Sanningen om arten av konstens ursprung är dold i antiken. Många forskare har letat efter svar på frågan om konstens ursprung i århundraden, men än så länge är inte alltför mycket känt om mänsklighetens konstnärliga aktivitet i de tidiga utvecklingsstadierna. De verk som har överlevt till denna dag (klippmålningar, skulpturala bilder av sten och ben) dök upp mycket tidigare än människans medvetna idé om konstnärlig kreativitet bildades. Konstens ursprung kan betraktas som ett primitivt samhälle, när de första försöken att skildra världen omkring oss dök upp. En sådan överföring av ens idéer bidrog till uppkomsten av en ny form av kommunikation mellan människor, såväl som de första rudimenten för lärande, eftersom. gav möjlighet att bevara och överföra kunskaper och färdigheter.

För närvarande finns det många teorier om konstens ursprung, baserade på arkeologiska fakta (detta är upptäckten av de första hällmålningarna i Altamira-grottan i Spanien i slutet av 1800-talet), etnografisk forskning och forskning inom lingvistik (upptäckten av arkaiska skikt av konstnärlig kultur i traditionell folkkonst). Vi listar bara några av dem:

1. Biologisk teori om konstens ursprung, baserad på Ch. Darwins teori. Teorin hävdar att förmågan till konst, för konstnärlig kreativitet är en medfödd förmåga hos en person, mottagen av honom från naturen. Men "skönhetens lagar" utvecklades under många tusen år. När allt kommer omkring började en person, som kommunicerade med naturen, i arbetet med arbetsaktivitet, känna skönhet, sedan förkroppsliga den i sina verk och slutligen förstå skönhetslagarna. I denna process av konstnärligt skapande uppstod och utvecklades människans estetiska känsla.

2. Teori om konstens erotiska ursprung uppstod under inflytande av Sigmund Freuds och Carl Jungs läror. Förespråkare av teorin tror att ett konstverk innehåller bilder som är födda ur en persons fantasi och är ett slags "vaknande drömmar", och konstnärlig kreativitet är ett uttryck för ett brutet erotiskt begär och ger indirekt tillfredsställelse. Enligt forskare berör många intriger av primitiv kreativitet så viktiga ämnen för en person som moderskap och död, och de finner undermedveten erotik i primitivitetens rytmiska mönster (prydnadsföremål).

3. Spelteori om konstens ursprung. Grundarna av denna teori - F. Schiller, G. Spencer, G. Allen, K. Gross och K. Lange - ser huvudorsaken till konstens framväxt som behovet av att spendera energi, som förblev outnyttjad i arbetsverksamhet. Därför definierar de lek som en aktivitet förknippad med ett överskott av mänsklig kraft, som inte är riktad mot specifika mål, utan uttrycks fritt. Enligt författarna är spelet alltid imitation.

Till viss del är denna teori en teori om frihet, fri kreativitet. F. Schiller betraktade spelet som en persons inträde från nödvändighetens sfär till kreativitetens sfär. Så snart en person hade ledig tid började hans styrka att manifestera sig i kreativitet estetiskt. Tills nu, för att skapa, är dessa förhållanden nödvändiga - ledig tid och oanvända krafter. Denna teori är genomsyrad av fri kreativitets patos och en persons utgång från vardagens sfär till en sfär som är mer karakteristisk och behaglig för honom - fri skapelse. De tidigaste exemplen på kreativitet - fingeravtryck, fria sicksacklinjer innehåller spontan och lekfull karaktär.

4. Den magiska teorin om konstens ursprung utvecklades av S. Reynack . Enligt denna teori ligger konstens rötter i många primitiva magiska riter och framför allt riter förknippade med en framgångsrik jakt. För dessa ritualer skapade människor bilder av djur genomborrade av pilar, som tjänade ett magiskt syfte - att ge lycka, locka byte, skydda jägaren själv. Faktum är att sådana bilder skapar en mycket naturlig och kraftfull känsla och bär mycket information för magikern. Förutom bilder av djur ser vi den frekventa bilden av magikerna själva som utför shamanernas ritual. Enligt denna teori var det shamaner som var de första konstnärerna och musikerna, och konstverk bar prägel av en mycket viktigare handling - själva den magiska riten.

5. Teori om pragmatism, vars anhängare tror att skapandet av de första konstverken eftersträvade tydliga sociala mål. Kommunikation, enande av samhället, kunskap om världen, överföring av information om världen från vuxna till barn. Det vill säga, alla dessa verk skapades för denna stams specifika sociala mål.

Teorier om konsternas ursprung

1. Biologisk teori om konstens ursprung.
Denna teori kommer från Charles Darwins idéer. Anhängare av detta koncept ser början på konsten i att dekorera sig själv för att tillfredsställa behovet av att locka uppmärksamheten från en levande varelse av det motsatta könet.
Teorin bygger på åsikten att förmågan till konst, för konstnärlig kreativitet är en medfödd förmåga hos en person, att han tar emot den från naturen. Men "skönhetens lagar" utvecklades historiskt, gradvis. De började dyka upp från den tid då en person under arbetet, i gemenskap med naturen började känna skönhet, sedan förkroppsliga den i sina verk och slutligen förstå skönhetens lagar. I denna process av konstnärligt skapande uppstod och utvecklades människans estetiska känsla.
2. Psykoanalytisk teori om konstens ursprung.
Z. Freud anses vara grundaren av denna teori. Enligt hans åsikt uppstår konst från affektiva konflikter i psyket, konst är en form av förtryck och sublimering av mänskliga drifter (användningen av energin från elementära drifter för högre mål).
3. Spelteori om konstens uppkomst.
Grundarna av denna teori kan betraktas som G. Spencer, G. Allen, K. Gross och K. Lange. Dessa forskare ser att huvudorsaken till konstens framväxt är behovet av att spendera energi, som förblev outnyttjad i arbetsverksamhet. Och också anledningen till konstens framväxt är behovet av "träning" för assimilering av sociala roller.

Klassificering.

