Viņi sauc aktierus. Aktieri: vienmēr ir bijuši nicināmi jestri, un tagad - "elite", sasodīts. Šī jēdziena izcelsme
Cik žurnāli tiem veltīti, cik daudz labas kvalitātes papīra iztērēts regulāru zvaigžņu krūtīm un zvaigžņu dīvainībām. Cik daudz labas, noderīgas literatūras varētu publicēt uz šī papīra, cik mežu glābt...
Un es domāju: ko, vienmēr šī liekulīgā šobla bija "elite" un "sabiedrības krējums"? Ko senos laikos arī tauta "saplacināja" no jebkuras jestras darbības no skatuves?
Nē, tā nebija...
Primitīvās komunālās sistēmas pastāvēšanas laikmetā katrai ciltij bija savi rituāli: dejas, rotaļas, sakrālās darbības, dažādas ainas, kas saistītas ar sabiedrības dzīves fundamentālajiem momentiem (rituāli, kas vērsti uz attiecībām ar dabas un dabas spēkiem). senču gari, gadalaiku maiņa un darbības, kas palielina ražu, medības un rituāli, lai piesaistītu bagātu laupījumu). Parasti tos izpildīja šamaņi, nereti sarīkojot veselu priekšnesumu ārpus rituāla. Lai piešķirtu tēlam un savām darbībām nozīmi, saglabātu savu individuālo mākslu, šamaņi sāka izmantot kostīmus un maskas. Bet galvenais uzdevums bija emocionālā ietekme uz cilts pārstāvjiem. Tas vēlāk iedalīja cilvēkus izpildītājos un vērotājos, varētu teikt - darbību veicējos - māksliniekos un skatītājos, kur izpildītājs bija viens pret vienu ar publiku. To var raksturot kā teātra rašanās sākumu.
Tālāk ir iezīmēti divi teātra attīstības ceļi kopumā un jo īpaši aktiermāksla. Pirmo ceļu var izsekot Austrumu valstu piemērā, te teātris saglabā stabilu saikni ar reliģiju, un aktiermāksla veidojas reliģijai raksturīgo alegorisko izteiksmes metožu ietekmē, izrādes tiek iestudētas galvenokārt. par reliģiskām, mitoloģiskām, episkām tēmām.
Citā gadījumā tā ir senā Grieķija, kur dramaturģijā un teātra mākslā arvien izteiktāk izpaužas laicīgie, sociālie motīvi, kas veicina dažādu teātra formu un aktiermākslas tehnikas elastīgāku attīstību. Skatuves māksla tādā formā, kādā mēs to esam pieraduši redzēt, radās tieši senajā Grieķijā. Šeit aktiera profesija bija ļoti populāra. Katrs izcilais komandieris uzskatīja par savu pienākumu, lai līdzi būtu aktieru štābs, kas, cita starpā, mācīja viņam oratoriju. Labu aktieru vārdi bija zināmi visā pilsētā, un skatītājiem bieži vien izrādēs nepietika vietu. Paša aktiera meistarība tika noslīpēta gadu gaitā, un sengrieķu māksliniekiem spēlēt bija grūtāk nekā mūsu laikabiedriem. Teātri bija milzīgi, nebija mikrofonu, aktieriem bija jābūt dzirdamiem un redzamiem no jebkuras vietas teātrī, tāpēc viņu sejas noteikti bija klātas ar lielām maskām, kas atainoja skumjas traģēdijās un prieku komēdijās.
Zināmi, viņi ir zināmi, bet tikai uz skatuves. Kurš gan viņus atpazīst bez maskas, ne tērpos un ne teātra tērpos? Visa mīlestība pret aktieriem aprobežojās ar akmens amfiteātriem. Kas ir pareizi - tur viņi pieder.
Senajā Romā aktiera profesija nebija tik prestiža. Godu un cieņu saņēma tikai tie, kas guva izcilus panākumus aktiermeistarībā. Sākumā Senās Romas aktiermāksla gāja paralēli Grieķijai, bet imperatoru laikmetā teātri sāka izspiest cirks un pantomīma, aktiermāksla nonāca panīkumā.
Nu, kas notika vēlākos laikos?
Mūsu ēras sākumā šī profesija vispār vairs nebija populāra, tāpēc uz aktieru spēli sāka raudzīties kā uz gladiatoru cīņām. Šo tradīciju pilnībā atbalstīja viduslaiku Eiropa, kur teātra izrādes ilgu laiku tika uzskatītas par dēmoniskām, klejojošās tautas trupas nežēlīgi vajāja baznīca, lai gan daudzus gadsimtus visiem karaļiem galmā bija jestri un aktieri, kuri nemitīgi izklaidēja savu valdnieku un viņa valdnieku. viesi. Dažus sabiedrība nicināja, savukārt citiem bija pielīdzināma ministra vai karaļa padomnieka vara.
Šeit! Tieši pie varas esošie jestri, nevis neatkarīgā "elite", kurā tagad ir pārvērsti šīs profesijas pārstāvji.
Interesanti, kā Krievijā vēl nesen (19.gs.) izturējās pret aktieriem?
Krievijā viduslaikos aktiera profesija (sākumā tie bija fuferi) bija pilnībā asociēta ar briesmām, jo par nepatiku izrādi fufu varēja sist, salauzt darbarīkus, atbrīvot savus dzīvniekus un iesēdināt cietumā. .
Un, ja jestri piedzērās kā cūka un pat kādam uzbruka, tad mierīgi varēja uztaisīt "galvas cirvi". Un neattaisno viņa uzvedību ar viņa it kā "talantu"
Līdzās ceļojošajām trupām bija arī mājas kinozāles, kas piederēja tā laika ietekmīgiem cilvēkiem. Un šīm personām piederēja ne tikai teātra telpas, bet arī paši aktieri. Un nevarēja pat iedomāties, ka kāds dzimtcilvēks Dunja no grāfa vai prinča skatuves kļūs par "pasaules karalieni", un eksaltētas jaunkundzes apbrīnoja viņas portretus.
Attieksmes maiņa pret teātri un aktiermākslu citā virzienā sākās līdz ar Renesanses iestāšanos, taču aktieri ilgi nevarēja paļauties uz apkārtējo cieņu. Šeit ir viens piemērs. 19. gadsimtā viens no slavenajiem krievu uzņēmējiem Savva Mamontovs, atrodoties Itālijā, vēlējās kļūt par operdziedātāju, taču viņu piespiedu kārtā atveda mājās, draudot ar tēva lāstu, turklāt visas Krievijas biznesa aprindas bija ārkārtīgi skandālas. pēc notikušā.
Un kad sākās šī bakhanālija ar aktieru atzīšanu par "krēmiem", "elkiem" utt., kad par tiem sāka fanot trakās masas?
20. gadsimtā, apgaismots.
Aktiermāksla par prestižu profesiju kļuva tikai 19.gadsimta beigās un 20.gadsimta sākumā, kad parādījās režisoru teātris, kas savukārt noveda pie jaunu aktiermākslas metožu un apmācību izstrādes un ieviešanas. Mūsdienās tā ir viena no interesantākajām un unikālākajām profesijām, jo vienīgais instruments aktiera darbā ir viņš pats. Viņš kļūst par strasu un darbarīku prasmīgajās režisora rokās, un meistars un profesionālās darbības produkts. Neskatoties uz milzīgajām teātra iespējām un mākslinieciskās izteiksmes līdzekļu daudzveidību, katrs aktieris tomēr veido kontaktu ar skatītāju vienatnē. Lai cik godājams un slavens būtu izrādes režisors, mākslinieks, komponists, gala rezultāts ir atkarīgs no aktiera meistarības, jo viņš ir iestudējuma komandas ideju akumulators un diriģents.
Tieši aktieri kļūst par īstiem skatītāju domu saimniekiem, iemiesojot un simbolizējot teātri. Veiksmīgi aktieri, kuri skaļi deklarējuši savu talantu un spējas, gūst panākumus ne tikai uz skatuves, bet arī visu līmeņu pilsētu elites vidū, kļūst par pastāvīgiem sabiedriskās dzīves dalībniekiem, goda pilsoņiem un ir aktīvas dzīves pozīcijas piemērs. Sabiedrība tos neievēro. Pašlaik slaveni aktieri tiek saukti par patieso sabiedrības krējumu un pasaules rotājumu.
Šeit ir jūsu elki un pasaules rotājums. Patīk? Bet es nē. Piedzēries nelietis. Nav talanta, nav balss, nav spēju uzvesties. Un tādu "zvaigžņu" uz mūsu skatuves ir ļoti daudz, un ne tikai uz mūsu skatuves
Es neesmu pret aktiera profesiju kā tādu. Ir arī ļoti talantīgi aktieri, vienkārši izcili. Tomēr man tuvāka senā, gandrīz viduslaiku attieksme pret šo arodu. Šis ir āksts, liekulis, kura visai slavai jābeidzas, kad aizveras teātra priekškars vai uz ekrāna uzplaiksnī vārdi "Filmas beigas". Apbrīnot viņus var un nereti vajag – bet tikai viņu darbā, lomā, uzstāšanās prasmēs. Tas ir – uz skatuves, kinoteātrī, koncertā. Un noteikti neveidot no tiem elkus ikdienā. Piedzeries kā zvērs, sit cilvēku - atbildi kā parasts cilvēks, nevis kā "zvaigzne". Kā reaģē parastie strādnieki, parastie militāristi, parastie skolotāji vai ārsti. Kāpēc neviens nav fanātisks par darba cilvēkiem, bet visus tā velk līdzi aktrises un aktrises?
