.jp Teolog i św. Martin z Loreto w kolekcji Johnsona w Filadelfii.
a obraz (114x55cm) przedstawia św. Hieronim według kanonu ikonograficznego: w czerwonych szatach i kapeluszu siedzi obok niego lew. Za nim stoi Jan Chrzciciel. Zdjęcie zostało przypisane Masaccio przez angielskiego badacza K. Clarka w swoim artykule opublikowanym w 1951 roku. Jednak niektórzy uczeni przypisują tę pracę Masolino, a nawet Domenico Veneziano.

Freski w kościele San Clemente.

Według Vasariego, Masaccio znalazł w Rzymie „największą sławę” na tyle, by otrzymać zlecenie od kardynała San Clemente na namalowanie kaplicy św. Katarzyny w kościele San Clemente z opowieściami z życia tego świętego (freski są dziś uważane za dzieło Masolino). Jednak jego udział w obrazach wzbudził następnie poważne wątpliwości wśród naukowców. Niektórzy z nich (Venturi, Longhi i z zastrzeżeniami Berti) uważają, że Masaccio może należeć do sinopii (wstępne rysunki na tynku) w scenie Ukrzyżowania, a konkretnie w wizerunku rycerzy po lewej stronie. Wszelkie próby oddzielenia ręki Masaccio od ręki Masolino na tych freskach nie wykraczają poza domysły. Fresk ze sceną Ukrzyżowania został poważnie uszkodzony i jest w takim stanie, że nie pozwala na dokonanie jakichkolwiek dokładnych analiz i wniosków.

Twórczość Masaccio wywarła głęboki wpływ na rozwój malarstwa renesansowego, a szerzej – całego malarstwa europejskiego. Jego twórczość była badana przez wiele pokoleń artystów, wśród których byli Rafael i Michał Anioł. Krótkie, ale niezwykle bogate w twórcze odkrycia, życie wybitnego mistrza przybrało w Europie niemal legendarną formę i znalazło oddźwięk w dziełach sztuki. Opublikowano na jego temat wiele książek i artykułów w czasopismach w wielu językach świata.

Tommaso Masaccio, którego obrazy stanowią wielki krok naprzód od malarstwa średniowiecznego do wczesnego renesansu, był pierwszym, który zaktualizował wszystkie istniejące tradycje. Geniusz był słabo rozumiany przez współczesnych, tylko Brunelleschi uważał jego przedwczesną śmierć za miażdżącą stratę. W tym artykule przedstawimy Państwu obrazy Masaccio z tytułami i jego biografią.

wczesne lata

Dziecko urodziło się 21.12.1401 w rodzinie młodego notariusza mieszkającego niedaleko Florencji. Został ochrzczony i nazwany na cześć Tommaso di Ser Giovanni di Guidi. W wieku pięciu lat dziecko zostało bez ojca, który nagle zmarł. Jego ciężarna matka, która urodziła drugiego syna, wkrótce poślubiła aptekarkę, która miała 2 córki. Ale to małżeństwo nie trwało długo. W wieku 15 lat Tommaso stracił ojczyma i stanął na czele rodziny.

we Florencji

Badacze sugerują, że już w 1418 roku cała rodzina przeniosła się do Florencji. Istnieje wiele kontrowersji dotyczących tego, kim byli nauczyciele Masaccio. Najbardziej prawdopodobna odpowiedź: architekt Brunelleschi i rzeźbiarz Donatello. Byli starsi i bardziej doświadczeni od swojego ucznia i hojnie dzielili się z nim odkryciami w perspektywie linearnej i nową świadomością osobowości człowieka przepełnionego życiem duchowym. Dramat Donatello, ostrość jego przekazu namiętności przeniknie później do obrazów Masaccio.

Pierwsze prace

Według naszych standardów młody człowiek, a według ludzi z XV wieku całkowicie dorosła osoba, została żywicielem rodziny, otrzymując pierwsze zlecenia pracy. Już w 1422 roku ukończono duży tryptyk dla kościoła św. Juwenala. W centralnej części tryptyku szczególnie widoczne jest wykorzystanie perspektywy, tworzącej głębię przestrzeni.

