Lev Dolgachev: “Mikro stoklarla çalışmak, sürekli olarak kendinizin üzerinde büyümek anlamına gelir. Nasıl fotoğrafçı oldum (ve bunun için neler gerekli) - Çekim yapmak için hangi ekipmanı kullanıyorsunuz?

Lev Dolgachev Novosibirsk'te doğdu ama büyüdü ve Estonya'nın Tallinn şehrinde yaşıyor . Leo, fotoğrafçılığa ek olarak çok sayıda şeyle de ilgileniyor: araba yarışı, seyahat, elektro gitar çalmak, kendi kendine eğitim. Ama şu anda asıl hobisi Syda Productions.Dolgachev, "Son zamanlarda mesele fotoğrafçılığın kendisi değil, yönetim ve yönetim" diye itiraf ediyor. – Bir yıl boyunca iş dünyası üzerine tonlarca kitap okudum, sayısız “sindirilmiş” video ve ses materyalinden bahsetmeye bile gerek yok. Fotoğrafa göre - birkaç kat daha az. Gerçi çok da var."

– Nasıl fotoğrafçı oldunuz?

Fotoğrafçılığı her zaman sevdim. Okulda sonsuz fotoğraf çemberleri, büyütücüler-geliştiriciler-düzelticiler, gelişen tanklarla dolu bir daire vb. Daha sonra dijital fotoğrafçılık. Daha sonra yeni bir aşamada tekrar film çekin ve ardından tekrar dijital çekim yapın.

Profesyonel çalışmalarım, mikro stoklar üzerinde yaratıcı deneylerimin talep edildiğinin ortaya çıktığı 2006 yılında başladı. Sonra bir yerde profesyonel olarak büyüme arzusu doğdu. O zamandan beri, değişen derecelerde başarı ile yaptığım tek büyüme bu. Birkaç yıl önce mikro stokların yanı sıra moda fotoğrafçılığında da şansımızı denemeye karar verdiğimizde Central St.'de Moda Fotoğrafçılığı okumaya gittim. Martins, Londra'da. Çok ilginç ve faydalıydı. Londra'nın çok özel bir atmosferi var.

– Görsellerinizi Syda Productions markası altında sunuyorsunuz. Bu şirket nasıl ortaya çıktı?

Bir noktada medya içeriği üretiminde başarılı bir iş için gereken tüm süreçleri tek başıma halledemeyeceğimi anladım. Film çekimini organize etmek, modelleri araştırmak, fotoğraf çekmek, düzenlemek, rötuşlamak, kalite kontrol yapmak, fotoğraf bankalarına yüklemek ve daha birçok şeyi organize etmek. Ardından, bazıları daha sonra ekibin "omurgasını" oluşturan uzmanlarla işbirliği başladı. Yakın zamana kadar ürünlerimizin ruhsatını benim adıma alıyorduk, geçen yılın sonunda gerekli tüm formaliteleri tamamlayarak Syda Productions markasıyla çalışmaya başladık.

Ekip şu anda 9-10 kişiden ve ihtiyaç halinde dahil ettiğimiz üçüncü taraf uzmanlardan oluşuyor. Ekibin büyüklüğü düzenli olarak değişiyor, bazen artıyor, bazen azalıyor. O yüzden 9-10 gibi yanlış bir rakam verdim. Yakın zamana kadar aktif olarak takımın sayısını artırıyorduk, bir yıl sonra ne olur, dinamik olarak gelişip gelişmediğimizi tahmin etmek benim için zor. Belki 15 ya da 20 kişi olacağız ama şimdi personeli "şişirmek" yerine daha az kişi tarafından çok hassas bir şekilde güç uygulanması politikasına daha yatkınım. Bu nedenle, büyük olasılıkla, bir yıl içinde hala 10-12 kişilik küçük bir ekip olacak. Dost canlısı, eğlenceli, profesyonel ve verimli.

İnsanları işe almak her zaman zor bir süreçtir. Bazı insanlar birlikte iyi çalışır, bazıları ise ayrılmak zorunda kalır. Daha sık birlikte çalışıyoruz. Genel olarak iyi geçinmek her zaman ayrılmaktan daha keyiflidir. Genel olarak önce mesleki niteliklere, sonra kişisel niteliklere bakıyoruz. Her ikisi de bize uygunsa kişiyi bizimle çalışmaya davet ediyoruz.

– Bir fotoğrafçı olarak tarzınızı ve şirketinizin tarzını nasıl tanımlarsınız?

Eğer tarzımız bir şey olarak adlandırılabilirse, o zaman isim çok basit olacaktır - "tarz yoktur." Farklı şeyleri farklı şekillerde çekiyoruz, sürekli yeni bir şeyler deneyiyoruz. Tek bir kriter var; piyasadaki talep. Bir konunun ticari potansiyeli ne kadar yüksekse bizim için o kadar ilgi çekicidir. Diğer prodüksiyonlar gibi stok fotoğrafçılığın da pazar gereksinimlerini çok net bir şekilde karşılaması gerekiyor.

Dışarıdan birisi bizim çalışmamızı tarzına göre tanırsa bu harika. Ancak biz kendimiz özel bir tarz oluşturmuyoruz. Herhangi bir stil bir dizi kısıtlamadır ve her zaman kullanışlı değildir.

– Hangi işe yarayan “hileleriniz” var?

Tek bir numara var ve o da çok basit; sürekli konfor alanınızı terk etmek.