Tā ir perversa šīs profesijas uztvere. Aktieris nav elite, un tam nevajadzētu būt. Šī ir viena no mūsdienu pasaules profesijām, un viss. Nekas vairāk. Viņi nav dievi vai padievi, viņi vienkārši strādā šajā jomā.
Proscenijs- skatuves telpa starp priekškaru un skatītāju zāli.
Kā rotaļu laukums proscēnijs tiek plaši izmantots operas un baleta izrādēs. Drāmas teātros proscenijs kalpo kā galvenā vieta nelielām ainām slēgta priekškara priekšā, kas sasien lugas ainas.
Daži režisori galveno darbību izvirza priekšplānā, paplašinot skatuves laukumu.
Aktieris- dzīva saikne starp autora tekstu, režisora skatuves virzieniem un skatītāja uztveri. Teātra vēsturē šis grūtais uzdevums aktieri padarījis vai nu par dievinātu un mistificētu cilvēku, vai arī par sabiedrības nicinātu būtni ar gandrīz instinktīvām bailēm. Ilgu laiku ar jēdzienu "aktieris" apzīmēja lugas galveno varoni; tad - lomas izpildītājs, skatuves amatnieks, komiķis.
Rietumu tradīcijā aktieris iemieso tēlu, uzdodoties par viņu, reprezentējot viņa fizisko klātbūtni uz skatuves, saglabājot patiesi “ķermenisku” saikni ar publiku, kas tiek aicināta sajust uzreiz izjusto miesīgo, kā arī īslaicīgo un viņa izskata nenotveramā puse. Bieži tiek teikts, ka aktieri ir apsēdusi cita būtne, kas viņu pārveido. No šejienes radies romantiskais mīts par aktieri "no Dieva", kuram nav nekādas atšķirības starp skatuvi un dzīvi.
Tomēr aktieris var parādīt arī attālumu, kas viņu šķir no lomas. Šeit slēpjas senais strīds starp "sirsnīgā" aktiera piekritējiem, kurš pārdzīvo visas sava tēla jūtas, un aktieri, kurš spēj tās pakļaut un tēlot.
Mūsu mājaslapā sadaļā "Viesu grāmata" skatītājiem ir unikāla iespēja uzdot jautājumus teātra aktieriem. I.S. Turgenev, mācieties no viņiem visus profesijas smalkumus un noslēpumus.
Starpbrīdis- laika posms starp darbībām, kura laikā spēle tiek pārtraukta un skatītāji var atstāt zāli. Šis "pārtraukums" nozīmē reālā sociālā laika atgriešanos, ilūzijas iznīcināšanu, pārdomu iespēju. Pārtraukums ir nepieciešams ainavu maiņai, ilgas pauzes, aptumšošanas vai pārmaiņām skatītāja priekšā.
Renesanses galma teātrī starpbrīdim bija īpaša nozīme. Tieši šajā laikā skatītāji varēja viens otram parādīt savas šikās tualetes.
Starpbrīdis ir skatītāju atpūta, bet ne darbībai. Tiek pieņemts, ka varoņi turpina dzīvot savu dzīvi starp cēlieniem.
Pārtraukums ir arī psiholoģiska nepieciešamība skatītājam, kura uzmanību ir grūti noturēt bez pārtraukuma ilgāk par divām stundām. Turklāt atgriešanās realitātē liek skatītājam aizdomāties par redzēto, spriest par teātra darbu, vispārināt un sistematizēt daudz iespaidu. Šis ir kritiskuma pamošanās brīdis. Nav pārsteidzoši, ka episkā dramaturģija veicina šādu paužu pieaugumu izrādē, liekot skatītājiem "iejaukties" ilūzijas iznīcināšanas brīžos. Un otrādi, uz hipnotisku ietekmi balstītas un noteiktam ritmam pakļautas izrādes mūsdienās bieži vien pilnībā atsakās no šādas atelpas.
Starpbrīdis OGAT viņiem. IR. Turgenevs parasti ilgst 15 minūtes. Šajā laikā sabiedrība var apmeklēt teātra bufeti, kas atrodas otrajā stāvā, kā arī Oriola estrādes vēstures muzeju.
Loma- aktiera lomas veids, kas atbilst viņa vecumam, izskatam un spēles stilam. Jo īpaši ir komiskas, traģiskas lomas.
Aplausi - skatītāja atklāta tikšanās ar izpildītāju ārpus daiļliteratūras. Stingrā nozīmē aplausi (plaukstu sišana) ir diezgan universāla parādība. Pirmkārt, tas liecina par tā saukto skatītāja fizisko reakciju, kurš pēc piespiedu nekustīguma atbrīvo savu enerģiju.
Aplausi vienmēr pilda kontakta funkciju, kas nozīmē: "Es tevi uztveru un novērtēju."
Ieradums aplaudēt aktieriem aizsākās senatnē. Šādai darbībai senie grieķi pat izdomāja mazu burvīgu dievu - Krotu.
17. gadsimtā Ieradums sist plaukstas bija izplatīts visā Eiropā. Dažās kultūrās sabiedrība demonstrē savu apstiprinājumu, kliedzot, svilpojot. I. S. Turgeņeva vārdā nosauktā OGAT aktieri šajā ziņā lūdz savus skatītājus neatkāpties no krievu tradīcijām un pieklājības likumiem.
Var strīdēties, vai izrādes laikā var aplaudēt un tādējādi sagraut ilūziju. Galu galā aplausi ir atsvešināšanās elements, realitātes iebrukums mākslā.
Šobrīd skatītāji labprāt aplaudē aktieriem, viņu asprātībām, dekorācijām darbības sākumā, pārtraucot izrādes gaitu. Intelektuālāka jeb "avangardiskāka" publika savu entuziasmu izrāda tikai pēc priekškara aizvēršanās, lai neveicinātu atsevišķus aktiermākslas vai režisora atradumus, bet gan uzreiz pēc izrādes pateiktos visiem māksliniekiem, zvanot gan režisoram, gan dekoratoram. , un pat autors.
Gadās, ka aplausi "piegādā" režija.
Teātra uzņēmēji vienmēr ir maksājuši par profesionālas klakas pakalpojumiem, lai skatītāji izrādi uzņemtu labvēlīgi. Turgeņeva teātrī tādas prakses nav. Tāpēc esiet pārliecināts par savu kaimiņu impulsu sirsnību stendos vai amfiteātrī.
Taču aktieru iziešanas un aiziešanas no skatuves "pirms priekškara" var iestudēt: aktieri it kā turpina spēlēt kādu lomu vai izspēlē kādu komisku ainu, lai izraisītu publikas smieklus.
Neaizmirstiet, ka OGAT mākslinieki viņiem. I.S. Turgeņevs, skatītāja viedoklis ir ļoti svarīgs. Tāpēc aplausi viņiem ir visdārgākā balva!
aizkulisēs- telpa aiz galvenās skatuves. Aizkulisēs ir galvenās skatuves turpinājums, ko izmanto, lai radītu ilūziju par lielu telpas dziļumu, un tā kalpo kā rezerves telpa dekorāciju iekārtošanai. Furks vai rotējošs ripojošs aplis ar iepriekš uzstādītiem dekorācijām tiek novietoti uz aizmugurējās skatuves. Aizmugurējās skatuves augšdaļa ir aprīkota ar restēm ar dekoratīviem stāvvadiem un apgaismes iekārtām. Uzmontēto dekorāciju noliktavas ir novietotas zem aizmugurējās skatuves grīdas.
Ieguvums - izrāde, kas iestudēta par godu kādam no aktieriem vai teātra darbiniekiem, kas apliecina labuma guvēja prasmes. Visbiežāk tas tiek rīkots saistībā ar dažādiem neaizmirstamiem notikumiem, mākslinieku jubilejām.
Labdarības izrādes Turgeņeva teātrī vienmēr ir ļoti siltas un dāsnas seno draugu tikšanās, starp kurām īpaša goda vieta ir skatītājiem.
Sānu skatuves kabata- telpa dinamiskai ainavu maiņai ar speciālu ripojošu platformu palīdzību. Sānu kabatas atrodas abās skatuves pusēs. To izmēri ļauj pilnībā novietot uz furkas dekorācijas, kas aizņem visu skatuves spēles laukumu. Parasti dekoratīvās noliktavas pieguļ sānu kabatām.
Rekvizīti - speciāli izgatavoti priekšmeti (skulptūra, mēbeles, trauki, rotaslietas, ieroči u.c.), ko izmanto teātra izrādēs, nevis reālas lietas. Butaforijas ir ievērojamas ar lētumu, izturību, uzsvērtu ārējās formas izteiksmīgumu. Tajā pašā laikā rekvizīti parasti atsakās reproducēt detaļas, kas skatītājam nav redzamas.
Rekvizītu izgatavošana ir liela teātra tehnikas nozare, kas ietver darbu ar papīra masām, kartonu, metālu, sintētiskiem materiāliem un polimēriem, audumiem, lakām, krāsām, mastikām uc Rekvizītu klāsts, kam nepieciešamas īpašas zināšanas apmetuma jomā , kartons, apdares un atslēdznieku darbi, audumu krāsošana, dzenāšana uz metāla...
I. S. Turgeņeva vārdā nosauktā Akadēmiskā teātra rekvizīti no vienkāršiem materiāliem savā arsenālā rada īstus brīnumus. Dažkārt viņi prasmē pat pārspēj slaveno feju, kura savai ne mazāk slavenajai krustmeitai Zološkai no ķirbja uzbūvēja karieti. Neticiet man - pārliecinieties paši. Starp citu, bērnu priekšnesumi vienmēr ir īpaši spilgti.
augstākais posms- skatuves kastes daļa, kas atrodas virs skatuves spoguļa un no augšas norobežota ar restīti. Tas ir aprīkots ar darba galerijām un gājēju celiņiem un kalpo piekarināmu dekorāciju, virsgaismas ierīču un dažādu skatuves mehānismu novietošanai.
