Japanisches modernes Kunsthandwerk. Angewandte Kunst. Japanisches Kanzashi - Stoffblumen

Die Japaner entdeckten die in den Dingen verborgene Schönheit im 9.-12. Jahrhundert, in der Heian-Ära (794-1185) und bezeichneten sie sogar mit dem besonderen Begriff „mono no avare“ (jap.???? (????) ??)) , was "der traurige Charme der Dinge" bedeutet. „Der Charme der Dinge“ ist eine der frühesten Definitionen von Schönheit in der japanischen Literatur. Sie wird mit dem Shinto-Glauben in Verbindung gebracht, dass jedes Ding seine eigene Gottheit – Kami – und seinen eigenen einzigartigen Charme hat. Avare ist die innere Essenz der Dinge, das, was Freude und Aufregung hervorruft.

Washi (wasi) oder wagami (wagami).
Manuelle Papierherstellung. Mittelalterliche Japaner schätzten Washi nicht nur wegen seiner praktischen Qualitäten, sondern auch wegen seiner Schönheit. Sie war berühmt für ihre Subtilität, fast Transparenz, die ihr jedoch nicht die Kraft nahm. Washi wird aus der Rinde des Kozobaums (Maulbeerbaum) und einigen anderen Bäumen hergestellt.
Washi-Papier wird seit Jahrhunderten aufbewahrt, ein Beweis dafür sind die Alben und Bände alter japanischer Kalligrafie, Gemälde, Siebe und Gravuren, die im Laufe der Jahrhunderte bis heute erhalten geblieben sind.
Vasyas Papier ist faserig, wenn Sie durch ein Mikroskop schauen, sehen Sie Risse, durch die Luft und Sonnenlicht eindringen. Diese Qualität wird bei der Herstellung von Paravents und traditionellen japanischen Laternen verwendet.
Washi-Souvenirs sind bei Europäern sehr beliebt. Viele kleine und nützliche Dinge werden aus diesem Papier hergestellt: Brieftaschen, Umschläge, Fächer. Sie sind ziemlich langlebig und dennoch leicht.

Komono.
Was bleibt von einem Kimono, wenn er ausgedient hat? Glaubst du, es wird weggeworfen? Nichts dergleichen! Die Japaner werden das niemals tun. Kimonos sind teuer. Es ist undenkbar und unmöglich, ihn einfach so wegzuwerfen ... Neben anderen Arten des Kimono-Recyclings stellten Handwerkerinnen aus kleinen Fetzen kleine Souvenirs her. Dies sind kleine Spielzeuge für Kinder, Puppen, Broschen, Girlanden, Damenschmuck und andere Produkte. Der alte Kimono wird zur Herstellung kleiner süßer Dinge verwendet, die zusammen "Komono" genannt werden. Kleine Dinge, die ein Eigenleben entwickeln und den Weg des Kimonos fortsetzen. Das bedeutet das Wort „komono“.

Mizuhiki.
Makramee analog. Dies ist eine alte japanische angewandte Kunst, verschiedene Knoten aus speziellen Schnüren zu binden und daraus Muster zu erstellen. Solche Kunstwerke hatten eine extrem große Bandbreite – von Geschenkkarten und Briefen bis hin zu Frisuren und Handtaschen. Derzeit ist Mizuhiki in der Geschenkindustrie sehr weit verbreitet - für jedes Ereignis im Leben soll ein Geschenk auf eine ganz bestimmte Art und Weise verpackt und gebunden werden. Es gibt extrem viele Knoten und Kompositionen in der Mizuhiki-Kunst, und nicht jeder Japaner kennt sie alle auswendig. Natürlich gibt es die gängigsten und einfachsten Knoten, die am häufigsten verwendet werden: für Glückwünsche zur Geburt eines Kindes, für eine Hochzeit oder Gedenkfeier, einen Geburtstag oder die Zulassung zum Studium.

Gohei.
Talisman aus Papierstreifen. Gohei - ein ritueller Stab eines Shinto-Priesters, an dem Papierzickzackstreifen befestigt sind. Die gleichen Papierstreifen werden am Eingang eines Shinto-Schreins aufgehängt. Die Rolle des Papiers im Shinto war traditionell sehr groß, und den daraus hergestellten Produkten wurde immer eine esoterische Bedeutung beigemessen. Und der Glaube, dass jedes Ding, jedes Phänomen, sogar Worte, einen Kami – eine Gottheit – enthalten, erklärt die Entstehung einer Art angewandter Kunst wie Gohei. Der Shintoismus ist unserem Heidentum etwas ähnlich. Für Shintoisten ist der Kami besonders bereit, sich in allem Außergewöhnlichen niederzulassen. Zum Beispiel auf Papier. Und noch mehr in einem zu einem verschlungenen Zickzack verdrehten Gohei, der heute vor dem Eingang von Shinto-Schreinen hängt und auf die Anwesenheit einer Gottheit im Tempel hinweist. Es gibt 20 Möglichkeiten, den Gohei zu falten, und diejenigen, die besonders ungewöhnlich gefaltet sind, ziehen den Kami an. Gohei ist überwiegend weiß, aber auch Gold, Silber und viele andere Farbtöne sind zu finden. Seit dem 9. Jahrhundert gibt es in Japan den Brauch, den Gohei an den Gürteln der Sumo-Ringer vor Beginn des Kampfes zu stärken.

Anesama.
Dies ist die Herstellung von Papierpuppen. Im 19. Jahrhundert stellten Samurai-Ehefrauen Papierpuppen her, mit denen Kinder spielten, und zogen ihnen verschiedene Kleider an. In Zeiten, in denen es kein Spielzeug gab, war anesama die einzige Gesprächspartnerin für Kinder, die die Rolle der Mutter, der großen Schwester, des Kindes und der Freundin „ausübte“.
Die Puppe ist aus japanischem Washi-Papier gefaltet, die Haare sind aus zerknittertem Papier, mit Tinte gefärbt und mit Kleber überzogen, der ihr Glanz verleiht. Eine Besonderheit ist eine nette kleine Nase auf einem länglichen Gesicht. Heute wird dieses einfache Spielzeug, das nichts als geschickte Hände erfordert, traditionell in der Form, nach wie vor auf die gleiche Weise hergestellt.

