5 nazwisk musicali i ich autorów. Najsłynniejsze musicale Romeo i Julia. Od nienawiści do miłości

W musicalu w niesamowity sposób przeplatają się piosenki, muzyka, dialogi i choreografia. Jest to stosunkowo młody, na który duży wpływ miała operetka, burleska, wodewil itp. Ze względu na swój spektakl musical jest uważany za jeden z najbardziej komercyjnych gatunków teatralnych, a ze względu na złożoność procesu inscenizacji znacznie więcej pieniędzy jest wydawanych wydane na to.

Historia powstania nowego gatunku muzycznego

Za punkt wyjścia tego gatunku uważa się rok 1866, kiedy na Broadwayu wystawiono pierwszy musical Black Crook, w którym przeplatały się melodramat, balet romantyczny i inne gatunki. Od tego czasu lista musicali jest stale aktualizowana o nowe wykonania. Z tego, co zostało powiedziane powyżej, wynika, że ​​Ameryka jest kolebką tego gatunku. Na początku XIX wieku amerykańscy kompozytorzy J. Kern, J. Gershwin, Col Porter nadali gatunkowi musicalu prawdziwie amerykański posmak: w rytmach melodii widoczne były nuty jazzu, libretta stały się bardziej złożone, pojawiły się amerykańskie zwroty w tekstach itp. W 1932 sprawa zdobyła wysokie nagrody. George Gershwin został nagrodzony za musical „Śpiewam o tobie” Najsłynniejsze spektakle, które znalazły się na liście musicali to oczywiście „West Side Story” (kompozytor L. Bernstein) oparty na szekspirowskiej tragedii „Romeo i Julia”. ” i „Jesus Christ – Superstar” do muzyki kompozytora Andrew Lloyda Webbera. Ten utalentowany kompozytor jest także autorem innych równie, a może i bardziej znanych musicali: „Koty” i „Upiór w operze”.

Najlepsze musicale: lista według AFI

W 2006 roku American Film Institute opublikował listę najlepszych amerykańskich musicali ostatnich 100 lat. Oto lista dla Ciebie:

1. „42. ulica” - (1933).
2. „Cylinder” (1935).
3. „Pływający teatr” (1936).
4. „Czarnoksiężnik z krainy Oz” (1939).
5. „Yankee Dudel Dandy” (1942).
6. „Spotkasz mnie w St. Louis?” (1944).
7. „Odprawa do miasta” (1949).
8. „Amerykanin w Paryżu” (1951).
9. „Śpiew w deszczu” (1952).
10. „Wagon teatralny” (1953).
11. „Siedem synowych na siedmiu braci” (1954).
12. „Dzieci i lalki” (1955).
13. „Król i ja” (1956).
14. „West Side Story” (1961).
15. „Moja piękna dama” (1964).
16. „Dźwięki muzyki” (1965).
17. "Zabawna dziewczyna" (1968).
18. „Kabaret” (1972).
19. „Cały ten jazz” (1979).
20. „Piękna i Bestia” (1991).

Pomimo tego, że według wielu złoty wiek musicali już za nami, w ciągu ostatnich 13 lat w Hollywood nakręcono wiele znakomitych filmów z tego gatunku. Oto lista musicali, które są uważane za najlepsze w XXI wieku.

1. „Taniec w ciemności” (2000).
2. "Moulin Rouge" (2001).
3. „Chicago (2002).
4. „Upiór w operze” (2004).
5. „Cyganeria” (2005).
6. „Zaczarowana” (2007).
7. „Mamma Mia” (2008).
8. „Burleska” (2010).
9. „Nędznicy” (2012).
10. „Bogini” (2013).

Francuskie musicale: lista najlepszych wykonań

Do 1958 uważany był za gatunek wyłącznie amerykański, ale w tym roku z triumfem odbył się w Londynie spektakl Les Misérables oparty na twórczości V. Hugo. Muzykę skomponował Claude Michel Schonberg. Kolejne dzieło tej kompozytorki, Miss Saigon, oparte na operze Madama Butterfly, odniosło sukces na paryskiej scenie. Lista musicali obejmuje produkcje „Starmania-Starmania” (Michel Berger), „Romeo i Julia” (Gerard Presgurvik), „Notre Dame de Paris” (Riccardo Coccante), „Mozart” (Kunze i Levay) i inne.

Rosyjskie musicale

Najpopularniejszym musicalem w Rosji od wielu lat była i pozostaje wspaniała opera rockowa Juno i Avos. To chyba najpotężniejsze dzieło kompozytora A. Rybnikowa. Dziś za najlepsze rosyjskie musicale uważa się „Nord-Ost”, „Metro”, w ostatnich latach wystawiane są utwory przetłumaczone na język rosyjski przez „Notre Dame de Paris”, „Chicago”, „Koty” itp. scena rosyjska.

1. „My Fairy Lady” (My Fairy Lady) (1956)

Frederic Lowe (muzyka) i Alan Jay Lerner (libretto i teksty) po przeanalizowaniu materiału dramatycznego sztuki Bernarda Shawa „Pigmalion” postanowili napisać musical. Fabuła musicalu w dużej mierze powtarza sztukę Shawa, historię przemiany głównego bohatera z wulgarnej dziewczyny-kwiatu w uroczą młodą damę.

Profesor fonetyki Henry Higgins założył się ze swoim lingwistą, pułkownikiem Pickeringiem, że zmieni londyńską kwiaciarnię, Elizę Doolittle, w prawdziwą damę. Eliza wprowadza się do domu profesora, nauka nie jest łatwa, ale w końcu zaczyna robić postępy. Na balu w ambasadzie Eliza znakomicie zdaje egzamin. Koniec musicalu jest optymistyczny - Eliza wraca do swojego nauczyciela Higginsa.

Premiera musicalu odbyła się 15 marca 1956. Premiera londyńska odbyła się w kwietniu 1958 roku. Rolę Higginsa zagrał Rex Harrison, a Elizę zagrała Julie Andrews. Program natychmiast stał się szalenie popularny, bilety zostały wyprzedane z sześciomiesięcznym wyprzedzeniem. Jednak oszałamiający sukces musicalu był całkowitym zaskoczeniem dla jego twórców.

Musical wykonano 2717 razy na Broadwayu i 2281 razy w Londynie, przetłumaczono na jedenaście języków, w tym hebrajski, iz powodzeniem wykonywano go w ponad dwudziestu krajach. Musical otrzymał 6 nagród Tony. Oryginalna obsada na Broadwayu nagrała ponad pięć milionów sprzedanych egzemplarzy, a film George'a Cukora o tym samym tytule został wydany w 1964 roku. Warner Brothers zapłacił rekordową kwotę 5,5 miliona dolarów za prawa do musicalu. Rola Elizy trafiła do Audrey Hepburn, a Rex Harrison z powodzeniem przeniósł się ze sceny na duży ekran. Film był nominowany do Oscara i otrzymał 8 z 12 statuetek.

Musical „My Fair Lady” jest nadal uwielbiany przez publiczność, a dzięki producentowi Cameronowi Mackintoshowi i reżyserowi Trevorowi Nunnowi można go teraz oglądać w Londynie.

2. „Dźwięki muzyki” (Dźwięki muzyki) (1959)

W 1958 roku amerykańscy scenarzyści Howard Lindsay i Russell Cruz wraz z producentem Richardem Hallidayem i jego żoną, aktorką Mary Martin, połączyli siły, aby pracować nad sztuką na podstawie niemieckiego filmu Rodzina Von Trapp. Film opowiada o austriackiej rodzinie, która uciekając przed nazistowskimi prześladowaniami została zmuszona do opuszczenia ojczyzny i wyjazdu do Ameryki. Historia nie została wymyślona – film powstał na podstawie książki Marii von Trapp, bezpośredniej uczestniczki opisywanych wydarzeń.

Mary Martin była gwiazdą teatru muzycznego i choć tym razem był to spektakl dramatyczny, nie mogła odmówić sobie przyjemności występu jako piosenkarka. Początkowo autorzy zamierzali wykorzystać do oprawy muzycznej spektaklu pieśni ludowe i hymny religijne z repertuaru rodziny von Trapp. Mary chciała jednak wykonać piosenkę napisaną specjalnie dla niej. Kompozytor Richard Rogers i librecista Oscar Hammerstein pomogli w tym Martinowi. Skomponowali zupełnie nowe numery muzyczne, zmieniając spektakl w musical „Dźwięki muzyki”.

16 listopada 1959 miała premierę na Broadwayu. Spektakl wyreżyserował David Jay Donahue. Główną rolę odegrała oczywiście Mary Martin, rola kapitana von Trapp – Theodora Bickela. Zakochana w Mary Martin publiczność walczyła o wejście do musicalu, co zapewniło mu znakomite honorarium.

Sound of Music został odtworzony 1443 razy i zdobył 8 nagród Tony, w tym Best Musical, a oryginalny album zdobył Grammy. W 1961 musical odbył tournée po Stanach Zjednoczonych, w tym samym roku show otworzyło się w Londynie, gdzie trwało ponad sześć lat, stając się tym samym najdłużej działającym amerykańskim musicalem w historii West Endu.

W czerwcu 1960 roku 20th Century Fox nabyło prawa do filmu za 1,25 miliona dolarów. Fabuła filmu różniła się nieco od historii opowiedzianej w sztuce, ale to właśnie w tej wersji „Dźwięki muzyki” zyskały światową sławę. Film miał swoją światową premierę w Nowym Jorku 2 marca 1965 roku. Obraz był nominowany do Oscara w 10 kategoriach, z czego wygrał w pięciu.