Konstklassificering:
- enligt tillvarons form
*Plats (måleri, grafik, skulptur, dekorativ konst, arkitektur)
* tillfällig (musik, ordkonst)
* Spatio-temporal (teater, bio, dans).
- i förhållande till utrymme:
Det finns tre typer av rumslig konst:
* staffli (2,3-dimensionella målningar) (easel målning, staffli grafik, etc.),
* monumental (monumental skulptur, väggmålning, etc.)
* tillämpas (typisk massarkitektur, liten plastkonst, miniatyrmålning, industriell grafik, affischer, etc.).
- enligt budskapet från den konstnärliga bilden till publiken och lyssnarna:
* fint (målning, grafik, skulptur, etc.)
* uttrycksfulla (musik, dans, arkitektur, etc.)
* verbal (litteratur)
* blandat, syntetiskt (teater, bio, etc.)
- efter genre (typer av verk baserat på gemensamma drag):
Tematisk princip för valet av genrer (baserat på verklighetens område som återspeglas i arbetet):
*inhemsk*kärlek*strid*stilleben*äventyrligt*historiskt* landskap
Inom samtidskonsten finns en tendens att förneka genren som en stabil form av konstnärlig kreativitet (postmodernism).
Det finns konster och pseudo-konster. Typer av "pseudo-konst":
konst som: 1. Underhållning2. "magi" 3. "mysterium" 4. "instruktion" 5. "predikan". .

Staffli och monumental konst

staffli konst

en term som avser verk av måleri, skulptur och grafik som har en självständig karaktär och inte är avsedda direkt för någon byggnad, publikation m.m. Den ideologiska och konstnärliga uttrycksförmågan hos verken av S. och. ändras inte beroende på var de är. Villkoren. och." härstammade från "maskinen" på vilken S. och .s verk; vid målning är det till exempel ett staffli. Bred utveckling av S. och. erhölls från renässansen och särskilt på 1800-talet.

monumental konst

typ av plastisk konst. täcker ett brett spektrum av verk skapade för en specifik arkitektonisk miljö och som motsvarar den med sina ideologiska kvaliteter .. inkluderar monument och monument, skulpturala, bildmässiga, mosaikdekorationer av byggnader, målade glasfönster, stads- och parkskulpturer, fontäner, etc. Monumental konst inkluderar verk av stora former, som agerar i syntes med arkitektur, designade för massuppfattning. Dessa är väggmålningar, mosaiker, målade glasfönster, monument, minnesbyggnader, parkskulpturer. Syntes med arkitektur, deltagande i utformningen av stadsrum lämnar ett avtryck på formerna av monumental konst, det bestämmer storleken, formen, karaktären hos proportioner,

Typer av konst.

Arkitektur, måleri, skulptur, grafik, konst och hantverk, teater och dekorativ konst..

Skulptur som ett slags konst

Skulptur är skulptur, vars plastverk har en tredimensionell tredimensionell form och är gjorda av solida eller plastiska material.
Skulptur är en rumslig och visuell konst som utforskar världen i plastiska bilder, som är präglade i material som kan förmedla fenomenens livsbild.
Skulptur visar en viss närhet till arkitekturen: den behandlar också rymd och volym, lyder tektonikens lagar och är materiell till sin natur. Men till skillnad från arkitektur är den inte funktionell, utan bildmässig. De viktigaste specifika egenskaperna hos skulptur är fysiskhet, materialitet, lakonism och universalitet.
Skulpturens materialitet beror på en persons förmåga att känna volymen. Typer av skulptur:
- liten plast [urgamla glyptiker - snidning på halvädelstenar; bensnideri; figurer från olika material, amuletter och talismaner; medaljer etc.];
- skulptur av små former [figurer upp till en halv meter];
- staffliskulptur [en staty avsedd för cirkulär visning];
- monumental och dekorativ skulptur [reliefer, friser på väggarna, statyer på frontonerna, atlanter och karyatider, fontändekorationer etc.];
- monumental [gravstenar, monument, monument]. De huvudsakliga estetiska medlen för skulptur är volym, siluett, proportioner, chiaroscuro, d.v.s. bygga en tredimensionell form, plastmodellering, siluettutveckling, textur, material, ibland färg.

6 primitiv och traditionell konst.detta ett modernt, långrött namn på olika typer av konst som uppstod på stenåldern och varade i cirka 500 tusen år. I paleolitikum - den antika stenåldern, representerades den av primitiv musik, danser, sånger och ritualer, såväl som geoglyfer - bilder på jordens yta, dendrografer - bilder på barken av träd och bilder på djurhudar, olika kroppsdekorationer med färgade pigment och alla typer av naturliga föremål, såsom pärlor, är fortfarande populära idag. Men allt det ovanstående klarar inte av anstormningen av destruktiv tid. Därför bevarades och upptäcktes efter hand endast abstrakta tecken, konstgjorda uthuggna på superhårda klippytor, liksom animalistisk grottmålning, antropomorfisk skulptur av små former gjorda av ben och sten, gravyrer och basreliefer på ben, stenplattor och ett horn från tiden för övre paleolitikum (35 000 - 30 000 tusen år) Från den klassiska antiken strävar konstnärer efter att uttrycka sin individuella stil och originalitet i sina verk. Inom folkkonsten är individualiteten också närvarande, men ger vika för traditionen i första hand. Och traditionen bevarar i århundraden och till och med årtusenden inte bara bildsättet utan också deras kompositionsdrag. Detta är den huvudsakliga likheten mellan traditionell och primitiv konst. Traditionell konst är nära förbunden med det rituellt-mytologiska kollektiva medvetandet, som tillsammans med trosuppfattningar och kulter, föregångare till utvecklade religioner, ackumulerade ett system av positiv kunskap som är specifik för varje etnisk grupp. Konst är faktiskt ett sätt att förmedla denna generiska kunskap.Inom traditionell konst är ett verks estetiska kvalitet inte ett mål i sig. Verk av traditionell konst vittnar om det faktum att traditionell konst, mycket mångsidig i sina nationella, stam- och regionala manifestationer, har djupa lokala rötter, kopplade till den historiska kontinuitetens lagar med konsten från tidigare epoker. En synonym för begreppet "traditionell konst" kan betraktas som "folkkonst (konst)". Folkkonst förstås som något primordialt, autoktont, ursprungligen inneboende i en given etnisk grupp, stam eller nationalitet.