Origami.
Die alte Kunst, Papierfiguren zu falten (jap. ???, wörtlich: "gefaltetes Papier"). Die Kunst des Origami hat ihre Wurzeln im alten China, wo Papier erfunden wurde. Ursprünglich wurde Origami in religiösen Zeremonien verwendet. Lange Zeit war diese Art von Kunst nur Vertretern der Oberschicht zugänglich, wo der Besitz von Papierfalttechniken ein Zeichen des guten Geschmacks war. Erst nach dem Zweiten Weltkrieg ging Origami über den Osten hinaus nach Amerika und Europa, wo es sofort seine Fans fand. Klassisches Origami wird aus einem quadratischen Blatt Papier gefaltet.
Es ist ein bestimmter Satz konventioneller Symbole erforderlich, um das Faltschema selbst des komplexesten Produkts zu skizzieren. Die meisten konventionellen Zeichen wurden Mitte des 20. Jahrhunderts von dem berühmten japanischen Meister Akira Yoshizawa in die Praxis umgesetzt.
Klassisches Origami schreibt die Verwendung eines quadratischen, gleichmäßig gefärbten Blatt Papiers ohne Kleber und Schere vor. Zeitgenössische Kunstformen weichen manchmal von diesem Kanon ab.

Fotoquelle: http://sibanime.ru/2152-yaponskie-tradicii-origami.html

Kirigami.
Kirigami ist die Kunst, mit Hilfe einer Schere verschiedene Formen aus einem mehrfach gefalteten Blatt Papier zu schneiden. Eine Art Origami, die die Verwendung von Scheren und Scherenschnitten bei der Herstellung des Modells ermöglicht. Dies ist der Hauptunterschied zwischen Kirigami und anderen Papierfalttechniken, der im Namen betont wird: ?? (kiru) - schneiden? (gami) - Papier. Wir alle haben in der Kindheit gerne Schneeflocken geschnitten - eine Variante von Kirigami, mit dieser Technik können Sie nicht nur Schneeflocken, sondern auch verschiedene Figuren, Blumen, Girlanden und andere niedliche Dinge aus Papier schneiden. Diese Produkte können als Schablonen für Drucke, Albumdekorationen, Postkarten, Fotorahmen, Modedesign, Innenarchitektur und andere verschiedene Dekorationen verwendet werden.

Ikebana.
Ikebana, (jap. ??? oder ????) übersetzt aus dem Japanischen – ike „- Leben“, „bana“ – Blumen oder „Blumen, die leben“. Die japanische Kunst des Blumensteckens ist eine der schönsten Traditionen des japanischen Volkes. Bei der Zusammenstellung von Blumenarrangements werden neben Blumen auch geschnittene Zweige, Blätter und Triebe verwendet.Das Grundprinzip ist exquisite Einfachheit, um die natürliche Schönheit der Pflanzen zu betonen. Ikebana ist die Kreation einer neuen natürlichen Form, in der die Schönheit einer Blume und die Schönheit der Seele des Meisters, der die Komposition erstellt, harmonisch kombiniert werden.
Heute gibt es in Japan 4 große Ikebana-Schulen: Ikenobo (Ikenobo), Koryu (Koryu), Ohara (Ohara), Sogetsu (Sogetsu). Darüber hinaus gibt es etwa tausend verschiedene Richtungen und Trends, die an einer dieser Schulen festhalten.

Oribana.
Mitte des 17. Jahrhunderts gingen zwei Schulen von Ohara (die Hauptform von Ikebana - Oribana) und Koryu (die Hauptform - Sek) von Ikenobo aus. Übrigens studiert die Ohara-Schule immer noch nur Oribanu. Wie die Japaner sagen, ist es sehr wichtig, dass Origami nicht zu Origami wird. Gomi bedeutet Müll auf Japanisch. Schließlich haben Sie zufällig ein Stück Papier gefaltet, und was tun Sie dann damit? Oribana bietet viele Ideen für Blumensträuße zur Dekoration des Innenraums. ORIBANA = ORIGAMI + IKEBANA

Falsch.
Eine aus der Floristik entstandene Kunstform. Die Floristik ist in unserem Land vor acht Jahren aufgetaucht, obwohl sie in Japan seit mehr als sechshundert Jahren existiert. Irgendwann im Mittelalter verstanden Samurai den Weg eines Kriegers. Und oshibana war Teil dieses Weges, genau wie das Schreiben von Hieroglyphen und das Führen eines Schwertes. Die Bedeutung des Fehlers war, dass der Meister im Zustand der totalen Präsenz im Moment (Satori) ein Bild von getrockneten Blumen (gepressten Blumen) schuf. Dann könnte dieses Bild als Schlüssel dienen, als Leitfaden für diejenigen, die bereit sind, in die Stille einzutreten und dasselbe Satori zu erfahren.
Die Essenz der Kunst des "Oshibana" besteht darin, dass der Autor durch das Sammeln und Trocknen von Blumen, Kräutern, Blättern und Rinde unter Druck und das Aufkleben auf die Unterlage mit Hilfe von Pflanzen ein wahres "Malwerk" schafft. Mit anderen Worten: Falsch ist das Malen mit Pflanzen.
Die künstlerische Kreativität von Floristen basiert auf der Bewahrung von Form, Farbe und Textur von getrocknetem Pflanzenmaterial. Die Japaner haben eine Technik entwickelt, um „Oshibana“-Gemälde vor Verblassen und Verdunkelung zu schützen. Seine Essenz besteht darin, dass zwischen Glas und Bild Luft herausgepumpt wird und ein Vakuum entsteht, das das Verderben der Pflanzen verhindert.
Es zieht nicht nur die Unkonventionalität dieser Kunst an, sondern auch die Möglichkeit, Vorstellungskraft, Geschmack und Wissen über die Eigenschaften von Pflanzen zu zeigen. Floristen schaffen Ornamente, Landschaften, Stillleben, Porträts und Geschichtenbilder.

Temari.
Dies sind traditionelle japanische geometrisch bestickte Bälle, die mit einfachen Stichen hergestellt wurden, die einst ein Kinderspielzeug waren und heute zu einer Kunstform mit vielen Fans nicht nur in Japan, sondern auf der ganzen Welt geworden sind. Es wird angenommen, dass diese Produkte vor langer Zeit von Samurai-Ehefrauen zur Unterhaltung hergestellt wurden. Am Anfang wurden sie wirklich als Ball für ein Ballspiel verwendet, aber nach und nach nahmen sie künstlerische Elemente an und verwandelten sich später in dekorative Ornamente. Die zarte Schönheit dieser Kugeln ist in ganz Japan bekannt. Und heute gehören farbenfrohe, sorgfältig gefertigte Produkte zu den Arten des Volkshandwerks in Japan.