Filmowa adaptacja nie stała się ostatnią kartą w historii musicalu, wciąż jest uwielbiana przez publiczność i wystawiana na całym świecie. W latach 90. serial można było oglądać w Wielkiej Brytanii, RPA, Chinach, Holandii, Szwecji, Islandii, Finlandii, Peru, Izraelu i Grecji.

3. „Kabaret” (Kabaret) (1966)

Podstawą literacką tego legendarnego spektaklu były Opowieści Berlina o Niemczech z początku lat 30. Christophera Isherwooda oraz sztuka Johna Van Drutena Jestem kamerą. Musical opowiada o romansie młodego amerykańskiego pisarza Cliffa Bradshawa i piosenkarki z berlińskiego kabaretu „Kit-Kat Club” Sally Bowles.

W Berlinie w latach trzydziestych los młodego Anglika Briana Robertsa, ambitnego pisarza zmuszanego do dorabiania na lekcjach, rzuca się w oczy. Znajomość z amerykańską piosenkarką kabaretową Sally daje Brianowi świeże, niezapomniane wrażenia. Pisarz i piosenkarz zakochali się w sobie, ale ich przeznaczeniem jest przetrwanie separacji. Sally odmawia wyjazdu do Paryża ze swoim ukochanym, Cliff opuszcza Berlin ze złamanym sercem. Kabaret, ostatnia ostoja ducha wolności, wypełniony jest ludźmi ze swastykami na rękawach...

Premiera odbyła się 20 listopada 1966. Produkcję wyreżyserował słynny broadwayowski reżyser Harold Prince, muzykę napisał John Kantser, teksty piosenek - Fred Ebb, libretto - Joe Masteroff. W oryginalnej obsadzie znaleźli się Joel Gray (artysta), Jill Haworth (Sally), Bert Convy (Cliff) i inni.

Produkcja wytrzymała 1165 występów i otrzymała 8 nagród Tony, w tym w nominacji do najlepszego musicalu. W 1972 roku ukazał się Cabaret Boba Fosseya z Joelem Grayem (artysta), Lizą Minnelli (Sally) i Michaelem Yorkiem (Bryan). Film otrzymał osiem Oscarów.

W 1987 roku Joel Gray ponownie zagrał rolę artysty w odrodzeniu serialu. W 1993 roku w Londynie, a pięć lat później na Broadwayu otwarto zupełnie nową produkcję „Kabaretu”, stworzoną przez reżysera Sama Mendesa. Ta wersja spektaklu również otrzymała liczne nagrody. Musical miał około 2377 występów i 37 pokazów i został zamknięty 4 stycznia 2004 roku.

4. „Jezus Chrystus”– Superstar” (Jezus Chrystus Superstar) (1971)

„Jezus Chrystus” został pomyślany przez Andrew Lloyda Webbera (muzyka skomponowana) i Tima Rice’a (libretto) nie jako tradycyjny musical, ale jako pełnoprawna opera napisana współczesnym językiem muzycznym, z zachowaniem wszystkich tradycji operowych (aria bohatera, chór, aria bohaterki itp. d.). W przeciwieństwie do tradycyjnych musicali, w „Jezusie Chrystusie” nie ma utworów dramatycznych – wszystko zbudowane jest na wokalach i recytatywach. Połączenie muzyki rockowej z motywami klasycznymi, użycie nowoczesnego słownictwa w tekstach, ich wysoka jakość, tzw. zasada śpiewania (cała historia opowiedziana jest wyłącznie za pomocą piosenek, bez użycia niewyśpiewanych dialogów) sprawiła, że ​​„Jezus Christ Superstar” to prawdziwy hit.

Musical „Jesus Christ Superstar” opowiada historię ostatnich siedmiu dni życia Jezusa z Nazaretu, widzianą oczami jego ucznia Judasza Iskarioty, rozczarowanego tym, czym stała się nauka Chrystusa. Fabuła obejmuje okres od wjazdu Jezusa do Jerozolimy do jego egzekucji na Golgocie.

Operę po raz pierwszy usłyszano w formie albumu w 1970 roku, na której główną rolę zagrał Ian Gillan, który jest wokalistą „złotej kompozycji” Deep Purple, rolę Judasza wcielił się Murray Head, Mary Magdalene Yvonne Elliman.Na scenie na Broadwayu musical został po raz pierwszy pokazany w 1971 roku. Niektórzy krytycy uważają, że Jezus został przedstawiony jako pierwszy hipis na ziemi. Produkcja na Broadwayu trwała tylko 18 miesięcy.

Nowa produkcja musicalu powstała w londyńskim teatrze w 1972 roku, rolę Jezusa odegrali Paul Nicholas, Judasz - Stephen Tate. Ta produkcja odniosła większy sukces, działała na scenie przez osiem lat i stała się najdłużej działającym musicalem. Amerykański reżyser Norman Jewison nakręcił film fabularny na podstawie tego dzieła w 1973 roku. W 1974 roku film zdobył Oscara za najlepszą muzykę. Oprócz świetnej muzyki i śpiewu film jest ciekawy ze względu na niezwykłą interpretację tematu Chrystusa, która jest alternatywą dla ortodoksyjnego chrześcijaństwa.

Jeden z najsłynniejszych musicali, zwany także rock operą, wywołał wiele kontrowersji i stał się dziełem kultowym dla całego pokolenia hippisów, nie tracąc przy tym na aktualności. „Jesus Christ Superstar” został przetłumaczony na różne języki, był wielokrotnie wystawiany i od ponad 30 lat wystawiany w Australii, Nowej Zelandii, na Węgrzech, w Bułgarii, Francji, Szwecji, Ameryce, Meksyku, Chile, Panamie, Boliwii, Niemcy, Japonia i Wielka Brytania .

5. „Chicago” (Chicago) (1975)

11 marca 1924 w Chicago, Illinois, Chicago Tribune opublikowało artykuł dziennikarki Maureen Dallas Watkins o pewnej aktorce, która zabiła swojego chłopaka. Ponieważ kryminały seksualne były szczególnie popularne wśród czytelników, kolejny artykuł Watkinsa ukazał się 3 kwietnia 1924 roku. Tym razem chodziło o zamężną kobietę, która zastrzeliła swojego kochanka. Gwar, który towarzyszył tym i innym kryminałom, wywarł na Maureen głębokie wrażenie. Później opuściła gazetę i poszła na studia dramatyczne na Uniwersytecie Yale. To tam, w ramach zadania edukacyjnego, napisała sztukę „Chicago”.

30 grudnia 1926 Chicago otworzyło się na Broadwayu. Spektakl wytrzymał 182 spektakle, w 1927 roku nakręcono film o tej samej nazwie, aw 1942 roku ukazał się film „Roxy Hart” w reżyserii Williama Velmana z Ginger Rogers w roli tytułowej.

Bob Fossey, słynny choreograf i reżyser na Broadwayu, nie mógł przejść obok takiej fabuły. Do realizacji projektu Fossey zatrudnił kompozytora Johna Kandera oraz librecistów Freda Ebba i Boba Fosseya. Partytura „Chicago” to genialna stylizacja amerykańskich przebojów końca lat 20., a pod względem sposobu prezentacji materiału muzycznego i tematu „Chicago” jest bardzo bliska wodewilowi.

To historia tancerki corps de ballet Roxie Hart, która z zimną krwią zamordowała swojego kochanka. W więzieniu Roxy spotyka Velmę Kelly i innych zabójców. Roxy pomaga naczelnik więzienia, opiekunka Mama Morton i przebiegły prawnik Billy Flynn. Sąd uznaje Roxy za niewinną, ale to nie sprawia jej radości. W ostatniej scenie musicalu artysta zapowiada debiut „duetu dwóch iskrzących się grzeszników”, królowych przestępczości z Chicago, Velmy Kelly i Roxie Hart. Wkroczyli do show-biznesu.

Premiera musicalu odbyła się w 46th Street Theatre 3 czerwca 1975 roku, z Gwen Verdon jako Roxy, Chitą Riverą jako Velmą i Jerrym Orbachem jako Billym. Chicago zostało otwarte na West Endzie dopiero w 1979 roku. Ta produkcja nie miała nic wspólnego z występem Boba Fosseya. Po 898 występach na Broadwayu i 600 pokazach na West Endzie, pokaz został odwołany. W 1996 roku spektakl został wznowiony pod kierunkiem Waltera Bobby'ego i choreografki Ann Rinking. Cztery spektakle grane w City Center zostały przyjęte z takim entuzjazmem, że producenci spektaklu postanowili przenieść go na Broadway. W obsadzie znaleźli się Ringing jako Roxy, Bebe Neuwirth jako Velma, James Naughton jako Billy Flynn i Joel Gray jako Amos. „Chicago” otrzymał sześć nagród Tony, a także nagrodę Grammy za najlepszy album.

W 1997 musical został otwarty w londyńskim Adelphi Theatre. Chicago London zdobyło nagrodę Laurence Olivier Award dla najlepszego musicalu oraz Ute Lemper dla najlepszej aktorki w musicalu. Spektakl został zremasterowany w Kanadzie, Australii, Singapurze, Hongkongu, Holandii, Argentynie, Niemczech, Szwecji, Meksyku, Japonii, Szwajcarii, Austrii, Portugalii i Rosji.

Pod koniec 2002 roku studio filmowe Miramax wydało filmową adaptację musicalu z udziałem Catherine Zeta-Jones (Velma), Renee Zellweger (Roxy) i Richarda Gere (Billy Flynn), w reżyserii i choreografii Roba Marshalla. Film „Chicago” został entuzjastycznie przyjęty przez publiczność i otrzymał „Złoty Glob” w kategorii „Najlepszy musical lub komedia”. Ponadto obraz był nominowany do Oscara w 12 kategoriach, z czego zdobył sześć.