Ticari açıdan başarılı hikayelerin “kornalarla” çekilebileceğini biliyorsanız, gidip “kornalarla” çekim yapmalısınız. İstemeseniz, yapamasanız, korksanız veya çok rahatsız olsanız bile. Ve orada her şey kolay, kullanışlı ve tanıdık hale geldiğinde, yola devam etme zamanı geldi. Şu anda "Yapmalıyım ama istemiyorum, yapamam, bu korkutucu, sakıncalı." Gelişme, sürekli gelişme. Kendinize “tamam, biz iyiyiz” dediğiniz anda yolun sonu gelir. Her zaman yeni zorluklar ve yeni ufuklar olmalı.

– Hangi ekipmanlar üzerinde çalışıyorsunuz?

Aydınlatma – Profoto stüdyosu ve akülü jeneratörler.

– Yalnızca birlikte çalışırsınızFotolia mı yoksa diğer mikro stoklarla da mı?

Makul bir telif ücreti yüzdesi ödeyen, iyi pazarlama yapan ve fiyat indirimlerine katılmayan tüm büyük mikro stoklarla çalışıyoruz.

– Mikro stoklarla çalışmak için ne kadar zaman harcıyorsunuz?

Son 7 yıldır şahsen haftada 120 saat çalışıyorum. Şu ya da bu biçimde. Aslında ya uyuyorum ya da çalışıyorum. Dışarıdan bakıldığında çalıştığım her zaman belli olmuyor. Bazen bir veya iki gün izin almaya karar veriyorum, herkese yarın işte olmayacağımı söylüyorum ve çocuklar gülüyor: “Tatil günlerinizi biliyoruz. Yarın görüşürüz".

Ekibin geri kalanı resmi olarak haftada ortalama 40 saat çalışıyor. Aslında onlar da bir dereceye kadar "fazla çalışıyorlar" çünkü duygusal olarak işe benim kadar dahil oluyorlar. Bu da beni inanılmaz derecede mutlu ediyor. İnsanlar konusunda genelde şanslıyım ve Syda Productions'ın büyümesinin ana gücünün ve anahtarının ekip olduğuna inanıyorum.

– Nasıl çalışmaya başladık?Fotolia mı?

Fotolia, fotoğraf yüklemeye başladığım ilk stok. Yanılmıyorsam 2005 yılındaydı. Portfolyomuzdaki en eski çalışmalara bakarsanız, bunlar Leica M3 ile çekilmiş film slaytlarının taramalarıdır; o zamanlar film fotoğrafçılığına hayrandım. Bazıları hâlâ satılık.

– Neden dikkat ettin?Fotolia mı?

Fotolia hızla ve kendinden emin bir şekilde pazarın önde gelen fotoğraf bankalarından biri haline geldi, bu nedenle böylesine büyük bir oyuncuya dikkat etmemek imkansızdı.

– Gelişmeyi izliyorsunuzFotolia mı? Herhangi bir eğilimi tanımlayabilir misiniz?

Fotolia'nın gelişimi genel anlamda cesaret verici ve iyimserliğe ilham vermeye devam ediyor. Geçen yılın dinamikleri çok iyi.

Aynı zamanda, fiyatlandırma politikası açısından son zamanlardaki pazarlama kararlarının tümü bana haklı görünmüyor - genel olarak artık herhangi bir fiyat indiriminin olumlu bir etkisi olmayacağına, aksine tam tersine inanıyorum. Artık cep telefonları tarafından oluşturulan içerik pazarı "aşağıdan" konumu almaya çalışıyor ve kesinlikle alacak. “Fiyat savaşlarının” olması gereken yer burasıdır.

Fotolia gibi geleneksel (muhtemelen bu kelimeyi kullanmak zaten uygun) mikro stoklar ise tam tersine fiyatları mevcut seviyeden yüzde 20-30 oranında artırabilir. Diğer şeylerin yanı sıra bu, yüksek kaliteli malzeme üretiminin yıllar geçtikçe giderek daha pahalı hale geldiği büyük içerik sağlayıcılarını, düşük maliyetli üçüncü kademe fotoğraf bankalarıyla çalışmayı büyük ölçüde reddetmeye motive edecektir.

– Mikro stoka yeni başlayan acemi fotoğrafçılara ne gibi tavsiyelerde bulunursunuz?

Hızlı ve kolay para beklemeyin. Mikro stoklarla çalışmak zor bir günlük iştir, sürekli kendini geliştirmek, kendine karşı tam ve mutlak bir acımasızlıktır. Kimsenin sana hiçbir borcu yok. Ne fotoğraf bankaları ne de alıcılar. Çekim yaptığınızda ve çalışmanızı fotoğraf bankalarına yüklediğinizde kendinizi değil, son müşteriyi düşünün. Kimin, neden ve neden çalışmanız için lisans satın almak isteyebileceğini açıkça anlayın. Yaratıcılık unsuru iptal edilmedi, ancak mikro stoklarla ciddi çalışma, üretim anlamına geliyor ve rekabetin yüksek olduğu bir ortamda. Eğer başarılı olmak istiyorsanız bu gerçeğin farkına varmadan işiniz çok zor olacaktır.

Ve aynı zamanda güçlü olan her zaman yoluna devam edecektir. Hiçbir işte hiçbir şey imkansız değildir. En başarılı, en iyi, en çok satan yazarlar sizinle tamamen aynı yaşayan insanlardır. Yürüyen yola hakim olur. Yani, eğer bunun size ait olduğunu düşünüyorsanız, o zaman “tam hız ileri” ve iyi şanslar!