Yubinuki.
Japanische Fingerhüte werden beim Nähen oder Sticken von Hand auf das Mittelglied des Mittelfingers der arbeitenden Hand gelegt, mit Hilfe der Fingerspitzen wird der Nadel die gewünschte Richtung gegeben und die Nadel durch den Ring in der Mitte geschoben Finger in der Arbeit. Ursprünglich wurden japanische Yubinuki-Fingerhüte ganz einfach hergestellt - ein etwa 1 cm breiter Streifen aus dichtem Stoff oder Leder wurde in mehreren Lagen fest um den Finger gewickelt und mit ein paar einfachen Zierstichen zusammengehalten. Da Yubinuki ein unverzichtbarer Gegenstand in jedem Haushalt waren, wurden sie mit geometrischen Stickereien mit Seidenfäden verziert. Aus der Verflechtung von Maschen entstanden bunte und komplexe Muster. Yubinuki von einem einfachen Haushaltsgegenstand hat sich auch zu einem Objekt zum "Bewundern", zur Dekoration des Alltags entwickelt.
Yubinuki werden immer noch zum Nähen und Sticken verwendet, aber man findet sie auch einfach an den Händen an jedem Finger, wie dekorative Ringe. Stickereien im Yubinuki-Stil werden verwendet, um verschiedene Objekte in Form eines Rings zu dekorieren - Serviettenringe, Armbänder, Temari-Ständer, die mit Yubinuki-Stickerei verziert sind, und es gibt auch gestickte Nadelbetten im gleichen Stil. Yubinuki-Muster können eine großartige Inspiration für Temari-Obi-Stickereien sein.

Kanzashi.
Die Kunst, Haarnadeln (meistens mit Blumen (Schmetterlingen usw.) verziert) aus Stoff (hauptsächlich Seide) zu dekorieren. Japanisches Kanzashi (Kanzashi) ist eine lange Haarnadel für eine traditionelle japanische Frauenfrisur. Sie wurden aus Holz, Lack, Silber hergestellt , Schildpatt, das in traditionellen chinesischen und japanischen Frisuren verwendet wird. Vor etwa 400 Jahren änderte sich in Japan der Stil der Frauenfrisuren: Frauen hörten auf, ihr Haar in der traditionellen Form zu kämmen - Taregami (langes glattes Haar) und begannen, es kompliziert und bizarr zu stylen formen - nihongami verwendet verschiedene gegenstände - haarnadeln, stöcke, kämme.Damals verwandelt sich sogar ein einfacher kushi-kamm in ein elegantes accessoire von außergewöhnlicher schönheit, das zu einem echten kunstwerk wird.traditionelle japanische frauenkostüme erlaubten kein handgelenk schmuck und halsketten, also frisuren und dekorationen waren die hauptschönheit und das feld der selbstdarstellung - sowie die demonstrierung des geschmacks und der dicke der tasche wie der Besitzer. Auf den Gravuren sieht man – wenn man genau hinschaut – wie Japanerinnen locker bis zu zwanzig teure Kanzashi in ihre Frisur hängen.
Derzeit gibt es eine Wiederbelebung der Tradition der Verwendung von Kanzashi bei jungen japanischen Frauen, die ihren Frisuren Raffinesse und Eleganz verleihen möchten. Moderne Haarspangen können mit nur einer oder zwei zarten handgefertigten Blumen geschmückt werden.

Kumihimo.
Kumihimo ist eine japanische geflochtene Schnur. Beim Weben werden Fäden, Bänder und Spitzen erhalten. Diese Schnürsenkel werden auf speziellen Maschinen gewebt - Marudai und Takadai. Die Marudai-Maschine wird zum Weben von runden Spitzen und die Takadai-Maschine zum Weben von flachen verwendet. Kumihimo bedeutet auf Japanisch "Seile weben" (kumi - weben, zusammenfalten, himo - Seil, Spitze). Trotz der Tatsache, dass Historiker hartnäckig darauf bestehen, dass ähnliche Webereien bei den Skandinaviern und Andenbewohnern zu finden sind, ist die japanische Kumihimo-Kunst tatsächlich eine der ältesten Webarten. Die erste Erwähnung geht auf das Jahr 550 zurück, als sich der Buddhismus in ganz Japan verbreitete und besondere Zeremonien besondere Dekorationen erforderten. Später wurden Kumihimo-Schnürsenkel als Befestigungsmittel für den Obi-Gürtel an einem Kimono für Frauen, als Seile zum „Verpacken“ des gesamten Samurai-Waffenarsenals (Samurai verwendeten Kumihimo zu dekorativen und funktionalen Zwecken, um ihre Rüstung und Pferderüstung zu binden) und verwendet auch zum Binden schwerer Gegenstände.
Eine Vielzahl von Mustern des modernen Kumihimo lassen sich sehr einfach auf hausgemachten Webstühlen aus Pappe weben.

Suibokuga oder Sumie.
Japanische Tuschemalerei. Dieser chinesische Malstil wurde im 14. Jahrhundert und Ende des 15. Jahrhunderts von japanischen Künstlern übernommen. wurde zum Mainstream der Malerei in Japan. Suibokuga ist einfarbig. Es zeichnet sich durch die Verwendung von schwarzer Tinte (Sumi) aus, einer harten Form von Kohle oder chinesischer Tinte, die aus Ruß hergestellt wird, die in einem Tintenfass gemahlen, mit Wasser verdünnt und auf Papier oder Seide gebürstet wird. Monochrom bietet dem Meister eine endlose Auswahl an Tonoptionen, die die Chinesen vor langer Zeit als die „Farben“ der Tinte erkannten. Suibokuga erlaubt manchmal die Verwendung echter Farben, beschränkt sie aber auf dünne, transparente Striche, die immer der Tintenlinie untergeordnet bleiben. Die Tuschemalerei teilt mit der Kunst der Kalligrafie so wesentliche Eigenschaften wie streng kontrollierten Ausdruck und technische Beherrschung der Form. Die Qualität der Tuschemalerei hängt, wie in der Kalligraphie, von der Unversehrtheit und Reißfestigkeit der mit Tusche gezeichneten Linie ab, die das Kunstwerk sozusagen an sich hält, so wie Knochen Gewebe an sich halten.

Etegami.
Gezeichnete Postkarten (e - Bild, getaggt - Brief). Das Selbermachen von Postkarten ist in Japan im Allgemeinen eine sehr beliebte Aktivität, und vor den Feiertagen nimmt ihre Popularität noch weiter zu. Die Japaner lieben es, Postkarten an ihre Freunde zu schicken, und sie lieben es auch, sie zu erhalten. Dies ist eine Art Schnellbrief auf speziellen Rohlingen, der ohne Umschlag per Post verschickt werden kann. Es gibt keine besonderen Regeln oder Techniken in Etegami, jeder kann es ohne spezielles Training machen. Etagami hilft dabei, die Stimmung und Eindrücke genau auszudrücken. Dies ist eine handgefertigte Postkarte, die aus einem Bild und einem kurzen Brief besteht und die Emotionen des Absenders wie Wärme, Leidenschaft, Fürsorge, Liebe usw. vermittelt. Sie versenden diese Postkarten für die Feiertage und einfach so, mit Jahreszeiten, Aktivitäten, Gemüse und Obst, Menschen und Tieren. Je einfacher dieses Bild gezeichnet ist, desto interessanter sieht es aus.