6. „Evita” (Evita) (1978)

W październiku 1973 roku Tim Rice prowadził samochód i przypadkowo usłyszał zakończenie audycji radiowej. Program dotyczył Evity Peron, żony argentyńskiego dyktatora Juana Perona i ta historia zainteresowała poetę. Tim Rice uważał, że historia życia Evy może być tematem nowego musicalu. Jego współautor Lloyd Webber nie był entuzjastycznie nastawiony do tego pomysłu, ale po namyśle zgodził się.

Rice szczegółowo przestudiował biografię głównego bohatera swojego przyszłego musicalu, spacerując po londyńskich bibliotekach i podróżując do Argentyny, gdzie napisał większość fabuły. „Evita” łączy różne style muzyczne, w partyturze pojawiają się motywy latynoamerykańskie. Tim Rice wprowadza do musicalu narratora, pewnego Che (którego pierwowzorem jest Ernesto Che Guevara).

Latem 1976 roku pierwsze nagrania demo nowego musicalu Andrew Lloyda Webbera i Tima Rice'a zostały zaprezentowane gościom pierwszego festiwalu w Sidmonton. Wkrótce studio „Olympic” rozpoczęło nagrywanie albumu. W rolę Evity wcieliła się aktorka Julie Covington, młody piosenkarz Colm Wilkinson został Che, a Perona wcielił się Paul Jones. Album odniósł szalony sukces. Już trzy miesiące po wydaniu liczba sprzedanych egzemplarzy wyniosła 500 tysięcy, a nawet w Argentynie, gdzie płyta była zakazana, każda szanująca się rodzina uważała za konieczne jej zakup.

Reżyser Hal Prince rozpoczął pracę nad produkcją. Elaine Page została nową Evitą, a słynny piosenkarz rockowy David Essex został zaproszony do roli Che. Premiera Evity odbyła się 21 czerwca 1978. Spektakl odniósł ogromny sukces i otrzymał nagrodę West End Theatre Society za „Najlepszy musical roku 1978”, Elaine Page otrzymała nagrodę dla najlepszego aktora w musicalu. Płyta oryginalnego londyńskiego składu Evity stała się złota w pierwszych tygodniach po wejściu do sprzedaży.

8 maja 1979 roku Evita została otwarta w Los Angeles. Cztery miesiące po amerykańskiej premierze, 21 września 1979 roku, ta sama obsada wystąpiła po raz pierwszy na Broadwayu. „Evita” podbiła serca publiczności i otrzymała 7 nagród „Tony”.

Po sukcesie na Broadwayu musical był wystawiany w wielu krajach: Australii, Hiszpanii, Meksyku, Austrii, Japonii, Izraelu, Korei, RPA, na Węgrzech. Filmowanie rozpoczęło się dwadzieścia lat po narodzinach Evity. Reżyseria została powierzona Alanowi Parkerowi, Madonna zagrała Evę Peron, hiszpańska gwiazda filmowa Antonio Banderas został zaproszony do roli Che, brytyjski aktor Jonathan Pryce był Peronem. Specjalnie do filmu napisano nową piosenkę - "Musisz mnie kochać", która przyniosła jej autorom "Oscar".

7. „Nędznicy” (Nędznicy) (1980)

Powieść Nędznicy Victora Hugo narodziła się po raz drugi w musicalu stworzonym przez kompozytora Claude-Michela Schonberga i librecistę Alaina Boublila. Praca nad musicalem trwała dwa lata i wreszcie nagrano dwugodzinny szkic przyszłego musicalu. Z pomocą librecisty Jean-Marca Nathela szkic ten został przekształcony w album koncepcyjny, który został wydany w 1980 roku i sprzedał się w nakładzie 260 000 egzemplarzy. Znakiem rozpoznawczym musicalu była rycina przedstawiająca małą Coztę.

Wersja sceniczna została zaprezentowana paryżanom 17 września 1980 roku w Palais des Sports. W spektaklu wzięło udział ponad pół miliona osób. Maurice Barrier grał rolę Jean Valjean, Jacques Mercier - Javert, Rose Laurence - Fantine, Marie - Eponina, Fabienne Guyon - Cosette.

W 1982 roku młody reżyser Peter Ferago, któremu bardzo spodobał się album koncepcyjny Les Misérables, zwrócił na niego uwagę brytyjskiego producenta Camerona Mackintosha. McIntosh zamienił projekt w widowisko najwyższej klasy. Nad stworzeniem nowej wersji musicalu „Les Misérables” pracował silny zespół: reżyserami byli Trevor Nunn i John Kead, tekst w języku angielskim skomponował Herbert Kretzmer w ścisłej współpracy z twórcami musicalu. Spektakl został wystawiony w Teatrze Barbican pod auspicjami Royal Shakespeare Company. Premiera nowej wersji musicalu miała miejsce 8 października 1985 roku. Najbardziej „długowieczna” produkcja musicalu „Les Misérables” jest dumna z Palace Theatre w Londynie. W sumie przedstawienie zostało pokazane w tym teatrze ponad sześć tysięcy razy.

W 1987 roku Les Misérables przekroczyli Atlantyk i osiedlili się na Broadwayu, rozpoczynając tym samym swój triumfalny marsz dookoła świata. Pomimo tego, że musical ma już ponad dwadzieścia lat, nie schodzi ze sceny i nadal cieszy się dużą popularnością na całym świecie. Les Misérables zostało przetłumaczone na wiele języków: japoński, hebrajski, węgierski, islandzki, norweski, niemiecki, polski, szwedzki, holenderski, duński, czeski, hiszpański, mauretański, kreolski, flamandzki, fiński, portugalski. W sumie musical „Les Misérables” obejrzeli mieszkańcy dwustu miast w trzydziestu dwóch krajach świata. Twórczość Alana Boublila i Claude-Michel Schonberg obejrzało ponad 20 milionów widzów na całym świecie.

8. „Koty” (Koty) (1981)

Podstawą „Kotów” był cykl wierszy dla dzieci T.S. Eliot's Old Possum's Book of Practical Cats, wydana w 1939 roku w Anglii. To zbiór ironicznych szkiców kocich postaci i zwyczajów, za którymi łatwo odgadnąć różne typy ludzkie.

Andrew Lloyd Webber zaczął pisać piosenki oparte na poezji Eliota na początku lat 70-tych. Do 1980 roku kompozytor zgromadził wystarczającą ilość materiału muzycznego, który postanowiono przetworzyć na musical. Wystawa kotów była skazana na sukces: Brytyjczycy są znani z miłości do tych zwierząt. Zespół muzyczny składał się z utalentowanych ludzi - producenta Camerona Mackintosha, reżysera Trevora Nunna, scenografa Johna Napiera i choreografa Gillian Lynn.

Jeśli chodzi o sceniczne wykonanie piosenek Webbera, głównym problemem, z jakim borykali się twórcy musicalu, był brak fabuły. Na szczęście dzięki wdowie po T.S. Eliocie, Valerie, autorzy mieli do dyspozycji listy i szkice poety, z których krok po kroku wyłuskiwali pomysły na zarys fabuły dramatu.

Aktorzy musicalu mieli specjalne wymagania - musieli nie tylko dobrze śpiewać i mieć doskonałą dykcję, ale także być niezwykle plastyczni. W Wielkiej Brytanii nie było łatwo zrekrutować 20-osobową trupę, więc w składzie wykonawców znalazła się premiera Royal Ballet Wayne Sleep, wokalista popowy Paul Nicholas, aktorka Elaine Paige oraz młoda piosenkarka i tancerka. Sarah Brightman.

W teatrze „Koty”, stworzonym przez projektanta Johna Napiera, nie ma kurtyny, sala i scena to jedna przestrzeń, a akcja toczy się nie frontalnie, ale w całej głębi. Scena ma charakter wysypiska i jest górą malowniczych śmieci, scenografia wyposażona jest w wyrafinowaną elektronikę. Aktorzy zamieniają się w wdzięczne koty z warstwowym makijażem, ręcznie malowanymi trykotami, perukami z włosów jaków, futrzanymi kołnierzami, ogonami i błyszczącymi kołnierzykami.

Premiera musicalu odbyła się 11 maja 1981 w Londynie, a rok później spektakl otwarto na Broadwayu. Aż do zamknięcia 11 maja 2002 r. przedstawienie odniosło wielki sukces w Londynie, zdobywając tytuł najdłużej wystawianej produkcji teatralnej w historii teatru angielskiego (ponad 6400 przedstawień). Musical „Koty” pobił wszelkie możliwe rekordy w Stanach Zjednoczonych. W 1997 roku, po 6138 występach, musical został uznany za numer jeden w długowieczności Broadwayu. Ponad 8 milionów ludzi obejrzało londyńską produkcję w ciągu 21 lat, a jej twórcy zarobili 136 milionów funtów.

W czasie swojego istnienia musical został wystawiony ponad czterdzieści razy, obejrzało go ponad 50 milionów widzów w trzydziestu krajach, przetłumaczono na 14 języków, a łączna kwota opłat w tej chwili przekroczyła 2,2 miliarda dolarów. Nagrody Cats obejmują Laurence Olivier Award i Evening Standard Award za najlepszy musical, siedem Tony Awards i francuską nagrodę Molière. Nagrania z oryginalnej obsady z Londynu i Broadwayu zostały nagrodzone Grammy.