Fina konstgenrer.

Baserat på motivet för bilden:

1Landskap, 2 Stilleben , 3 Porträtt, Djur - skildring av djur 5 Hushåll - skildring av människors liv , Strid - bilden av fientligheter , Fantastiskt epos

4Bildens historiska karaktär (karikatyr, karikatyr).

8 Syntesproblempåstående:

Syntes av konst.

Syntes av konst, en organisk kombination av olika konster eller typer av konst till en konstnärlig helhet, som estetiskt organiserar den mänskliga existensens materiella och andliga miljö. Arkitektur och monumental konst tenderar ständigt att förenas och skapar en arkitektonisk och konstnärlig syntes där måleri och skulptur, samtidigt som de utför sina egna uppgifter, även utvidgar och tolkar den arkitektoniska bilden. Denna rumsliga-plastiska syntes involverar vanligtvis konst och hantverk (med hjälp av vilken en objektiv miljö som omger en person skapas), såväl som ofta konstverk av staffli.

En kombination av olika typer av konst som har ett multilateralt estetiskt genomslag. Enheten av komponenterna i syntesen av konsten bestäms av enheten i den ideologiska och konstnärliga designen. Den arkitektoniska och konstnärliga syntesen av konsten bildas av arkitektur, konst och dekorativ konst (arkitektonisk ensemble, byggnad, interiör). Performance, film - en syntes av regi, skådespeleri, litteratur, musik, bildkonst, etc.

Megalitiska byggnader.

förhistoriska strukturer av stora stenblock, sammankopplade utan användning av cement eller kalkbruk En separat grupp är megalitstrukturer, det vill säga föremål som till stor del består av megaliter. De är distribuerade över hela världen. I Europa är det till exempel Stonehenge, byggnader av den kretensisk-mykenska kulturen eller Egypten. Deras gemensamma kännetecken är stenblock som ibland väger mer än hundra ton, ofta levererade från stenbrott som ligger tiotals kilometer bort, ibland med stor höjdskillnad i förhållande till byggarbetsplatsen. Som regel fungerade megalitiska strukturer inte som bostäder, och från byggperioden till idag har inga uppgifter kommit ner om tekniken och syftet med byggandet. Den mest komplexa typen av megalitiska monument när det gäller planering är cromlechs. Dessa är koncentriska rader av pelare-menhirer förbundna med stenblock-balkar. Hos cromlechs, inklusive den största, som ligger i Stonehenge (England) och tillhör bronsåldern, finns det ett strikt genomtänkt system för arrangemang av stenblock. Dolmens är utbredda (från det bretonska "tol" - en tabell som representerar en helt färdig typ av arkitektonisk struktur, eftersom det förutom den yttre volymen också finns en intern i dem. Rester av andra typer av megalitiska strukturer har kommit ner till oss, inklusive platser för att utföra magiska riter, på grund av särdragen i existensen av människor från den tiden.

Konst i Mellanriket

Litteraturen från Mellersta kungariket gav oss reflektioner över problemen med att vara, tvivel om möjligheten till ett liv efter detta, vilket framgår av den tidens skrivna monument: "Lament of Ipuwer" och "Prophecy of Neferti"

Faraon är fortfarande gudomliggjort, men han regerar inte längre så absolut. Stora pyramidgravar ersattes under Mellansriket av gravar uthuggna i klipporna eller små pyramider gjorda av råt tegel, vilket inte var så förstört för landet, men de visade sig vara mycket ömtåliga. Ingången till klippgravarna var dekorerad med portiker, där man kan se prototypen av den grekiska doriska orden.

Väggmålningar blir mycket populära i dekoration av gravar. Väggarna i nomarkernas gravar var främst dekorerade med målningar och inte med mångfärgade reliefer. Gradvis sker förändringar i reliefkonstruktionens kanoner, konstnärer strävar efter att skildra en person som han är.

Stränga, lugna friser ersätts av mer fritt grupperade scener, färgerna blir mjukare och mer transparenta.

utvecklat en ny typ av kursiv skrift: hieratisk skrift för företag. Den skilde sig från den gamla egyptiska handstilen och hieroglyfskriften.

Syntes av isk i det antika Egypten

Syntesen av konst är en organisk kombination av olika typer av konst och dekorativ konst med arkitektur, i syfte att skapa ett holistiskt arkitektoniskt och konstnärligt verk. Syntesen av konst i det antika Egypten kunde observeras på exemplet: Statyer av grottempel (båge + skulptur) Skrifter på väggarna (båge + kalligrafi) Dekorerade kolonner (båge + målning)

Ett enastående exempel på syntesen av egyptisk kan betraktas som katakomberna i Kom-esh-Shuqaf i Alexandria, som skildrar komplexa bilder av grekisk-egyptiska gudar. Den syntetiska sammansmältningen av grekisk-romerska och egyptiska kulturer ledde till nya former inom konst och religion, men Egypten romaniserades aldrig och utjämnades till den grad att de västra provinserna i det romerska imperiet romaniserades och latiniserades. Syntesen av antika och antika egyptiska traditioner inom bildkonsten gav upphov till en ny typ av grekisk-egyptisk konst.m

Målat glas i gotisk konst

MÅLT GLAS - en dekorativ eller tomt dekorativ komposition (i ett fönster, dörr, i form av en oberoende panel) gjord av glas eller annat material som överför ljus. Färgade målade glasfönster i fönster (t.ex. i gotiska katedraler) skapar ett spel av färgat ljus i interiören. Fresk ersatt målat glas fönster. Fönster av målat glas placerade i fönsteröppningarna fyllde katedralens inre med ljus, målade i mjuka och klangfulla färger, vilket skapade en extraordinär konstnärlig effekt.