Podłoga wszystkich trzech paneli zbiega się w jednym punkcie, który jest ukryty za głową Madonny. W dziecku, przedstawionym jako surowa, zimna rzeźba, można wyczuć wpływ Donatella. W następnym roku wspólnie z Masolino namalował tryptyk do kaplicy w kościele Santa Maria Maggiore. Przedstawia dramatyczny epizod z życia św. Juwenala, którego diabeł podstępem nakłonił do zabicia własnych rodziców. Ta praca jest słabo zachowana, podobnie jak wiele obrazów Masaccio.

Aktywna kontynuacja pracy

W 1423 młody artysta został przyjęty do cechu św. Tomasza, uważanego za patrona malarzy, rzeźbiarzy i architektów. Jakby przewidując, że życie będzie krótkie, młody mistrz ciężko i owocnie pracuje, zapominając o sobie. Stąd przydomek: „Nieostrożny” lub, jak mówimy, „Masaccio”. Najsłynniejszymi będą obrazy Masaccio „Wypędzenie z raju”, „Św. Piotr uzdrawia chorych swoim cieniem”, „Cud z Satyrem”, „Madonna z Dzieciątkiem”, „Chrzest Neofitów” i inne, które omówimy poniżej. Jego główną zasadą w swojej twórczości było przedstawianie świata tak, jak widział go sam artysta. Starał się zrozumieć naturę człowieka i rzeczy. Znajomość perspektywy, proporcje ludzkiego ciała, umiejętność wyrażania emocjonalnych przeżyć w ruchach ciała – to wszystko były integralne cechy malarstwa Masaccio.

Indywidualny styl

Obraz Masaccio „Trinity” stał się najbardziej uderzającym wyrazem stylu mistrza. Fresk ten został namalowany dla kościoła Santa Maria Novella. Czas jej powstania nie został wiarygodnie ustalony. Kompozycja zbudowana jest wewnątrz łuku, którego sklepienie schodzi w głąb. Jeśli spojrzysz z dołu do góry, zobaczysz drogę do wiecznego zbawienia. Na pierwszym planie sarkofag ze szkieletem, który przypomina o przemijaniu ziemskiego życia. Potem dwie postacie klientów na kolanach. Modlitwa jest dla nich zbawieniem. Maryję Dziewicę i Jana Teologa łączy Chrystus, wspierany przez Boga Ojca i Ducha Świętego, unoszący się nad nimi jak gołębica. Punkt zbiegu znajduje się u stóp Chrystusa, Maryja wskazuje na nie ręką.

W kościele dominikańskim ta scena jest rozumiana jako afirmacja zmartwychwstania jako jedynej odpowiedzi na śmierć: Chrystus zmartwychwstał i wszyscy zmartwychwstaniemy. Uważa się, że jest to najsłynniejszy obraz Masaccio.

"Madonna z Dzieciątkiem" (1426)

Był to tryptyk, który jest teraz podzielony na części i znajduje się w różnych muzeach. Rozważymy część centralną: Madonnę na tronie z dzieckiem i czterema aniołami. Charakterystyczny widok artysty od dołu do góry. Jest to wymagane, aby wziąć pod uwagę rzeczywisty punkt widzenia osoby. Kompozycja jest trójkątna, a oko pada bezpośrednio na maluszka, który niczym kokon owinięty jest w pelerynę. Ssie winogrona, co symbolizuje wino komunii, przyszłą krew przelaną przez Chrystusa.

Freski w kaplicy Brancaccich we Florencji (1425-1428)

Określa jako bezwarunkowe prace artysty związane ze szczytem jego twórczości – „Cud z Staterem”, „Św. Piotr uzdrawiający chorych swoim cieniem”, „Święci Piotr i Jan udzielający jałmużny”, „Wypędzenie z raju”. Dzieła te stanowią niekwestionowany przełom od tradycji średniowiecznych do nowej sztuki wczesnego renesansu. Wszystkie postacie podkreślają swoją fizyczność zarówno kolorem, jak i uogólnionym modelowaniem.

Masaccio, „Wypędzenie z raju”: opis obrazu

Oparta na historii biblijnej. Artysta z wielką naturalnością przedstawił całkowicie nagie postacie swoich modelek. Doświadczenia obojga bohaterów ujawniają się im również niezwykle wyraźnie.