Vodevila - komēdijas luga ar kupeju dziesmām un dejām, kā arī dramatiskās mākslas žanru.
Šis nosaukums radās 17. gadsimtā kā divu dziesmu žanru piesārņojums.
15. gadsimta beigās parādījās dziesmas sauktas Val de Vire- burtiski "Virskaya ieleja" (Vir - upe Normandijā). 16. gadsimtā Parīze attīstījās Voix de ville("pilsētas balsis") - strofiskas dziesmas ar pārsvarā mīlestības saturu.
17. gadsimtā parādījās pilsētas tautas satīriskas dziesmas, izpildītas ar vienkāršu instrumentālu pavadījumu vai bez tā. Viņi ieguva vārdu vodevilla.
17.gadsimta otrajā pusē Francijā šīs dziesmas sāka iekļaut nelielās teātra izrādēs, kuras pēc tam sāka dēvēt arī par "vodevilām".
Meikaps- māksla piešķirt aktierim lomai nepieciešamo izskatu.
Kosmētiskais grims teātrī tiek izmantots kopš 16. gadsimta. Viena no tās galvenajām funkcijām ir "dabas uzlabošana". Šī ierastā grima izmantošana ir īpaši apsveicama uz skatuves, jo šī māksla sastāv ne tik daudz, lai tēls izskatītos vecs, bet gan padarītu viņu jaunāku.
Dažas teātra grima tradīcijas, piemēram, ķīniešu teātrī, balstās uz tīri simbolisku sistēmu dažādu krāsu saskaņošanai ar sociālajām īpašībām: balta inteliģencei, sarkana – neuzpērkamiem varoņiem, zila – lepniem, sudraba – dieviem.
Turklāt grims aktierim ir sava veida dzīves tērps, kas sejas kustīguma dēļ konkurē ar masku. Grims izmanto teātra izrādes noteicošo divdomību: tas ir dabiskuma un mākslīguma, lietas un zīmes sajaukums.
Neraksturojot tēlu psiholoģiski, viņš līdzās citām izrādes sastāvdaļām dod savu ieguldījumu teātra formu veidošanā, kļūstot par līdzvērtīgu izrādes estētisku elementu.
Dekorācija- vizuāla darbības veida veidošana uz skatuves ar gleznieciskiem, glezniskiem, arhitektoniskiem līdzekļiem.
Jau pati termina izcelsme (glezniecība, ornamentika, dekorēšana) norāda uz dekoratīvās infrastruktūras mīmisko un glezniecisko funkciju.
Dekorēšanai jābūt noderīgai, efektīvai, funkcionālai.
Viena no galvenajām dekorācijas funkcijām ir dramatiskajā visumā it kā pastāvošu elementu ilustrēšana un attēlošana, ainas brīva konstrukcija un maiņa, kas tiek uzskatīta par spēles mehānismu.
Drāma- literārais (dramatiskais), skatuves un kinematogrāfiskais žanrs. Īpašu izplatību tā guva 18.-21.gadsimta literatūrā, pamazām nomainot citu dramaturģijas žanru - traģēdiju, pretnostatīdams pārsvarā ikdienišķu sižetu un ikdienas realitātei tuvāku stilu. Līdz ar kino parādīšanos viņš pievērsās arī šim mākslas veidam, kļūstot par vienu no tā izplatītākajiem žanriem.
Drāmas īpaši attēlo, kā likums, cilvēka privāto dzīvi un viņa konfliktu ar sabiedrību. Tajā pašā laikā uzsvars bieži tiek likts uz vispārcilvēciskām pretrunām, kas iemiesotas konkrētu tēlu uzvedībā un rīcībā.
Intriga- galvenā drāmas situācija, ap kuru attīstās darbība.
Ašers- teātra darbinieks, kurš pārbauda biļetes, pavada skatītājus līdz sēdvietām un uztur kārtību zālē.
Režģi- režģa (koka) grīdas segums, kas atrodas virs skatuves. Tas kalpo skatuves mehānismu bloku uzstādīšanai, tiek izmantots darbiem, kas saistīti ar izrādes dizaina elementu piekarināšanu. Režģi sazinās ar darba galerijām un skatuvi ar stacionārām kāpnēm.
Komēdija- no grieķu valodas. komedia ir rituāla dziesma, kas pavada kortežu par godu dievam Dionīsam. Iepriekš šis vārds apzīmēja jebkuru lugu neatkarīgi no žanra.
Saskaņā ar tradīciju komēdiju nosaka trīs kritēriji, kas ir pretēji traģēdijai: komēdijas varoņi ir pieticīgi cilvēki, nobeigums noteikti ir laimīgs, izrādes galvenais mērķis ir publikas smiekli. Līdz ar to tā adaptīvā vieglums jebkurā sabiedrībā, bezgalīgā izpausmju daudzveidība un grūtības veidot saskaņotu komēdijas teoriju.
Komēdija gandrīz vienmēr nonāk pie optimistiskiem secinājumiem (laulība, izlīgums, atzīšana). Skatītāja smiekli tajā tagad ir līdzdalībnieka smiekli, tagad pārākuma smiekli: tie pasargā skatītāju no traģiskā satraukuma.
Katra komiskā luga ir traģiskā mehānisma līdzinieks un antipods. Traģēdija spēlē mūsu dziļākās bažas; komēdija spēlē mūsu aizsardzības mehānismus pret šīm bažām.
Tādējādi abi žanri atbild uz vienu un to pašu cilvēcisko jautājumu. Pāreju no traģiskā uz komisko nodrošina publikas emocionālās līdzdalības pakāpe. Galu galā komēdijā visas pretrunas tiek atrisinātas rotaļīgā vai kodīgā tonī, pasaule atrod līdzsvaru.
Taču pirms kārtības atjaunošanas un laimīgām beigām ir jānotiek nestabilitātes periodam, kam seko optimistisks noslēgums un galīga samierināšanās.
aizkulisēs- vertikālas auduma sloksnes, kas ierāmē skatuvi.
Lodža- tradicionālā teātra interjerā sēdekļu grupa, kas atdalīta no blakus esošajiem ar sānu starpsienām vai barjerām.
Vēsturiski kaste bija neliela telpa ar atsevišķu ieeju, kas dažos gadījumos veda caur nelielu gaiteni, kur varēja atstāt drēbes vai pat pavadīt laiku starpbrīža laikā. Šo istabu sauca par ārtelpu. Kastes atradās gan stendu līmenī (benoir box), gan augstākos līmeņos (no kuriem pirmais, prestižākais, tika saukts par mezonīnu).
Daudzos teātros tika nodrošinātas priviliģētas kastes - karaliskās (karaliskās, prezidenta), gubernatora, režisora kastes, kas bija teātra vadības rīcībā. Citas ložas bagātie un dižciltīgie cienītāji visbiežāk abonēja visai sezonai.
Kastes priekšrocība bija ne tikai atsevišķa ieeja, bet arī iespēja vērot skatuves darbību, mazākā mērā atklājot sevi.
Melodrāma- sākotnēji - luga, kurā akūtākos dramatiskos mirkļus pavadīja mūzika, lai paustu klusā varoņa emocijas.
Laika gaitā melodrāma kļūst par jaunu neatkarīgu žanru. Rādot labos un ļaunos cilvēkus traģiskās vai aizkustinošās situācijās, melodrāma mēģina aizraut skatītāju ne tik daudz ar teksta nozīmību, cik ar skatuves efektiem.
Tas maksimāli izceļ varonīgo, sentimentālo un traģisko pusi un vairo negaidītus iznākumus, atzinības un varoņu traģiskos komentārus. Stāstījuma struktūra ir nesatricināma: mīlestība, nodevība, nelaimi, tikumības triumfs, sods un atlīdzība, vajāšanas kā "intrigu kodols".
Šī forma veidojas laikā, kad iestudējums sāk uzspiest iespaidīgus efektus, harmonisko tekstu aizstāt ar negaidītiem rezultātiem.
Melodrāmas varoņiem, kas skaidri sadalīti pozitīvajos un negatīvajos, ir liegta traģiskas izvēles iespēja. Viņi ir labu vai sliktu sajūtu pilni, viņus nemoka šaubas, nesarauj pretrunas.
Melodrāmas situācijas bieži ir neticamas, bet skaidri noteiktas: pilnīgs izmisums vai neizsakāma laime; varoņa nežēlīgais liktenis, kas beidzas ar laimīgām beigām (optimistiskā melodrāmā), vai drūms un saspringts liktenis, kā šausmu romānā; sociālā netaisnība vai atlīdzība par tikumu un pilsonisko tikumu.
mizanska -šī vārda plašajā, vispārpieņemtajā nozīmē - skatuves interpretācijas līdzekļu kopums: dekorācijas, apgaismojums, mūzika un aktierspēle.
Šaurā nozīmē šis termins apzīmē darbību, kas sastāv no dažādu dramatiskā darba skatuves interpretācijas elementu apvienošanas noteiktā laika un telpas ietvarā. Sākotnēji mizanscēna pauž klasisko teātra darba koncepciju kā vienotu harmonisku veselumu, kas nav reducēts uz vienkāršu materiālu vai skatuves mākslas summu, bet ir kvalitatīvi jauna augstāka līmeņa vienība. Mizanscēna pasludina katras atsevišķas mākslas vai vienkārši jebkuras zīmes pakārtošanu vienam harmoniskam principam, vienojošai idejai.