9. Upiór w operze (1986)

Narodziny musicalu rozpoczęły się w 1984 roku, kiedy brytyjski kompozytor Andrew Lloyd Webber poślubił młodą aktorkę i piosenkarkę Sarah Brightman. Bazując na głosie Sary, Lloyd Webber skomponował „Requiem”, ale chciał pokazać talent żony w większym dziele. Dziełem tym był musical „Upiór w operze”, stworzony na podstawie powieści francuskiego pisarza Gastona Leroux o tym samym tytule. To mroczna i romantyczna opowieść o nadprzyrodzonym stworzeniu, które żyło w lochu pod Operą Paryską.

Sarah Brightman wcieliła się w rolę głównej bohaterki - Christiny Daae. Główną rolę męską wykonał Michael Crawford. Rolę kochanka Christiny, Raula, zagrał w premierowej obsadzie Steve Barton. Libretto napisali Richard Stilgoe i Andrew Lloyd-Webber, teksty napisał Charles Hart. Artystka teatralna Maria Bjornson wymyśliła słynną maskę Upiora i nalegała, aby niesławny, spadający żyrandol został opuszczony na publiczność, a nie na scenę.

Premiera musicalu odbyła się 9 października 1986 roku w Teatrze Jej Królewskiej Mości w obecności członków rodziny królewskiej. Pierwsza produkcja The Phantom na Broadwayu miała swoją premierę w nowojorskim Majestic Theatre w styczniu 1988 roku. Stała się drugą najdłużej wystawianą sztuką w historii Broadwayu po Kotach, z 10,3 milionami widzów.

Ponad 65 000 wykonań Upiora zostało wykonanych w 18 krajach, m.in. w Japonii, Austrii, Kanadzie, Szwecji, Niemczech i Australii. Produkcje Upiora w operze otrzymały ponad 50 prestiżowych nagród, w tym trzy nagrody Laurence Olivier Awards i 7 Tony Awards, 7 Drama Desk Awards oraz Evening Standard Award. „Upiór w operze” zdobył sympatię ponad 58 milionów widzów z całego świata. W samym Nowym Jorku obejrzało go już prawie 11 milionów ludzi, a na całym świecie ponad 80 milionów.Przychody ze sprzedaży biletów na Upiór w Operze przekroczyły 3,2 miliarda dolarów.

10. „Mamma Mia” (Mamma Mia) (1999)

Pomysł stworzenia oryginalnego musicalu opartego na utworach ABBA należy do producenta Judy Kramer. Podstawą musicalu są 22 utwory zespołu. Ponieważ w oryginale wszystkie piosenki były wykonywane przez kobiety, jako punkt wyjścia podano historię matki i córki, około dwóch pokoleń. Trzeba było wymyślić historię godną słynnych przebojów szwedzkiego kwartetu. Z pomocą przyszła pisarka Katherine Johnson, pisząc opowieść o rodzinie mieszkającej na greckich wyspach. Historia interesuje widza nie mniej niż piosenki. Katherine była w stanie logicznie połączyć piosenki w jedną fabułę, piosenki zostały podzielone na dialogi i pokolorowane nowymi tonacjami. Muzykę napisali Benny Anderson i Bjorn Ulvaeus, a wyreżyserowała Phyllida Lloyd.

„Mama Mia” to nowoczesna, ironiczna, romantyczna komedia, w której pojawiają się dwa główne wątki: historia miłosna i związek między dwoma pokoleniami. Fabuła spektaklu to przeplatanie się komediowych sytuacji, które podkreśla wesoła muzyka ABBY, oryginalne kostiumy i dowcipne dialogi bohaterów. Istotę projektu wyraża charakterystyczne logo „Mama Mia” – wizerunek szczęśliwej panny młodej. Ten obraz stał się rozpoznawalną na całym świecie marką.

Młoda dziewczyna Sophie wychodzi za mąż. Chce zaprosić ojca na wesele, by zabrał ją do ołtarza. Ale nie wie, kim on jest, ponieważ jej matka Donna nigdy o nim nie mówiła. Sophie znajduje pamiętnik swojej matki, w którym opisuje relacje z trzema mężczyznami. Sofia postanawia wysłać zaproszenia do całej trójki. Wszystkie najciekawsze rzeczy zaczynają się dziać, gdy goście przyjeżdżają na wesele... Mama wychodzi za mąż w tym samym czasie co jej córka.

Pierwszy test musicalu „Mama Mia” odbył się 23 marca 1999 r., kiedy to w Londynie odbył się przedpremierowy pokaz. Wtedy reakcję publiczności można by opisać jednym słowem – zachwyt: ludzie na sali ani przez chwilę nie siedzieli na swoich miejscach – tańczyli w przejściach, śpiewali i klaskali. Premiera odbyła się 6 kwietnia 1999 roku.

Po londyńskiej produkcji musical „Mama Mia” jest wystawiany równolegle w 11 różnych miejscach na świecie. 11 światowych produkcji zarabia ponad 8 milionów dolarów tygodniowo. Ponad 27 milionów - całkowita liczba widzów na całym świecie, którzy odwiedzili musical „Mama Mia”. Ponad 20 000 osób codziennie odwiedza musical „Mama Mia” na całym świecie.

1,6 miliarda dolarów światowych przychodów ze sprzedaży biletów od Mama Mia.

Przez osiem lat wypożyczenia musical był wystawiany w ponad 130 dużych miastach. Album nagrywający pierwszą produkcję „Mama Mia” stał się „platyną” w USA, Australii i Korei; podwójna platyna w Wielkiej Brytanii i złoto w Niemczech, Szwecji i Nowej Zelandii.

Zapisz się do naszego telegramu i bądź świadomy wszystkich najciekawszych i najistotniejszych wiadomości!

To chyba pierwszy film, który każda osoba pamięta ze słowem „muzykalny”. Co więcej, ciekawe jest to, że piosenki, które w nim brzmiały, w zasadzie nie zostały napisane specjalnie dla tego obrazu i zostały wykonane wcześniej, w tym w innych filmach i musicalach. Główny aktor Gene Kelly był także jednym z reżyserów filmu, co pozwoliło mu, dzięki jego statusowi supergwiazdy, nakręcić film dokładnie taki, jaki chciał. Oczywiście sam też śpiewał piosenki. Ale dla pięknej Debbie Reynolds (nawiasem mówiąc, matki „Księżniczki Leii”, Carrie Fisher), na wszelki wypadek zatrudniono profesjonalną piosenkarkę: sama Reynolds dobrze śpiewała i tańczyła, ale nie można było ryzykować. W rezultacie film na zawsze zajął miejsce wśród najlepszych musicali filmowych w historii.

Jeśli mówimy o wartości kinowej, to wśród wszystkich wymienionych obrazów to arcydzieło Larsa von Triera jest oczywiście głównym. Ryzykowny, eksperymentalny (numery muzyczne sfilmowała setka kamer wideo pod różnymi kątami), okrutny, od razu stał się wydarzeniem wszędzie z wyjątkiem konserwatywnej Ameryki, gdzie von Trier nigdy nie był faworyzowany. Nie pomogło nawet zaproszenie na występ Joela Graya, znanego z roli artysty w Kabarecie. Piosenkarka Björk napisała swoje najlepsze piosenki do filmu i wykonała je z Catherine Deneuve. Hollywood wyraźnie zignorowało ten film, nie przyznając mu nawet Oscara za najlepszą piosenkę, ale na szczęście Hollywood nie jest dekretem dla mądrych ludzi. Film otrzymał najbardziej prestiżową nagrodę filmową na świecie, Złotą Palmę i chociaż Björk od tego czasu odmówiła nawet rozmowy z von Trier, dzięki niemu otrzymała także nagrodę Cannes dla najlepszej aktorki.

Jedna z najlepszych muzycznych bajek filmowych, a nawet z piosenkami napisanymi i wykonanymi przez samego Davida Bowie. W filmie grał rolę głównego złoczyńcy, który na ogół wcale nie jest złoczyńcą, ale samotnym, a nawet romantycznym zakochanym. Magiczny świat, włochate potwory, zamki z zakręconą przestrzenią – to wszystko ożywa pod niesamowitą muzyką Bowiego i martwych natur.

Piosenki grupy ABBA od dawna przekształciły się z popowych hitów lat 70. w własność kultury uniwersalnej. Dlatego też wystawienie musicalu na ich materiale nie było komercyjnym chwytem (choć to było też dla nich), ale po prostu przyznaniem się do oczywistości: ABBA to już nie tylko ABBA. Dlatego chociaż gwiazdy Hollywood w połączeniu z piosenkami szwedzkiego kwartetu na początku wyglądają dziko, szybko się do tego przyzwyczajasz i zaczynasz czerpać prawdziwą przyjemność.

Wydawało się, że na początku XXI wieku hollywoodzki musical był już dawno martwym gatunkiem i tylko eksperymentatorzy, tacy jak von Trier, odważyli się z nim pracować. Ale Baz Luhrmann udowodnił wszystkim, że tak nie jest. Jego masowa produkcja historii miłosnej, której akcja rozgrywa się w niesławnym francuskim kabarecie, okazała się bardzo na czasie i niezwykle udana. Hollywood zdał sobie sprawę, że gatunek wymaga rozwoju.

Kolorowy przebój o ogromnym zasięgu był w swoim czasie godnym konkurentem dla Przeminęło z wiatrem. Choćby dlatego, że opowieść o Oz i tak miała więcej czytelników. W filmie zagrała również największa aktorka Hollywood, Judy Garland, i nadal nie można się w niej nie zakochać, gdy gra w tym filmie swoje role. W Stanach Zjednoczonych ten film jest zawsze wymieniany w pierwszej dziesiątce najważniejszych filmów wszechczasów, a na całym świecie widzowie w każdym wieku nadal chętnie przeglądają ten obraz.