Yulia Raskova, konser fotoğrafçılığı konusunda uzmanlaşmış genç bir Krasnoyarsk fotoğrafçısıdır. Oldukça kısa bir sürede Julia, Grand Hall Sibirya konser salonunda tam zamanlı bir fotoğrafçı olmanın yanı sıra, Foto&Video dergisi de dahil olmak üzere çeşitli yayınlarda yayınların yazarı olmayı başardı. Yulia'ya göre, fotoğrafçılık onu yalnızca müzikten uzaklaştırmakla kalmıyor, aynı zamanda en sevdiği müzisyenlerin çalışmalarına yeni bir bakış atmasına da yardımcı oluyor ve diğer birçok fotoğrafçıya müdahale eden hayranlarıyla karşılıklı saygılı ilişkiler geliştiriyor. Yulia, Nikon World okuyucularına konserde slam'a girmemenin yollarını ve sahneden gelen enerjinin fotoğraflara mümkün olduğunca nasıl aktarılabileceğini anlatıyor.

— Nasıl fotoğrafçı oldunuz ve konser fotoğrafçılığına ne zaman başladınız?

— Avukatlık eğitimi alıyorum ama hayat beni fotoğrafçılığa yöneltti. Babam ve dedem fotoğrafçılığa meraklıydı, çocukluğumdan beri evde kamera gördüm, özel bir şey değil sıradan ama hayatımın çok önemli bir parçasıydı. Okuldan beri görsel sanatlar, özellikle de fotoğrafçılık beni cezbetti; kısacık bir anı kendi tarzımda yakalama, ona kendi düşüncelerimi ve duygularımı aktarma fırsatı olarak. Avukatlık yaparken fotoğrafçılığı ciddiye almaya başladım, insanlara ve olaylara odaklandım. Bu güne kadar fotoğrafçılıkta ilgimi çeken şey bu. Evden çıktım ve bir şekilde duygusal bir tepki uyandıran, bir düğmeye basma arzusu uyandıran her şeyi filme aldım. Daha sonra, öncelikle ışıkla çalışma fırsatı nedeniyle fotoğraf stüdyolarına ilgi duydum: Stüdyoda ışık üzerinde çalışabilir, konularınızı kendi tarzınızda aydınlatabilir ve farklı aydınlatma şemaları sayesinde farklı efektler elde edebilirsiniz.

Ancak yine de hayata ve olaylara ilgi duyuyordum. Günde sekiz saat çalışma tempom nedeniyle sadece akşamları boş vaktim olduğu ve akşamları şehirde çoğunlukla parti ve konserlere ev sahipliği yaptığı için konserlere katılmaya başladım. Yani bu benim için dünyadaki her şeyden çok yapmayı sevdiğim şeye, fotoğrafçılığa giden en gerçekçi yoldu.

Daha sonra kendim için daha çok çekim yaptım ama aynı zamanda fotoğrafları analiz ettim ve hatalar üzerinde çalıştım. Kendimi tamamen konser fotoğrafçılığına adama konusundaki son arzum, aktör Vadim Demchog ile Krasnoyarsk turnesinde birlikte çalıştıktan sonra şekillendi. İşbirliğimiz sırasında radyo ve televizyonda çok sayıda fotoğraf çektim, Vadim Viktorovich'in “Harlequiniad” adlı oyununu filme aldım, sahne arkası ve provalar... Kelimenin tam anlamıyla günde 12 saat çekim yapmak zorunda kaldım! Uykuya neredeyse hiç vakit kalmamıştı ama bir fotoğrafçı ile oyuncu/müzisyen arasındaki etkileşim konusunda önemli bir deneyim kazandım ve gösterilerin nasıl yapıldığına dair çok şey öğrendim.

— Hangi müzik türünü çekmeyi tercih edersiniz?

— Yaratıcı ve yetenekli insanları fotoğraflamayı gerçekten seviyorum. Belki de bir çekim seçerken asıl önceliğim budur. Yetenekli bir gitarist bir rock grubunda elektro gitar çalabilir veya solo bir konserle gelebilir ve akustik üzerine parçalar gerçekleştirebilir - benim için tür, gerçekten yetenekli ve kendini adamış bir kişinin sahnede çalışması kadar önemli değil. Pek çok müzik türü vardır; belirli bir türün sanatçıları genellikle tanınabilir bir performans, şarkı sözleri ve müzik sesi tarzıyla birleşir. Hala en sevdiğiniz türü seçmeye çalışıyorsanız, o zaman bu en geniş anlamda rock'tır - hem geleneksel hem de alternatif, metal ve post-grunge dahil. Rock müzisyenlerinin performansları her zaman çılgın enerji, sahneden gelen çılgın geri bildirimler ve hayranların duygularıyla karakterize edilir. Ayrıca bazı rockçılar renkli görünüyor. Bu tür sanatçılar, ifade, artan performans dinamiği ve özel bir elektro gitar ve davul sesiyle karakterize edilir.

Rock müziğin sadece bir müzik türü değil, yirminci yüzyılın sosyokültürel bir olgusu olduğu ve birçok farklı alt kültürün ortaya çıktığına dair bir bakış açısı var. Bu anlamda, bu tür konserleri fotoğraflarken, her zaman şu veya bu alt kültüre nüfuz edersiniz ki bu, bir fotoğrafçı olarak benim için ilginç olmaktan başka bir şey olamaz. Bu tür konserlerde sadece müzisyenleri değil, seyircileri de, birbirleriyle olan etkileşimlerini, olup bitenlere tepkilerini fotoğraflamaya çalışıyorum. İzleyiciler genellikle fotoğrafının çekilmesine, poz verilmesine ve hatta çoğu zaman fotoğraflarının çekilmesine açık davranırlar. Bunu yapmak oldukça zor çünkü hem salonda hem de sahnede olup biteni aynı anda takip etmek kolay değil ama bu tür çekim koşullarına alışıyorsunuz ve zamanla gözlem alışkanlığı geliştiriyorsunuz. Sonuçta konser sadece müzisyenlerin değil, aynı zamanda seyircinin enerjisinin de göstergesidir.