Pieprasījumu pēc vienojošas idejas jau no paša mizanscēnas koncepcijas dzimšanas pavadīja tekstu un inscenējuma vēsturiskuma apziņa, izpratne, ka notiek vesela viena un tā paša darba “konkretizācijas” secība. .
Vārdu sakot, šī ir teksta transformācija vai, pareizāk sakot, konkretizācija caur aktieri, caur skatuves telpu, kas iestrādāta skatītāja izdzīvotajā laika periodā.
Telpa, tā teikt, tiek pārtulkota vārdos: teksts tiek iegaumēts un ierakstīts aktiera žestu telpā. Mākslinieks meklē tādas kustības, tādas pozas, kas vislabāk atbilstu teksta telpiskajam ierakstam. Dialoga vārdi, kas apkopoti tekstā, tagad eksistē atsevišķi, tie ir ierakstīti skatuves telpā un laikā, tos var redzēt un dzirdēt.
Mizanscēna aptver gan vidi, kurā eksistē aktieri, gan lomas psiholoģisko žestu lēmumu. Jebkura mizanscēna ir teksta interpretācija ar "darbības" palīdzību; piekļūšana lugai mums iespējama tikai caur šādu režisora lasījumu.
Mizanscēna vienmēr ietver darba posmu ar aktieriem. Režisors vada aktierus, skaidrojot, kā viņiem vajadzētu izskatīties uz skatuves atbilstoši viņa priekšstatam par lomu. Viņš veic korekcijas atkarībā no viņu snieguma saderības ar citu aktieru sniegumu. Viņš cenšas panākt, lai žesti, intonācijas un ritms vissīkākajā detaļā atbilstu visam mizanscēnas diskursam, lai tie iekļautos pasāžā, ainā, visā izrādē.
apakšējā stadija- skatuves kastes daļa zem planšetdatora, kurā atrodas skatuves mehānismi, sufleru un gaismas vadības kabīnes, pacelšanas un nolaišanas ierīces, ierīces skatuves efektiem.
Opera - mūzikas un dramaturģijas mākslas žanrs, kurā saturs tiek iemiesots ar muzikālās dramaturģijas palīdzību, galvenokārt ar vokālās mūzikas palīdzību. Operas literārais pamats ir librets.
Vārds "orega" tulkojumā no itāļu valodas burtiski nozīmē darbu, kompozīciju. Šajā mūzikas žanrā vienotā veselumā tiek sapludināta dzeja un dramatiskā māksla, vokālā un instrumentālā mūzika, sejas izteiksmes, dejas, glezniecība, dekorācijas un kostīmi.
Gandrīz katra opera sākas ar uvertīru – simfonisku ievadu, kas klausītāju vispārīgi iepazīstina ar visas darbības saturu.
Parters(fr. parterre- uz zemes) - skatītāju zāles apakšējais stāvs teātrī ar sēdvietām publikai telpā no skatuves vai no orķestra līdz pretējai sienai vai amfiteātrim.
Letiņu sencis bija senatoru sols Senās Romas teātros. 17. gadsimtā pēc daudzpakāpju teātra ēkas parādīšanās mainījās arī stendi, kas ieguva modernāku izskatu. Parters bija paredzēts zemākajai klasei, tāpēc ilgu laiku tajā nebija sēdvietu - partera skatītājiem priekšnesums bija jāskatās, stāvot kājās. Sēdvietas stendos parādījās 17. gadsimta sākumā privātajos iekštelpu teātros Anglijā. Tad sēdvietas tika sakārtotas pēc vajadzības.
Šobrīd sēdvietas visbiežāk ir sakārtotas rindās, kas paceļas no skatuves līdz amfiteātrim un ir paralēlas skatuves malai. Sēdekļi ir atdalīti ar celiņiem, lai izietu no stendiem.
Rampa- izkliedētās gaismas apgaismojuma ķermeņu sistēma, kas uzstādīta uz planšetdatora gar proscenija priekšējo malu un paredzēta skatuves telpas apgaismošanai no priekšpuses un no apakšas. No skatītājiem paslēpts ar zemu pusi.
Direktors- persona, kuras pienākumos ietilpst lugas iestudēšana. Režisors uzņemas atbildību par izrādes estētisko pusi un tās organizāciju, izpildītāju atlasi, teksta interpretāciju un viņa rīcībā esošo skatuves instrumentu izmantošanu. Šī termina parādīšanās parasti tiek attiecināta uz 19. gadsimta pirmo pusi.
Teātra vēsturē ir daudz vairāk vai mazāk leģitīmu režisora priekšteču.
Sengrieķu teātrī didaskalos (no didiskalos — “skolotājs”) lomu bieži pildīja pats izrādes autors, rīkojoties kā organizators.
Viduslaikos teātra trupas vadītājs bija atbildīgs par mistēriju iestudēšanas ideoloģiskajiem un estētiskajiem aspektiem. Renesanses un baroka laikmetā izrādes bieži organizēja arhitekti un dekoratori pēc saviem plāniem.
XVIII gadsimtā. stafeti pārņem lieliski aktieri. Un tikai līdz ar reālistiskā teātra uzplaukumu režisora funkcija pāriet profesionāļiem, pārtop patstāvīgā mākslā.
Rekvizīti- skatuves iekārtojuma priekšmeti (izņemot dekorācijas un kostīmus), ko aktieri izmanto vai ar kuriem manipulē izrādes laikā.
Repertuārs- viena teātra izrādes vienā sezonā vai noteiktā laika periodā; tāda paša stila vai tā paša laikmeta lugu izlase; lomu kopums, ko viens aktieris spēj nospēlēt, viņa aktierspēju diapazons, viņa loma.
Mēģinājums- darbs pie teksta apguves un skatuves uzveduma, ko izpilda aktieri režisora vadībā.
Šī izrādes sagatavošanas darbība aizņem visu trupu un izpaužas dažādās formās.
Mēģinājumi katru reizi notiek jaunā, radošā veidā.
Loma - teksta un viena aktiera aktieru kombinācija. Lomas sadala, kā likums, režisors, atkarībā no izpildītāju īpašībām un to izmantošanas iespējām izrādē.
Tad par lomu kļūst pats aktieris (nelieša, nodevēja u.c. loma), ko veido aktieris. Ja loma neatbilst mākslinieka lomai, viņi runā par jauktu lomu.
Jebkurā lugā ir tā sauktās galvenās un sekundārās lomas. Attieksmi pret lomu veido vai nu atdarināšanas un identifikācijas (varoņa iemiesošanās, ko veic aktieris) princips, vai, gluži pretēji, atšķirības un atsvešināšanās princips.
Aina- no grieķu valodas. skene - kabīne, skatuve. Grieķu teātra pirmajās dienās skate bija būris vai telts, kas tika uzcelta aiz orķestra.
Skene, orchectra, theatron ir trīs senās Grieķijas izrādes scenogrāfiskie pamatelementi. Orķestris vai rotaļu laukums savienoja skatuvi un publiku. Skene attīstījās augstumā, iekļaujot dievu un varoņu teologeonu jeb rotaļu laukumu, un virspusē kopā ar prosceniju veidojās arhitektoniska fasāde, sienas dekora priekštecis, kas vēlāk veidos proscēnija telpu.
Vēstures gaitā termina "skatuve" nozīme ir pastāvīgi paplašināta: ainava, rotaļu laukums, darbības aina, laika posms cēliena laikā un, visbeidzot, metaforiskā nozīmē pēkšņs un spilgts iespaidīgs notikums ( "izveidot kādu ainu").
Turgeņeva teātrim ir īpaša, ļoti godbijīga attieksme pret skatuvi. Šī ir vieta, kur nezinātāji ir slēgti. Uzkāpjot uz to, Turgeņeva nama kalpi, šķiet, apņemas spēlēt no sirds, iepazīstināt sabiedrību ar visām sava talanta šķautnēm.
Taču arī skatītājiem ir unikāla iespēja apmeklēt skatuvi, iegādājoties biļeti uz izrādi “Skaistā mīlestības zvaigzne”: publikai paredzētas sēdvietas ir aprīkotas tieši uz skatuves, kas piešķir iestudējumam īpašu tuvību un tuvību.
Scenogrāfija- seno grieķu vidū - teātra dekorēšanas māksla un gleznainās ainavas, kas izriet no šīs tehnikas.
Renesansē scenogrāfija ir tehnika, kas sastāv no audekla fona gleznošanas.
Šī vārda mūsdienu izpratnē tā ir skatuves un teātra telpas organizēšanas zinātne un māksla. Metonīmiski: pati dekorācija, scenogrāfa darba rezultāts.
Šis termins arvien biežāk tiek aizstāts ar vārdu "dekorācija", ja rodas nepieciešamība pārsniegt dekorācijas jēdzienu. Tādējādi scenogrāfija iezīmē vēlmi rakstīt trīsdimensiju telpā (kurai jāpievieno arī temporālā dimensija), nevis tikai audekla dekorēšanas māksla, ar ko teātris bija apmierināts līdz pat naturālismam.
Mūsdienu scenogrāfijas ziedu laikos dekoratoriem izdevās iedvest dzīvību telpā, atdzīvināt laiku un aktiera sniegumu kopējā radošajā darbībā, kad grūti izolēt režisoru, gaismu, aktieri vai mūziķi.
Teātris(grieķu θέατρον - galvenā nozīme ir vieta brillēm, pēc tam - brilles, no θεάομαι - es skatos, es redzu) - skatuves mākslas veids.
Teātris ir visu mākslu sintēze, tas ietver mūziku, arhitektūru, glezniecību, kinematogrāfiju, fotogrāfiju u.c. Galvenais izteiksmes līdzeklis ir aktieris, kurš ar darbības palīdzību, izmantojot dažādus teātra paņēmienus un esamības formas, nodod skatītājam būtību. par to, kas notiek uz skatuves.