Nästan fram till mitten av 1100-talet förblev fönstren i templen relativt små, så de fick bara plats med små målade glasfönster som föreställde flera scener eller en stor figur. Men efter 1150 började processen med gradvis "upplösning" av väggen: storleken på fönstren ökade stadigt. Till slut fanns det så få släta väggytor kvar att arkitekturen i huvudsak reducerades till fönsterkarmar. Den första toppen i utvecklingen av denna trend var de katedraler som byggdes i slutet av 1100-talet i Soissons, Bourges och Chartres (Frankrike) och i Canterbury (England). De enorma fönstren i dessa byggnader dekorerades med plattor av färgat glas, som bildade narrativa cykler, vars många episoder skapade en enda geometrisk struktur. Visserligen innehöll de målade glasfönstren i fönstren i det övre skiktet av mittskeppet fortfarande bara en eller två scener eller en figur. Under 1200-talets första hälft, i de tyskspråkiga trakterna, bildades en speciell bildstil som tillsammans med varianter av den tidiga franska gotiken togs i bruk, till stor del baserad på den bysantinska konstens traditioner. De verk som upprätthålls i denna stil är fyllda med skarpa linjer och skarpa hörn, varför stilen i sig kallades "kantig". Under andra hälften av 1200-talet närmade sig den "kantiga" stilen gradvis till karaktären den mogna gotiken som utvecklades i Frankrike. Det finns en åsikt att det högsta bildverk som skapats i Västeuropa före Giotto, det vill säga innan den första bildandet av den stora italienska renässansmålningen, inte bör erkännas som en fresk, målning eller bokminiatyr, utan

43. Periodisering av bysantinsk konst. Större verk Bysantinska riket - Romarriket under medeltiden med huvudstad i Konstantinopel - Nya Rom. 1 Period av Konstantin den store och Justinianus. (5-8 århundraden) 2Makedonska perioden. (800-1100-talen) 3:e Komnin-perioden. (11-13) 4 Paleologperiod. (13-15)

Den mest anmärkningsvärda Ravenna-byggnaden på 600-talet. är kyrkan San Vitale, grundad 526. och invigd 547. Detta är ett centrerat kupolformigt tempel. Från utsidan är byggnaden av lite intresse: den huvudsakliga åttakantiga volymen dissekeras av enkla vertikala och horisontella stavar; en fasetterad trumma, torr till formen, reser sig över dem. Mosaik av Hagia Sofia i Konstantinopel. Bysans ärvde mosaikkonsten från antikens Rom. Mosaiken bestod av många bitar smalt - en legering av glas med mineralfärger. Bysantinska mosaikmästare använde hela utbudet av färgglada paletter.

44. Symboler för templet Tempelutrymmet och dess dekorativa design..

Altaret, den viktigaste delen av templet, ligger alltid på östra sidan av templet. Altaret är templets huvudsakliga helgedom, som helgar hela byggnaden och skildrar symboliskt "Guds by".

Templets mellersta del, "skeppet", representerar hela det jordiska utrymmet där Kristi universella kyrka är belägen. Den mellersta delen av templet symboliserar den skapade världen, men redan gudomliggjort, helgad, rättfärdiggjord.

Ikonostas - består av flera rader med ikoner arrangerade i en viss ordning.

Den västra sidan av templet symboliserar "de dödas land" och helvetet. Valven, kupolen - som kröner kupolen med bilden av Kristus, är en symbol för Kristus - huvudet för den universella kyrkan.

Pelare. – På de fyra pelarna som stödjer kupolen avbildas de som predikade Guds ord: apostlar, biskopar, asketer, martyrer.

Under 9-10-talen väggmålningar av tempel införas i ett sammanhängande system. Kyrkors väggar och valv är täckta med mosaiker och fresker, ordnade i en strikt hierarkisk ordning och underordnad templets sammansättning. Interiören skapar en konstnärlig miljö genomsyrad av ett enda innehåll, som inkluderar ikonerna placerade på ikonostasen

45. Bysantinsk konst från 1000-1100-talen Allmänna kännetecken. Större verk . Bysantinsk konst var produkten av en kombination av grekisk-romerska och orientaliska element.

Arkitektur fortsatte att utveckla de befintliga typerna av byggnader, vilket gav dem en ny tolkning. Inom kyrkobyggnadskonsten finns det en bestämd vid mitten av 1000-talet. tendens till vertikala proportioner av byggnader. Måleri är genomsyrat av en anda av rigoritet och andlighet. Mosaikerna från denna period är grafiska, de odlar linjen och den slutna konturen. Former blir mer dekorativa, dekorativa, de är subtilt och mästerligt ritade, men de har inte jordisk plasticitet. Konstnären försökte förmedla endast abstrakt andlig energi, bildens känslomässiga uttrycksförmåga.

Under andra hälften av 11-talet. en stor cykel av mosaiker skapades i kyrkan i klostret Daphne nära Aten. Tomterna är fördelade i en strikt hierarkisk sekvens. Typen av korsformad kyrka med en kupol på en hög ljustrumma fortsatte att utvecklas. Under andra hälften av 1000-talet sprida smycken noggrant sätt att utföra små ritningar, vävda in i texten, dekorera. - korsfästelse. Mosaiker av Daphni klosterkyrkan. Denna mosaik utmärker sig för sin speciella dekorativa elegans. Gestalterna av Kristus, Maria och Johannes, skisserade av släta linjer, är balanserade och harmoniska. Även en rännel av blod är avbildad med en jämn linje.

46. Syntes av konst i bysantinsk tempelarkitektur. Efter att ha lånat former från antik arkitektur, modifierade den bysantinska arkitekturen dem gradvis och utvecklade under 400-talet, främst för tempelbyggande, en typ av struktur som, enligt planen och hela det konstruktiva systemet, skilde sig väsentligt från typen av antika kristna basilikor. . Dess huvudsakliga egenskap är användningen av en kupol för att täcka byggnadens mellersta del. De bysantinska arkitekternas beslut var att skära hörnen av parallellepipeden på ett sådant sätt att de övre delarna av dess väggar fick en bågform. Inuti de bysantinska templen runt det mellersta kupolutrymmet, med undantag för altarsidan, fanns ett galleri som en kör. Kolumnernas huvudstäder i bysantinsk arkitektur förlorade sin kulram och tog formen av en stympad tetraedrisk pyramid, med den mindre basen vänd nedåt och täckt av inte särskilt konvex ornament, vars motiv är akantusblad och andra former av växtriket. Det inre av byggnaden kännetecknades inte av rikedomen och komplexiteten hos arkitektoniska detaljer, men dess väggar möttes nedifrån av dyra marmorvarianter, och överst, precis som valven, var de rikt dekorerade med förgyllda mosaikbilder på guldbakgrund eller freskmålning. I samband med spridningen av ortodoxin runt om i världen blev en stor variation av tempelarkitektur möjlig. I grund och botten kopplat till traditionerna för bysantinsk arkitektur, är det en syntes av antika byggnads- och dekorativa tekniker och kanoner med stilistiska egenskaper som är karakteristiska för arkitekturen i en viss region. Sålunda, inom ramen för ett kristet samfund, har ursprungliga och unika tempelstrukturer förkroppsligats, som inte bara återspeglar essensen av kristen undervisning, utan också världsbilden hos ett enskilt folk.