— Peki yine de hayranlar çekimlere müdahale ediyor mu?

— Hayranların davranışları büyük ölçüde farklılık gösterir ve etkileri genellikle çekimin yapıldığı yere bağlıdır. Örneğin, 30 Seconds To Mars grubunu Spor Sarayı'nın büyük salonunun ortasından ses mühendisi konsolu alanında çektik; tüm hayran alanı ellerini kaldıran ve tüm görüşü engelleyen insanlarla doluydu. . Ama ne yapsın, insanlar konsere eğlenmek için geliyorlar, fotoğrafçıyı düşünmüyorlar. Bu şartlarda benim görevim anı yakalayıp düzgün çekimler yapabilmek. Bazen olayların gidişatını kendi avantajınıza çevirebilir ve solistin duygusal arka planını vurgulayan ilginç, ikonik bir kompozisyon yaratabilirsiniz. Örneğin, hayranların ellerinde kırmızı bir spot ışığı parlıyorsa, odak uzunluğunu 200 mm'ye ayarlayarak, tamamen siyah giyinmiş solistin etrafında kırmızı bir çerçeve elde edebilirsiniz ve bu, onun sert bakışıyla birleştiğinde, benzersiz atış.

Daha sıkışık çekim yerlerinde, örneğin gece kulüplerinde, insanlar tam tersine size yardım etmeye, ilerlemenize izin vermeye çalışırlar. "Sıcak" Ill Nino konserinde korkunç bir çarpmanın olduğu (bu, hayranların ezilmesi için kullanılan bir argo) ve tamamen yabancı bir genç adamın arkamda durup beni kolayca ezebilecek bir kız kalabalığını geride tuttuğu bir olayı hatırlıyorum. . Biz yabancıydık, ondan hiçbir şey istemedim, o sadece kendisi yaptı.

Çoğu zaman bir gece kulübünde sahneye gitmeniz gerekir ve önünde yoğun bir kalabalık vardır. Bu durumda insanlar, özellikle de gençler, her zaman insanların geçmesine izin veriyor, hatta geçmelerine yardım ediyor, yerlerini bırakıyor, dolaşıyorlar. Bu gibi durumlarda basit nezaketin çok faydası olur. Ama tabi ki insanlara kaba davranıyorsanız, kalabalığın arasından kaba bir şekilde geçiyorsanız, herkesi bir kenara itiyorsanız, yüzünüzde buz gibi bir ifadeyle manzarayı kapatıyorsanız iyi bir tavır beklememelisiniz. Bu tür davranışlar başkalarının memnuniyetsizliğine ve organizatörlerin şikayetlerine neden olabilir ve bu, gelecekte konserler için akreditasyon kaybıyla doludur. İnsanlar en sevdikleri sanatçının konserine rahatlamak için geldiler, onlar için bu bir tatil ve buna saygılı davranmaları gerekiyor. O zaman sadece yüksek kaliteli fotoğraflar değil, aynı zamanda bu çekimler için insanlardan minnettarlık da alacaksınız.

— Favori gruplarınız var mı?

— Hiçbir grubun ya da müzik türünün hayranı olmadım, hayatımın farklı dönemlerinde ruh halime göre müzik dinlemeyi tercih ettim. Ancak sadece müzik dinlemek, enerji açısından, özellikle de elinizde bir kamera tutuyorsanız, bir konserde bizzat bulunmakla kıyaslanamaz.

Kural olarak, bazı müzisyenlerin performansları, tam da bu performansı fotoğrafladıktan sonra üzerimde güçlü bir izlenim bırakıyor; buradaki kamera gergin bir sinirle karşılaştırılabilir, onun sayesinde her şey daha keskin bir şekilde hissedilir - tüm duygular, sanatçıların çalışmaları. Konserde müzik dinlemeye, beraberinde büyük bir duygu yükü almaya alıştım ama artık kulaklık eskisi kadar keyif vermiyor.

Çoğu zaman konser başlamadan önce müzisyenlerle iletişim kurarım. Bu, günde sekiz saat iletişim kurmak veya sahneye çıkmadan önce soyunma odasında veya ses kontrolünde birkaç kelime alışverişinde bulunmak kadar basit olabilir. Benim için her müzisyen, her şeyden önce işini seven, kendini tamamen o işe adayan, öyle ki gözümün önünde, burada ve şimdi hayatını bu işe adayan kişidir. Buna aşık olmamak mümkün değil!

— Hangi sitelerde çalışmayı seviyorsunuz?

— Her sitenin kendine göre artıları ve eksileri vardır. Kulüplerde çekim yapmayı seviyorum çünkü orada özgürce hareket edebiliyor, bakış açılarını değiştirebiliyor, seyirciyle doğrudan etkileşime geçebiliyor, sanatçılara daha yakın olabiliyor ve yakın çekimler yapabiliyorsun. Aynı zamanda ekipman hasarı ve yaralanma riskinin en yüksek olduğu yerler kulüplerdir. Mesela ilk sıralarda çektiğim konserlerden birinde bir çarpma dalgasıyla karşılaştım, yere düştüm ve bunun sonucunda yüzümde hoş bir morluk oluştu. Ama her şey daha da üzücü bitebilirdi.
Sahne uzunluğunun 18-20 metre olduğu geniş mekanlarda çalışmak daha zordur. Buradaki en zor şey, sanatçıların tüm alan boyunca bir uçtan diğer uca oldukça hızlı bir şekilde hareket etmesidir - o zaman ustaca hareket etmeniz gerekir ki bunu yapmak zor olabilir, çünkü fotoğraf çukurunda benden başka fotoğrafçılar da var. Ancak bu kadar büyük mekanlarda kural olarak gece kulüplerine göre çok iyi ve kaliteli ışık vardır, fotoğraf çukuru düzenlenir ve tur organizatörleri tarafından düzen sağlanır.