Jeden z największych musicali w historii. Melodie Michela Legranda od dawna są popularne, nikt nie pamięta ani ich autora, ani filmu, ani roli, po której Catherine Deneuve została supergwiazdą, ani triumfu filmu w Cannes. Ale muzyka z „Parasolów z Cherbourga” brzmi wszędzie tam, gdzie jest miłość, smutek i romans. Ze względu na nią oglądają ten obraz wiele razy, opłakując los tak młodych i tak nieszczęsnych bohaterów.

Jak na standardy dzisiejszych widzów, trzygodzinny musical filmowy, nawet z bardzo bezpretensjonalną i niespieszną fabułą, nawet z motywem nazizmu, wygląda trochę ciężko. Bo to widowisko na dużym ekranie, które trzeba poświęcić na cały wieczór. Zobaczyć uroczą Julie Andrews na wielkim ekranie, poddać się pięknu jej głosu – i to nie tylko jej głosu. Wtedy stanie się jasne, dlaczego komisja oscarowa przyznała filmowi nagrody nie tylko w nominacjach „muzycznych”, ale uznała go za najlepszy film z najlepszym reżyserem 1966 roku.

Wizerunek Audrey Hepburn nie pasuje do kwiaciarni z Pigmaliona Bernarda Shawa. Ale aktorce udało się na chwilę „okiełznać” swój niewyrażalny wdzięk i wdzięk, by później „uwolnić” je ponownie. Powstał więc jeden z jej najsłynniejszych filmów, w którym, co dziwne, samej Hepburn prawie nie wolno było śpiewać, chociaż poważnie się do tego przygotowywała. Ale wiele lat później, kiedy film został wydany na DVD, ścieżki dźwiękowe znalezione z jej głosem stały się dostępne dla szerokiej publiczności.

Główną ozdobą tego musicalu jest młody John Travolta, który pięknie tańczy i trochę mniej pięknie śpiewa. Wizerunek młodego chuligana, którego serce okazuje się większe, niż się spodziewał, podbił wszystkie dziewczyny na świecie, z wyjątkiem postępowych widzów sowieckich: po prostu nie widzieli filmu.

Styl, styl i jeszcze więcej stylu - to właśnie sprawiło, że musical „Kabaret” w reżyserii Boba Fosseya jest tak wspaniały. Namiętna i złożona relacja między bohaterami Lizy Minnelli i Michaelem Yorkiem rozwija się w Berlinie na początku lat 30-tych. Przestrzeń jest ponura, przytłaczająca, nieco perwersyjna, bezczelna. A fabuła mu odpowiada. Nie jest to sympatyczna, mała historia miłosna, ale twarda opowieść o kilku przeplatających się osobistych tragediach, w których aborcja, żydowski ryt i ludzie tajemniczo znikający z sali, w której bohaterka wykonuje swoje zongi, są równie ważne.

Historia Damiena Chazelle jest żywym ucieleśnieniem amerykańskiego snu. Od skromnego filmu krótkometrażowego „Obsession” o próbie perkusisty pod przewodnictwem sadystycznego dyrygenta – do pełnego metra o tej samej nazwie, o którym od razu mówiło się w kręgach kinematograficznych. A potem niezwykle stylowy musical z gwiazdami Hollywood, który już jest uważany za filmowe wydarzenie roku. Elegancki, sprytny, dokładny, nie na ekranie, ale poważny film z numerami muzycznymi. To historia, która tworzy się na naszych oczach.

Jeden z najsłynniejszych musicali na świecie przez wiele lat nie mógł zostać przeniesiony na ekrany kin. Dlatego przyglądali się tej wersji bardzo skrupulatnie, szydząc z wokalu Gerarda Butlera, który z dramatycznym talentem pokonał braki jego głosu. Ale Emmy Rossum w roli tytułowej poradziła sobie ze swoimi rolami tylko delikatnie, na poziomie dobrej śpiewaczki operowej. I choć film zawiódł w kasie w Stanach Zjednoczonych, nadal przeszedł do historii. Kosztowna i momentami bardzo ciekawa produkcja.

Kobiety na skraju załamania nerwowego, martwy mężczyzna w sąsiednim pokoju i mnóstwo piosenek, żartów i tańców – to cały musical Francoisa Ozona. Który jednocześnie pozostaje najsłynniejszym dziełem tego reżysera i praktycznie nie ma widza, który nie obejrzałby tego filmu przynajmniej kilka razy. Bo wszystko w nim jest idealne, w tym oczywiście najlepsze francuskie aktorki różnych pokoleń.

Woody Allen i musical to rzeczy nie do pogodzenia. A także np. Tim Roth, Edward Norton, Natalie Portman i wiele innych gwiazd, które nie pasują do kultury piosenki. Na to właśnie liczył żartowniś Allen. I jak zawsze miał rację: fani reżysera przyjęli film bardzo przychylnie.

Dla sowieckiej publiczności nie ma wątpliwości, która Mary Poppins jest lepsza: jednogłośnie wolą sowiecki w wykonaniu Natalii Andreichenko i odmawiają oglądania musicalu Disneya, który uwielbia cały świat. Ale ci, którzy przezwyciężyli siebie, nie mogą wtedy pozbyć się obsesyjnych motywów piosenek wykonywanych przez Julie Andrews i jej partnerów w filmie. Zabawne, dowcipne, a czasem niesamowicie smutne, są proste i piękne, jak sama adaptacja.

Tim Burton kazał wszystkim śpiewać: Johnny Depp, Helena Bonham Carter (która również była filmowana w ciąży), Sacha Baron Cohen, Alan Rickman – krwawy, mroczny i bardzo uroczy musical o podcinaniu gardła brzytwą i „najgorszych plackach w całym Londynie ", który został stworzony z ludzi. Nawet publiczność, która oglądała ten musical na Broadwayu, była nieco zaskoczona, ale potem zaakceptowała film jako swój własny.

Dla Judy Garland ten film, remake filmu z 1937 roku, w którym wystąpił wielki Adolphe Menjou, był bardzo osobisty, ponieważ na wiele sposobów odzwierciedlał szczegóły jej własnej biografii. Dlatego bardzo trudno było jej przyjść na zdjęcia: mówią, że czasami kazała grupie czekać na siebie przez kilka dni, łamiąc terminy i ryzykując wyrzucenie z projektu. Studio nie wybaczyło aktorce: wkrótce po premierze filmu została bez pracy. Ale przez długi czas na swoich koncertach wykonywała piosenki z tego musicalu.

Po ćwierć wieku udanych produkcji na Broadwayu, „Chicago” znalazł wzorową interpretację filmową z pomocą dzisiejszego czołowego specjalisty w tym gatunku, Roba Marshalla. Rene Zellweger, Catherine Zeta-Jones i Richard Gere śpiewali sami dla swoich bohaterów, choć wyraźnie brakowało im do tego zdolności wokalnych, co wywołało negatywną reakcję wielu widzów. Ale Akademia Filmowa otwarcie poparła film, przyznając mu od razu 6 Oscarów i wpisując go w historię amerykańskiego kina. Więc został tam.

Wojownik gangsterów. Ale są dwie cechy. Po pierwsze: wszyscy tutejsi gangsterzy śpiewają. Po drugie, wszystkie grają małe dzieci, których karabiny maszynowe strzelają do ciastek. Oglądanie tego musicalu Alana Parkera jest niesamowicie zabawne, a młoda Jodie Foster wyraźnie wyróżnia się na tle innych utalentowanych aktorów. Jej femme fatale, nawet w dziecięcych ubraniach, pozostaje niebezpieczna i seksowna.

Przekształcenie głównego filmu Federico Felliniego „8½” w musical wydaje się na pierwszy rzut oka kompletnym absurdem, dlatego obraz Roba Marshalla ma wielu przeciwników, podobnie jak wszystkie inne jego dzieła. Daniel Day-Lewis nie przypomina wyrafinowanego i cynicznego Marcello Mastroianniego, a akcenty Marshalla są nieco przesunięte. Niemniej jednak dla każdego konesera kina ten film ma szczególne znaczenie jako wyraz uznania dla miłości jednego reżysera do twórczości drugiego. Bardzo kolorowa, pomysłowa spowiedź.

Muzykę do West Side Story napisał wielki Leonard Bernstein, jeden z najlepszych dyrygentów XX wieku, koneser muzyki klasycznej, pedagog i po prostu wybitna osoba. Może dlatego musical brzmi tak perfekcyjnie, że słucha się go do dziś, przetrwał wiele produkcji w różnych krajach. Fabuła to historia Romea i Julii, przeniesiona na ulice Nowego Jorku w latach 50., gdzie zamiast walczących rodzin ukazane są uliczne gangi. Film uznawany jest za wzorcową produkcję tego musicalu, otrzymał 10 Oscarów i jest jednym z najlepszych przykładów gatunku.

Przypadek, kiedy musical filmowy wyprzedził Broadway na pół wieku: ta fabuła „dojrzała” do wcielenia scenicznego dopiero w 1980 roku. Tymczasem jak na swoje czasy, na początku lat 30., fabuła była bardzo ostra i polityczna, choćby dlatego, że mówiła wprost o surowej rzeczywistości Wielkiego Kryzysu. Ponieważ dźwięk w kinie dopiero się pojawiał, ścieżka dźwiękowa do musicalu została nagrana z wyprzedzeniem, a artyści musieli jedynie działać w zgodzie z nią. Następnie Hollywood uczyniło tę praktykę wszechobecną.