Theophanes den grekens kreativitet.

Theophan the Greek (cirka 1340 - omkring 1410) - den store ryska och bysantinska ikonmålaren, miniatyristen och mästaren på monumentala freskmålningar.
Feofan tänker en figur tredimensionellt, plastiskt. Han föreställer sig tydligt hur kroppen befinner sig i rymden, därför verkar hans figurer, trots den konventionella bakgrunden, vara omgivna av rymden, levande i det. Fn lade stor vikt vid överföring av volym i målning. Hans metod för modellering är effektiv, även om den vid första anblicken verkar skissartad och till och med slarvig. Ett mirakel är alltid osynligt närvarande i F-n:s konst. Theophanes den greke var en av de bysantinska mästarna. Innan han kom till Novgorod målade konstnären över 40 stenkyrkor. Han arbetade i Konstantinopel, Chalcedon, Galata, Caffa. Med en stor bildtalang målade Feofan figurer med breda drag. Över den ursprungliga stoppningen applicerade han rika vita, blågråa och röda höjdpunkter.
Theophan the Greek gjorde sina första verk i Ryssland i Novgorod. Dessa är fresker av katedralen för Frälsarens förvandling, bland vilka är bysten av den Allsmäktige Frälsaren i den centrala kupolen. Huvudsaken i målningen är upphöjelsen av den asketiska bedriften, förväntan på apokalypsen. Greken arbetade senare i Nizhny Novgorod och deltog i skapandet av ikonostaser och fresker i Spassky-katedralen, som inte har överlevt till vår tid. Greken Theophanes nämndes första gången i Moskva 1395. Produktionen av den dubbelsidiga ikonen "Our Lady of the Don" är förknippad med Feofans verkstad, på baksidan av vilken är avbildad "Antagandet av Jungfrun".
"Antagandet" skildrar vad som vanligtvis avbildas i ikoner på denna tomt. Vid Marias gravbädd finns apostlarna, inte som strikta grekiska män. De kröp runt sängen i ingen speciell ordning. Inte gemensam upplyst sorg, utan var och ens personliga känsla - förvirring, överraskning, förtvivlan, sorgsen reflektion över döden - läses i deras enkla ansikten. Många verkar inte kunna se på den döda Maria. Ovanför Marias säng, ovanför apostlarnas och helgonens gestalter, stiger Kristus, lysande av guld, med Guds moders själ i sina händer. Apostlarna ser inte Kristus, hans mandorla är redan en sfär av det mirakulösa, otillgänglig för det mänskliga ögat. Det skarpa ljudet av antagandets färger avslöjar så att säga den extrema grad av andlig spänning som apostlarna lever i. Det finns en detalj i Theophans "Antagande" som verkar koncentrera dramatiken i scenen som äger rum. Detta ljus brinner vid Guds moders säng. Placerat i centrum, på samma axel som Kristi gestalt och keruben, verkar ljuset i Teofans ikon vara fullt av speciell betydelse. Enligt apokryfisk tradition tände Maria den innan hon fick veta av en ängel om hennes död. Ljuset brinner ut, vilket betyder att tiden för det jordiska avskedet till Maria är över. Om några ögonblick kommer den strålande Kristus att försvinna, hans mandorla, fäst som en slutsten, en eldig kerub. Det finns få verk inom världskonsten som med sådan kraft skulle få dig att känna rörelsen, tidens förgänglighet, likgiltig för vad den räknas, obönhörligt leda allt till ett slut.
I Spaso-Preobrazhensky-katedralen i Pereyaslavl-Zalessky målade Feofan ärkeängeln Mikaels kyrka 1399, och 1405, bebådelsedomens katedral tillsammans med Andrei Rublev. Bebådelsens ikonostas är den äldsta av de ryska ikonostaserna som har överlevt till denna dag.

56 Andrey Rublevs kreativitet.
Bildandet av Rublevs världsbild påverkades i hög grad av atmosfären från det nationella uppsvinget under andra hälften av 1300-talet - början av 1400-talet. I sina verk förkroppsligade han en ny, sublim förståelse av människans andliga skönhet och moraliska styrka. Exempel: ikonerna för Zvenigorod-rangen ("Frälsaren", "Aposteln Paulus", "Äkeängeln Mikael"), som kännetecknas av lakoniska släta konturer, ett brett sätt att måla ligger nära metoderna för monumentalmålning.
År 1405 målade Rublev, tillsammans med Theophan the Greek och Prokhor från Gorodets, bebådelsekatedralen i Moskva Kreml (freskerna har inte överlevt), och 1408 målade Rublev tillsammans med Daniil Cherny och andra mästare Assumption Cathedral i Vladimir (målningen var delvis bevarad) och skapade ikoner för dess monumentala ikonostas i tre nivåer, som blev ett viktigt steg i bildandet av det höga ryska ikonostassystemet. Av freskerna i Assumption Cathedral är den mest betydelsefulla kompositionen The Last Judgment, där den traditionellt formidabla scenen förvandlades till ett ljust firande av rättvisans triumf, vilket bekräftar människans andliga värde.
År 1425-27 målade Rublev, tillsammans med Daniil Cherny och andra mästare, treenighetskatedralen i Trinity-Sergius-klostret och skapade ikonerna för dess ikonostas. de är gjorda på olika sätt och är ojämlika i konstnärlig kvalitet. I ett antal senare verk lyckades han skapa imponerande bilder, de känner dramatiska toner som inte tidigare var karaktäristiska för honom (”Aposteln Paulus”). Färgen på ikonerna är mer dyster jämfört med tidiga verk; i vissa ikoner förstärks den dekorativa början.
Ett antal verk tillskrivs honom också, vars tillhörighet till Rublevs pensel inte definitivt har bevisats: fresker från Assumption Cathedral på "Gorodok" i Zvenigorod, ikoner - "Vladimir Guds moder", "Frälsaren i Force", en del av ikonerna för den festliga rangen ("Jul", "Dop" , "Lazarus uppståndelse", "Transfiguration", "Entré till Jerusalem"), en del av miniatyrerna av Khitrovo-evangeliet
Nästan alla karaktärer är nedsänkta i ett tillstånd av tyst kontemplation, som kan kallas "Gud-tänkande" eller "gudomlig spekulation"; de har inga inre influenser.
Den klassiska känslan för komposition, rytmer, varje individuell form, förkroppsligad i klarhet, harmoni, plastisk perfektion, Andrei Rublev är lika felfri som de grekiska mästarna under den första tredjedelen av 1400-talet.
Rublevs verk är en av topparna i den ryska kulturen och världskulturen. Redan under Andrejs liv var hans ikoner högt värderade och vördade som mirakulösa.