- Hangi ekipmanları kullanıyorsun?

— Nikon D600 ile çekim yapıyorum ve hızlı yakınlaştırmalı lenslerle çalışmayı tercih ediyorum çünkü farklı yerlerde çekim yapmam ve farklı koşullarda çalışmam gerekiyor; sabit lens kullanmanın değişen bir duruma hızlı tepki verememeye yol açabileceği durumlar da dahil. gerekli çerçeveyi yapın. Bazen bir konserde fotoğrafçının kullanabileceği tek yer ses mühendisinin konsoludur; bu durumda telefoto lens şarttır. Bazen dar bir fotoğraf çukurunda manevra yapmak zorunda kalıyorsunuz, burada sanatçıların hem genel hem de yakın çekimlerini çekebiliyorsunuz. Müzisyenler bir anda sahneye yaklaşıp fotoğraf çukuruna doğru eğilebilirler ya da bir anda arka plana geçebilirler.

Kural olarak konserler sırasında rahat çekim için yeterli ışık yoktur, bu nedenle işimde kamera seçerken ana kriterlerden biri düşük ışık koşullarında çekim yapabilme yeteneğidir. Aynı derecede önemli olan, otomatik odaklamanın ve atış hızının güvenilirliğinin yanı sıra matrisin çözünürlüğüdür.
Nikon ekipmanını çok uzun zamandır kullanıyorum, konser haberciliği gibi yüksek nem, toz, şok, sıcak veya soğuk gibi zorlu çekim koşullarında bile beni asla yarı yolda bırakmadı. Nikon'un hızlı ve doğru otomatik netlemesini, kolay kontrollerini, yüksek ISO'larda çekim yapma yeteneğini ve elbette ortaya çıkan güzel görüntüyü seviyorum.

— Ek ışık kullanıyor musunuz?

— Konser fotoğrafçılığında aydınlatma çok şey belirler. Bir konser fotoğrafçısı mesleğinde, başlangıçtaki aydınlatma koşullarıyla çalışma, renkler arasında gezinme, ışığın yönü ve tüm bunları bir müzisyen imajı oluşturmak için kullanma yeteneği çok önemlidir. Konserlerde ek ışık, kural olarak, birkaç nedenden dolayı kullanılmaz: Birincisi, konserlerde genellikle güzel ve çeşitli ışık vardır, bu da müzikal bir etkinliğin benzersiz bir atmosferini yaratır, sanatçıların dokusunu ve rengini vurgular. İkinci olarak flaş, müzisyenlerin sahnede çalışmasını engelleyebilir ve seyirciyi rahatsız edebilir. Uygulamamızda, bir fotoğrafçının büyük bir reflektör ve flaşla bir kulüpteki konsere geldiği ve tüm bu ekipmanlarla ön sıradaki sanatçıların fotoğraflarını çekmeye başladığı bir durum vardı. Sonuç olarak seyirci öfkelendi, çok sayıda şikayet geldi. Flaş ışıkları aynı zamanda fotoğrafçı arkadaşlarının çalışmalarına da müdahale edebilir. Ve son olarak, organizatörler müzisyenleri ve seyircileri rahatsız edebilecek ek ışık kaynaklarının kullanımını sıklıkla yasaklıyor.

Aynı zamanda, ek ışık kaynaklarıyla çalışma yeteneğinin (organizatörler tarafından izin verildiği durumlarda) çok önemli olduğunu da not edeceğim, çünkü onlarla doğru şekilde çalışarak harika çekimler yaratabilir ve yetersiz aydınlatma sorunlarını çözebilirsiniz.

— Fotoğraf düzenleyicileri kullanıyor musunuz?

— Fotoğraf editörlerini son işlemler için kullanıyorum, çünkü kural olarak çekimden sonra çerçeveler parlaklık ve kontrast, doygunluk, beyaz dengesi, ışık ve gölgelerle çalışma, bazen de siyah beyaza dönüştürme veya görüntüyü tonlama açısından düzeltilir. uygun. Ancak aynı zamanda, her seferinde orijinal çerçeve son derece önemlidir, çünkü kaynak kompozisyon açısından bütünleşik değilse veya aslında fotoğrafçının düğmeye bastığı anın eksikliği durumunda hiçbir işlem çerçeveye gerçek güzelliği vermez. düğme. Bu durumda, fotoğraf seçerken, şu ya da bu karenin neden bu kadar dikkat çekici olduğu ve daha sonra milyonlarca izleyiciye sunulan nihai rapora dahil ettiğimiz sorusuna cevap vermek her zaman önemlidir. Fotoğraf editörleri bazen fotoğrafçılığın faydalarını vurgulamanıza da olanak tanır. Aynı zamanda, çerçevede farklı derecelerde izin verilen girişim vardır. Çekim siparişe göre yapılıyorsa, bu tür müdahalenin derecesi müşteri ile tartışılmalıdır; kural olarak medyanın olası görüntü ayarlamaları için kendi gereksinimleri vardır. Kendi portföyüm için çekim yapıyorsam veya çerçeveye müdahale sınırlı değilse hayal gücümü özgür bırakabilirim. Ancak iyi işlemenin gözünüze çarpmayan şey olduğunu unutmayın.