Furoshiki.
Japanische Wickeltechnik oder die Kunst des Stofffaltens. Furoshiki trat lange Zeit in das Leben der Japaner ein. Alte Schriftrollen aus der Kamakura-Muromachi-Periode (1185 - 1573) mit Bildern von Frauen, die Kleiderbündel auf dem Kopf tragen, sind erhalten geblieben. Diese interessante Technik entstand bereits 710 - 794 n. Chr. in Japan. Das Wort „Furoshiki“ bedeutet wörtlich „Badeteppich“ und ist ein quadratisches Stück Stoff, das zum Einwickeln und Tragen von Gegenständen aller Formen und Größen verwendet wurde.
Früher war es üblich, japanische Bäder (furo) in Kimonos aus leichter Baumwolle zu betreten, die Besucher von zu Hause mitbrachten. Der Badegast brachte auch eine spezielle Decke (Shiki) mit, auf der er beim Ausziehen stand. Nachdem er sich in einen "Bade"-Kimono verwandelt hatte, wickelte der Besucher seine Kleidung in eine Decke und nach dem Bad wickelte er einen nassen Kimono in eine Decke, um ihn nach Hause zu bringen. So wird aus der Badematte eine multifunktionale Tasche.
Furoshiki ist sehr einfach zu verwenden: Der Stoff nimmt die Form des Objekts an, das Sie einwickeln, und die Griffe erleichtern das Tragen der Last. Darüber hinaus erhält ein Geschenk, das nicht in hartes Papier, sondern in einen weichen, mehrschichtigen Stoff verpackt ist, eine besondere Ausdruckskraft. Es gibt viele Schemata zum Falten von Furoshiki für jeden Anlass, jeden Tag oder festlich.

Kinusaiga.
Eine erstaunliche Art von Handarbeiten aus Japan. Kinusaiga (???) ist eine Mischung aus Batik und Patchwork. Die Grundidee ist, dass aus alten Seidenkimonos neue Gemälde zusammengesetzt werden – wahre Kunstwerke.
Zuerst fertigt der Künstler eine Skizze auf Papier an. Dann wird diese Zeichnung auf ein Holzbrett übertragen. Die Kontur des Musters wird mit Rillen oder Rillen durchschnitten, und dann werden kleine Fetzen, die in Farbe und Ton übereinstimmen, aus dem alten Seidenkimono geschnitten, und die Ränder dieser Fetzen füllen die Rillen. Wenn Sie sich ein solches Bild ansehen, haben Sie das Gefühl, ein Foto zu betrachten oder auch nur die Landschaft vor dem Fenster zu betrachten, so realistisch sind sie.

Amigurumi.
Die japanische Kunst des Strickens oder Häkelns kleiner Kuscheltiere und humanoider Wesen. Amigurumi (jap. ????, lit.: „gestrickt-verpackt“) sind meistens niedliche Tiere (wie Bären, Hasen, Katzen, Hunde etc.), kleine Männchen, sie können aber auch mit unbelebten Gegenständen ausgestattet sein menschliche Eigenschaften. Zum Beispiel Cupcakes, Hüte, Handtaschen und andere. Amigurumi wird gestrickt oder gestrickt oder gehäkelt. In letzter Zeit sind gehäkelte Amigurumi immer beliebter und häufiger geworden.
in einer einfachen Strickmethode aus Garn gestrickt - in einer Spirale und im Gegensatz zur europäischen Strickmethode sind die Kreise normalerweise nicht verbunden. Sie werden auch in einer kleineren Größe im Verhältnis zur Garnstärke gehäkelt, um einen sehr dichten Stoff ohne Lücken zum Herauskommen der Füllung zu schaffen. Amigurumi werden oft aus Teilen hergestellt und dann zusammengesetzt, mit Ausnahme einiger Amigurumi, die keine Gliedmaßen haben, sondern nur Kopf und Rumpf, die ein Ganzes bilden. Die Gliedmaßen sind manchmal mit Plastikteilen gefüllt, um ihnen Lebendgewicht zu verleihen, während der Rest des Körpers mit Faserfüllung gefüllt ist.
Die Verbreitung der Amigurumi-Ästhetik wird durch ihre Niedlichkeit („kawaii“) begünstigt.

Bonsai.
Bonsai als Phänomen tauchte vor mehr als tausend Jahren in China auf, aber diese Kultur erreichte ihren Höhepunkt der Entwicklung nur in Japan. (Bonsai - Jap. ?? Lit. "Pflanze in einem Topf") - die Kunst, eine exakte Kopie eines echten Baums in Miniatur zu züchten. Diese Pflanzen wurden mehrere Jahrhunderte vor unserer Zeitrechnung von buddhistischen Mönchen angebaut und wurden später zu einer der Aktivitäten des örtlichen Adels.
Bonsai schmückten japanische Häuser und Gärten. In der Tokugawa-Ära erhielt die Parkgestaltung einen neuen Aufschwung: Der Anbau von Azaleen und Ahorn wurde zum Zeitvertreib der Reichen. Die Produktion von Zwergpflanzen (hachi-no-ki - "Baum im Topf") entwickelte sich ebenfalls, aber die Bonsai dieser Zeit waren sehr groß.
Jetzt werden gewöhnliche Bäume für Bonsai verwendet, sie werden durch ständiges Beschneiden und verschiedene andere Methoden klein. Gleichzeitig entspricht das Verhältnis der Größen des Wurzelsystems, begrenzt durch das Volumen der Schale, und des geschliffenen Teils des Bonsai den Proportionen eines erwachsenen Baumes in der Natur.

Nachrichtenserie " ":
Teil 1 - Japanische Handarbeitsarten

Das chinesische Volk hat im Laufe der Zeit viele weltberühmte Handarbeiten geschaffen. Seit der Antike werden die Fähigkeiten und Geheimnisse der Herstellung von Produkten aus verschiedenen Arten von Steinen, Holz, Ton und Lack, die Geheimnisse der Herstellung von Stoffen und Stickereien weitergegeben. Bereits in der Antike nutzten die Meister Chinas, nachdem sie gelernt hatten, die künstlerischen Qualitäten des Materials zu erkennen und darzustellen, zu diesem Zweck das Spiel seiner Farben, Flecken, Unterschiede in den Figuren und die Glätte der Oberfläche. Die ältesten Gefäße aus Ton und Stein zeichnen sich, wie die antiken, durch eine perfekte Harmonie der Formen und Klarheit der Artikulation aus.

Chinesische Handwerker übernahmen viele Fähigkeiten, Manieren und Techniken, traditionelle Formen von Mustern aus der Antike. Doch genau die Bedürfnisse, die die neue historische Ära mit sich brachte, führten zu zahlreichen neuen Arten und Techniken des künstlerischen Handwerks. Im Zusammenhang mit dem täglichen Leben, mit den wachsenden Bedürfnissen der Stadtbevölkerung, war das künstlerische Handwerk in der bildenden Kunst Chinas nicht nur eine der massivsten und beliebtesten, sondern auch eine der aktivsten Arten.

