Russische Grafik des frühen 20. Jahrhunderts. Russische Grafik des späten XIX - frühen XX Jahrhunderts. Interieur in russischer Grafik des 19. - frühen 20. Jahrhunderts

Ausstellungszeitraum 30.08.2016-28.11.2016 Veranstaltungsort
Moskau Stadt

Das Staatliche Historische Museum präsentiert erstmals eine grafische Sammlung von Innenansichten, die zu den größten in Russland zählt. Die Ausstellung präsentiert etwa 60 Werke, die sowohl von anerkannten Meistern des Interior-Genres als auch von weniger bekannten Künstlern des 19. und frühen 20. Jahrhunderts geschaffen wurden. Die Zuschauer werden die Innenräume von kaiserlichen und großherzoglichen Palästen, städtischen und ländlichen Anwesen, St. Petersburger und Moskauer Herrenhäusern sowie die Mariä Himmelfahrt-Kathedrale des Moskauer Kreml und die St. Isaak-Kathedrale in St. Petersburg sehen.
Das Interieur-Thema tauchte in der russischen Kunst an der Wende vom 18. zum 19. Jahrhundert auf, wurde aber im zweiten Viertel des 19. Jahrhunderts am weitesten verbreitet, hauptsächlich in der Malerei. Die von Künstlern gemalten Ansichten von Wohnzimmern, Arbeitszimmern, Klassenzimmern und Kinderzimmern sind zu wichtigen ikonografischen Dokumenten dieser Zeit geworden, die es Ihnen ermöglichen, die alltägliche Umgebung nachzubilden und den Einfluss architektonischer Stile auf die Innenausstattung von Häusern nachzuvollziehen.
Mitte des 19. Jahrhunderts, in der Ära des Historismus, erlangte das Interieur-Thema besondere Popularität. In dieser Zeit arbeiteten brillante Grafiker - E.P. Gau, L.O. Premazzi, A.A. Redkovsky, V.S. Sadovnikov, K.A. Ukhtomsky, I.I. Karl der Große, der in seinen Werken zahlreiche Räume kaiserlicher Residenzen und Adelssitze darstellte.
Im dritten Viertel des 19. Jahrhunderts nahm das Interior-Genre in der Fotografie Gestalt an. Anders als Aquarelle war die Fotografie jedoch nicht in der Lage, die Farbe reich dekorierter Räume wiederzugeben. Dies führte zur Popularität von Aquarellansichten in der späten "fotografischen" Ära.
Zu Beginn des 20. Jahrhunderts entstandene Zeichnungen zeichnen sich durch eine stilistisch andere Art und Weise aus. In der Ära der „retrospektiven Träumer“ werden „dokumentarische“ Ansichten durch die Sicht des Autors ersetzt: Die Innenräume werden nicht als Ganzes gesehen, sondern als separate malerische „beschnittene“ Kompositionen (z. B. Pastelle von A. V. Sredin).

Autor, Meister
Unbekannter Künstler
Name
Studier-Wohnzimmer im Haus von M.T. Paschkowa am Newski-Prospekt in St. Petersburg
Ort der Schöpfung

Partnersuche
1830er

Zimmer des Künstlers P.F. Sokolov im Haus von P.V. Nashchokin in der Vorotnikovsky Lane in Moskau. Sokolov P. F. 1791-1848. 1824

Klassenzimmer in einem unbekannten Herrenhaus. Rustmann. 1827

Eine Suite von Zimmern mit einem Vogelkäfig im Vordergrund in einem unbekannten Herrenhaus. Unbekannter Künstler. 1830er

Eine Raumfolge mit Spalier im Vordergrund in einem unbekannten Herrenhaus. Gagarin G. G. (?). 1810-1893. 1830er-1840er Jahre

Autor, Meister
Bestuschew Nikolai Alexandrowitsch
Name
Volkonskys Zelle im Petrovsky Zavod-Gefängnis. Blick Richtung Tür
Ort der Schöpfung
Russisches Reich
Partnersuche
1830er

Autor, Meister
Efimov Nikolai Efimovich
Name
Der Zuschauerraum des Theaters im Haus von Prinz G.I. Gagarin in Rom
Ort der Schöpfung

Partnersuche
Um 1830

Autor, Meister
Efimov Nikolai Efimovich
Name
Büro des V.P. Davydov mit dem Künstler K.P. Bryullov bei der Arbeit im Haus der Davydovs in Rom
Ort der Schöpfung
Westeuropa, Italien, Rom
Partnersuche
1835

Autor, Meister
Zaitsev P. G.
Name
Wohnzimmer der Kaiserin Alexandra Feodorovna im Kleinen Nikolauspalast im Moskauer Kreml
Ort der Schöpfung
Russisches Reich, Moskau
Partnersuche
1836

Autor, Meister
Obach Johann Kaspar
Name
Innenansicht der Hauskirche der Russischen Botschaft in Stuttgart während des Gottesdienstes (?)
Ort der Schöpfung
Westeuropa, Deutschland
Partnersuche
1840er-1850er

Anmerkung
Herrenhaus Zavalino (Bezirk Alexandrowski, Gouvernement Wladimir) aus dem 18. Jahrhundert. gehörte der Adelsfamilie der Akinfovs an. Mitte des 19. Jahrhunderts, nach dem Tod von Senator F.V. Akinfov (1789-1848) ging das Anwesen an seine einzige Tochter und Erbin E.F. Akinfova (1821-1892) und ihr Mann N.I. Krusenstern (1802-1881), Sohn von Admiral I.F. Kruzenshtern (1770-1846), der 1802-1806 die erste russische Weltumrundung unternahm.