Šajā gadījumā aktierim nav jābūt dzīvam cilvēkam. Tā var būt lelle vai kāds priekšmets, ko kontrolē cilvēks.
Teātris tiek uzskatīts par spēcīgāko cilvēku ietekmēšanas līdzekli, jo, redzot uz skatuves notiekošo, skatītājs asociējas ar vienu vai otru tēlu. Caur katarsi (attīrīšanās caur ciešanām) viņā notiek pārmaiņas.
Teātra galvenie darbinieki: režisori, aktieri, grima mākslinieki, garderobes, apgaismotāji, vedēji, horeogrāfi, mākslinieki, skatuves darbinieki.
Teātra māksla- vārdu salikums, kas satur visas teātra pretrunas: vai šī māksla ir autonoma kopā ar saviem likumiem un estētisko specifiku, vai arī tas ir tikai vairāku mākslu (glezniecības, dzejas, mākslu) kumulatīvs rezultāts (sintēze, konglomerāts vai kombinācija), arhitektūra, mūzika, deja un žesti)? Estētikas vēsturē ir abi viedokļi.
1. Teātra izcelsme
Vēstures gaitā izveidojušos formu un teātra tradīciju bezgalīgā bagātība, vienas, pat visvispārīgākās, teātra mākslas definīcijas iespējamība. Grieķu vārda theatron etimoloģija, kas nozīmē vietu, kur skatītāji pulcējās, lai noskatītos izrādi, tikai daļēji atspoguļo vienu no šīs mākslas sastāvdaļām. Patiešām, māksla, kas paredzēta galvenokārt vizuālai uztverei, sava veida institucionalizētai kontemplācijai, teātris bieži vien ir reducēts līdz dramaturģijas mākslai, literatūras žanram, kura izrāde jau kopš Aristoteļa laikiem tiek uzskatīta par mākslu. aksesuārs, neizbēgami atkarīgs no teksta. Teātra formu un dramaturģijas žanru daudzveidība atbilst teātra darba materiālo, sociālo un estētisko apstākļu daudzveidībai: kas kopīgs, piemēram, starp primitīvu rituālu, bulvāra lugu, viduslaiku mistēriju lugu vai izrādi, kas tapusi Indijas vai Ķīnas tradīcija?
Sociologiem un antropologiem ir grūti noteikt iemeslu kopumu, kas nosaka cilvēka nepieciešamību pēc teātra. Bet neatkarīgi viens no otra un dažreiz vienprātīgi viņi norādīja uz vēlmi atdarināt; spēles garša gan bērnu, gan pieaugušo vidū, sākotnējā ceremonijas funkcija; nepieciešamība stāstīt stāstus un nesodīti smieties par to vai citu sabiedrības stāvokli; bauda, ko piedzīvo aktieris reinkarnācijā. Teātra izcelsmei, šķiet, bija rituāls vai reliģisks pamats, un indivīds no personu grupas pats piedalījās ceremonijā, pirms uzticēja šo uzdevumu aktierim vai priesterim. Teātris tikai pamazām atkāpās no savas maģiskās vai reliģiskās būtības un, lai izaicinātu sabiedrību, tam bija jākļūst pietiekami spēcīgam un neatkarīgam: tātad arī tā vēsturē radušās grūtības, kas raksturo attieksmi pret varu un likumu. Mūsdienu teātrim ar kulta avotu nav nekāda sakara, izņemot dažus eksperimentus atgriešanās pie mīta vai ceremonijas, kas pēc Arta eksperimentiem meklē teātra darbības sākotnējo tīrību, un tās formas ir tik daudzveidīgas, ka pilnībā atbilst. daudzas jaunas estētiskās un sociālās funkcijas. Teātra attīstība ir cieši saistīta ar sociālās un tehnoloģiskās apziņas evolūciju: vai ne tāpēc viņi ik pa laikam pareģo tā neizbēgamo nāvi mediju un masu mākslas dominēšanas dēļ.
2. Rietumu tradīcija
Ja jautājums par teātra mākslas būtību un specifiku vienmēr ir saturējis kaut ko ideālistisku un metafizisku, ļoti tālu no faktiskās teātra prakses, tad var vismaz uzskaitīt dažas šīs mākslas iezīmes, kas raksturīgas mūsu Rietumu tradīcijai no plkst. Senā Grieķija līdz mūsdienām. Jēdziens "māksla" atšķiras no jēdzieniem "amatniecība", "tehnika" vai "rituāls": teātris, pat ja tā rīcībā ir dažādi tehniskie līdzekļi (luga, skatuves dizains utt.) un noteikts tradicionālo un nesatricināmo darbību skaits pārsniedz katras šīs sastāvdaļas darbības jomu. Katru reizi viņš atveido darbību (vai kādas darbības mīmisku atveidojumu), pateicoties aktieriem, kas iemieso aktierus vai rāda tos auditorijai, kas sapulcējusies vienlaikus vienuviet, vairāk vai mazāk aprīkota. Teksts (vai darbība), aktiera ķermenis, skatuve, skatītājs – tāda ir jebkuras teātra komunikācijas nepieciešamā ķēde. Katrs posms šajā ķēdē iegūst ļoti dažādas formas. Dažkārt teksts netiek cienīts un aizstāts ar neliterāru spēles stilu, pat ja tas ir specifisks, lasīšanai paredzēts teksts; aktiera ķermenis zaudē savu cilvēka klātbūtnes funkciju, kad režisors to pārvērš par lelli vai kad to aizstāj scenogrāfijā nodrošināts objekts vai skatuves mehānisms; skatuve nav obligāti aprīkota ēkā, kas speciāli celta teātra izrādēm: pilsētas laukums, angārs utt. lieliski piemērots teātra aktivitātēm; skatītāju nevar pilnībā izslēgt, nepārvēršot teātra mākslu par dramatisku spēli, kurā piedalās visi, kā rituālu, kura izrādei nav nepieciešama sveša acs, vai par "sektantisku darbību", kas ir pilnībā izolēta un kam nav kritiskas izejas sabiedrībai. ...
Teātra izrāde paredz veselu kompleksu direktīvu, padomu, pavēles, kas ietvertas teātra partitūrā, tekstā un skatuves virzienos.
Atšķirībā starp žanriem un to hierarhiju nav nekā fiksēta un galīga. Tādējādi mūsdienu teātra māksla kategoriski noliedz dalījumu trīs daļās: drāma/lirika/eposs. Savu nozīmi, attīstoties sociālajām attiecībām, zaudē arī traģēdijas-komēdijas polaritāte, kas tiek atzīmēta žanru duālajā tradīcijā - "cēls" (traģēdija, augstā komēdija) un "vulgāra" (farss, izrāde).
3. Teātris mākslas sistēmā
Lielākā daļa teorētiķu piekrīt, ka teātra mākslai ir visi mākslinieciskie un tehnoloģiskie līdzekļi, kas ir pieejami konkrētajā laikmetā. Kreigs, piemēram, sniedz šādu (gandrīz tautoloģisku) definīciju: “Teātra māksla nav nedz aktiermāksla, nedz teātra spēle, nedz skatuves tēls, nedz deja... Tā ir teātra elementu kopums. kuras veido šīs dažādās sfēras. To veido kustība, kas ir aktiermākslas nozīme, vārdi, kas veido lugas ķermeni, no līnijas un krāsas, radot skatuves dekorācijas dvēseli, no ritma, kas nosaka dejas būtību.
Nav vienprātības jautājumā par šo dažādo mākslu savstarpējām attiecībām.
Citiem teorētiķiem dažādu mākslu apvienošana nav iespējama; labākajā gadījumā jūs varat izveidot nestrukturētu konglomerātu; svarīgi ir izveidot hierarhiju starp līdzekļiem un tos apvienot, lai sasniegtu vēlamo rezultātu un atbilstoši režisora gaumei. Apijas ieteiktā hierarhija – aktieris, telpa, gaisma, glezniecība – ir tikai viena no neskaitāmajām estētikas iespējām.
Cita teorētiķu grupa Vāgnera un Apijas koncepcijās saskata vienas monētas divas puses, vienlaikus kritizējot teātra mākslas jēdzienu kā Gesamtkunstwerk jeb totālo teātri un aizstājot to ar teātra darbu (Brehts). Skatuves māksla pastāv un ir jēga tikai savā daudzveidībā un pretrunās. Iestudējums liek skatuvei pretoties tekstam, mūzikai – lingvistiskajai nozīmei, zīmju valodai – mūzikai vai tekstam utt.
4. Teātra mākslas specifika un robežas
Īss pārskats par teorētiskajiem darbiem par teātri pierāda, ka neviena teorija nespēj reducēt teātra mākslu līdz vajadzīgajiem un apmierinošajiem terminiem. Šo mākslu nav iespējams ierobežot ar tehnisko līdzekļu arsenālu. Prakses mērķis ir bezgalīgs skatuves horizonta paplašināšana: caurspīdīgu plēvju vai filmu rādīšana, teātra pārvēršana par skulptūru, deju vai pantomīmas mākslu, politisko propagandu vai notikumu. Tādējādi teātra mākslas studiju programma sazarojas līdz bezgalībai.
PavieP. Teātra vārdnīca. Izdevējs: Progress, 1991.
teātra aizkars- audums, kas pārklāj skatuvi no skatītāju zāles. Aizkari šūti no blīva krāsota auduma ar biezu oderi, dekorēti ar teātra emblēmu vai platām bārkstīm, pievilkti līdz aizkara apakšai. Aizkars ļauj situācijas maiņas procesu padarīt neredzamu, radīt laika plaisas sajūtu starp darbībām.