Die ganze Welt verwendet chinesische Vasen, Tassen und andere Gegenstände. Zu Hause hat chinesisches Porzellan neben anderen Kunstarten die breiteste Anwendung. Chinesische Keramik wird auch zum Verkleiden von Skulpturen verwendet.

Keramik. Bereits in der Antike verwendeten die Chinesen hochwertige Tonsorten für ihre Töpferwaren. Der wahre Verdienst der Erfindung des Porzellans gehört jedoch den Meistern des mittelalterlichen China. In der Tang-Ära, während der Zeit des großen Wohlstands in allen Bereichen des chinesischen spirituellen Lebens, erschienen die ersten Porzellanprodukte und verbreiteten sich schnell. Porzellan wurde von Dichtern besungen und als Schmuckstück verehrt. Die Herstellung von Porzellan in China wurde durch reiche Vorkommen der dafür notwendigen Materialien erleichtert: Porzellanstein (eine natürliche Verbindung aus Feldspat und Quarz) und lokaler Ton - Kaolin. Die Kombination dieser beiden Komponenten ergibt die notwendige Plastizität und Legierungsfähigkeit. Jedes der Porzellanartikel aus China ist durchdacht und wird nicht als handwerkliches Produkt, sondern als eigenständiges Kunstwerk ausgeführt. Die Formen dünner Gefäße sind abgerundet, weich und massiv. Besonders berühmt war damals das in der Stadt Xing-chou hergestellte schneeweiße Porzellan, glatt und matt, das die Monumentalität antiker Produkte bewahrte. Viele Gefäße dieser Zeit wurden mit leuchtend farbigen Glasuren bemalt, die mit Oxiden von Kupfer, Eisen und Mangan vermischt waren, was satte Gelb-, Braun-, Grün- und Purpurtöne ergab. Aber Porzellan erreicht eine besondere Vielfalt und Adel in den XI-XIII Jahrhunderten. Während der Tang-Zeit hat Keramik eine Vielzahl von Farben. Aber unter Sun zeichnet sie sich bereits durch Einfachheit und Bescheidenheit aus. Chinesische Keramik hat präzise und feine Linien und eine einfache Farbe. Typisch für diese Zeit ist die Verwendung natürlicher Farben. Graublaue und graugrüne Farben sind oft auf einem chinesischen Geschirr oder einer Vase zu finden. Kleine Risse sind kein Mangel des Meisters, sondern ein fein durchdachter Schritt. Unregelmäßigkeiten in der Glasur, getrocknete Tropfen des Futters und kleine Risse auf der ganzen Oberfläche des Produkts geben ein Gefühl der Vollständigkeit.

Minsker Porzellan ist im Gegensatz zum Sung-Porzellan mehrfarbig. Seine schneeweiße Oberfläche nutzten die Meister als malerische Kulisse, vor der ganze Landschafts- oder Genrekompositionen platziert wurden. Es gibt viele Motive und Arten von Gemälden sowie farbenfrohe Kombinationen: blau-weißes Porzellan, bemalt unter Glasur mit Kobalt von weicher und edler Art und Muster, farbige Glasuren, reich an Farben, dreifarbig und fünffarbig. Noch mehr Techniken und Arten von Porzellan tauchen im 17.-18. Jahrhundert auf. Es erscheinen schwarze, glatte und glänzende Gefäße, Gefäße, die mit hellen und funkelnden Emails bemalt sind. Bis zum Ende des 18. Jahrhunderts, als alle anderen Kunstformen bereits im Niedergang begriffen waren, blieb das künstlerische Niveau des chinesischen Porzellans hoch. Im Gegensatz zu früheren Perioden waren die Formen von Porzellanprodukten während der Qing-Dynastie (XVII-XIX Jahrhundert) anspruchsvoller und raffinierter. Die Wiederholung alter Modelle nimmt elegantere Proportionen an, und zwar bis zum Ende des 18. Jahrhunderts. Es entwickelt sich eine übermäßige Anmaßung der Umrisse. Seitdem zeichnet sich die Porzellandekoration durch Vielfalt und Reichtum an Motiven und Themen und teilweise durch einen großen Ornamentreichtum aus. Dies macht sich besonders in der Lackierung mit Kobalt und im Bereich der sogenannten „grünen Familie“ bemerkbar. Komplexe Mehrfigurenszenen, kleine Pflanzenmotive oder eines der unzähligen Themen der Malerei zeichnen sich durch große Komplexität und durchdachte kompositorische Konstruktion aus.

Die Arten der angewandten Kunst von Tang und Sung sind vielfältig. Zu dieser Zeit wurden nach antikem Vorbild Bronzespiegel gefertigt, die auf der Rückseite reich verziert waren mit einem prächtigen Reliefmuster aus blühenden Pflanzen, herumtollenden Tieren, Vögeln und Früchten. Oft waren solche Spiegel aus Silber, bedeckt mit der dünnsten Goldschicht, eingelegt mit Perlmutt und Edelsteinen.

Muster von Stoffen "ke-sy" (Schnittseide) sind der Malerei dieser Zeit besonders nahe. Sie wurden nach den Mustern berühmter Künstler geschaffen. Ke-sy zeichnet sich durch seine außergewöhnliche Weichheit, Zartheit und kostbare, körnige, matte Textur aus. Helle Vögel auf den Zweigen, Landschaften, blühende Knospen der blassrosa Meihua-Pflaume sind die Hauptmotive, die in Ke-si dargestellt werden.

Die Entstehung von Werkstätten zur Herstellung von bemalten Emails in China geht auf die Kangxi-Zeit zurück, verbunden mit westeuropäischen Einflüssen aus Frankreich. Der Einfluss religiöser Gravuren, die von Jesuitenmissionaren mitgebracht wurden, kann die chinesischen Emails auf Metall des 18. Jahrhunderts erklären, die für die Malerei auf Metall üblich sind. Schattierungstechniken, Streichen von Bildern entlang der Kontur und andere, in ihrer Grundlage grafische Mittel des künstlerischen Ausdrucks. Spuren europäischer Einflüsse machen sich nicht nur in Sujet und Malweise bemerkbar, sondern auch in den Formen chinesischer Emails des 18. Jahrhunderts. Als Vorbild dienten oft deutsche und englische Kupfer- und Silbergegenstände des 16. bis 18. Jahrhunderts. Für den höchsten Gebrauch hergestellte Emaillen wurden "huang zhi" - "gelbe (d.h. "kaiserliche") Gefäße" genannt, da Gelb lange Zeit als Symbolfarbe des chinesischen Kaisers galt. Die Dekoration solcher Emails wird von Bildern des Genres „huangyao“ („Blumenvögel“), chinesischen Handlungsszenen und ornamentalen Kompositionen dominiert: das Bild von Lotusblütenköpfen, die in einen Pflanzentrieb in Form einer Rebe eingewebt sind, und a zoomorphes Muster, das auf den Dekor antiker Bronzegefäße zurückgeht. In bemalten Emails sind zusammengesetzte Tellersets verschiedener Formen beliebt, die bereits in der Kangxi-Zeit im chinesischen Porzellan entwickelt wurden. Oft erhielten die Teller die Form eines offenen Fächers, der mit Bildern im Genre "Blumen-Vögel" auf weißem Hintergrund verziert war. Porzellan und Emaille auf Metall sind in einigen Fällen sowohl durch die gemeinsamen Wege, nach Europa zu gelangen, als auch durch die Ähnlichkeit von Formen, Malmotiven und Farbgebung verbunden. Bei unzweifelhafter Ähnlichkeit mit Porzellan zeichnen sich bemalte Emails auf Metall jedoch durch eine ganz offensichtliche künstlerische Originalität als eine ganz besondere Art des chinesischen Handwerks aus, kühner im Vergleich zu seinen traditionellen Arten, die mit europäischer Kunst in Berührung kamen.