Płaczący Adam zakrywa twarz dłonią. Jest pełen goryczy i wstydu. Cierpienie wygięło jego ciało. Eva, zakrywając się dłońmi, krzyczy, jakby w straszliwym bólu, nie zawstydzona własnymi uczuciami. W nich - oszołomienie, wstyd, przerażenie. Krzyk ten rozbrzmiewa w duszach jako hymn mszy „Dnia gniewu” (Dies irae), czyli strasznego Dnia Sądu, w którym grzesznicy są wykorzeniani do piekła. Obraz Masaccio „Wypędzenie z raju” po raz pierwszy pokazuje, jak dwoje cierpiących rzeczywiście chodzi, opierając się na pełnej stopie. W dawnej tradycji postacie tylko lekko dotykały ziemi palcami. Później wielu próbowało powtórzyć tę technikę, ale praktycznie nikomu nie udało się przekazać dokładnego kąta Masaccio. Na prośbę mnichów nagie ciała pokrywano później gałązkami z liśćmi: średniowieczna fałszywa skromność i postrzeganie nagości jako czegoś brudnego i podłego nadal obowiązywały. Karzący anioł z mieczem w dłoniach, unoszący się nad Adamem i Ewą, mówi nam, że nie ma dla nich odwrotu.

„Cud z Staterem”

Czasami ten fresk uważany jest za najlepszy. Rzeczywiście jest bardzo interesująca. Chrystus z apostołami przybył do Kaparanu. Aby wejść, trzeba było zapłacić niewielki podatek, ale nie mieli pieniędzy. Mesjasz (centrum kompozycyjno-duchowe fresku) wydał Piotrowi rozkaz złapania ryby i wydobycia z niej niezbędnej monety - statera. Wszystkie epizody są przedstawione na jednym fresku. W środku Chrystus z uczniami w półokręgu wydaje rozkaz Piotrowi. Po lewej Piotr w bardzo realistycznej pozie z dokładnym ułożeniem nóg złapał rybę i wyciągnął z niej monetę. Po prawej daje go poborcy podatkowemu. Kompozycja jest liniowa, a akcja wydaje się ciągła. Każda postać ma odrębną osobowość. Wśród nich, według Vasariego, znajduje się autoportret mistrza. Wraz z artystą stworzył żywy krajobraz, którego nigdy wcześniej nie widziano. Z tyłu pagórkowate góry, po prawej mury miasta, na które składają się puste i pełne loggie. Źródło światła znajduje się po prawej stronie i określa nachylenie wszystkich cieni. Masaccio wymodelował wszystkie postacie za pomocą koloru i światła i nadał im rzeźbiarską monumentalność. Była to jak na tamte czasy malarska rewolucja.

„Św. Piotr uzdrawiał chorych swoim cieniem

Ten mały fresk zdobi również kaplicę Brancaccich. Podobnie jak wszystkie inne prace kaplicy, bardzo ucierpiała w wyniku pożaru w 1771 roku, jednak w latach 1983-1990 przeprowadzono gruntowną renowację, która przywróciła dzieło mistrza dawny blask. Przyciągnęła naszą uwagę nie tyle swoją biblijną historią, choć jest też ciekawą, ale tym, że mężczyzna w czerwonej czapce to portret artysty Masolino, z którym Masaccio współpracował przez długi czas. Drugi portret - mężczyzna z rękami złożonymi jak do modlitwy - to być może sam wielki Donatello, a trzeci, John, to przypuszczalnie brat Masaccio.

Scena ewangelii jest bardzo wymowna. Św. Piotr i Jan idą za nim ulicą. Ich twarze są puste. Nie wahają się pomagać chorym. Cień Piotra, padający na grupę pacjentów, podnosi ich na nogi. Tutaj jeden z zabandażowaną nogą już wstał, drugi nadal siedzi, ale poczuł, że dotknęła go boska łaska, trzeci czeka na swoją kolej.

W kaplicy światło pada na fresk z prawej strony. W związku z tym po lewej stronie znajdują się cienie wąskiej średniowiecznej ulicy, gdzie przestrzegane są surowe prawa perspektywy: domy, które idą w dal, są zmniejszone. Na tym kończymy przegląd obrazów Masaccio z opisami.

Przeprowadzka do Rzymu i śmierć artysty

Około 1428 roku Masaccio zostawia niedokończone prace w kaplicy Brancaccich i wyrusza do Rzymu. Uważa się, że został zaproszony przez Masoliniego do wykonywania bardziej prestiżowych zleceń. Nie wiadomo, ile miesięcy minęło, gdy nagle niespodziewanie zmarł Masaccio. Brat malarza powiedział, że miał wtedy 27 lat. Oznacza to, że stało się to między grudniem 1428 a początkiem 1430.