Autor, Meister
Zalesski Jakow
Name
Raum E.I. Nelidova im Smolny-Kloster in St. Petersburg
Ort der Schöpfung
Russisches Reich, St. Petersburg
Partnersuche
1839

Die Sammlung einheimischer Grafiken des späten 19. bis 20. Jahrhunderts im Sergiev Posad Museum-Reservat ist klein, weniger systematisch und vollständig als die Bildsammlung dieser Zeit. Aber es hat seine eigene künstlerische Bedeutung im allgemeinen Museumskomplex.
Die Besonderheit der grafischen Sammlung des Museums (sowie der bildlichen) ist das Vorherrschen von Werken lokaler Künstler und ein bestimmter thematischer Schwerpunkt, der mit der Ikonographie der Dreifaltigkeits-Sergius-Kloster und der Stadt verbunden ist. Ein besonderer Teil davon bilden einzelne Blätter (selten - Werkzyklen) berühmter Meister der heimischen bildenden Kunst - I.I. Shishkina, B.M. Kustodieva, K.S. Petrova-Wodkina, V.A. Favorsky, T.A. Mavrina und andere (ca. 80 Werke).

Die ersten Schritte zum Aufbau der Sammlung wurden gleich zu Beginn der Tätigkeit des Museums unternommen - in den Jahren 1920-1921: Mehr als 30 grafische Werke lokaler Künstler wurden von der "Ausstellung architektonischer Motive" von TSL gekauft.
Der wertvollste Teil der Sammlung ist der Erwerb als Schenkung und der Ankauf grafischer Werke von Privatpersonen. Auf diese Weise werden die Werke von I.I. Shishkina, B.M. Kustodieva, V.A. Favorsky, L.S. Bakst. "Namen" (I. Repin, V. Makovsky, I. Shishkin, K. Korovin usw.) werden "benannt", aber durch einzelne Werke repräsentiert. Die "Personalia" der russischen Grafik in der Museumssammlung sind im Wesentlichen die gleichen - T.A. Mavrina (die SPMZ-Sammlung ermöglicht es uns, ihre Arbeit in der Entwicklung von den 1940er bis 1970er Jahren am Beispiel der besten Werke zu zeigen). Dennoch sind einzelne Werke klassischer Künstler für die "provinzielle" Kunstsammlung des späten 19. bis 20. Jahrhunderts äußerst wertvoll.

Die frühesten druckgrafischen Beispiele des hier betrachteten Werkkomplexes stammen aus den 80er Jahren des 19. Jahrhunderts. Sie sind mit einer "Persönlichkeit" verbunden - ein Meilenstein und bedeutsam in der Geschichte der russischen Gravur dieser Zeit - I.I. Schischkin (1832 1898).
Erinnern Sie sich daran, dass die 1870er Jahre eine Zeit des Übergangs und „Übergangs“ für die russische Druckgrafik waren, die Zeit der Dominanz des Tonstichs. Aber auch in dieser nicht besonders kreativen Zeit gab es echte Virtuosen des Holzschnitts (V.V. Mate) und der Radierung (I.I. Shishkin). Unsere Sammlung enthält vier Radierungen des Künstlers, die von ihm in den 1880er Jahren geschaffen wurden (eine Zeit, die für Shishkins Werk besonders fruchtbar war). Dies sind die Blätter „Gurzuf“ (1885), „Schwarzwald“ (1885), „April“ (1885), „Sumpf auf der Warschauer Eisenbahn“ (1886), brillant in ihrer Handwerkskunst und Subtilität, den Zustand der Natur zu vermitteln. Die Sammlung des Museums enthält auch Zeichnungen berühmter russischer Maler, wie der Wanderkünstler Vladimir Yegorovich Makovsky (1846-1920) und Valentin Alexandrovich Serov (1865-1911). Porträts von V.E. Makovsky, in der Zeichnung gefertigt, sind in Komposition und Vollständigkeit ebenso tadellos wie seine Ölgemälde. Als Porträtmeister ist V.E. Makovsky hatte das Talent, nicht nur die äußere Ähnlichkeit der porträtierten Person, sondern auch die Merkmale seiner spirituellen Bewegungen genau wiederzugeben und jene Hauptcharakterzüge hervorzuheben, die die Handlungen, Gedanken und Gefühle einer Person bestimmen. Valentin Serov arbeitete wie jeder echte Künstler nicht nur in der Ölmalerei bemerkenswert gut, sondern beherrschte meisterhaft die Technik des Zeichnens. Seine zahlreichen Arbeiten mit Bleistift und Kohle haben die gleiche Lebendigkeit und Genauigkeit in der Wiedergabe des Charakters der abgebildeten Personen, die gleiche Perfektion in der Ausführung wie seine Ölgemälde.