Künstlerisches Handwerk, angewandte Kunst in Japan wird das Wort "kogei" genannt. Die Quelle der meisten künstlerischen Ideen von Kunstwerken war eine tiefe Liebe zur Natur. Die Menschen haben seine Schönheit schon lange in den gewöhnlichsten, unbedeutendsten, alltäglichen Phänomenen gespürt.

Zu den Werken des japanischen Kunsthandwerks gehören traditionell Lack-, Porzellan- und Keramikerzeugnisse, Holz-, Knochen- und Metallschnitzereien, kunstvoll verzierte Stoffe und Kleidungsstücke, Werke der Waffenkunst etc. Die Besonderheit von Werken der angewandten Kunst ist folgende: Sie haben a rein praktische, nützliche Anwendung, aber gleichzeitig spielen sie auch eine rein ästhetische Rolle und dienen als Schmuck des täglichen Lebens einer Person. Die Ästhetik der umgebenden Objekte war für die Japaner nicht weniger wichtig als ihr praktischer Zweck.

Glücklich. Lackwaren sind in Japan seit der Antike bekannt, ihre Überreste werden in archäologischen Stätten der Jomon-Ära gefunden. In einem heißen und feuchten Klima schützten Lackbeschichtungen Holz, Leder und sogar Metallprodukte vor Zerstörung. Lackprodukte in Japan haben die breiteste Anwendung gefunden: Geschirr, Haushaltsgeräte, Waffen, Rüstungen. Traditionelle japanische Lacke sind rot und schwarz sowie golden; Gegen Ende der Edo-Zeit begann die Produktion von gelbem, grünem, braunem Lack. Zurück nach oben

20. Jahrhundert ein Firnis von weißer, blauer und violetter Farbe wurde erhalten. Es gibt viele dekorative Techniken, die mit der Verwendung von Lack verbunden sind: Maki-e – die Verwendung von Gold- und Silberpulver; urushi-e - Lackmalerei; Hyomon - eine Kombination aus Lackmalerei mit Gold-, Silber- und Perlmutteinlagen. Bis etwa Mitte des 17. Jahrhunderts. Kyoto blieb das Hauptzentrum für die Entwicklung der Lackkunst. Dort begann Ogato Korin seine Karriere. Seine Lackwaren zeichneten sich durch eine besondere Einheit von Formen und Dekor aus, die sanft von einer Seite des Produkts zur anderen „flossen“. Durch die Kombination unterschiedlicher Materialien entstand eine ungewöhnliche Oberflächenstruktur und eine seltene Farbgebung.

Keramik. Die Japaner lieben Keramikprodukte besonders. Die frühesten davon sind aus archäologischen Ausgrabungen bekannt und stammen aus der Jōmon-Zeit (Steinzeit). Die Entwicklung der japanischen Keramik und später des Porzellans wurde maßgeblich von chinesischen und koreanischen Techniken beeinflusst, insbesondere dem Brennen und dem farbigen Glasieren. Eine Besonderheit der japanischen Keramik ist nicht nur die Aufmerksamkeit auf die Form, das dekorative Ornament und die Farbe des Produkts, sondern auch auf die taktilen Empfindungen, die es beim Kontakt mit der menschlichen Handfläche hervorruft. Die japanische Herangehensweise an Keramik ging von Unebenheiten der Form, Oberflächenrauheit, sich ausbreitenden Rissen, Glasurstreifen, Fingerabdrücken des Meisters und der Demonstration der natürlichen Textur des Materials aus. Zu den künstlerischen Keramikprodukten zählen vor allem Schalen für Teezeremonien, Teekannen, Vasen, Kannen, dekorative Schalen, Gefäße für Sake. Zunächst wurde die Form des Gefäßes aus Zweigen und Gras hergestellt, dann wurde es mit Ton beschichtet, und während des Brennens verbrannten die Äste und das Gras und hinterließen ihre Spuren an den Wänden der Gefäße. Gefäße aus der mittleren und späten Jōmon-Zeit ähneln bereits skulpturalen Gefäßen. In den VI-XI Jahrhunderten. Unter dem Einfluss koreanischer Töpfer wechselten japanische Handwerker zum Brennen von Tonprodukten mit grünlich-gelber Glasur. Etwa zur gleichen Zeit erschienen Produkte aus echter Fayence - mit Glasur überzogener hygroskopischer Ton.

Porzellanprodukte sind hauptsächlich dünnwandige Vasen mit exquisitem Dekor, Tee- und Weinservices und verschiedene Figuren. In der Masse der Porzellanprodukte, die im XVII-XVIII Jahrhundert hergestellt wurden. Im ganzen Land wurden zwei Haupttypen unterschieden: die teuren, fein bemalten Produkte der Werkstätten von Kutani und Nabeshima und das Porzellan von Arita und Seto, das in großen Serien auf den Markt gebracht wurde. Produkte der Kutani-Werkstätten hatten eine plastische unebene Form. Ihre Bemalung erfolgte mit großen Farbflecken und frei auf der Oberfläche der Gefäße angeordnet. Nabeshima-Artikel wurden normalerweise mit einem einzelnen Unterglasurbild eines Pflanzenmotivs verziert, manchmal ergänzt durch polychrome Überglasurmalerei. Die Werkstätten von Arita und Seto stellten Massenprodukte her. Diese Gerichte wurden mit eleganten dekorativen Kompositionen aus Blumen, Schmetterlingen und Vögeln dekoriert. Ein erheblicher Teil des japanischen Porzellans wurde speziell für den Export in westliche Länder hergestellt.