Geniusz Masaccio głęboko wpłynął na dalszy rozwój malarstwa. Jego prace były badane i kopiowane przez kolejne pokolenia artystów, którzy wznieśli sztukę na niespotykane dotąd wyżyny. Twórcze odkrycia Masaccio zmieniły obraz nie tylko we Włoszech, ale w całej Europie.

„Trinity” to jedna z pierwszych w historii malarstwa światowego prac, w której kompozycji zastosowano prawa perspektywy linearnej, tworząc iluzję trójwymiarowej przestrzeni.

Pod łukiem masywnego łuku artysta namalował postacie Trójcy Świętej. Po obu stronach krucyfiksu stoją Dziewica i Apostoł Jan, a poza świętą przestrzenią – dwóch klęczących. Postacie fresku są mocne i statyczne, jedynie gest Matki Bożej przerywa ogólny bezruch. Zwróć uwagę na wygląd Maryi. Do kogo skierowane są jej oczy?
Poniżej grobowiec z napisem: „Byłem taki jak ty, a ty musisz stać się taki jak ja”.
Grób przypomina widzowi nieuniknioną śmierć, a obraz Trójcy budzi wiarę w zbawienie duszy.

Postacie klęczących klientów to jeden z pierwszych wizerunków portretowych wprowadzonych do kompozycji sakralnych.
Fresk ten był jednym z pierwszych, które powstały przy użyciu kartonu - dużych rysunków w pełnej skali. Zostały nałożone na ścianę, a następnie obrysowane drewnianym stylem.

Jak w przypadku każdego fresku namalowanego na świeżym tynku, mimo że obraz jest słabo zachowany, badaczom udało się ustalić, jak długo artysta nad nim pracował. W tym przypadku Masaccio zajęło to 28 dni (tyle razy dodano świeży plaster).

ODNIESIENIE: Masaccio (1401-1427), florencki artysta, który przekształcił malarstwo swoich czasów, po Giotcie dokonał nowego wielkiego skoku w malarstwie europejskim.

Osiągnięcia Masaccio:

- Opracował system obrazowania głębokiej przestrzeni z bezpośredniej perspektywy centralnej, później nazwany włoskim. Wprowadził perspektywę z lotu ptaka, która pozwoliła maksymalnie zbliżyć obraz do życia.
- Masaccio znacznie sprawniej niż jego poprzednicy rozprowadzał światło i cień, przekazywał objętość, tworzył wyraźną kompozycję przestrzenną.
- Jako pierwszy po średniowieczu przedstawił nagie ciało.
- Połączona figura i krajobraz.

Szczególne miejsce w dziedzictwie twórczym Masaccio i historii malarstwa wczesnego renesansu zajmuje jego ostatnie ukończone dzieło – fresk „Trinity” (ok. 1427-1428, Florencja, kościół Santa Maria Novella). Ten obraz został zamówiony przez Masaccio przez szlachetnego Florentine Lorenzo Lenzi, który zajmował wysokie stanowisko państwowe gonfaloniera (nosiciela sztandaru) Sprawiedliwości.

Ukazując Trójcę, Masaccio podąża za średniowiecznymi kanonami, według których płaska postać Boga Syna z rozpostartymi nad nią skrzydłami gołębicy, Ducha Świętego, wpisuje się również w płaską postać Boga Ojca. Tutaj figurki uzyskały ten sam rozmiar, stały się obszerne, więc wymagane było stworzenie głębokiego środowiska. Przed kaplicą namalowany jest szeroki stopień, a na nim dwie klęczące postacie klientów fresku w tradycyjnych pozach ze złożonymi rękami do modlitwy. Dolna część kompozycji (otwarta po renowacji w 1952 r.) to wizerunek sarkofagu z tradycyjną inskrypcją upamiętniającą śmierć.

Najwyraźniej ta kompozycja zawiera dość złożony program teologiczny - świadczy o tym wizerunek sarkofagu z otwartą pokrywą, w którym znajduje się szkielet wypisany na cokole ściany i zawarty w kompozycji fresku; według niektórych badaczy jest to symbol „starego Adama”, słabości ludzkości.