Musical lub komedia muzyczna to dzieło sceniczne, w którym mieszają się piosenki i dialogi, muzyka i tańce. Protoplastami tego gatunku są operetki, wodewil i burleska. Musicale to jedna z najbardziej komercyjnych sztuk teatralnych. Wynika to z ich rozrywki i drogich efektów specjalnych. Uważa się, że pierwszy musical został wystawiony w 1866 roku w Nowym Jorku i nosił tytuł Black Crook.

Początek XX wieku dał aktywny impuls do rozwoju gatunku w Ameryce, a lata 30. w połączeniu z twórczością utalentowanych kompozytorów Gershwina, Portera i Kerna. Lata 60. przyniosły nowe pomysły do ​​musicali, z czasem liczba występów zaczęła spadać, ale dekoracje i kostiumy stały się wspanialsze.

W 1985 roku monopol Stanów Zjednoczonych i Anglii na musicale został przełamany przez Francuzów swoimi Les Misérables. Dziś w Rosji popularne są musicale, nieśmiało narodzone w ZSRR w latach 70. Porozmawiajmy o dziesięciu najsłynniejszych dziełach tego gatunku w całej historii jego istnienia.

"Moja Damo" Kompozytor muzyki Frederick Lowe oraz autor libretta i tekstów Alan Lerner zainspirowali się do napisania musicalu dramatem Bernarda Shawa „Pigmalion”. Nic dziwnego, że fabuła ich wspólnej pracy powtarza dramat Shawa, który opowiada o tym, jak główna bohaterka, będąc pierwotnie zwykłą dziewczyną z kwiatami, staje się uroczą młodą damą. Zgodnie z fabułą musicalu, podczas sporu między profesorem fonetyki a jego przyjacielem, językoznawcą, doszło do takiej przemiany. Eliza Doolittle wprowadziła się do domu naukowca, aby przejść przez trudną ścieżkę edukacji. W końcu na balu w ambasadzie dziewczyna z błyskotliwością zdaje trudny egzamin. Premiera musicalu odbyła się 15 marca 1956. W Londynie przedstawienie odbyło się dopiero w kwietniu 1958 roku. Rex Harrison był profesorem-nauczycielem, a Julie Andrews dostała rolę Elizy. Program natychmiast zyskał dziką popularność, bilety na niego zostały wyprzedane z sześciomiesięcznym wyprzedzeniem. Okazało się to prawdziwą niespodzianką dla twórców. W efekcie przedstawienie odbyło się 2717 razy na Broadwayu, a 2281 razy w Londynie.Muzyk został przetłumaczony na jedenaście języków i grany w ponad dwudziestu krajach. „My Fair Lady” zdobyła nagrody Tony. W sumie sprzedano ponad 5 milionów nagrań musicalu z oryginalną obsadą na Broadwayu. W 1964 roku film o tej samej nazwie został wydany, a szefowie Warner Brothers zapłacili rekordową kwotę 5,5 miliona dolarów za prawo do nakręcenia musicalu. Elizę zagrała Audrey Hepburn, a jej partnerem został Rex Harrison, który przeniósł się ze sceny do kina. A sukces filmu był przytłaczający – był nominowany do 12 Oscarów i zdobył 8 z nich. Musical jest tak uwielbiany przez publiczność, że można go teraz oglądać w Londynie.

„Dźwięki muzyki”. Podstawą tego musicalu stał się niemiecki film „Rodzina Von Trapp”. W 1958 roku pomysł przenieśli z kina na scenę scenarzyści Howard Lindsay i Russell Cruz, producent Richard Holliday i jego żona Mary Martin, która była aktorką. Obraz opowiadał o austriackiej rodzinie, która uciekając przed nazistami wyjechała do Ameryki. Fabuła filmu nie została wymyślona, ​​została oparta na książce Marii von Trapp, która była bezpośrednią uczestniczką tamtych wydarzeń. Sama Mary Martin była wówczas celebrytą teatru muzycznego, w tym przypadku była to poważna rola dramatyczna. Jednak aktorka nie mogła odmówić występu w nowej roli piosenkarki. Początkowo autorzy postanowili zaaranżować spektakl przy pomocy pieśni ludowych i hymnów religijnych rodziny von Trapp. Jednak Mary nalegała, aby była obecna piosenka napisana specjalnie dla niej. Z pomocą kompozytora Richarda Rogersa i librecisty Oscara Hammersteina w sztuce pojawiły się nowe numery muzyczne i narodził się musical. Premiera odbyła się na Broadwayu 16 listopada 1959 roku. Partnerem Mary Martin był Theodor Bickel, który grał rolę kapitana von Trapp. Mary Martin była tak popularna, że ​​publiczność z niecierpliwością czekała na premierę musicalu z jej udziałem, zapewniając hojne honoraria. Sound of Music zdobył 8 nagród Tony i był odtwarzany 1443 razy. Oryginalny album zdobył nawet Grammy. W 1961 musical rozpoczął swoje tournée po Stanach Zjednoczonych, w tym samym czasie show otworzyło się w Londynie, gdzie wystawiane było przez 6 lat, stając się najdłużej działającym amerykańskim musicalem w stolicy Anglii. W czerwcu 1960 roku filmowcy z 20th Century Fox kupili prawa do produkcji za 1,25 miliona dolarów. Chociaż fabuła filmu różniła się od sztuki, to jednak to on przyniósł „Dźwiękowi muzyki” prawdziwie światową sławę. Film miał swoją premierę 2 marca 1965 w Nowym Jorku i zdobył 5 z 10 Oscarów, do których był nominowany. Później podjęto kolejne próby sfilmowania musicalu, ale nie przeszkodziło to w jego popularności jako niezależnego spektaklu. W latach 90. The Sound of Music grano w Grecji i Izraelu, Finlandii i Szwecji, Peru i Chinach, Islandii i Holandii.

"Kabaret". Podstawą tego legendarnego spektaklu były „Berlin Stories” Christophera Isherwooda, opowiadające o życiu w Niemczech na początku lat 30-tych. Kolejna część historii pochodzi ze sztuki Johna Van Drutena Jestem kamerą, opowiadającej o romansie młodej amerykańskiej pisarki i berlińskiej śpiewaczki kabaretowej Sally Bowles. Los sprowadził młodego Briana Robertsa, początkującego pisarza, dorabiającego na lekcjach w stolicy Niemiec na początku lat 30-tych. Tutaj poznaje Sally, zakochuje się w niej, zdobywając wiele nowych i niezapomnianych wrażeń. Dopiero teraz piosenkarz odmawia podążania za facetem do Paryża, łamiąc mu serce. Kabaret, który niegdyś był symbolem wolności, stopniowo zaczyna zapełniać się w toku akcji ludźmi ze swastyką na rękawach… Premiera musicalu odbyła się 20 listopada 1966 roku. Produkcja została zrealizowana przez słynnego reżysera na Broadwayu Harolda Prince'a. Muzyka Johna Kanzera z tekstami Freda Ebba i librettem Joe Masteroffa. W oryginalnej obsadzie wystąpił Joel Gray jako artysta, Jill Haworth jako Sally i Bert Cliff jako Cliff. Produkcja wytrzymała 1165 przedstawień, otrzymując wszystkie te same 8 ton. W 1972 roku ukazał się film „Kabaret” w reżyserii Boba Fossa. Joel Gray zagrał tę samą rolę, ale Liza Minnelli znakomicie wcieliła się w Sally, podczas gdy Michael York zagrał Briana. Film otrzymał 8 Oscarów. Zaktualizowana wersja musicalu pojawiła się przed publicznością w 1987 roku, a gdzie bez Joela Graya? Ale w 1993 roku w Londynie i 1998 na Broadwayu nowy musical „Kabaret” w reżyserii Sama Mendesa rozpoczął już swoją własną podróż. A ta wersja otrzymała wiele nagród, zgłoszona 2377 razy. Musical został ostatecznie zamknięty 4 stycznia 2004 roku, na jak długo?

„Jezus Chrystus Superstar”. Muzykę do utworu napisał legendarny Andrew Lloyd Weber, a libretto stworzył Tim Rice. Początkowo planowano stworzyć pełnoprawną operę, wykorzystując współczesny język muzyczny i wszystkie istotne tradycje - arie głównych bohaterów powinny być obecne. Różnica między tymi muzycznymi a tradycyjnymi polega na tym, że nie ma elementów dramatycznych, wszystko opiera się na recytatywach i wokalach. Tutaj muzyka rockowa łączy się z historią klasyczną, w tekstach używane jest współczesne słownictwo, a cała historia opowiedziana jest wyłącznie za pomocą piosenek. Wszystko to sprawiło, że „Jesus Christ Superstar” stał się super hitem. Opowieść opowiada o ostatnich siedmiu dniach życia Jezusa, które mijają przed oczami rozczarowanego naukami Chrystusa Judasza Iskarioty. Spisek rozpoczyna się wjazdem Jezusa do Jerozolimy, a kończy jego egzekucją. Opera została po raz pierwszy wykonana w formie albumu w 1970 roku, na której główną rolę wystąpił wokalista Deep Purple Ian Gillan. W rolę Judasza wcielił się Murray Head, a Marii Magdaleny podkładała Yvonne Elliman. W 1971 musical pojawił się na Broadwayu. Wielu zauważa, że ​​w produkcji Jezus jest przedstawiany jako pierwszy hipis na świecie. Spektakl trwał na scenie zaledwie półtora roku, ale w 1972 r. nabrał nowego oddechu w Londynie. Główną rolę zagrał Paweł Mikołaj, a Judasza wcielił się Stefan Tate. Ta wersja musicalu odniosła większy sukces, trwając całe osiem lat. Na jej podstawie, jak zwykle, nakręcił też film fabularny reżyser Norman Jewison. Oskar w 1973 roku za najlepszą muzykę trafił do tego konkretnego dzieła. Film jest interesujący nie tylko znakomitą muzyką i wokalem, ale także niezwykłą interpretacją tematu Jezusa, który pojawia się z alternatywnego, tradycyjnego punktu widzenia. Ten musical jest często określany jako rock opera, dzieło wzbudziło wiele kontrowersji i stało się kultem dla pokolenia hippisów. „Jesus Christ Superstar” jest nadal aktualny i został przetłumaczony na wiele języków. Od ponad 30 lat musical wystawiany jest na całym świecie - na scenach Australii, Japonii, Francji i Meksyku, Chile i Niemczech, Wielkiej Brytanii i USA.