Emaille. Zeitraum von Mitte bis Ende des 17. Jahrhunderts. wurde sehr fruchtbar in der Geschichte der Entwicklung der Emailkunst in Japan. Zu dieser Zeit haben japanische Meister Perfektion in der Farbe erreicht. Mit der Versuchsmethode wählten sie das optimale Schmelzen von Glas, das als Grundlage für Emaille diente, und verschiedene Variationen von Oxiden aus, um ihm den einen oder anderen Farbton, Transparenz oder milchig-perligen Glanz, geheimnisvollen Schimmer zu verleihen. Alle Rezepte, die sich bewährten, wurden zu einem Geheimnis, das in der Familie des Meisters sorgfältig gehütet wurde. In Japan wurden Emails "sippo" genannt, was "sieben Edelsteine" bedeutet. Dies bedeutete, dass Emaille in Schmuck Gold, Silber, Smaragd, Koralle, Achat, Kristall und Perlen ersetzen kann. Das älteste in Japan gefundene Beispiel für Email geht auf das Ende des 7. Jahrhunderts v. Chr. zurück. Zwei weithin bekannte Emaille-Techniken – Champlevé und Cloisonné – verbreiteten sich fast gleichzeitig in Japan. Die Handwerker verwendeten Cloisonne-Emaille, um die Wachen (Tsuba) von Samurai-Schwertern, dekorativen Bögen und Pfeilen zu dekorieren, wenn sie Häuser, Truhen, Schubladen zum Aufbewahren von Pinseln und Tinte für Kalligraphie, Teepulver und Weihrauch dekorieren. Die Werkstätten der ersten Kunsthandwerker, die mit Emaille arbeiteten, befanden sich in Kyoto, näher an den Palästen der Kaiser und Adligen, die die Hauptabnehmer dieses Produkts waren.

Die Wiederbelebung der Emaille-Technik ist mit der Arbeit des Meisters Tsunekichi Kaji (1803-1883) verbunden, der am Stadtrand von Nagoya lebte. Er studierte ausländisches Handwerk, hauptsächlich europäisches, das nach Japan kam, und entwickelte auf dieser Grundlage neue Technologien für die Arbeit mit Cloisonne-Emaille. Kajis Erfolg inspirierte andere Kunsthandwerker. Die Suche nach neuen Arbeitsmethoden begann. So entstand damals die „Counter-Email“-Technologie, die Gin-Bari-Technik, die darin bestand, dass Silberfolie auf eine mit einer dünnen Emailschicht bedeckte Kupferfläche geklebt wurde. Die von Meister Sosuke Namikawa (1847-1910) entwickelte Musen-Jippo-Technologie sah das Entfernen von Trenndrähten nach dem Trocknen der ersten Schicht der Emailbeschichtung und eine neue Füllung mit transparentem Email vor. Es gab mehrere Dutzend Variationen in der Technik - Moriage, Utidasi, Akasuke, Mine Kodai, Nagare-Gusuri und andere, die es ermöglichten, in Kombination hervorragende Ergebnisse zu erzielen. Japan ist das erste Land der Welt, in dem Emaille nicht nur auf Metallrohlinge, sondern auch auf Keramik und Porzellan aufgetragen wurde. Berühmt in der Technik des Emails auf Keramik war der in Kyoto tätige Meister Yasuyuki Namikawa (1845-1927).

Bilder von Blumen (Chrysanthemen, Pfingstrosen, Paulownia-Blütenstände, Pflaumen, Kirschen) und etwas japanisierte Bilder von Drachen, Löwen und anderen mythischen Tieren, Vögeln und Schmetterlingen wurden zu einem typischen Muster, das aus China für japanische Emailprodukte entlehnt wurde. Oft wurde die Symbolik von Glückwünschen in die Bilder eingebettet. Die Farbtöne der Palette variierten je nach Verwendungszweck des Produkts. So wurde Exportware in knalligen, ja knalligen Farben ausgeführt, die von europäischen Kunden bevorzugt wurden und für den Hausgebrauch bestimmt waren – in einem ruhigen Bereich, eher im Einklang mit dem ästhetischen Weltbild der Japaner.

Die Kunst und Kultur Chinas und Japans sind äußerst unverwechselbar, was Europäer schon immer interessiert und angezogen hat. Ab dem 17. Jahrhundert drangen sowohl chinesische als auch japanische Motive in die künstlerischen und stilistischen Strömungen Westeuropas ein. Bis heute ist die Kultur dieser beiden Länder sowohl zum Lernen als auch zum Ausleihen interessant.

Dekorative und angewandte Kunst Japans Der Umfang der künstlerischen Metallprodukte umfasste Tempelskulpturen und -geräte, Waffen und Dekorationsgegenstände des täglichen Lebens, mit denen die Vielfalt und Perfektion der Verarbeitung traditioneller Metalle (Bronze, Eisen, Kupfer, Stahl) kombiniert wurden Verwendung von komplexen Legierungen, die sich durch den Reichtum an Farben, Schattierungen und plastischen Eigenschaften auszeichnen.Die häufigsten unter ihnen waren Shakudo, das verschiedene Schattierungen von Schwarz, Braun, Blau und Lila ergab, und Shibuichi, das als fast unerschöpfliche Quelle für Grau diente Töne.

Rezepte zur Herstellung von Legierungen waren ein Berufsgeheimnis und wurden im XVII-XVIII Jahrhundert von Meister zu Schüler weitergegeben. Auf Wunsch wohlhabender Stadtbewohner wurden skulpturale Bilder für Hausaltäre sowie Bilder angefertigt, die eine wohlwollende Bedeutung hatten und den Familienherd schützten. Unter ihnen sind Daruma, der legendäre Mönch, dessen Name mit dem Ursprung des Tees in Japan verbunden ist, Daikoku ist die Gottheit des Glücks und Reichtums, Jurojin ist die Gottheit des Glücks und der Langlebigkeit.

Daneben dienten einige Haushaltsgegenstände dekorativen Zwecken. Dies waren Räuchergefäße, Vasen, Schalen, Schatullen, Tabletts, die sich durch die Kombination verschiedener Metalle in einem Produkt, die Verwendung von durchbrochenen Schnitzereien, Gravuren, Kerben und Intarsien auszeichneten. Die Tradition, Emailledekor auf einen Metallsockel aufzubringen, kam Ende des 16. Jahrhunderts aus China nach Japan. Die Emaille-Technik hatte 4 Varianten: Cloisonné, Champlevé, graviert und bemalt.Emails wurden "Siplo" genannt - sieben Juwelen: Gold, Silber, Smaragd, Koralle, Diamant, Achat, Perlen, die nach allgemeiner Überzeugung den Menschen Glück brachten .

Japanische Cloisonné-Emails des 17. bis 18. Jahrhunderts, die größtenteils auf chinesischen Mustern basierten, zeichneten sich durch eine begrenzte Palette leicht gedämpfter Töne, ein klares geometrisches Muster und einen tief dunkelgrünen Hintergrund aus. Mitte des 19. Jahrhunderts. Die Emailtechnik erlebte eine Wiedergeburt, man erhielt mehrfarbige brillante Emails, die fest auf der Metallbasis hafteten und sich gut schleifen ließen.