Masaccio stworzył pewien standard idealnej kompozycji. Sugeruje to, że nie były mu obce problemy natury teoretycznej, które już wówczas interesowały środowisko artystyczne. Kompozycja fresku z klęczącym przy wejściu do kaplicy Lorenzo Lenzi i jego małżonką, ukrzyżowanym Chrystusem oraz Marią i Janem stojącymi u stóp Ukrzyżowania, przypomina piramidę schodkową wpisaną w dwułukową i prostokątną ramę ; sklepienie kaplicy, widziane od dołu, ukazane jest w nienagannym zmniejszeniu perspektywy.

Po raz pierwszy obie części fresku zostały wykonane precyzyjnymi obliczeniami matematycznymi w jednej perspektywie, której linia horyzontu odpowiada poziomowi widzenia widza, tworząc iluzję realności przedstawionej przestrzeni, architektury i postaci , nieznany do tej pory w malarstwie. Perspektywiczna konstrukcja fresku była sposobem na ujawnienie idei dzieła.

Centralna orientacja perspektywy podkreślała wagę głównych postaci. Znajdując się po drugiej stronie płaszczyzny obrazu, kaplica zdawała się należeć do innego świata, a wizerunki darczyńców, sarkofag i sama publiczność należały do ​​tego ziemskiego świata. Lakonizm kompozycji, rzeźbiarski relief form, wyrazistość twarzy, wyrazistość portretowych cech klientów wyróżnia innowacyjność.

Malarstwo konkuruje z rzeźbą w sztuce oddania objętości, jej istnienia w realnej przestrzeni. Głowa Boga Ojca jest ucieleśnieniem wielkości i mocy, w obliczu Chrystusa panuje spokój i cień cierpienia.
Możliwe, że architekt Brunelleschi brał udział w opracowaniu motywów architektonicznych i perspektywicznej konstrukcji przestrzeni. Tak czy inaczej fresk ten, który dopełnił krótkie życie Masaccio, stał się swego rodzaju manifestem nowej, renesansowej sztuki, majestatyczną demonstracją jej estetycznych zasad i możliwości.

Tommaso di Giovanni di Simone Cassai (1401 - 1428) - wielki włoski malarz renesansowy, nazywany Masaccio , prawodawca tradycji renesansowych, reformator malarstwa epoki Quattrocento. Urodzony 21 grudnia 1401 w rodzinie notariusza w miejscowości San Giovanni Valdarno. Jego ojciec zmarł, gdy przyszły artysta miał zaledwie pięć lat. Matka, kochanka małej wiejskiej gospody, ponownie wyszła za mąż - za miejscowego aptekarza, który również zmarł, gdy Masaccio miał 16 lat. Przyjechał do Florencji studiować malarstwo. Jego biograf, renesansowy artysta Giorgio Vasari (1511 - 1574), powiedział, że przydomek Masaccio ("Niezdarny") nadano mu za nieuwagę w otaczającym życiu.

Masolino da Panicale i Mariotto di Cristofano uważani są za jednych z jego pierwszych nauczycieli, choć malarstwo tych dwóch mistrzów ma zupełnie inny magazyn, a w pracach Masaccio nie ma widocznych śladów wpływu ich twórczości. Prawdziwą szkołą Masaccio była jego komunikacja z Brunelleschim i Donatello.

W 1422 Masaccio został wpisany na listy członków korporacji lekarzy i aptekarzy, do której należeli również artyści, od 1424 został członkiem cechu św. Łukasza.

Za najwcześniejszy obraz Masaccio uważa się ołtarz przedstawiający Madonnę z Dzieciątkiem, św. Annę i Anioły (ok. 1420, Galeria Uffizi we Florencji), namalowany przez niego wspólnie z Masolino. Zachowuje średniowieczną tradycję ikonograficzną takich wizerunków: Maryja trzymająca na kolanach Dzieciątko Jezus siedzi przed Anną. Obraz niemowlęcia Chrystusa jest niesamowity: to żywe, silne dziecko, o pięknie wyrzeźbionym muskularnym ciele. Według jednego z wyrazistych stwierdzeń, w dziele przedstawiony jest „mały Herkules”, łącząc w ten sposób pracę Masaccio ze starożytnymi próbkami. W obrazie Dzieciątka Chrystus we wczesnych pracach Masaccio badacze jego twórczości dostrzegają pierwszego przedstawiciela „nowej rasy ludzkiej” renesansu.

Już w tej pracy Masaccio wyczuwa uogólnienie w przekazywaniu figur, chęć oderwania się od drobnych szczegółów, zwięzłość konstrukcji i fabuły kompozycyjnej, majestatyczną prostotę, odwagę zwrócenia się do świata realnego.