57 "Trinity" av Andrey Rublev . omkring 1412 skapade han sitt mästerverk - ikonen "The Life-Giving Trinity". Rublev fyllde den traditionella bibliska berättelsen med djupt teologiskt innehåll. Den bibliska berättelsen utgjorde grunden för treenighetens ikonografi. Den som sa att den första personen som såg Gud var den rättfärdige äldste Abraham. Gud visade sig för honom i form av tre änglar. Abraham gissade att han under sken av tre främlingar accepterade treenighetens tre ansikten. Fylld av glädje satte han dem under taket på Mamreek, beordrade sin fru Sarah att baka osyrat bröd av det bästa mjölet och den unga tjänaren att slakta en öm kalv.Andre Rublev flyttade bort från traditionell ikonografi och placerade en enda skål i mitten av kompositionen, och upprepade dess konturer i konturer sidoänglar. Mellersta ängelns kläder (röd tunika, blå himation, sydd rand - klave) hänvisar oss tydligt till Jesu Kristi ikonografi. Två av dem som sitter vid bordet med huvudet och rörelsen av lägret vänds till ängeln, skriven till vänster, i vars skepnad faderlig auktoritet läses. Hans huvud är inte böjt, hans läger är inte lutat och hans blick är vänd mot andra änglar. Den ljuslila färgen på kläderna vittnar om kunglig värdighet. Allt detta är en indikation på den första personen i den heliga treenigheten. Slutligen är ängeln på höger sida avbildad i ett rökgrönt ytterplagg. Detta är den Helige Andes hypostas, bakom vilken berget reser sig. Det finns flera symboler på ikonen: ett träd och ett hus. Trädet - den mamvriska eken - förvandlades vid Rublev till livets träd och blev en indikation på treenighetens livgivande kraft. Huset förkroppsligar Guds tidsutdelning. Huset är avbildat bakom ryggen på en ängel med faderns drag (Skapare, chef för husbyggandet), trädet är bakom ryggen på den mellersta ängeln (Guds son), berget är en symbol för beundran av anden, det vill säga andlig uppstigning, bakom ryggen på den tredje ängeln (Helige Ande). Den centrala ängeln är framhävd en uttrycksfull kontrast av fläckar av mörka körsbär och blå färger, samt en utsökt kombination av gyllene ockra med en delikat "fylld kål" och grönska. Och de yttre konturerna bildar en 5-gon, som symboliserar Betlehemsstjärnan. "Trinity" är designad för avlägsna och nära synpunkter, som var och en avslöjar rikedomen av nyanser, borstens virtuosa arbete på ett annat sätt. Harmonien mellan alla element i formen är ett konstnärligt uttryck för huvudidén för "Trenity" - självuppoffring som andans högsta tillstånd, vilket skapar harmoni i världen och livet.

58 verk av Dionysius
DIONISY (ca 1440 - efter 1502), ikonmålare och målare, en av det heliga Rysslands största konstnärer.

Dionysius målade Födelsekatedralen i Pafnutiev Borovsky-klostret (1467-76); målade ikoner för ikonostasen av Assumption Cathedral i Moskva Kreml; ikoner och fresker av katedralkyrkan i Joseph-Volokolamsky-klostret (efter 1485). I Dionysius ikoner och fresker, i jämförelse med konsten från Andrei Rublevs era, manifesteras enhetlighet av tekniker, drag av festlighet och dekorativitet, innan bildernas psykologiska uttrycksförmåga avtar något. Dionysius ikoner, med sin delikata teckning och utsökta färgsättning, med starkt långsträckta graciösa figurer, kännetecknas av elegans och högtidlighet ("Odegetria Guds moder", 1482; "Frälsaren i styrka", "Korsfästelsen", båda 1500; ikoner för Ferapontov-klostret, 1500-02, tillsammans med hans söner Vladimir och Theodosius Många verk tillskrivs ikonmålaren på grundval av stilistisk analys. Trots denna situations sårbarhet måste vi ändå hålla med om enskilda exempel som har etablerat sig i konsthistorien. Målningarna skapade av Dionysius och hans söner i katedralen i Ferapontov-klostret nära staden Kirillov (1500-02) är bland de mest perfekta exemplen på rysk medeltida monumental konst, där ideologiska, figurativa och dekorativa uppgifter är organiskt löst i ett harmoniskt och integrerat system av väggmålningar, kall färgområde, övervägande ljus nyanser. Det faktum att Dionysius kände ett behov av att förstå den heliga skriften på ett nytt sätt, förstå de dogmatiska texterna och uttryckte sin förståelse genom målningsmetoderna, skapa helt nya, levande bilder, tyder på att kommunikation med Moskva-kättare (diakonens krets) Fjodor Kuritsyn) gick inte spårlöst för konstnär.