— Bir konser fotoğrafçısının başka hangi bilgilere sahip olması gerekir?

— Bu bilgi üç gruba ayrılabilir. Birincisi, bu genel psikoloji bilgisi ve insanların birbirleriyle etkileşimidir. İkincisi, ışığın yayılma fiziği bilgisi, izleyici üzerindeki kompozisyon etkisinin mekanizmaları, o en önemli duygusal anı görme ve yakalama yeteneği, bir müzisyenin seyirciyle veya sahnedeki eylemleri. Konser fotoğrafçılığı, Rudolf Arnheim, Lydia Dyko, Alexander Lapin ve daha pek çok kişinin kitaplarında ifade ettiği fotoğrafçılığın genel ilkelerine uyar. Üçüncüsü, bir konser fotoğrafçısının çalışmasının özellikleridir: performansın doğasını ve olayların dinamiklerini öngörmeyi sağlayan müzik trendleri bilgisi. Çekimler için önceden hazırlanmak, grubun kompozisyonunu tanımak, düzenli ve oturum üyelerini belirlemek, diğer şehirlerdeki müzisyenlerin konser performanslarından videolar izlemek, solistin ağırlıklı olarak salonun hangi bölümünde çalıştığını not etmek zarar vermez. mikrofonu hangi elinde tuttuğu, sahnedeki diğer katılımcıların davranışları. Elbette fotoğraf ekipmanınızı sezgisel düzeyde bilmek ve hissetmek, yaklaşık poz değerlerini bilmek önemlidir, çünkü aydınlatma koşulları her 10 saniyede bir değişebilir ve bu durumda gerekli diyafram açıklığını hızlı ve doğru bir şekilde ayarlamak önemlidir, Anı kaybetmemek ve kaliteli kare oluşturacak zamana sahip olmak için enstantane hızı ve ISO değerleri. Başarılı bir çekim yapma umuduyla sürekli deklanşöre basarak tüm salonun etrafında koşmamak da önemlidir. Tüm dikkatinizi salonda ve sahnede olup bitenlere odaklayarak statik bir pozisyonda çekim yapmak en iyisidir.

Bütün bunlar bir araya geldiğinde, yalnızca müzisyenin sahnede olduğu gerçeğini kaydetmekle kalmayıp, izleyiciye duygusal olarak dokunabilecek bir ruh haline sahip bir resim oluşturmanıza olanak tanır. Benim düşünceme göre, konser fotoğrafçılığı aynı zamanda konser hakkında çıplak gözle görülenden daha fazlasını anlatmalıdır. Mükemmel konser fotoğrafçılığının her şeyi aktarabileceğine inanıyorum: konserin atmosferi, seyircinin ruh hali, müzisyenin karakteri ve kişilik özellikleri. Fotoğrafçının görevi tüm bunları tek bir karede yakalayıp birleştirebilmektir. Bir konseri çekerken çok iyi bir sonuç elde etmek için yaklaşık 5-10 iyi çekim gerekir ve bunların arasında izleyicinin durup bakmak isteyeceği en az bir mükemmel çekim varsa, o zaman bu harika. Portföyümde her konserden 1-2 kare seçiyorum, bazen de hiç kare seçmiyorum.

— Film çekmenin getirdiği stres müzik dinlemenizi engelliyor mu?

— Gerginlik bu şekilde ortaya çıkmaz, aksine tam tersi olur. Bu işin aşırı bir yanı var; size yüksek dozda adrenalin veriyor! Sahnedeki her sanatçı yaratıcılığıyla, müzikte, metinde kendini ifade eder, bu anlamda müzik anı daha iyi anlayıp hissetmeye ve doğru kareyi çekmeye yardımcı olur, fotoğraf ise müziği daha keskin algılamaya yardımcı olur. Konserde dinlemek ve fotoğraf çekmek birbiriyle bağlantılı, birbirinden ayrılamaz iki süreçtir. Başka bir şey de, fotoğraf ekipmanıyla elbette çılgına dönüp her şeyi unutup sadece müzik dinleyemezsiniz, ama bundan hiç pişman değilim.

Maria Zhelikhovskaya'nın röportajı

Röportajı beğendin mi? Görüşlerinizi yorumlarda görmekten mutluluk duyacağız. Ve unutma

Bir akşam aklıma nasıl fotoğrafçı olduğumla ilgili bir makale yayınlamanın faydalı olacağı düşüncesi geldi, böylece fotoğrafçı aramak için siteme gelen insanlar eserlerime bakıyor, makaleler okuyor ve uzun süre üzerinde kalıyorlar. , ne nefes aldığımı ve ne kadar sevdiğimi anlayabildim, belki birisinin beni gıyaben tanımasına ve ortak karakter özelliklerini ve hayata bakış açılarını bulmasına yardımcı olur :)

Eğer sitemde 3 dakikadan fazla kaldıysanız bu aynı frekansta olduğumuz ve devamını okumakla çok ilgileneceğiniz anlamına gelir :)

Buluştuğumuzda sıklıkla şu soru sorulur: "Neden fotoğrafçı oldun?"