Około 1425 roku Masaccio otrzymał od klasztoru karmelitów we Florencji polecenie namalowania fresku na ścianie klasztornego dziedzińca. Działką była konsekracja kościoła Santa Maria del Carmine (Konsekracja). Fresk został namalowany monochromatycznie w odcieniach zielonej farby. Dzieło to, nad którym artysta spędził 10 miesięcy, zaginęło podczas odbudowy klasztoru około 1600 roku.

W 1426 Masaccio zgodził się za 80 florenów namalować ołtarz do kaplicy kościoła Santa Maria del Carmine w Pizie. Artysta pracował nad nim przez 10 miesięcy. W XVIII wieku. Ołtarz w Pizie został rozrzucony, a pod koniec XIX wieku. zachowanych 11 części zostało zidentyfikowanych w różnych muzeach i kolekcjach prywatnych.

Nowym etapem w jego twórczości był fresk „Trinity” (1426-1427) namalowany przez Masaccio dla kościoła Santa Maria Novella we Florencji. Górna część fresku przedstawia cofniętą renesansową kaplicę, otoczoną od zewnątrz dwoma pilastrami z korynckimi kapitelami. Łuk spoczywa na dwóch jońskich kolumnach znajdujących się już wewnątrz kaplicy. Za nim otwiera się przestrzeń kaplicy, której na pierwszym planie stoi krzyż z ukrzyżowanym Chrystusem, Maryją i Apostołem Janem po obu stronach krzyża.

Szczytem twórczości Masaccio stały się freski w kaplicy Brancaccich kościoła Santa Maria del Carmne. (1427 - 1428), wykonywany wspólnie z Masolino. Obraz powierzono Masolino, który przyciągnął Masaccio do pracy. Tematem obrazu była historia apostoła Piotra, pod łukiem na ścianach miał umieścić sceny związane z biblijną historią pierwszych ludzi. We wrześniu 1425 Masolino wyjechał, a Masaccio kontynuował malowanie na własną rękę, ale bez ukończenia prac wyjechał także do Rzymu i tam niespodziewanie zmarł w 1428 roku. Prace w kaplicy wstrzymano, a dopiero 50 lat później Filippino Lippi ukończył projekt kaplicy .

Cud ze staterem
CUD Z STATYREM
(Mateusza 17:24-27)
(24) A kiedy przybyli do Kafarnaum, zbieracze didrachm podeszli do Piotra i zapytali: „Czy twój nauczyciel da ci didrachm? (25) Mówi tak. A gdy wszedł do domu, Jezus ostrzegając go, rzekł: Jak myślisz Szymonie? Od kogo królowie ziemi pobierają cła lub podatki? od własnych synów czy od obcych? (26) Piotr mówi do Niego: od obcych. Jezus mu powiedział: Dlatego synowie są wolni; (27) ale aby ich nie urazić, idź do morza, rzuć haczyk i weź pierwszą rybę, która się pojawi, a otworzysz jej paszczę, znajdziesz statera; weź to i daj im dla mnie i dla siebie.
(Mateusza 17:24-27)

Wyjaśnienia wymaga kilka okoliczności tej historii, bez których sens artystycznych interpretacji tego cudu dokonanego przez Chrystusa nie będzie do końca jasny.
Niejednokrotnie Jezus, oczywiście, stanął przed koniecznością, jak wszyscy Żydzi, płacenia różnych podatków. Ewangelia mówi o dwóch takich przypadkach. Pierwszą z nich opisuje Mateusz w podanym tu cytacie. Drugi epizod miał miejsce w Jerozolimie (patrz DENARIO CEZARA).
Zdecydowana, twierdząca odpowiedź Piotra na pytanie poborcy podatkowego, czy Jezus zapłaci należny podatek, sugeruje, że przed Jezusem, nie chcąc łamać prawa, zapłacił przepisane podatki. Często te dwie płatności - didrachmy (w Kafarnaum) i denary (w Jerozolimie) - są pomieszane, a czytelnik Ewangelii i oglądający obrazy z fabułami o podatkach mają wrażenie - niesłusznie - że zdają się mówić o ta sama rzecz. W rzeczywistości są to dwa różne podatki. A zatem są to dwie różne historie i dwie różne wątki obrazkowe.
W tym odcinku - z rattirem (1 statir to 2 didrachms - opłata za dwóch, Jezusa i Piotra) - mówimy o płaceniu żydowskiego podatku na świątynię; w drugim przypadku - o hołdzie dla Rzymu. Ale jeśli po raz drugi, na pytanie o oddanie hołdu Rzymowi, Jezus odpowiedział twierdząco, to w tym przypadku Jego odpowiedź jest przecząca. Jednak będąc spokojnym, znajduje kompromis. I rzeczywiście, do tego kompromisu potrzebny był cud, i to nawet w większym stopniu niż w wielu innych przypadkach. Poddając się konieczności zapłaty, okazuje swoje posłuszeństwo w taki sposób, że stawia się wysoko ponad całą argumentacją. I choć Mateusz nie zapisał końca tej historii, nie ma wątpliwości, że wszystko potoczyło się tak, jak powiedział Jezus. Gdyby Jezus wiedział, że pierwsza ryba złapana przez Piotra miała w pysku monetę, jest wszechwiedzący. Jeśli stworzył statera w jej ustach, jest wszechmocny (tak wyjaśnia ten cud biskup Michał).