Traģēdija(sengrieķu tragōdía, burtiski - “kazas dziesma”) - fantastikas žanrs, kas balstīts uz notikumu attīstību, kas parasti ir neizbēgams un obligāti noved pie varoņiem katastrofāla iznākuma, kas bieži vien ir piepildīts ar patosu; drāmas veids, kas ir pretējs komēdijai.
Traģēdija ir izteikta ar smagu nopietnību, visstraujāk ataino realitāti, kā iekšējo pretrunu gūzmu, atklāj realitātes dziļākos konfliktus ārkārtīgi intensīvā un bagātīgā formā, kas iegūst mākslinieciska simbola nozīmi. Tā nav nejaušība, ka lielākā daļa traģēdiju ir rakstītas pantā.
Jēdziens "traģēdija" ir saistīts ar satīru dziedāšanu (grieķu mitoloģijā radības ar kazām), kuru tēli tika izmantoti senās Grieķijas reliģiskajos rituālos par godu dievam Dionīsam.
Farss- viegla satura komēdija ar tīri ārējiem komiskiem trikiem.
Viduslaikos farsu sauca arī par tautas teātra un literatūras veidu, kas Rietumeiropas valstīs bija izplatīts XIV-XVI gadsimtā. Nobriedis mistērijas ietvaros, farss 15. gadsimtā iegūst neatkarību un nākamajā gadsimtā kļūst par dominējošo žanru teātrī un literatūrā. Cirka klaunāšanā ir saglabājušies farsa bufonēšanas paņēmieni. Mūsdienu krievu valodā farsu parasti sauc par rupjību, procesa imitāciju, piemēram, tiesas procesu.
Farsa galvenais elements nebija apzināta politiska satīra, bet gan nepiespiests un bezrūpīgs pilsētas dzīves atainojums ar visiem tās skandalozajiem atgadījumiem, neķītrībām, rupjībām un jautrību. Franču farsā laulāto skandāla tēma bieži mainījās.
Foajē- telpa teātrī, kinoteātrī, cirkā, kas paredzēta skatītāju atpūtai, gaidot seansu, izrādi, izrādi, kā arī publikas atpūtai starpbrīža laikā.
I. S. Turgeņeva vārdā nosauktā Valsts akadēmiskā teātra foajē vilina ne tikai ar ziemas dārzu, daudzveidīgām fotogrāfijām, kas stāsta par neaizmirstamākajām izrādēm, bet arī ar unikālu projektu “Teātris foajē”, kurā tiek rīkotas izrādes mazajiem skatītājiem.
furka- daļa no skatuves aprīkojuma; mobila platforma uz rullīšiem, kas kalpo dekorācijas daļu pārvietošanai uz skatuves. Furca kustība tiek veikta ar elektromotoru, manuāli vai ar kabeļa palīdzību, kura viens gals atrodas aizkulisēs, bet otrs ir piestiprināts pie furkas sānu sienas.
Sagatavošanā "Teātra vārdnīca" izmantotie materiāli no interneta resursiem, kā arī P. Pāvi "Teātra vārdnīca" (Izdevējs: Progress, 1991)
AVANLOJA- sēdvietas auditorijā, telpa pirms ieejas kastē.
PROSCĒNIJS- skatuves priekšpuse (starp aizkaru un rampu).
TĒLOT- dramatiskā darba vai teātra izrādes pabeigtā daļa; tas pats, kas darbība.
AKTIERIS, aktrise - lomu izpildītāja (izpildītāja).
LOMA- līdzīgas lomas, kas atbilst noteikta aktiera talantam un ārējiem datiem.
AMFITEĀTRIS- 1) senlaicīga briļļu ēka: ovāla manēža, ap kuru izciļņos bija izvietotas skatītāju sēdvietas; 2) sēdvietas auditorijā, kas atrodas aiz stendiem.
IESAISTĪŠANĀS- uzaicinājums aktierim uz noteiktu laiku piedalīties izrādēs vai koncertos.
PAZIŅOJUMS- paziņojums par gaidāmajām tūrēm, izrādēm, koncertiem.
ANTIVARONIS- lugā apzināti reducēts, deheroizēts tēls, kas ieņem vienu no galvenajām vietām.
STARPJUMS- pārtraukums starp izrādes darbībām (aktiem), starp koncerta sadaļām.
UZŅĒMĒJS- privātā teātra īpašnieks, īpašnieks, īrnieks.
UZŅĒMUMS- privātais teātris.
PILNA MĀJA- paziņojums, ka visas biļetes (uz izrādi, izrādi) ir pārdotas.
APOTEOZE- izrādes vai svētku koncertprogrammas svinīga noslēguma masu aina.
ARRIERSCENE- skatuves daļa, kas atrodas vistālāk no skatītāju zāles.
BALAGAN- komiska rakstura teātra izrāde, kas rādīta gadatirgos un svētkos (Krievijā kopš 18. gs.).
BALKONS- vietas auditorijā, kas atrodas amfiteātrī dažādos līmeņos.
MEZZANĪNS- pirmais balkonu līmenis virs stendiem un amfiteātra auditorijā vai koncertzālē.
IEGUVUMS- 1) teātra izrāde par godu vienam aktierim; 2) izrāde, no kuras saņēmu viena vai vairāku aktieru, kā arī citu teātra darbinieku labumu.
BENUĀRA- teātra kastes siennas līmenī vai nedaudz zemāk abās stendu pusēs.
BERIKAOBA- Gruzijas improvizācijas tautas masku teātris. Tas pastāvēja no seniem laikiem līdz 20. gadsimta sākumam.
BURLESSKA- pārspīlēts komisks tēls uz skatuves.
ĪPAŠĪBAS- teātra darbinieks, kas atbild par rekvizītiem. To veido rekvizītu mākslinieks.
PROPS- īpaši izgatavoti un teātra iestudējumos īstu lietu vietā izmantotie priekšmeti.
BUFŪNS- aktiera loma, kurš lomas atveidošanā izmanto bufonu.
BUFŪONIJA- 1) priekšnesums klaunu tehnikā; 2) ārēji uzsvērti komiski pārspīlējumi, dažkārt kariķējoši tēli.
Kristus dzimšanas aina- ukraiņu tautas leļļu teātris, kas kļuva plaši izplatīts XVII-XIX gs. Lelles, kas piestiprinātas pie stieples divstāvu kastē - bedrē, iekustināja dzimšanas aina. Ainas no Bībeles stāstiem. Satīriskās starpspēles tika pavadītas mūzikas pavadījumā.
GALERIJA- auditorijas augšējais līmenis.
HASTION aktieris senajā Romā.
TURĒJUMS- aktieru uzstāšanās ceļā citos teātros.
VARONIS ir lugas galvenais varonis.
ĢIERĀCIJAS MĒĢINĀJUMS- pēdējais pirms izrādes, koncerta.
VEcmāmiņa- aktrises loma dižciltīgo dāmu lomā.
VEELKAKETS- pieaugušas dižciltīgas dāmas loma.
MEIKAPS- 1) māksla mainīt aktiera izskatu (galvenokārt seju) ar speciālu krāsu, uzlīmju, parūku, frizūru u.c. palīdzību; 2) krāsas un citi grima piederumi.
vizāžiste- Vizāžiste.
GRĒMA ISTABA- telpa aktieru grimēšanai un ģērbšanai.
DARBĪBA— pabeigtā izrādes daļa. Tas pats, kas darbojas.
DEKLARĀCIJA- Skaidra, izteiksmīga lasīšana skaļi.
DEKORĀCIJA- skatuves mākslinieciskais noformējums uz teātra skatuves, veidojot izrādes vizuālo tēlu.
DZYORURI leļļu teātra veids Japānā. Džoruri lugas tiek spēlētas uz kabuki teātra skatuves.
DIVERTISSĒŠANA- muzikāla vai dramatiska izrāde no atsevišķu numuru sērijas, ko parasti sniedz papildus priekšnesumam.
DRAMATURGIJA- 1) dramatiskā māksla, dramatisko darbu konstruēšanas teorija; 2) šo darbu kopums; 3) atsevišķa teātra darba sižetiski kompozīcijas pamats.
NELIETIS- aktiera loma, spēlējot negatīvus varoņus.
INGENUE- aktrises loma naivas meitenes lomā.
STARPNIECĪBAS- īss skaņdarbs, kas tiek atskaņots starp dramatiskas vai operas izrādes cēlieniem; ievietot ainu.
KABUKI- viens no klasiskā teātra veidiem Japānā. Ietver mūziku, deju, drāmu, veidojusies 17. gadsimtā. Kopš 1652. gada šādās trupās uzstājas tikai vīrieši.
GLEZNA daļa no cēliena drāmā.
Klaka- īpaša cilvēku grupa, kas nolīgta, lai radītu mākslīgu izrādes veiksmi vai neveiksmi, aktieris.
KOKETE- aktrises loma, kas darbojas kā skaista meitene.
RĪVES- skatuves augšējā (skatītājam neredzamā) daļa bloku, skatuves mehānismu un dekorācijas piekares elementu uzstādīšanai.
KOMIĶIS- aktiera loma, kas izpilda komiskas lomas.
PĀRLIECINĀTS- aktieris, kurš spēlē aptuvenā galvenā varoņa lomu.
KOTURNY- sava veida sandales ar ļoti biezām zolēm seno grieķu un romiešu aktieru vidū, lai palielinātu izaugsmi.
aizkulisēs- plakanas dekorācijas daļas (mīkstas, izstieptas uz rāmjiem), kas atrodas skatuves malās.
LIRIĶIS- aktiera loma, spēlējot liriskus tēlus.
AKTIERIS- aktiera vārds senajā Krievijā.