Die Museumssammlung enthält mehrere Werke berühmter russischer Künstler des späten 19. bis frühen 20. Jahrhunderts. Dies ist zunächst eine Zeichnung von Mikhail Vrubel (1856–1910), dem größten Vertreter der Symbolik und Moderne in der russischen bildenden Kunst. Zusammen mit den Blättern von L.S. Bakst und M.A. Vrubel, die Blütezeit der russischen Grafik an der Wende vom 19. zum 20. Jahrhundert und den 1910er Jahren, wird durch das Werk von K.A. Korovin (1861-1939) - eine Skizze der Kulisse im Jahr 1917 für die Oper von N.A. Rimski Korsakow „Sadko“. Diese Skizze ist das einzige "überlebende" Beispiel für Bühnenbildgrafiken. Stilistisch steht unser Blatt in der Nähe einiger Theaterwerke von K. Korovin aus den späten 1900er und 1910er Jahren. K. Korovins Skizzen für "Sadko" in den Jahren 1906, 1914 zeichnen sich durch eine komplexere Kompositionskonstruktion aus, sie enthalten nicht nur das Bild von "Chorus", sondern auch eine offene Terrasse, durch deren Spannweiten eine Landschaft sichtbar ist - "Meer". blau". Unser Blatt hat einen Kammerklang: Es stellt das Innere der Kammer mit hohem Gewölbe, kleinen Fenstern, einem Kachelofen und Bänken dar.
In der grafischen Sammlung des Museums befindet sich auch eine kleine Zeichnung von Ilya Efimovich Repin „Porträt des Schriftstellers Leontiev-Shcheglov“. I.L. Leontiev-Shcheglov (1856-1911) - ein talentierter russischer Schriftsteller und Dramatiker

Grafikblätter B.M. Kustodiev in der Sammlung des Sergiev Posad Museum-Reserve befinden sich drei Linolschnitte von 1926 (vom Autor signiert, datiert), die 1928 aus einer Privatsammlung erhalten wurden. Im Werk des Künstlers nahm die Grafik einen großen Platz ein, obwohl er überwiegend Maler war. In den 1920er Jahren fertigte Kustodiev viele Buchillustrationen, Plakate und Staffeleistiche (Holzschnitte, Lithographien, Linolschnitte) an. 1926 B.M. Kustodiev schuf mehrere Kompositionen mit "Bathers" in den Techniken Linolschnitt, Holzschnitt und Aquarell. In den Tagebucheinträgen für 1926 des ersten Biografen Kustodiev V.V. Voinov (Grafiker, Kunsthistoriker, Kunstkritiker) hört ständig das Thema von Boris Mikhailovichs Arbeit an Linolschnitten "Bather" und "Bather". Ein konstantes Modell in den letzten Jahren von B.M. Kustodiev "für Porträts, Charaktere in Gemälden, Umschlägen, Gravuren, Illustrationen" war seine Tochter Irina. Sie posierte für ihren Vater und für den Stich „Badende“.
Über eine Reihe von "Bathers" B.M. Kustodiev arbeitete im wahrsten Sinne des Wortes bis zu den letzten Tagen seines Lebens: Der letzte Stich dieses Zyklus wurde von ihm am 4. Mai 1927 angefertigt (und am 26. Mai starb der Künstler).

Das Werk einer der herausragenden Persönlichkeiten der russischen Kunst des 20. Jahrhunderts, ein Klassiker des Holzschnitts V.A. Favorsky (1886-1964) ist in der Sammlung des Museums mit sechzehn grafischen Blättern aus verschiedenen Epochen vertreten: Es handelt sich um Staffeleien, Buchillustrationen und Muster seiner „Typografie“.
Die Auswahl der Blätter ist weitgehend zufällig, nicht alle sind erstklassige oder ikonische Werke des Meisters. 1919-1939 Mitglieder dieser Familie (einschließlich Vladimir Andreevich Favorsky) lebten in Sergiev Zagorsk, waren in seinem spirituellen und kulturellen Leben verwurzelt, schufen hier viele ihrer Werke, und Schwiegervater V.A. Favorsky war einer der Organisatoren unseres Museums.
Darunter befindet sich eines der berühmtesten, bedeutendsten Werke aus dieser Schaffensperiode des Meisters – Staffeleistich „Oktober 1917“ 1928. Dieser Holzschnitt wurde durch den ersten Staatsauftrag des Rates der Volkskommissare zum 10. Jahrestag der Oktoberrevolution geschaffen . Dann konzipierte Favorsky die Serie "Years of Revolution", in der "in chronologischer Reihenfolge angeordnete Zeichnungen die gesamte Geschichte des Sowjetstaates für die ersten 10 Jahre Jahr für Jahr nachbilden sollten". Der Holzschnitt „Oktober 1917“ ist eine detailreiche Handlungserzählung und zugleich symbolisch-metaphorische Komposition mit vielen Charakteren und mehreren Episoden, ganz organisch zu einer verschmolzen.