Die Blütezeit der Cloisonné-Emailkunst Ende des 19. Jahrhunderts. wurde mit dem Namen des berühmten Meisters Namikawa Yasuyuki in Verbindung gebracht. Aus seiner Werkstatt kamen kleine Gegenstände, die vollständig mit Emaille bedeckt waren und mit Juwelierspflege aufgetragen wurden. Bilder von Blumen, Vögeln, Schmetterlingen, Drachen und Phönixen sowie zahlreiche Arten traditioneller Ornamente fanden einen Platz in dem kunstvoll gewebten Spitzenmuster.Die Verwendung von Goldfolie erzeugte einen funkelnden schimmernden Glanz auf der polierten Oberfläche des Produkts.

Die Herstellung und Dekoration von Waffen hat in Japan alte Traditionen. Das Schwert wurde als heiliges Objekt angesehen, das die Sonnengöttin Amaterasu Omikami ihrem Enkel übergab, den sie schickte, um die Erde zu regieren und das Böse auszurotten. Ein gerades zweischneidiges Schwert (Ken oder Tsurugi) wurde zu einem Attribut des Shinto-Kultes und wurde zu einem der kaiserlichen Insignien. Im Mittelalter wurde das Schwert zu einem Symbol der Kriegerklasse, das die Macht, den Mut und die Würde der Samurai verkörperte.Man glaubte auch, dass die Seelen toter Vorfahren darin lebten.

Im 7. Jahrhundert Es entstand eine Schwertform mit einer leichten Biegung auf dem Klingenrücken durch einseitiges Schärfen, die bis ins 19. Jahrhundert nahezu unverändert blieb. und wurde "nihonto" (japanisches Schwert) genannt. Aus dem 16. Jahrhundert Aristokraten und Vertreter der Militärklasse mussten zwei Schwerter tragen: ein langes – „Katana“ und ein kurzes – „Wakizashi“, das dazu bestimmt war, rituellen Selbstmord zu begehen. Handwerker und Bauern durften nur ein Wakizashi oder ein Schwert ohne Wachen "akuchi" tragen. Der lange und mühsame Prozess der Herstellung einer Klinge wurde als feierliches Ritual arrangiert, begleitet von besonderen Gebeten, Beschwörungen und dem Ankleiden des Schmieds mit zeremonieller Kleidung.

Die Klinge wurde aus mehreren Streifen geschweißt, mindestens fünfmal geschmiedet, geschliffen und poliert, Ende des 12. Jahrhunderts. Die Klingen wurden mit Rillen, Bildern von Sonne, Mond, Sternen, Drachen, Inschriften-Zaubersprüchen durch Gravur und Tiefenrelief verziert. Details und Rahmen des Schwertes aus dem 16. Jahrhundert. wurden von besonderen Meistern geschaffen - Büchsenmacher-Juweliere.

Die Klinge wurde in den Griff eingeführt, der auf zwei Holzstangen basierte, die mit einem Metallring „Futi“ und „Kashira“ -Spitzen befestigt waren. Der Griff war oft mit Hai- oder Stachelrochenhaut umwickelt, die „gleich“ (Hai) genannt wurde. Man glaubte, dass ein solcher Griff die rituelle Reinheit des Schwertes bewahrte und den Besitzer schützte.Auf beiden Seiten des Griffs waren kleine geprägte Metalldetails „Menuki“ angebracht, die einen stärkeren Griff des Schwertes mit beiden Händen gewährleisteten.

Darüber hinaus wurde der Griff mit einer Schnur oder einem Geflecht umwickelt, wodurch ein geflochtenes Muster auf der Oberfläche entstand. Ein wichtiges Detail des Schwertes war die "Tsuba" (Handschutz) - ein schützender Kunststoff, der die Klinge vom Griff trennt. Die Scheide eines kleinen Schwertes war oft mit sorgfältig verarbeiteten Metallplatten "Kozuka" verziert, die der Griff eines waren kleines Messer in einer speziellen Tasche in der Scheide eingesetzt. In den XVII-XIX Jahrhunderten. Die Waffe, die ihren praktischen Wert verloren hatte, wurde zu einer dekorativen Ergänzung des Herrenanzugs.

Bei der Dekoration wurden verschiedene Materialien und Techniken der Schmuckarbeit, durchbrochenes Schnitzen, Einlegearbeiten mit Legierungen, verschiedene Methoden zur Herstellung von Reliefkompositionen, Emails und Lacke verwendet. Die Tsuba erlangte eine besondere künstlerische Vollständigkeit, die als eigenständiges Kunstwerk betrachtet wurde.Die Handlungen der Bilder waren traditionelle Motive, die für andere Kunstarten charakteristisch sind: Blumen, Vögel, Landschaften, buddhistische Gleichnisse, historische Legenden, sogar Schätzungen städtisches Leben. Die Details eines Schwertes wurden stilvoll kombiniert und stellten oft die Entwicklung einer Handlung dar.

Unter den Büchsenmachern, die sich auf das Verzieren von Schwertern spezialisierten, war der im 15. Jahrhundert gegründete besonders berühmt. die Goto-Schule, deren siebzehn Generationen von Meistern ihren Ruhm 400 Jahre lang bewahrten.

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Die ständig steigenden Ansprüche der kaiserlichen Familie und ihres engsten Kreises regten die Entwicklung verschiedenster Handwerke an. Silberwaren, Nippes, Vasen, bemalte Kimonoseide, bestickte Obi-Gürtel und Kihimo-Schnüre waren die Wünsche der damaligen Adelsfamilien. Unter anderem war es für die reichsten Familien, insbesondere den Kaiser, üblich, die Innenausstattung des Hauses je nach Jahreszeit zu ändern. Für die Herstellung neuer Paravents, Trennwände und Vorhänge wurden unerhörte Mengen an Stoffen, Papieren, Holzrahmen, immer lackiert und bemalt, benötigt. Nicht jeder konnte sich solche Ausgaben leisten, aber dennoch fanden solche Launen in mittelalterlichen Palästen statt.

Die Verbreitung der Literatur, der Wunsch der Höflinge, als gebildete Menschen bekannt zu sein, die Tankas komponieren oder ausgezeichnete Tagebücher führen konnten – all dies trug zur Verbesserung des Papierherstellungsprozesses bei, mit dessen Herstellung bereits in der Asuka-Zeit begonnen wurde. Während der Heian-Zeit wurde dieses Handwerk zu einer wahren Kunst: Papier wurde in Farbe hergestellt, mit Prägungen, Zeichnungen und Gold- oder Silberplattierungen verziert. Verschiedene Papierqualitäten ermöglichten es sogar, für eine bestimmte kalligrafische Arbeit die richtige Option auszuwählen, um die gewünschte Idee besser zum Ausdruck zu bringen.