LOĢIJA- sēdvietu grupa auditorijā (ap stendiem un stāviem), kas atdalīta ar starpsienām vai barjerām.
LEĻĻA- teātra lelle, kuru leļļu aktieris iedarbina ar diegu palīdzību.
mizanaina- aktieru atrašanās uz skatuves vienā vai otrā izrādes laikā. Mizanscēnu māksla ir viens no svarīgākajiem režijas elementiem.
MIME- mīmu aktieris
MIMIC- viens no svarīgiem aktiera mākslas elementiem, izteiksmīga sejas muskuļu kustība.
MONOLOGS- aktiera runa, kas adresēta skatītājiem vai viņam pašam.
MŪZIKAS ZĀLE- varietātes veids, kas apvieno varietē, cirka, dejas un mūzikas žanrus. Pirmās mūzikas zāles Lielbritānijā parādījās 19. gadsimta vidū.
TAUTAS TEĀTRIS- 1) tautā pastāvošs teātris, organiski saistīts ar mutvārdu tautas mākslu; 2) 19. gadsimta otrās puses profesionālais teātris, kura darbība bija adresēta plašai auditorijai; 3) neprofesionāls amatierteātris (Krievijā parādījās 19. gs. vidū).
NOU- viens no tradicionālā japāņu teātra veidiem. Ietver mūziku, deju, drāmu. Raksturīgās iezīmes: ainavu konvencionalitāte, galvenie varoņi maskās, kostīmam trūkst ikdienas konkrētības.
PADUGA- aizkaru josla gar skatuves augšpusi.
PANTOMĪMS- skatuves mākslas veids, kurā māksliniecisks tēls tiek veidots bez vārdu palīdzības, ar izteiksmīgu kustību, žestu, mīmikas palīdzību.
PARTERS- skatītāju zāles grīdas plakne ar skatītāju sēdvietām, parasti zem skatuves līmeņa.
PELZHENT- pārvietojama skatuve liela vagona formā viduslaiku teātrī. To izmantoja, iestudējot noslēpumus, brīnumus, gājienus.
PETIMETERS- dendija tēls satīriskā komēdijā.
PĒTERSĪĻI- krievu tautas leļļu izrāžu galvenais varonis; zināms kopš 17. gadsimta pirmās puses.
STADUMS- sinonīms vārdam "aina".
PAZIŅOJUMS, APGALVOJUMS- izrādes veidošanas radošais process; tāds pats kā priekšnesums.
PREMIER (PRIMIER)- aktieris, aktrise, ieņem vadošo amatu trupā, spēlē galvenās lomas.
PIRMIZRĀDE- pirmā (vai viena no pirmajām) publiska apmaksāta jauna priekšnesuma izrāde.
DIVA- Galvenā aktrise.
SIMPLETON- aktiera loma, kurš atveido vienkāršu cilvēku.
RAMPA- gaismas iekārtas uz skatuves grīdas gar tās priekšējo malu, paslēptas no publikas pie dēļa.
REVUE- varietē vai teātra izrāde, kas sastāv no vairākiem cipariem, kurus vieno viena tēma.
DIREKTORS- Izrāžu režisors, vadoties pēc paša ieceres, veido jaunu skatuves realitāti, apvienojot aktieru, mākslinieka, komponista darbu.
RESONER- aktiera loma, paužot moralizējošus spriedumus.
PROPS- Teātra izrādēs izmantotie priekšmeti.
MĒĢINĀJUMS- galvenā teātra izrādes sagatavošanas forma.
REPERTUĀRS- teātrī izpildīto darbu kopums.
OĻEGS Striženovs ir ne tikai viens no labākajiem padomju paaudzes māksliniekiem. Viņš ir tā augstākā līmeņa aktieris, kurš "ceļ latiņu" krievu kino ārzemēs. Tomēr viņš pats sevi par zvaigzni neuzskata, jo tas ir "aizvainojoši smieklīgi". Striženovam vienmēr par visu ir oriģināls viedoklis. Piemēram, reiz viņš pat atteicās no Andreja Bolkonska lomas, kas izraisīja īstu skandālu kino pasaulē. 10. augustā Oļegam Striženovam apritēja 75 gadi, bet līdz šai dienai Oļegs Aleksandrovičs turpina strādāt kinoteātrī. Lai gan viņš saka, ka mūsu valstī nav kino.
OĻEGS ALEKSANDROVIČS, kritiķi runā par mūsu kino atdzimšanu un kā piemēru min pēdējo Maskavas kinofestivālu, kurā gandrīz visas balvas ieguva pašmāju filmas.
Kādas ir balvas? Kas tos izplata? Gribu jautāt: kāpēc katrā mūsu festivālā tiek pasniegtas balvas ārzemju māksliniekiem par ieguldījumu kino? Ko, mums nav savu aktieru, kas bagātinājuši pasaules kino? Kāpēc Kinematogrāfistu savienības priekšsēdētājam Ņikitai Sergejevičam vispār nerūp, kā mūsdienās dzīvo mūsu lieliskie aktieri? Mihalkovs mani neaicināja uz savu filmu festivālu, viņš pat neatsūtīja man biļetes uz filmu izrādi. Es redzēju televizorā, kā visas šīs zvaigznes staigāja pa kāpnēm. Viņu vidū nevienu veidotāju nemanīju. Radītāji nav gatavi šim festivālam. Galu galā izrādes teātrī sākas pulksten septiņos vakarā. Tur ir īstie aktieri un režisori. Uz festivālu tiek aicinātas Rietumu zvaigznes, jo tas ir lēti. Jo neviens pie mums tāpat nenāks.
Iespējams, ka pēc šīm zvaigznēm ir kāds pieprasījums, ja televīzijas kanāli iegādājas filmas ar viņu līdzdalību. Bet paskatieties, kura gada un kāda veida ir šīs ārzemju gleznas! Mūsdienu bērni nezina īstu kino, ko var saukt par mākslu. Reiz, filmējot filmu "Manis vietā" (mana pēdējā loma filmā), kas notika bijušajā Fryazino muižā, es no rīta izgāju uz ielas. Tur staigāja internāta zēni, kuri, šķiet, uz "kastes" tikai vēro amerikāņu kaujiniekus, bet mūsu māksliniekiem acīs neredzēja. Es jau biju sava varoņa tēlā - miljonārs, šikā uzvalkā. Es dzirdu čukstus: "Redzi, šis nebūs sliktāks par Brūsu Vilisu."
Mans skatītājs ir miris
ŠODIEN tevi bieži aicina filmēties?
Viņi baidās mani uzaicināt. Kam ir smadzenes, tas pat nezvanīs. Jo viņš saprot, kāds ir viņa scenārijs. Ja uzskaita, cik man piedāvāja, varbūt kādam tas būtu vesels radošais ceļš. Bet slikts veids, jo no slikta nevar izdarīt labu. Es nevaru ciest seriālus. Talantīgs – tas ir tad, kad romāns iekļaujas pusotrā stundā un pēc noskatīšanās cilvēks iznāk raudādams. Šeit mēs bijām meistari. No otras puses, es nekad neatrunāšu jauno aktieri no "seriāla" darba. Tieši otrādi, teikšu: "Skrien ātrāk, rīkojies, kamēr esi jauns. Citādi vēlāk nepiedāvās. Jaunībā zināju tā: pagaidīšu nedēļu, tad parādīsies interesanti piedāvājumi. . strādāt, ja esat uzaicināts." Vispār man nepatīk spriest par aktieriem, jo uz viņiem lido visas pumpas. Operators slikti filmēja, režisors ir muļķis, un aktieris vainīgs pie rezultāta. Holivudā lietas ir savādākas. Kāpēc nav neglītu aktrišu? Jā, jo, kad aktrise uz ekrāna neizdodas labi, viņa netiek noņemta no lomas, bet operators tiek padzīts. Un ja kopē Holivudu, tad it visā!
Mūsu valstī situāciju, kas veidojas kinoteātrī, var raksturot ar vārdiem "grūti, nabadzīgi, diezgan vāji". Mosfilm izdzīvo, nevis rada. Arī teātris atrodas grūtā situācijā, atstāts pašplūsmā. Daļa telpu ir jāizīrē. Jā, un biļetes ir jāpārdod, publika kaut kā jāpievilina. Un ko jūs grasāties darīt, lai piesaistītu šo jauno skatītāju? Galu galā lielākā daļa manu skatītāju jau ir miruši, es nezinu jaunu skatītāju. Citi režisori vai aktieri pat klasiku "tulko" citā valodā.
Klasika mūsdienās tiek tulkota sērijveida valodā, lai gan pastāv viedoklis, ka Dostojevska un Bulgakova darbus šajā žanrā nevar uzņemt.
Daži strīdas: "Jums nav jāšauj klasika." Nē, vajag! Un arī lasīt vajag. Lasi un skaties. Un tas, kāds attēls izrādīsies, ir atkarīgs no tā veidotāju talanta, nevis tikai no aktieriem. Galu galā aktieris ir atkarīgais. Viņi tevi neņems šaut – tas arī viss. Man veicas. Izskatās, ka sargeņģelis palīdzēja. Līdz šim cilvēki ir pārsteigti: "Kā šis cilvēks dzīvoja tik patstāvīgi un veiksmīgi?"
Nav taisnība, ka senos laikos kāds varēja piespiest kādu spēlēt lomu, kuru aktieris nav gribējis spēlēt. Varbūt komunists un varētu. Nezinu - neesmu redzējis. Bet es esmu brīvs cilvēks. Mani pat nekad neaicināja pievienoties partijai. Un daudzi tagad saka, ka viņus tur gandrīz aizvilka ar varu. Paskaties, man rokas neskartas, neviens mani uz PSKP par tām nevelk.