Ve böylece, muhtemelen 13-15 yaşlarımda fotoğraf sevgisi geliştirdim, sıradan bir bas-çek kamera kullanarak gördüğüm her şeyi ve bende duygu dalgası uyandıran şeyleri fotoğraflamaya çalıştım ve onları yakalamaya çalıştım. . Bu tabi ki çocukluk, o zamanlar bırakın düğünleri, insanların fotoğrafını bile çekmeyi düşünmedim :) Tüm meslekten olmayanlar gibi kendimi böceklerle, örümceklerle, yapraklarla ve çiçeklerle sınırladım. Photoshop yapmayı gerçekten çok sevdim! Üniversitenin ilk yılında makaleler okudum, internette birçok fotoğrafa ve bilgiye baktım, daha fazlasını istediğimi fark ettim, biraz para biriktirdim ve doğum günüm için arkadaşlarım ve ailemle birlikte bir şeyler satın aldım. ilk DSLR'im, KIT -ovsky lensli amatör düzeyde bir lens (dünyada artık korkunç lens yok), ama o zamanlar "vay be" idi - duygularım alışılmışın dışındaydı, anlaşılması güç terimleri zaten tam olarak anlamıştım, ama açıkçası bilgilerimin uygulanması deneme yanılma yoluyla gerçekleşti, şimdi elbette gülüyorum o yıllarda çektiklerime bakıyorum ama o zamanlar bütün arkadaşlarımın fotoğrafını yeniden çekmiştim. İşte o an bunun sadece bir hobi olmadığını, bunun bir hobi bile olmadığını, bunun tüm kalbimle sevgi olduğunu anladım!

Herkesi aktif olarak fotoğrafladım ve tamamen ücretsiz, bu bana sadece zevk verdi ve parayı düşünmedim, hayatımda paranın mutluluğun ana unsuru olmadığını, daha çok bir mutluluk aracı olduğunu düşünen biriyim. arzularımı ve hayallerimi gerçekleştiriyorum :)


Her yeni çekimde daha iyi, daha büyük, daha havalı olması gerektiğini fark ettim! Bu berbat KIT lensi bir telefoto lensle değiştirdim ve portreler çekmeye başladım, ardından cephanemde yeni bir çekim seviyesi açan harici bir flaş belirdi, ilk yüksek diyafram açıklığına sahip prime lensim, lensler hakkındaki görüşlerimi tamamen değiştirdi.
Fotoğrafçılık, seyahat ve genel olarak dünya hakkındaki görüşlerimi tamamen paylaşan bir adamla tanıştığım için şanslıydım! Sonunda kocam oldu :) bu arada, artık düğün fotoğrafları çekerken bana sık sık yardım ediyor ama şimdi bundan bahsetmiyoruz :-)
Ve güzel bir gün, bir düğünün fotoğrafını çekmeye davet edildim, bunu tamamen ücretsiz yapmayı kabul ettim ama insanlar memnun kaldılar ve çalışmalarım karşılığında bana sembolik bir miktar para ödediler :) Bu düğünden sonra o kadar keyifli bir şekilde eve geldim ki duygular, bu tarifsiz atmosfer o kadar hoşuma gitti ki, adamlardan gelen minnettarlık, mümkün olduğunca sık bunun bir parçası olmak istediğimi fark ettim, düğün fotoğrafçıları hakkında bilgi almak için internete girdim ve işte o zaman şunu fark ettim ki yapmak istediğim şey bu!Yararlı bilgiler bulmak için internette özenle gezinmeye başladım, o bas-çek DSLR ile düğünlerin fotoğrafını çekemeyeceğinizi fark ettim, sorumlu bir insanım ve para için tam bir saçmalık satmayacaktım, ben Bas-çek kamerasıyla çekebileceğim bir şey için para almaktan utanırdım - DSLR profesyonel değil... Bugünlerde sık sık benim gibi kendilerini düşünen, benim gibi fazla uğraşmayan "fotoğrafçılarla" tanışıyorum. fotoğrafçılar çünkü 25 bin rubleye DSLR'leri var.

Fotoğraf yolculuğuma geri dönelim :) Yeni bir kamera aldım (hatta özel olarak çatallanmış bile diyebilirim), profesyonel düzeyde, yeni lensler satın aldım) Şimdi lens cephanem ve diğer saçmalıklar (kocamın deyimiyle) yaklaşık yarısı kadar bir milyon (ne tür para diyorsun).Yaklaşık 5 yıldır profesyonel olarak fotoğrafçılık yapıyorum ve şimdiden 80'den fazla düğünün fotoğrafını çektim.Şimdi bile hala daha fazlası için çabalıyorum, sıklıkla yaratıcı bir kriz yaşıyorum :) Daha iyi, daha çok ve daha çok çekim yapmak istediğimi anlıyorum! Profesyonel fotoğrafçılarla ustalık sınıflarına gidiyorum, çeşitli fotoğrafçılık kurslarına gidiyorum, deneyler yapıyorum ve bazen TFP çekiyorum!Kamera benim bir parçam oldu, hep yanımda, kamerasızsam kocam benden rahatsız demektir, kamera hep yanımdadır, durumu hafifletmek için arkadaşımdan ayrıldım evde :)Tabiki gezilerde hiç tartışmadan yanımızda götürüyoruz :)

Moda dünyası muhteşem ve bazen sadece genç yetenekleri değil, aynı zamanda oldukça olgun kişilikleri de ortaya çıkarıyor. Aynı şey Mario Testino'da da oldu. Bugün 58 yaşında, adını tüm dünya biliyor ve herkes onun uzun süredir sosyal çevrelerde dolaştığını düşünüyor. Ancak kaderi göründüğünden çok uzaktı.