Die Spätzeit von V.A. Favorsky in unserer Sammlung befinden sich Stiche aus seinen besten, berühmtesten Zyklen der 1950er Jahre, für die der Künstler 1962 mit dem Lenin-Preis ausgezeichnet wurde, - Illustrationen von 1950 für "The Tale of Igor's Campaign" und für "Boris Godunov" von 1955. , dem Museum 1965 geschenkt.
Sie demonstrieren perfekt den "späten Stil" von Favorskys Holzschnitten, wo mehr Aufmerksamkeit auf das Aussehen der Charaktere, die Kulisse, das Kostüm gelegt wird, wo sich die Bildmittel natürlich ändern: Ein bestimmtes "Bild" tritt an die Stelle der Askese der grafischen Lösungen Umrisse und offene Schraffuren. Die epische Feierlichkeit, die epische Natur des „Wortes“ klingen voll in der mehrfigurigen Komposition („Vor der Schlacht“), in der Favorsky Bilder russischer Soldaten unter dem Kampfbanner und Guslyar enthält. Aus der Vielfalt der grafischen Zyklen V.A. Favorsky in den 50er Jahren zur Dramaturgie von A.S. Puschkin ("Boris Godunov", "Little Tragedies") in der Sammlung des Museums gibt es nur eine Illustration für die Tragödie "Boris Godunov" - "Pimen and Grigory" 1955.

Die Sammlung von Werken der herausragenden einheimischen Grafikerin und Malerin Tatyana Alekseevna Mavrina in der Sergiev Posad Museum-Reserve in Bezug auf Umfang, Niveau der Werke und ihre Genrevielfalt kann nur mit den größten Museumssammlungen des Landes verglichen werden, die Sammlungen von haben Grafik des 20. Jahrhunderts. (GMIII, Staatliche Tretjakow-Galerie, Staatliches Russisches Museum). Dies sind zweiundsechzig Blätter, die 1977-1978 nach der persönlichen Ausstellung des Autors im Museum zu uns kamen. 45 Werke wurden T.A. Mavrina als Geschenk.
Chronologisch umfasst die Sammlung Mavrinian-Werke einen großen Zeitraum des Schaffens des Künstlers (die letzten Daten sind 1944 und 1976; außerdem beziehen sich etwa gleich viele Blätter auf die Zeiträume der 40er, 50er, 60er und 70er Jahre). Es repräsentiert eine ausreichende Vielfalt an grafischen Techniken, mit denen Mavrina fruchtbar gearbeitet hat: Dies sind Aquarelle, Gouachen, Blätter in Mischtechnik (Tempera, Gouache oder Tempera, Gouache, Aquarell), Bleistiftzeichnungen, Tuschezeichnungen.

"Zagorsker Zyklus" T.A. Mavrina, die ihre Weltanschauung, ihre Prioritäten in der Kunst und ihren einzigartigen Stil, der oft und zu Recht "Mavrinsky" genannt wird, klar zum Ausdruck bringt, nahm in den 1940er Jahren Gestalt an. Die „Handlungsreihe“ der mavrinischen Werke der 50er Jahre ist das „märchenhaft gesehene“ Ensemble der Lawra, des Pjatnizki-Klosters, der Altstadt und des Lebens ihrer Bewohner – alltäglich und festlich, verkörpert in ihrer besonderen, metaphorischen und poetischen Tonart , verbunden mit der Figuration der Volkskunst, Folklore. Ebenso ausdrucksstark und frei, kühn in Zeichnung, Komposition und Farbe sind die Blätter der 1960er und 1970er Jahre. Ihre thematische Komposition wird nach wie vor von Genrelandschaften dominiert, die schon in den Titeln den aktiv-häuslichen Aspekt betonen. Das klassische Beispiel für das „Mavrinian Portrait“ in unserer Sammlung ist „Demidova“ 1973. „Demidova“ ist ein wunderbares Beispiel für die organische Kombination zweier Genres – „Porträt in Landschaft“: ein großes, frontales, halblanges Bild eines "Russische alte Frau" in einem weißen Schal vor dem Hintergrund einer sommerlichen Dorflandschaft, in der nach der alten Tradition der Volksmalerei und der populären Drucke Inschriften auf den Bildern selbst angebracht sind.

Trotz des umstrittenen Charakters dieser Vereinigung erzielten ihre Meister in einer Reihe von Bereichen ernsthafte Erfolge. Die Verdienste der „Welt der Kunst“ in der Entwicklung der Grafik, im Ringen um eine Hochkultur der Buchgestaltung sind unbestritten. Die zweite Generation von „World of Art“ beschäftigt sich weniger mit den Problemen der Staffeleimalerei, ihre Interessen liegen in der Grafik, meist Buch. In der zweiten Generation von "World of Art" gab es bedeutende Persönlichkeiten (Kustodiev, Sudeikin, Serebryakova, Chekhonin, Grigoriev, Yakovlev, Shukhaev, Mitrokhin usw.).

Erste Generation:

Der ideologische Führer der "Welt der Kunst" war Alexander Nikolaevich Benois (1870-1960).