Ett karakteristiskt drag i hans konst var smala, eleganta figurer, delikat, självsäker teckning och ofta ljusa, transparenta färger. Han målade fresker i Pafnutievklostret, Assumption Cathedral, där han arbetade tillsammans med ikonmålarna Timothy, Horse och Yarez. Han arbetade i Joseph-Volotsky-klostret och målade tillsammans med sina söner fresker och ikoner i Ferapontov-klostret. Skapade den berömda ikonen "Baptism".

59 Italiensk konst från före-renässansen. Generella egenskaper. Huvudverk., I den italienska kulturen under XIII-XIV-talen. mot bakgrund av fortfarande starka bysantinska och gotiska traditioner började drag av en ny konst dyka upp - renässansens framtida konst. Därför kallades denna period av dess historia proto-renässansen. I den italienska kulturen under XIII-XIV-talen. mot bakgrund av fortfarande starka bysantinska och gotiska traditioner började drag av en ny konst dyka upp - renässansens framtida konst. Därför kallades denna period av dess historia proto-renässansen. Proto-renässansens konst kännetecknas av en tendens till en visuell återspegling av verkligheten, en sekulär början och ett intresse för det antika arvet.Från 1300-talets första decennier. den ledande rollen inom konsten börjar gradvis flytta till målning.

Italienska målare var nära förknippade med den bysantinska målarstilen och därför försenades de i övergången till proto-renässanskonst. Men när i slutet av 1200-talet. det kom ett genombrott, då fungerade den starka grunden för den bysantinska traditionen som ett pålitligt stöd och italienska konstnärer gjorde en verklig revolution i bildtänkandet.

Trots allt, med all schematism av bysantinsk måleri, behöll den en koppling till det hellenistiska arvet. I det abstrakta bevarades statiska kanoner, de gamla teknikerna för chiaroscuro-modellering och förkortning. Det som behövdes var en briljant konstnär som kunde övervinna den bysantinska stelheten för att komma in i ett nytt konstnärligt rum.

Italiensk konst fann ett sådant geni inför Florentinsk målare Giotto di Bondone. I den största cykeln av fresker i Chapel del Arena i Padua kan man se en avvikelse från den medeltida traditionen: istället för ett begränsat antal kanoniska evangelium full, som var och en fick en symbolisk betydelse, skapade Giotto en sammanhängande historisk berättelse, inklusive ett brett spektrum av ämnen. Freskerna är arrangerade i jämna rader och inneslutna i rektanglar. Bland de mest kända freskerna är "St. Franciskus död"

Nattvarden av Leonardo

NATTVARTEN är den sista måltiden, enligt kristna idéer, Jesu Kristi och de tolv apostlarnas sista gemensamma måltid (middagen) på kvällen före dagen (långfredagen) för Kristi död på korset. Under den sista måltiden förutspår Kristus att Judas Iskariot kommer att förråda honom, och upprättar nattvardens sakrament (nattvarden), och ger lärjungarna att äta bröd och dricka ur en bägare vin.

I matsalen i klostret Santa Maria delle Grazie skapar Leonardo målningen "Nattvarden" (1495-97; på grund av det riskabla experiment som mästaren gick på, med olja blandad med tempera för fresken, har verket kommit till oss i en mycket skadad form). Det höga religiösa och etiska innehållet i bilden, som presenterar Kristi lärjungars stormiga, motsägelsefulla reaktion på hans ord om det kommande sveket, uttrycks i tydliga matematiska mönster av kompositionen, vilket underkastar inte bara det målade, utan också det verkliga arkitektoniska Plats. Den tydliga scenlogiken i ansiktsuttryck och gester, såväl som den spännande paradoxala, som alltid hos Leonardo, kombinationen av strikt rationalitet med ett oförklarligt mysterium gjorde Nattvarden till ett av de mest betydelsefulla verken i världskonstens historia. 21 år. Den 28 maj 1999 öppnades målningen för visning.

Teorier om konstens ursprung. KONSTTEORIENS URSPRUNG - 1) enligt den religiösa teorin om konstens ursprung är skönhet ett av Guds namn, och konst är ett konkret-sensuellt uttryck för den gudomliga idén; 2) spelteorin (G. Spencer, K. Bucher, W. Fritsche, F. Schiller) tolkar konst som ett spel i sig, utan allt innehåll. Eftersom lek är äldre än arbete är konst som naturfenomen äldre än produktion av användbara föremål. Dess huvudsakliga syfte är njutning, njutning; 3) erotisk teori (N. Nardau, K. Lange, 3. Freudi, etc.) försöker motivera konstens uppkomst med behovet av att locka uppmärksamheten från representanter för det motsatta könet (dekoration, inbjudande musikaliska ljud, etc.) ; 4) teorin om imitation (Demokrit, Aristoteles, etc.) försöker koppla samman orsaken till konstens uppkomst med människans sociala syfte. Orsakerna till konstens födelse ansåg Aristoteles människans naturliga benägenhet att imitera, imitera naturen; 5) Marxismen för fram sociohistorisk praxis, människors produktiva verksamhet, i förgrunden.

Konstklassificering.

Enligt dynamiken i konst kan delas in i rumslig och tillfälliga. Enligt konstens nytta är de indelade i applicerad och graciös(rena).

Förbi material konst kan

Staffli och monumental konst.

staffli konst- ett slags konst, vars verk är av självständig karaktär och inte har ett direkt dekorativt eller utilitaristiskt syfte (till skillnad från t.ex. monumentalkonstverk eller bokillustrationer). I måleriet är det målningar; i skulptur - statyer, byster, grupper, stafflireliefer; i grafik - tryck, staffliritningar.

monumental konst(lat. monumentum, från Moneo - påminn) - en av de plastiska rumsliga och icke-fina konsterna; denna typ av dem inkluderar verk av stort format, skapade i enlighet med den arkitektoniska eller naturliga miljön, kompositionell enhet och interaktion med vilken de själva förvärvar ideologisk och figurativ fullständighet, och kommunicerar detsamma till omgivningen. Verk av monumental konst skapas av mästare i olika kreativa yrken och i olika tekniker. Monumental konst inkluderar monument och skulpturala kompositioner för minnesmärken, målningar och mosaikpaneler, dekorativ utsmyckning av byggnader, målade glasfönster, såväl som verk gjorda med andra tekniker, inklusive många nya tekniska formationer (vissa forskare hänvisar också arkitekturverk till monumental konst) .