"Chicago". Musical powstał na podstawie artykułu w Chicago Tribune z dnia 11 marca 1924. Dziennikarka Maureen Watkins opowiadała o aktorce z programu rozrywkowego, która zabiła swojego kochanka. W tamtych czasach opowieści o przestępstwach seksualnych były bardzo popularne, nic dziwnego, że Watkins nadal pisał na podobne tematy. 3 kwietnia 1924 ukazał się jej nowy artykuł o mężatce, która zastrzeliła swojego chłopaka. Tym kryminacjom towarzyszyła zauważalna sensacja, która wywarła wpływ na Maureen, która ostatecznie opuściła gazetę i zaczęła studiować prawo na Uniwersytecie Yale. To tam kobieta w ramach zadania edukacyjnego stworzyła sztukę „Chicago”. Dzień przed początkiem 1927 roku na Broadwayu odbyła się premiera sztuki „Chicago”, która wytrzymała 182 przedstawienia, w 1927 i 1942 powstały na jej podstawie filmy. Odrodzenia fabuły dokonał Bob Foss, słynny reżyser i choreograf na Broadwayu. Przyciągnął kompozytora Dojna Kandera, a on i Fred Ebb pracowali nad librettem. Sama partytura „Chicago” była genialną stylizacją amerykańskich przebojów lat 20., a prezentacja materiału muzycznego była zbliżona do wodewilu. Historia opowiada o tancerce corps de ballet Roxy Hart, która z zimną krwią rozprawiła się ze swoimi kochankami. W więzieniu kobieta spotyka Velmę Kelly i innych przestępców. Roxy zdołała uciec z pomocą chytrego prawnika Billy'ego Flynna - sąd uznał ją za niewinną. W efekcie świat show-biznesu wzbogacił się o „duet dwóch błyskotliwych grzeszników”, Velmy Kelly i Roxie Hart. Premiera musicalu odbyła się 3 czerwca 1975 roku w 46th Street Theatre. Rola Roxy trafiła do Gwen Verdon, Velmę zagrała Chita Rivera, a Billy'ego zagrał Jerry Orbach. W Londynie musical pojawił się dopiero 4 lata później, a produkcja nie miała nic wspólnego z pomysłem Boba Fosse. Przedstawienie miało 898 występów w Ameryce i 600 na West Endzie i ostatecznie zostało zamknięte. Jednak spektakl został wznowiony w 1996 roku pod kierunkiem Waltera Bobby'ego i choreografki Ann Rinking. Pierwsze występy w Śródmieściu wywołały takie poruszenie, że postanowiono kontynuować spektakle na Broadwayu. Rolę Roxy zagrała sama Rinking, Bebe Neuwirth zagrała Velmę, a James Naughton zagrał Flynna. Ta produkcja otrzymała 6 nagród Tony, a także Grammy za najlepszy album. W 1997 roku musical trafił do londyńskiego Adelphi Theatre, a produkcja zdobyła nagrodę Laurence Olivier Award dla najlepszego musicalu. Spektakl w zaktualizowanej formie pokazywany był na całym świecie – w Kanadzie, Australii, Holandii, Argentynie, Japonii, Meksyku, Rosji i innych krajach. W 2002 roku film Miramax został wydany z gwiazdami Renee Zellweger (Roxy), Catherine Zeta-Jones (Velma) i Richardem Gere (Billy Flynn). Projekt wyreżyserował i choreografował Rob Marshall. Obraz otrzymał Złoty Glob w kategorii „Najlepszy musical lub komedia” i zdobył 6 Oscarów z 12, do których był nominowany. W Rosji musical wystawił Philip Kirkorov, który sam wcielał się w rolę wykwalifikowanego i skorumpowanego prawnika.

Evita. Pomysł stworzenia musicalu pojawił się przypadkiem – w październiku 1973 roku Tim Rice usłyszał w samochodzie zakończenie audycji radiowej, którą zajmowała się Evita Peron. Kobieta była żoną argentyńskiego dyktatora Juana Perona, poetkę interesowała historia jej życia. Jego współautor, Lloyd Webber, początkowo nie był entuzjastycznie nastawiony do tej historii, ale ostatecznie zgodził się nad nią pracować. Rice dokładnie przestudiował historię swojego głównego bohatera, w tym celu spędzał dużo czasu w londyńskich bibliotekach, a nawet odwiedzał daleką Argentynę. To tam narodziła się główna część fabuły. Tim Rice wprowadził do musicalu narratora, niejakiego Che, którego pierwowzorem był Ernesto Che Guevara. Sama historia opowiada o Evie Duarte, która przybyła do Buenos Aires w wieku 15 lat i została najpierw słynną aktorką, a potem żoną prezydenta kraju. Kobieta pomagała biednym, ale też przyczyniła się do panowania dyktatury w Argentynie. „Evita” łączyła różne style muzyczne, z motywami latynoamerykańskimi jako podstawą partytury. Pierwsze dema musicalu zostały zaprezentowane krytykom na pierwszym festiwalu w Sidmonton, a następnie w studiu olimpijskim rozpoczęto nagrywanie albumu. Evita była aktorką Julie Covington, a Che młodym piosenkarzem Colmem Wilkinsonem. Rola Perona trafiła do Paula Jonesa. Album odniósł wielki sukces - w ciągu trzech miesięcy sprzedano pół miliona egzemplarzy. Pomimo faktu, że „Evita” została oficjalnie zakazana w Argentynie, zdobycie płyty uznano za kwestię prestiżową. Musical został wydany 21 czerwca 1978 w reżyserii Hala Prince'a. W jego produkcji rola Evity przypadła Elaine Page, a Che zagrał słynny piosenkarz rockowy David Essex. Spektakl odniósł tak wielki sukces, że został uznany za najlepszy musical 1978 roku. Sama główna aktorka otrzymała nagrodę za występ w Evita. Już pierwsze tygodnie po wydaniu nagrania musicalu na płycie uczyniły go złotym. 8 maja 1979 roku premiera „Evity” odbyła się w Ameryce, w Los Angeles, a cztery miesiące później przedstawienie trafiło na Broadway. O popularności "Evity" świadczy 7 otrzymanych przez nią nagród "Tony". Sukces musicalu pozwolił mu odwiedzić wiele krajów – Koreę, Węgry, Australię, Meksyk, Japonię, Izrael i inne. 20 lat po narodzinach musicalu postanowiono nakręcić na jego podstawie film. Reżyserem był Alan Parker, główną rolę, Evitę Peron, zagrała Madonna, rolę Che powierzono Antonio Banderasowi, Peron zagrał Jonathan Pryce. Film zawierał nową piosenkę Webbera i Rice, „You Must Love Me”, która zdobyła Oscara za najlepszą oryginalną piosenkę.

„Wygnańcy”. Kompozytor Claude-Michel Schonberg i librecista Alain Boublil urodzili już klasyczne Les Misérables Victora Hugo. Prace nad stworzeniem musicalu trwały dwa lata. W rezultacie powstał dwugodzinny szkic, który został następnie przekształcony w album koncepcyjny o nakładzie 260 000 egzemplarzy. Niejako znakiem rozpoznawczym musicalu stał się rycina przedstawiająca małą Coztę. Wersja sceniczna została zaprezentowana 17 września 1980 roku w Palais des Sports w Paryżu. W efekcie spektakl obejrzało ponad pół miliona osób. W rolę Jeana Valjeana wcielił się Maurice Barrier, Javerta – Jacques Mercier, Fantine – Rose Laurence, a Cosette – Fabienne Guyon. Album koncepcyjny „Les Misérables” spodobał się młodemu reżyserowi Peterowi Ferago, który przyciągnął do pracy angielskiego producenta Camerona Mackintosha. Umożliwiło to stworzenie widowiska naprawdę wysokiej klasy. Nad produkcją pracował profesjonalny zespół – reżyserzy Trevor Nunn i John Caed, a Herbert Kretzmer z pomocą twórców musicalu zaadaptowali tekst na język angielski. Efektem tego była premiera spektaklu pod auspicjami Royal Shakespeare Company w Teatrze Barbican 8 października 1985 roku. Do tej pory Les Misérables pokazywano najczęściej w londyńskim Palace Theatre, gdzie odbywało się ponad 6000 przedstawień musicalu. W 1987 roku „Les Miserables” pojawiły się na Broadwayu, więc rozpoczęła się ich procesja na całym świecie. Choć spektakl ma już ponad dwadzieścia lat, wciąż pojawia się na scenach światowych teatrów. Les Misérables zostało przetłumaczone na wiele języków, w tym egzotyczne, takie jak japoński, mauretański i kreolski. W sumie musical ten był wystawiany w 32 krajach na całym świecie. Twórczość Schonberga i Boublila w końcu obejrzało ponad 20 milionów ludzi.