Benois der Illustrator (Puschkin, Hoffman) ist eine ganze Seite in der Geschichte des Buches. Im Gegensatz zu Somov schafft Benois eine narrative Illustration. Die Ebene des Blattes ist für ihn kein Selbstzweck. Die Illustrationen für The Queen of Spades waren eher vollständige eigenständige Werke, weniger die „Kunst des Buches“, als A.A. Sidorov, wie viel "Kunst steckt im Buch". Ein Meisterwerk der Buchillustration war die grafische Gestaltung von Der eherne Reiter (1903, 1905, 1916, 1921–1922, Tusche und Aquarell imitiert farbige Holzschnitte). In einer Reihe von Illustrationen zu dem großen Gedicht ist die Hauptfigur die architektonische Landschaft von St. Petersburg, mal feierlich erbärmlich, mal friedlich, mal unheimlich, vor der die Figur des Eugen noch unbedeutender erscheint. So drückt Benois den tragischen Konflikt zwischen dem Schicksal der russischen Staatlichkeit und dem persönlichen Schicksal eines kleinen Mannes aus.

Der führende Künstler der "Welt der Kunst" war Konstantin Andreevich Somov (1869-1939). Somov besitzt eine Reihe grafischer Porträts seiner Zeitgenossen - der intellektuellen Elite (V. Ivanov, Blok, Kuzmin, Sollogub, Lansere, Dobuzhinsky usw.), in denen er eine allgemeine Technik verwendet: auf weißem Hintergrund - in einer bestimmten Zeitlosigkeit Sphäre - er zeichnet ein Gesicht, eine Ähnlichkeit, die nicht durch Naturalisierung, sondern durch kühne Verallgemeinerungen und treffende Auswahl charakteristischer Details erreicht wird. Dieses Fehlen von Zeitzeichen erzeugt den Eindruck von Statik, Steifheit, Kälte, fast tragischer Einsamkeit. Er entwarf die Monographie von S. Diaghilev über D. Levitsky, die Arbeit von A. Benois über Tsarskoye Selo. Das Buch als ein einziger Organismus mit seiner rhythmischen und stilistischen Einheit wurde von ihm zu einer außergewöhnlichen Höhe gehoben. Somov ist kein Illustrator, er „illustriert keinen Text, sondern eine Ära, indem er ein literarisches Mittel als Sprungbrett verwendet“, schrieb A.A. Sidorov, und das ist sehr wahr.

Der dritte im Kern der „Welt der Kunst“ war Lev Samuilovich Bakst (1866-1924). Er kam von der Akademie der Künste in die „Welt der Kunst“, bekennt sich dann zum Jugendstil, schließt sich den linken Strömungen der europäischen Malerei an. Auf den ersten Ausstellungen der Welt der Kunst stellte er eine Reihe von malerischen und grafischen Porträts aus (Benois, Bely, Somov, Rozanov, Gippius, Diaghilev), in denen die Natur, die in einen Strom lebendiger Zustände kam, in eine Art verwandelt wurde ideale Darstellung einer zeitgenössischen Person. Bakst schuf die Marke der Zeitschrift „World of Art“, die zum Wahrzeichen von Djagilews „Russischen Jahreszeiten“ in Paris wurde. Baksts Grafiken fehlen Motive aus dem 18. Jahrhundert. und Immobilienthemen. Er orientiert sich an der Antike, außerdem an der symbolisch interpretierten griechischen Archaik.

Yevgeny Evgenyevich Lansere (1875 - 1946) widmete dieser spezifischen Kunst viel Energie und Aufmerksamkeit. Die russische Literaturillustration kannte zuvor keine solche Fülle von Bildmotiven in ihrer harmonischen Verbindung mit dem Buch und der Buchseite, erreichte nicht eine so gekonnte Kombination von Inhalt und Dekoration der Zeichnung, die Hochkultur des Buches, die das Beste Grafiken dieser Zeit erreicht. Eine der besten Kreationen von Lansere – 70 Zeichnungen und Aquarelle für L.N. Tolstois "Hadji Murad" (1912-1915), den Benois als "ein eigenständiges Lied, das perfekt in Tolstois kraftvolle Musik passt" betrachtete. Lansere schuf eine Reihe von Aquarellen und Lithografien von St. Petersburg (Kalinkin-Brücke, Nikolsky-Markt usw.). Die Architektur nimmt in seinen historischen Kompositionen einen großen Platz ein („Empress Elizaveta Petrovna in Tsarskoye Selo“, 1905, Staatliche Tretjakow-Galerie). Wir können sagen, dass in den Werken von Serov, Benois, Lansere eine neue Art von Historienmalerei geschaffen wurde - sie ist ohne Handlung, stellt aber gleichzeitig das Erscheinungsbild der Epoche perfekt wieder her und erinnert an viele historische, literarische und ästhetische Vereine.

Die Grafiken von Mstislav Valerianovich Dobuzhinsky (1875–1957) repräsentieren weniger das Petersburg der Puschkin-Ära oder des 18. Jahrhunderts, sondern eine moderne Stadt, die er mit fast tragischer Ausdruckskraft zu vermitteln verstand („Das alte Haus“, 1905, Aquarell). , Staatliche Tretjakow-Galerie), sowie eine Person - Bewohner solcher Städte („Der Mann mit der Brille“: ein einsamer, vor dem Hintergrund langweiliger Häuser, ein trauriger Mann, dessen Kopf einem Schädel ähnelt). Der Urbanismus der Zukunft erfüllte Dobuzhinsky mit panischer Angst. Er arbeitete auch intensiv in der Illustration, wobei seine Serie von Tuschezeichnungen für Dostojewskis Weiße Nächte (1922) als die bemerkenswertesten angesehen werden kann.