Jezus Chrystus

Masaccio, który wyjechał do Rzymu w sierpniu 1428, zdołał tam rozpocząć pracę w kościele San Clemente, gdzie namalował fresk Golgoty, gdy niespodziewanie zmarł.

Pomimo zwięzłości życia i twórczości Masaccio, miał silny wpływ na nowo powstającą sztukę. Wraz z nim średniowieczne tradycje zostały zastąpione cechami nowej wspaniałej epoki - renesansu. Masaccio zerwał z dominacją malarstwa drugiej połowy XIV wieku. dekoracyjne i opowiadanie historii. Zrobił decydujący krok w zjednoczeniu postaci i krajobrazu, po raz pierwszy dał perspektywę z lotu ptaka.

Uzdrowienie chromego człowieka przez Piotra i Jana oraz Zmartwychwstanie Tabity

W pracach Masaccio pojawił się naturalny horyzont, przechodzący na poziomie oczu przedstawionych ludzi, aktywnie wykorzystywano perspektywę liniową. Na freskach płytka część została zastąpiona obrazem prawdziwej głębokiej przestrzeni. Plastikowe listwy świetlne i cieniujące postaci stały się bardziej przekonujące i bogatsze, ich konstrukcja stała się mocniejsza, ich cechy stały się bardziej zróżnicowane.

Św. Piotr na ambonie

Zamiast dekoracyjnej kolorowości pojawiła się powściągliwa kolorystyka, Masaccio przystąpił do stworzenia uogólnionej i lakonicznej monumentalnej formy.

Święty Piotr

Użyty materiał: Encyklopedia na całym świecie

Trochę wrażeń i legend.


Wygnanie z raju

Kiedy po raz pierwszy widzimy fresk „Wypędzenie Adama i Ewy z raju”, można odnieść wrażenie, że stworzenie przed nami to nie początek Quattrocento, ale wiek XIX – więc Masaccio wyprzedza swój czas w wyrażaniu siły i ostrość uczuć. Jeśli po drugiej stronie kaplicy Masolino pisze miękko i słodko Adam i Ewa, to w Masaccio są oni pogrążeni w bezgranicznej rozpaczy: Adam zakrywający twarz dłońmi i szlochająca Ewa z zapadniętymi oczami i mroczną porażką usta wykrzywione płaczem.

Pracujący nad freskami Masaccio czasami po prostu występował w roli chuliganów: na przykład w opowiadaniach nowotestamentowych umieścił współczesnych florentyńczyków ubranych w najnowszą modę XV wieku.

W 1428 roku Masaccio został wezwany do Rzymu, a cykl pozostał niedokończony, dokończył go pół wieku później Filippino Lippi. Freski natychmiast uznano za arcydzieła i wszyscy studenci-malarze poszli je kopiować. Wśród nich są Sandro Botticelli, Leonardo da Vinci, Pietro Perugino, Michał Anioł i Rafael, a także wielu innych. Według legendy młody Michał Anioł powiedział kiedyś swojemu przyjacielowi, że nigdy nie będzie w stanie tego zrobić. Przyjaciel wdał się w bójkę i złamał Michałowi Aniołowi nos.

http://www.krotov.info/acts/16/more/vazari_07.html - vazari