Furceva nepavēlēja
JŪS SAKIET, ka jums tas nav pavēlēts. Bet reiz Jekaterina Furceva mēģināja jūs piespiest spēlēt Andreju Bolkonski filmā Karš un miers.
Nē, tāds ir stāsts. Par Bolkonska lomu Bondarčuks nolēma izmēģināt visu Padomju Savienību, bet ne mani. Es domāju, ka Bondarčuks mani ir pazemojis, neaicinot princi Andreju starp pirmajiem uz noklausīšanos. Un pēkšņi viņš zvana: "Man steidzami tevi jāredz." Es domāju: "Tagad viņš jautās." Un, protams, viņš piezvanīja. Es spēlēju klausīšanās. Tos apstiprināja Centrālās komitejas Kultūras departaments un ministrijas kolēģija. Bet gaidīju, kamēr žurnālā tiks publicēta ziņa, ka spēlēju Bolkonski, lai vēlāk neviens nepateiktu, ka Štriženovs nav apstiprināts lomai un nemaz nav tiesāts. Un, kad "Padomju ekrānā" tika publicēts raksts ar fotogrāfiju, kurā es esmu Bolkonska lomā, es sastādīju Bondarčuka numuru un teicu: "Es nekad mūžā nešaušos ar tevi." Viņš nezināja, ko teikt: "Vai tu esi piedzēries?" Saku: "Savāciet visu grupu un vadību, es atnākšu un parādīšu." Viņš atnāca, sveiks, prasīja vai nevajag saukt ārstu? Un pēc pauzes viņš atkārtoja: "Sergej Fjodorovič, es nekad nespēlēšos filmās ar tevi." Un tikai tad atskanēja zvans no Furcevas: "Es gribu tevi redzēt." Viņa savāca visu dēli. Domāju, ka man būs bail. Man pat bija kauns par viņu. Es paņēmu Furcevu ar viņas pašas ieroci. Viņš teica: "Zini, Jekaterina Aleksejevna, pēdējā laikā visi mēģina par mani rakstīt:" Žēl, ka Striženovs nespēlē kādu vienkāršu padomju cilvēku. savādāku. Bet tu nekad neesi iestājies par mani. Tāpēc es gaidīšu. par vienkārša padomju cilvēka lomu.
Mūsdienās daudzus mūsu jaunos aktierus ir kropļojusi zvaigžņu slimības epidēmija. Vai padomju kino bija tāda infekcija?
Manas paaudzes aktieriem vārds "zvaigzne" izklausījās kā apvainojums. Ja tevi tā sauca, tas nozīmēja, ka esi slikts mākslinieks. Zvaigzne uz ekrāna nespēlē, bet demonstrē modi. Maina modes tērpus, parādās ar modernu frizūru, pārejot no vienas filmas uz otru. Un mana matu krāsa un frizūra vienmēr ir bijusi atkarīga no manas lomas, nevis no mūsdienu modes. Iedomājieties par zvaigzni nosaukt Janšinu, Gribovu vai Simonovu?! Tas ir aizvainojoši smieklīgi. Cienīgs tituls ir mākslinieks, grūta un cienījama profesija.
Tiek uzskatīts, ka cilvēks savu dzīvi rezumē 30, 45 un 75 gados. Ko tu tagad vari rezumēt?
Mans liktenis ir noticis. Es spēlēju to, ko gribēju, kas man patika. 75 ir īsta jubileja, jo var nenodzīvot līdz 80, vēl jo vairāk līdz 100. Un 75 gados jau varu teikt, ka strādāju no un līdz. Pēc "Gadfly" ekrāna izlaišanas nāca burtu kalni. Bet es atceros tikai vienu lietu, no jauna karavīra. Viņš rakstīja: "Mīļais tēvs (un man tad bija 25 gadi, viņam, attiecīgi, 19), es biju slikts karavīrs, es negribēju dienēt. Bet tagad, dārgais tēvs, dod man ziņojumu. Pēc tam Es vairākas reizes skatījos The Gadfly, kļuvu par izcilu kaujas un politiskās apmācības studentu. Un nesen man stāstīja, kā 10 gadus vecs puika pēc "Brigādes" noskatīšanās piegāja pie mammas ar nazi un teica: "Ja tu man nenopirksi mēteli līdz pirkstiem, kā Sašam Belijam, es to darīšu. nogriez to." Un tagad sakiet, kam šodien strādā aktieris, kam domāta māksla un kur tā ir, šī māksla? Spēlēju ar Maskavas Mākslas teātra "večiem" – Janšinu, Gribovu, Masaļski, Tarasovu, Stepanovu. Viņi aizgāja kopā ar to skatītāju. Žēl par šo zaudējumu, tas ir kultūras zaudējums.
Mani joprojām sauc par romantiķi, un es ticu, ka mūsu kultūra sāks atdzīvoties. Jo tā nevar būt! Mums ir dziļa valsts, dziļš krievu cilvēks. Vajag tikai aizmirst par “cik” un “cik”, palasīt labu grāmatu, nevis komiksus. Un tad, redz, atkal parādīsies kultūra. Barons Tuzenbahs filmā "Trīs māsas" saka: "Pēc mums viņi lidos ar baloniem, jakas mainīsies ... bet dzīve paliks tāda pati. Dzīve ir grūta un laimīga. ". Un tāpat kā tagad viņš baidīsies un negribēs nāve."
Mākslinieks ir diezgan neviennozīmīgs jēdziens, ko parasti saprot kā jebkuras iespaidīgas mākslas pārstāvi: teātris, mūzika, balets, kino, estrāde vai cirks. Sievišķajā formā tiek lietots vārds "mākslinieks".
Vārda "mākslinieks" nozīme
Mākslinieks ir (fr. artiste, viduslaiku - lat. artista - amatnieks, mākslinieks, meistars no lat. ars - māksla) persona, kas veic savu darbību mākslas jomā. Par mākslinieku sauc tādu cilvēku, kurš izrāda savu talantīgo prasmi skatītāju priekšā. Vārda nozīme savā būtībā ir ļoti apjomīga. Tā savā koncepcijā apvieno vairākus virzienus.
Tātad mākslinieks var būt operdziedātājs, cirka darbinieks, dramatiskais aktieris, skatuves mākslinieks vai lomu izpildītājs filmās. Mākslinieki tiek iedalīti arī muzikālajos, horeogrāfiskajos, skatuves, kā arī dejotājos. Pieprasīta ir arī šī vārda tēlaina, ironiska interpretācija.
Mākslinieks ir cilvēks, kuram ir augstas prasmes kādā radošā jomā. No vārda "mākslinieks" veidojas īpašības vārds "mākslinieks", kas raksturo cilvēku kā cilvēku ar radošām prasmēm vai mākslinieciskajā jomā apdāvinātu.
Arī mākslinieku var saukt par mākslinieku šaurā nozīmē: gleznotājs, tēlnieks, arhitekts, gravieris. Vārds "mākslinieks" senos laikos nebija zināms. Grieķi un romieši ar šo vārdu saprata divus izteicienus. Tātad mākslinieks varētu būt gan mākslinieks-mākslinieks, gan amatnieks.
Mūsdienu pasaulē ir grūti novilkt konkrētu robežu, kas varētu noteikt, kur beidzas mākslinieciskā darbība un sākas rokdarbi. Tāpēc vārds "mākslinieks" ir jēdziens, kas dažkārt apzīmē vienas vai otras nozares meistarus, ienesot savos darbos nedaudz gaumes un elegantā izpratnes.
Šī jēdziena izcelsme
Mākslinieku senči, dīvainā kārtā, bija šamaņi un burvji. Tieši šāda veida aktivitātes pārstāvji izrādījās pirmie, kas dziedāja dziesmas un demonstrēja dažādas deju kustības, reinkarnējoties par klana patroniem – totēma dzīvniekiem. Tomēr ir vērts atzīmēt, ka šamaņi un burvji nepielika īpašas pūles, lai izraisītu simpātijas savos laikabiedros, jo viņu galvenais mērķis bija sazināties ar citu pasauli.
Izrādās, ka pēc iekšējā satura vārdu "mākslinieks" var attiecināt uz ikvienu, kurš jebkādā veidā cenšas ieskaidrot skaisto, eleganto vai harmonisko. Tajā pašā laikā nav nozīmes tam, vai ideja par skaistuma iemiesojumu ir personīga radījums un konkrētas personas talanta izpausme, vai arī tas ir prasmīgas atdarināšanas piemērs.
Mākslinieks vai aktieris
Abi termini nāk no franču valodas. Tie, protams, ir savstarpēji saistīti. Tomēr uzskatīt, ka tie ir sinonīmi, ir kļūdains pieņēmums.
Tātad aktieris ir cilvēks, kuram ir profesija, ko var pielietot uz teātra skatuves, filmas kadrā vai reklāmas video. Aktieri ir dažādu lomu izpildītāji.
Līdzskaņu vārdu salīdzinājums
Galvenā aktiera atšķirīgā iezīme ir viņa šaurā specializācija. Cilvēks nodarbojas tikai ar lomu izpildi. Viņš var spēlēt gan komisku, gan traģisku lomu. Aktierim ir jābūt spējai meistarīgi uzdoties un lieliski iekļauties konkrētā varoņa tēlā. Ārēji šāda pārvērtība notiek ar veiksmīga grima un tērpu atlases palīdzību. Aktieriem ir jābūt atbilstošām īpašībām, lai tie būtu veiksmīgi.
Tomēr ir vērts atzīmēt, ka cilvēku, kas savā radošajā darbībā sasniegusi augstumus, sauc par mākslinieku. Šis vārds vienmēr ir iekļauts goda valsts nosaukumā.