Für manche „Welt der Kunst“ war die erste russische Revolution jedoch eine regelrechte Revolution ihres Weltbildes. Die Mobilität und Zugänglichkeit von Grafiken verursachte ihre besondere Aktivität in diesen Jahren revolutionärer Wirren. Es entstand eine Vielzahl von Satirezeitschriften (von 1905 bis 1917 wurden 380 Titel gezählt). Das Sting-Magazin zeichnete sich durch seine revolutionär-demokratische Ausrichtung aus, aber die größten künstlerischen Kräfte gruppierten sich um das Bogey und dessen Beilage Infernal Mail. Die Ablehnung der Autokratie vereinte liberal gesinnte Künstler verschiedener Strömungen. In einer der Ausgaben des Zhupel platziert Bilibin eine Karikatur "Esel in 1/20 Lebensgröße": In einem Rahmen mit Attributen von Macht und Ruhm, wo normalerweise das Bild des Königs platziert wurde, ist ein Esel gezeichnet. Lansere druckt 1906 den Cartoon "Feast": Die zaristischen Generäle in einem düsteren Fest hören nicht auf Gesang, sondern auf schreiende Soldaten, die stramm stehen. Dobuzhinsky im Bild „Oktoberidylle“ bleibt dem Thema der modernen Stadt treu, nur unheilvolle Zeichen der Ereignisse brechen in diese Stadt ein: ein durch eine Kugel zerbrochenes Fenster, eine liegende Puppe, eine Brille und ein Blutfleck an der Wand und an der Wand Gehweg. Kustodiev fertigte eine Reihe von Karikaturen des Zaren und seiner Generäle sowie Porträts der zaristischen Minister Witte, Ignatiev, Dubasov und anderer an, die in ihrer Schärfe und bösartigen Ironie außergewöhnlich waren und die er so gut studierte, während er Repin bei seiner Arbeit über den Staat half Rat. Es genügt zu sagen, dass Witte unter seiner Hand als taumelnder Clown mit einem roten Banner in der einen und der königlichen Flagge in der anderen Hand erscheint.

Aber die ausdrucksstärksten revolutionären Grafiken dieser Jahre sollten als die Zeichnungen von V.A. Serow. Seine Position war während der Revolution von 1905 ziemlich eindeutig. Die Revolution erweckte eine ganze Reihe von Serovs Karikaturen zum Leben: „1905. Nach der Befriedung“ (Nikolaus II. verteilt mit einem Schläger unter dem Arm St.-Georgs-Kreuze an die Unterdrücker); "Ernte" (Gewehre werden in Garben auf dem Feld abgelegt). Die berühmteste Komposition dieser Serie ist „Soldaten, tapfere Kinder! Wo ist deine Herrlichkeit? (1905, Russisches Museum). Serows staatsbürgerliche Stellung, seine Geschicklichkeit, Beobachtungsgabe und sein weiser Lakonismus als Zeichner kamen hier voll zum Ausdruck. Serow stellt den Beginn des Angriffs der Kosaken auf die Demonstranten am 9. Januar 1905 dar. Im Hintergrund wird den Demonstranten eine allgemeine Messe gegeben; vorne, ganz am Rand des Blattes, groß - einzelne Figuren der Kosaken, und zwischen der ersten und dem Hintergrund, in der Mitte - ein Offizier, der sie mit gezogenem Säbel zum Angriff zu Pferd aufruft. Der Name enthält sozusagen die ganze bittere Ironie der Situation: Die russischen Soldaten erhoben die Waffen gegen ihr Volk. So war es, und so wurde dieses tragische Ereignis nicht nur von Serov aus dem Fenster seiner Werkstatt gesehen, sondern auch (sagen wir bildlich) aus den Tiefen des liberalen Bewusstseins der russischen Intelligenz insgesamt. Russische Künstler, die mit der Revolution von 1905 sympathisierten, wussten nicht, vor welchen Umwälzungen der nationalen Geschichte sie standen. Nachdem sie sich auf die Seite der Revolution gestellt hatten, bevorzugten sie relativ gesehen einen Terroristenbomber (von den Erben der nihilistischen Rasnochintsy, „mit ihren Fähigkeiten im politischen Kampf und der Indoktrination breiter Teile der Gesellschaft“, gemäß der korrekten Definition eines Historikers). zum Polizisten, der auf Ordnungsschutz steht. Sie wussten nicht, dass das „rote Rad“ der Revolution nicht nur die ihnen verhasste Autokratie, sondern die ganze russische Lebensart, die ganze russische Kultur, der sie dienten und die ihnen lieb und teuer war, wegfegen würde.