Peru'da doğdu 30 Ekim 1954 Oldukça zengin bir ailede yıllarca çalıştı (babası petrol işindeydi). İlk başta çocuk rahip olmak istiyordu ama ailesi aksi yönde karar verdi. Babası bir keresinde onu, İngilizceyi iyi bildiği için oğlunun tercümanlık yaptığı Amerika'ya bir iş gezisine götürmüştü. Ufkunu genişlettikten sonra kilisenin kendisini pek çekmediğini fark etti ve babasının tavsiyesini dinleyerek ekonomi okumak üzere Universidad del Pacifico'ya girdi. Ancak mezun olmadı ve hukuk okumak üzere Katolik Üniversitesine transfer oldu. Ancak bu kurum son değildi. Sonra üç yüksek öğretim kurumu daha vardı, hiçbiri ona eğitimini tamamlama diploması vermedi.

Sonunda hangi uzmanlığı aldığını söylemek zor ama fotoğrafçılıkla daha çok ilgileniyordu. İlk başta sadece bir hobiydi ve yavaş yavaş tam zamanlı bir mesleğe dönüştü. Seçilen yön hakkında normal bilgi edinmek için John Vickers'ın çırağı oldu. Bildiğiniz gibi ilk başta herkes zor anlar yaşıyor, Testino'da da aynısı oldu. Parası olmadığı için garson olarak iş bulmak zorunda kaldı.

Birkaç yıl sonra, 70 'dan banka kredisi çekerek ilk aydınlatma armatürlerini satın aldı. İlk modeller onun gibi barmenlerdi.

İLE 90 İlk yıllarında profesyonel bir fotoğrafçı olarak zaten sağlam bir şekilde ayaktaydı ve adı bir miktar popülerlik kazanmaya başladı.

Kariyerindeki en başarılı ve önemli şey şuydu: 1995 yıl. Öyle oldu ki Madonna onun bazı çalışmalarına zaten aşinaydı ve onu ana yüzü olduğu Versace için bir fotoğraf çekimi yapmaya davet etti. Böylece kariyerine büyük moda dünyasında başladı. Neyse ki Versace, henüz tanınmayan fotoğrafçının çalışmalarını takdir etti ve hazırladığı fotoğraf serisine "Testino'dan Madonna" adını verdi. Tüm popüler yayınlarda yayınlandılar. Reklamın nasıl ortaya çıktığını söylemeye gerek yok.

O zamandan beri adı modanın en yüksek figürleri arasında görünmeye başladı. A 1997 yıl ona bir 10 yıl daha yadsınamaz başarı getirdi. Mario Testino, moda modellerine karşı özel tutumuyla ünlüydü. Onları konuşturmaya, karakterlerini anlamaya ve ancak o zaman fotoğraf çekmeye çalıştı. Aynı şey Prenses Diana için fotoğraf çekimi yapması teklif edildiğinde de oldu. Çok kaliteli işler ortaya çıkardı. Ancak bunlar ancak kraliyet şahsının ölümünden sonra fark edildi. Ona, onunla çalışan son kişilerden biri demeye başladılar.

Bu arada, lensinin Prens Charles, Rania (Ürdün Kraliçesi) gibi taçlı kafaları da içerdiği söylenmelidir. Yıldızlar arasında Catherine Zeta Jones, Liz Hurley, Cameron Diaz, Meg Ryan ve daha pek çok kişi Mario'ya yöneldi.

İÇİNDE 2008 hatta birlikte çalıştığı tüm ünlülerin fotoğraflarını yerleştirdiği Let Me In adlı bir fotoğraf albümü bile çıkardı. Ve bu albümün ayırt edici özelliği, sadece yıldızların fotoğraflarının değil, aynı zamanda onların dünyanın karşısına tamamen farklı bir görüntüde çıktıkları, kimsenin onları daha önce görmediği ve hatta var olabileceğinden şüphelenmediği fotoğrafların da olmasıydı. Tabii ki, Mario daha önce fotoğrafını kullanmaya karar verdiği herkesle bunun yayınlanması konusunda anlaşmıştı ve şunu söylemeliyim ki, bir fotoğrafçı olarak mükemmel niteliklerini bilen herkes şaşırtıcı derecede hızlı bir şekilde bu fikirdeydi. Daha önce kimse bunu yapmaya cesaret edememişti.

Bugün en moda evlerle çalışıyor ve onlar için ikonik reklam kampanyaları yaratıyor. Örneğin Burberry, Yves Saint Laurent, Chanel, Givenchy ve diğerleri gibi markalarla çalıştı. Ayrıca belirli ünlüler hakkında haber hazırlamak gibi başka tür işler yapmaktan da çekinmiyor. Ve Peru'dan gelecek vaat eden modeller, kökenini asla unutmadığı için onunla kolayca fotoğraf çekimine gidebilir.

Vanity Fair, Arena, GQ, The Times, Vogue, Dazed & Confused ve diğer dergiler onunla işbirliği yapmaktan övünebilir.

New York, Londra, Paris ve Los Angeles'ta dört kişisel fotoğraf stüdyosunun olduğu biliniyor. Ayrıca düzenli olarak eserlerinin sergilerini düzenliyor (bu arada, ilki 1997'de Lady Di'nin cenazesinden sonra düzenlendi) ve şimdiden birkaç kitap yayınlamayı başardı.

Başarısının sırrı, kendine özgü dünya algısında ve moda modellerine karşı tutumunda yatmaktadır. Markalar onunla çalışmayı seviyor çünkü o, kıyafetleri gerçekten satan görseller yaratmayı başarıyor. Bunu her fotoğrafçı yapamaz.

Yani, yaşlılığında bu adam tüm dünyada tanınıyor. Asla yerinde durmuyor ve hala kesinlikle hayata geçireceği birçok fikri var.