„Koty”. Podstawą tego popularnego musicalu był cykl wierszy dla dzieci T.S. Eliot's Old Possum's Book of Practical Cats, opublikowana w Anglii w 1939 roku. Kolekcja z ironią mówiła o zwyczajach i zwyczajach kotów, ale za tymi cechami łatwo było odgadnąć ludzkie cechy. Wiersze Elliota przypadły do ​​gustu Andy'emu Lloydowi Webberowi, który przez całe lata 70. powoli komponował dla nich muzykę. I tak do 1980 roku kompozytor zgromadził wystarczającą ilość materiału, by przekształcić go w musical. Ponieważ Brytyjczycy bardzo lubią koty, ich wystawa była po prostu skazana na sukces. Oprócz Webbera w zespole znaleźli się producent Cameron McIntosh, reżyser Trevor Nunn, artysta John Napier i choreograf Gillian Lynn. Jednak podczas scenicznej realizacji utworów okazało się, że nie ma sensownej fabuły. Jednak dzięki wdowie po Eliocie odnaleziono szkice i listy od poety, z których autorzy musicalu mogli ułożyć w całość pomysły na ułożenie zarysu fabuły dramatu. W „Kotach” postawiono artystom specjalne wymagania – nie wystarczyło dobrze śpiewać i mówić wyraźnie, trzeba było też być bardzo plastycznym. Okazało się, że w samej Anglii zrekrutowanie trupy składającej się z 20 takich aktorów było prawie niemożliwe, dlatego w obsadzie znaleźli się piosenkarz pop Paul Nicholas, aktorka Elaine Paige, młoda tancerka i piosenkarka Sarah Brightman oraz gwiazda Royal Ballet Wayne Sleep. Teatr „Koty” został stworzony przez własnego projektanta – Johna Napiera, dzięki czemu w ogóle nie ma kurtyny, a scena i sala zlewają się w jedną przestrzeń. Akcja toczy się nie frontalnie, ale w całej głębi. Sama scena jest oprawiona w śmietnik - są na niej góry malowniczych śmieci, ale tak naprawdę sceneria wyposażona jest w wyszukany sprzęt. Aktorzy za pomocą złożonego wielowarstwowego makijażu pojawiają się w postaci pełnych wdzięku kotów. Ich body są ręcznie malowane, peruki z wełny jaka, ogony i kołnierze z wełny, a kołnierzyki lśniące. Musical po raz pierwszy pojawił się na oczach publiczności 11 maja 1981 roku w Londynie, a rok później trafił na Broadway. Dzięki temu „Koty” mogły stać się najdłużej emitowaną produkcją w historii brytyjskiego teatru, aż do jej zamknięcia 11 maja 2002 roku. Łącznie oddano 6400 przedstawień, produkcję obejrzało ponad 8 mln osób, a twórcom udało się zarobić ok. 136 mln funtów. A w Stanach musical pobił wszelkie możliwe rekordy. Już w 1997 roku liczba przedstawień przekroczyła 6100, co pozwoliło nazwać spektakl główną długą wątrobą Broadwayu. W efekcie przez cały czas „Koty” wystawiono ponad 40 razy, łączna liczba widzów w 30 krajach przekroczyła 50 milionów, piosenki były wykonywane w 14 językach, a łączna kwota opłat wyniosła 2,2 miliarda dolarów! Musical otrzymał wiele nagród, wśród których najbardziej znane to Laurence Olivier Award, nagroda gazety Evening Standard dla najlepszego musicalu, 7 Tony Awards, nagroda Molière we Francji. Nagrania oryginalnych kompozycji z Broadwayu i Londynu otrzymały Grammy.

"Upiór w operze". Współpraca Sarah Brightman i Andrew Lloyda Webbera przy Cats doprowadziła do ich małżeństwa w 1984 roku. Dla swojej żony kompozytor stworzył „Requiem”, ale dzieło to nie mogło pokazać talentu śpiewaczki na dużą skalę. Webber postanowił więc stworzyć nowy musical, który stał się Upiorem w operze, oparty na powieści Francuza Gastona Leroux o tym samym tytule z 1910 roku. Romantyczna, ale mroczna historia opowiada o tajemniczej istocie o nadprzyrodzonych mocach żyjącej w lochu pod Operą Paryską. Główna rola w produkcji, Christina Daae, przypadła oczywiście Sarah Brightman. Męską część wykonał Michael Crawford. W pierwszej części kochanka Christiny, Raoula, zagrał Steve Barton. Richard Stilgoe pracował nad librettem z Andrew Lloydem Webberem, a teksty napisał Charles Hart. Artystka teatralna Maria Bjornson podarowała Upiorowi słynną maskę i nalegała na decyzję o opuszczeniu niesławnego, spadającego żyrandola nie na scenie, ale bezpośrednio na publiczność. Premiera Upiora w operze odbyła się 9 października 1986 roku w Teatrze Królewskim, w której uczestniczyli nawet członkowie rodziny Jej Królewskiej Mości. A w styczniu 1988 roku odbyła się pierwsza produkcja musicalu na Broadwayu, odbyła się ona w nowojorskim Majestic Theatre. Upiór w operze stał się drugim najdłużej wystawianym musicalem w historii Broadwayu, po Cats. W rezultacie w samym Nowym Jorku program obejrzało około 11 milionów ludzi. Musical wystawiono w 18 krajach, zagrano około 65 tysięcy przedstawień, obejrzało go tam ponad 58 milionów ludzi, a łączna liczba widzów na całym świecie przekroczyła już 80 milionów. W efekcie - zasłużone nagrody i wyróżnienia, których jest ponad 50. Musical otrzymał trzy nagrody Laurence Olivier i 7 nagród Tony, 7 nagród Drama Desk i nagrodę Evening Standard. Całkowity dochód z Upiora w operze wyniósł 3,2 miliarda dolarów. Powieść zainspirowała reżyserów do stworzenia aż siedmiu filmów, ostatni z nich, nakręcony w 2004 roku, był trzykrotnie nominowany do Oscara, ten sam Webber był producentem i kompozytorem.

"Matko Boska" Popularność piosenek grupy ABBA jest tak duża, że ​​pomysł stworzenia na ich podstawie całego musicalu, jaki przyszedł do głowy producentce Judy Kramer, nie dziwi. Podstawą musicalu były 22 utwory legendarnego zespołu. W oryginale wszystkie piosenki były wykonywane przez kobiety, więc powstała opowieść o matce i córce – ludziach dwóch różnych pokoleń. Aby historia była godna sławnych przebojów, zaproszono pisarkę Katerinę Johnson, która wymyśliła opowieść o rodzinie mieszkającej na greckich wyspach. W efekcie widza przyciągają nie tylko muzyczne przeboje, ale także fabuła, w którą muzyka jest ściśle wpleciona. Piosenki zostały podzielone na dialogi, które otrzymały nowe intonacje. Produkcja została wyreżyserowana przez Phyllidę Loyd i skomponowana przez członka ABBA Bjorna Ulvaeusa i Benny'ego Andersona. Rezultatem jest komedia romantyczna, która jest ironiczna i dość nowoczesna. W musicalu są dwie główne linie - historia miłosna i związek dwóch pokoleń. Fabuła „Mama Mia” przepełniona jest komediowymi sytuacjami, które rozgrywają się na tle wesołych kompozycji „ABBA”, bohaterowie komunikują się dość dowcipnie, a ich kostiumy są jasne i oryginalne. Charakterystyczne logo „Mama Mia” stało się wizerunkiem szczęśliwej Panny Młodej, dzięki czemu stało się swoistą marką rozpoznawalną na całym świecie. Fabuła musicalu jest następująca. Młoda Sophie wkrótce przygotowuje się do zostania panną młodą. Zamierza zaprosić ojca na wesele, aby zabrał ją do ołtarza. Tylko matka dziewczynki, Donna, nigdy o nim nie mówiła. Sophie znalazła pamiętnik swojej matki, który opowiadał o jej związku z trzema różnymi mężczyznami, w wyniku czego do wszystkich wysyłane jest zaproszenie. Kiedy goście zaczynają przyjeżdżać na wesele, dzieje się najciekawsza rzecz... Pod koniec akcji mama żeni się z Sophie. Pierwszym testem „Mama Mia” był jego przedpremierowy pokaz w Londynie 23 marca 1999 roku. Publiczność była zachwycona - przez cały występ nie siedzieli nieruchomo, ale tańczyli w przejściach, klaskali i śpiewali. Prawdziwa premiera miała miejsce 6 kwietnia 1999 roku. Udana londyńska produkcja doprowadziła do tego, że musical był wystawiany w kolejnych 11 krajach na całym świecie, a kasa musicalu sięga tam co tydzień 8 milionów dolarów! Dziś „Mama Mia” obejrzało ponad 27 mln osób, dzienna liczba odwiedzin wzrasta o 20 tys. Musical zarobił na całym świecie ponad 1,6 miliarda dolarów. Podczas wypożyczenia program odwiedził 130 dużych miast, a album z nagraniem pierwszego występu pokrył się platyną w USA, Korei i Australii, podwójną platyną w Wielkiej Brytanii i złotem w Szwecji, Nowej Zelandii i Niemczech. W 2008 roku nakręcono musical, wzięły w nim udział takie gwiazdy jak Meryl Streep i Pierce Brosnan, a reżyserem została ta sama Phyllida Loyd.