Die Wende zu einer neuen künstlerischen Ära wurde durch das Wirken des großen Meisters gekennzeichnet, der in vielerlei Hinsicht in der Kunst seiner Zeit herausragte - des Spaniers F. Goya. Als brillanter Maler wandte er sich bereits im fortgeschrittenen Alter, nach 50 Jahren, dem Kupferstich zu und wurde wohl der erste Künstler nach Rembrandt, in dessen Händen sich die Radierung nicht wie bei den meisten seiner Zeitgenossen als periphere, kammerkünstlerische Form herausstellte, sondern ein kraftvolles Mittel zur Inszenierung und Lösung der wichtigsten kreativen und gesellschaftlichen Probleme der Zeit. Goya verbindet die grafische Kultur des 18. und 19. Jahrhunderts und erhebt sich über beide. Indem er die wesentlichen Entwicklungslinien der kreativen Gravur des 16. bis 18. Jahrhunderts vervollständigt und transformiert, nimmt er jene neuen Trends vorweg, die sich Jahrzehnte später entwickeln werden.

Die erste große Serie seiner Aquatintaradierungen entstand in der zweiten Hälfte der 1790er Jahre. und wurde "Caprichos" genannt. Dieses Wort (wenn auch nicht in spanischer, sondern in italienischer Transkription) ist uns bereits in der Geschichte der Grafik begegnet. „Caprici“, d.h. "Macken", "Fantasien" sind im Wesentlichen die Bezeichnung eines speziellen Genres fiktiver, willkürlich angeordneter Bilder (im Gegensatz zu authentisch natürlichen oder kanonischen Handlungen), denen viele Meister der europäischen Grafik Tribut zollen - von Callo bis Tiepolo und Piranesi: lebhaft, leicht, manchmal dekorativ im Design, elegant manierierte Skizzen mit einer Nadel.

Bei Goya wurde alles viel ernster und tiefer. Die emotionale Struktur seiner Fantasien ist düster, manchmal tragisch. In diesem Zyklus gibt es keine übergreifende Handlung, obwohl einige Gruppen von Blättern durch eine gewisse semantische Ähnlichkeit verbunden sind. Die Themen einzelner Kompositionen entstehen unvorhersehbar, wechseln sich nach komplexen assoziativen Verknüpfungen ab. Dabei wirkt die Serie, anders als die traditionellen „Capricci“, wie eine sich entwickelnde, in sich geschlossene Erzählung, eine Art grafischer „Roman in Radierungen“. Die fantastischsten Bilder entstehen inmitten direkter Alltagsbeobachtungen. Das Leben wird in einen mächtigen Strom von Reflexionen und Erfahrungen des Künstlers hineingezogen und transformiert sich darin: die Sitten und Laster der Gesellschaft und ihrer Stände, volkstümlicher Aberglaube, die brutale Grausamkeit der Obrigkeit, der Kirche und des Weltlichen. Alles, was seine Gefühle verkörpern kann, wird in die Tat umgesetzt: Alltagsszene und Allegorie, gnadenlose Groteske, Deformation, sagenumwobener Ersatz eines Menschen für ein Tier (Affe, Esel) oder ein undenkbares Monster. Die seltsame, vielseitige Welt der „Caprichos“ wird von einer charakteristischen, verdichtet-schimmernden Atmosphäre geeint, mal dicht und geheimnisvoll, mal etwas erleuchtet. Dabei bediente sich der Meister meisterhaft der damals neuen Aquatinta-Technik. Der zitternde, vibrierende Ätzstrich von Goya teilt seinen Figuren auch seine unstete Beweglichkeit mit. Sie hat nichts gemein mit den kalten glatten Linien des Klassizismus, die um die Jahrhundertwende in der europäischen Grafik dominierten.

Auch kurze Signaturen auf den Blättern sind offen emotional. Sie enthalten die direkte Stimme des Künstlers, seine düster-ironischen Intonationen, seine oft traurigen Ausrufe. Ohne in die rein plastische Ausdruckskraft der Radierungen einzugreifen, aktivieren sie in ihnen die literarisch-handlungsdramatische und mehrdeutige Symbolik der Bilder. Goya selbst ist in seinen Radierungen ständig präsent, wendet sich direkt an den Betrachter, sucht bei ihm nach Komplizenschaft und Sympathie. Nicht umsonst ist das Eingangsblatt der Serie das Selbstporträt des Künstlers, das mit seiner psychologischen Spannung und verhaltenen Dramatik sehr genau seinem Geist entspricht. Die zweite Serie von Radierungen von Goya - "Die Katastrophen des Krieges" (1810-1820) wurde ein Jahrzehnt später von "Caprichos" begonnen, inmitten der dramatischen Ereignisse - der Eroberung Spaniens durch Napoleons Truppen und dem verzweifelten Widerstand der Bevölkerung. Die gegenseitige Wut der Kämpfer, die Menschen zu Brutalität, Hinrichtung, Folter und Gewalt führt, überwältigt diese Radierungen. „Ich habe das gesehen“ … „Und das auch“, schreibt der Künstler unter seine Laken und fordert, dass wir auch sehen, was „unmöglich anzusehen“ ist …

Aber in dieser Serie, wie auch in Caprichos, werden monströse Bilder der Realität, blutige und abscheuliche Episoden des militärischen Alltags mit fantastischen und grotesken Bildern, mit der tragischen Symbolik Goyas verflochten, verallgemeinert und durch sie nachvollzogen. Ein Pferd, das mit seinen Hufen ein Wolfsrudel abwehrt, ein hässlicher Chronist des Krieges mit Krallen an Armen und Beinen und Fledermausflügeln statt Ohren … „Die Wahrheit ist tot“ heißt das vorletzte Blatt mit einer Wolke von Geistern über dem Körper einer jungen Frau. "Wird sie wieder aufstehen?" - fragt der Künstler in letzterem. Viele Themen der „Caprichos“, die dunkelsten Themen der Gesetzlosigkeit und des Betrugs, die Dominanz böser Leidenschaften und Vorurteile, wiederholt Goya in dieser Serie mit neuer Energie. Die Dämmerung eines vagen Hintergrunds ist darin noch dichter, Gewirr verschlungener Körper sind untrennbar in dynamischen Kompositionen, der wütende Ausdruck einer Radiernadel bricht alle Normen traditioneller Zeichnung. Und schließlich wird in Goyas spätem Album „Disparates“ – „Follies“ (1818) die tragische Fantasie des Künstlers verallgemeinert, bekommt einen düsteren und majestätischen Klang. Kraftvolle Impulse gehen von Goyas Radierungen in die Grafik des 19. und 20. Jahrhunderts; eine Generation später - zur romantischen Fantasie der Lithographien von E. Delacroix, zum satirischen Pathos von O. Daumier; nach einem ganzen Jahrhundert - zu einer Explosion der Leidenschaften in den Stichen deutscher Expressionisten, zur sozialen Tragödie von K. Kollwitz, zu den leidenschaftlichen Impulsen von E. Barlach.

Morgen wird in Torzhok eine Ausstellung eröffnet, in der die Entwicklungsgeschichte der sogenannten "formalistischen" Grafik der ersten Hälfte des 20. Jahrhunderts anhand der Werke von A. Labas, V. Lebedev, M. Axelrod und anderen illustriert wird berühmte russische Künstler

Allrussisches historisches und ethnografisches Museum, 1. Juni - 1. August 2012
Region Tver, Torzhok, Platz 9. Januar, 2, Ausstellungshalle

Morgen, am 1. Juni, eröffnet die Vellum Gallery im Allrussischen Historischen und Ethnografischen Museum die Ausstellung Traditionen der russischen Grafik des 20. Jahrhunderts. 1900-1950“.

Die Ausstellung zeigt Werke von A. V. Fonvizin, A. A. Labas, V. V. Lebedev, A. F. Sofronova, A. I. Vatagin, A. M. Kanevsky, M. M. Axelrod und A. L. Kaplan, A. S. Konovalova, B. A. Smirnov-Rusetsky, E. F. Ermilova-Platova. Die Ausstellung veranschaulicht die Entwicklungsgeschichte der sogenannten "formalistischen" Grafik in der ersten Hälfte des 20. Jahrhunderts.

Zu Beginn des 19. Jahrhunderts begannen sich in Russland Sammlungen zu bilden, in denen die grafischen Arbeiten von Künstlern zusammen mit ihren Gemälden gesammelt wurden. Berühmte Maler wurden mit Aquarell- und Bleistiftporträts bestellt, Wohnzimmer wurden mit auf Papier ausgeführten Landschaften geschmückt.

Die Verbindung der Grafik mit anderen Kulturkreisen war flexibel und vielseitig. Als Illustration hatte sie direkten Zugang zu Literatur, Buch und Verlag, als Bühnenbildskizze - zum Theater als Projekt - zu Architektur, angewandter Kunst und verschiedenen Bereichen menschlichen Handelns.

Michelangelo glaubte, dass das Zeichnen die höchste Errungenschaft eines Malers, eines Bildhauers und eines Architekten ist, und das Zeichnen die Quelle und Seele aller Arten von bildender Kunst ist.

Das 20. Jahrhundert in der russischen Kultur ist auch von herausragenden künstlerischen Leistungen auf dem Gebiet der Grafik geprägt. Die Graphiksammlung des 20. Jahrhunderts ist die größte Abteilung im Graphikbestand der Tretjakow-Galerie. Staffelei und Skizzenhaftigkeit, Fixierung des Gesehenen oder reine Fantasie, eine Illustration zum Lesen, ein Rohling für einen Stich oder ein Projekt für ein Theaterkostüm, eine karikaturistische Übertreibung oder ein aus dem Ganzen isoliertes Detail, vermitteln und bestimmen den Stil einer Grafik Arbeit.

Ausstellung „Traditionen der russischen Grafik des 20. Jahrhunderts. 1900–1950.“ setzt eine Reihe von Ausstellungen der Galerie "Vellum" in Provinzmuseen fort; Vorangegangen waren Ausstellungen von Künstlern der alten russischen Schule im Murom Art Museum, im Rostower Kreml, im Marc-Chagall-Museum in Witebsk.

Veranstalter der Ausstellung:
Moskauer Kulturinstitution "Galerie" Vellum ""
Tel.: +7 (495) 776–33–31; 695–13–53 (Durchwahl 147)
Email: [E-Mail geschützt]
www.velum.ru

Allrussisches historisches und ethnografisches Museum (Torzhok)
www.viemusei.ru

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