Typer av konst.

Litteratur, arkitektur, musik, konst (det inkluderar målning, grafik, skulptur). Syntetisk konst: bio, teater, etc.). konst och hantverk (ofta kallat konst). Dessutom delar de också rumsliga, tidsmässiga, rumsliga-temporala konster

1. Skulptur som konstform

.

Skulptur(lat. sculptura, från skulptur- skära, hugga) i ordets vidaste bemärkelse, konsten att av lera, vax, sten, metall, trä, ben och andra material skapa bilden av en person, djur och andra naturföremål i sina taktila, kroppsliga former .

En konstnär som har ägnat sig åt skulpturkonsten kallas skulptör eller skulptör. Hans huvudsakliga uppgift är att förmedla den mänskliga figuren i en verklig eller idealiserad form, djur spelar en sekundär roll i hans arbete, och andra föremål är endast i betydelsen av underordnade satser eller bearbetas uteslutande för prydnadsändamål.

Primitiv och traditionell konst. http://teologia.ru/www/biblioteka/esthetika/trad.iscusstvo.htm

Fina konstgenrer. SJÄLVPORTRÄTT - ett porträtt målat efter sig själv.

ALLEGORI - bilden av abstrakta begrepp genom associativa nära specifika bilder, varelser och föremål, vanligtvis utrustade med attribut som förklarar deras innehåll.

ANIMALISTISK - associerad med skildringen av djur i målning, skulptur och grafik; kombinerar naturvetenskap och konstnärliga principer.

BATTLE - tillägnad att skildra krig och militärt liv.

HUSHÅLL - förknippad med bilden av en persons vardagliga privata och offentliga liv.

GALLANT - ett slags hushåll.

HISTORISK - en av huvudgenrerna inom konst, tillägnad historiska händelser från det förflutna och nuet, socialt betydelsefulla fenomen i folkens historia.

KARIKATUR - en genre av konst som använder sätten satir och humor, grotesk, karikatyr, konstnärlig överdrift; bild där den komiska effekten skapas genom överdrift och skärpning av karakteristiska egenskaper.

MYTOLOGISK - tillägnad händelserna och hjältarna som myter berättar om.

STILLEIV - en genre av konst som visar livlösa föremål placerade i en riktig hushållsmiljö och organiserade i en specifik grupp; en bild som visar husgeråd, blommor, frukter, trasigt vilt, fångad fisk.

Naken - en genre av konst tillägnad den nakna kroppen, dess konstnärliga tolkning.

PASTORAL - en bild av det idylliska fridfulla livet för herdar och herdinnor i naturens sköte.

LANDSKAP - en bild av vilket område som helst, bilder av naturen: floder, berg, fält, skogar, landsbygd eller stadslandskap; beroende på bildens ämne skiljer de det arkitektoniska, industriella landskapet, veduta, marina (avbildar havet), historiska och fantastiska (futurologiska) landskap.

PORTRÄTT - en genre av konst tillägnad bilden av en person eller en grupp människor; varianter - självporträtt, gruppporträtt, ceremoniell, kammare, kostymporträtt, porträttminiatyr, parsuna.

ÄMNE OCH TEMATISK BILD - definitionen av ett slags korsning av traditionella målargenrer, som bidrog till skapandet av storskaliga verk om socialt betydelsefulla ämnen med en tydligt definierad handling, handling och en flerfigurskomposition.

TECKNAD - en sorts karikatyr, en humoristisk eller satirisk bild där en persons karaktäristiska egenskaper förändras och betonas.

Problemet med konstsyntes. syntes av konst

en kombination av olika typer av konst, som har ett multilateralt estetiskt genomslag. Enheten av komponenterna i syntesen av konsten bestäms av enheten i den ideologiska och konstnärliga designen. Den arkitektoniska och konstnärliga syntesen av konsten bildas av arkitektur, konst och dekorativ konst (arkitektonisk ensemble, byggnad, interiör). En föreställning, en film är en syntes av regi, skådespeleri, litteratur, musik, konst, etc.

2. Huvudstadierna i utvecklingen av primitiv konst (paleolitikum, mesolitisk, neolitisk). Placering av de viktigaste monumenten.

   Hällmålningar och målningar i grottor. Lasko fr, altamira isp

Megalitiska byggnader.Megaliter(från grekiskan μέγας - stor, λίθος - sten) - Strukturer gjorda av enorma stenblock (dök upp 9-1 tusen f.Kr.) (tempel på ön Malta, menhirs, cromlechs, dolmens)

Periodisering av egyptisk kultur. Bildandet av de karakteristiska dragen i den egyptiska stilen. Folken i det antika Egypten skapade en originell, intressant och rik kultur, vars många värderingar kom in i världskulturens skattkammare, blev dess organiska del.

Redan i primitiva samhällens tillämpade konst, i målningen av lerkärl, i eleganta ben- och hornfigurer, kan man känna de karakteristiska dragen hos egyptisk konst - önskan om en frontal utplacering av avbildade scener, realistisk uppmärksamhet på detaljer, en tendens att utveckla kanoner. Med framväxten av ett klassamhälle blir konsten ett kraftfullt medel för ideologiskt inflytande, inriktat främst på att upphöja faraos makt, att hävda det existerande systemets okränkbarhet. Det finns kanoner av bilder av kungar, ett slags officiella porträtt med betoning på övermänskliga kraftfulla kroppar, dominerande stränga ansikten. Monumental arkitektur tjänade samma syften i många avseenden. Redan under Gamla kungariket får den storslagna monumentaliteten, som blir ett kännetecken för egyptisk arkitektur, ett distinkt uttryck. Sådana är de enorma kungliga gravarna - pyramiderna, vars ursprungliga form var bänkformade gravar (mastabas).

Den äldsta formen av pyramid är stegpyramiden från Djoser vid Sakara. Tack vare fyllningen av tomma utrymmen mellan avsatserna erhölls en klassisk typ av monumental pyramid, tydligast uttryckt i de grandiosa pyramiderna som byggdes av faraonerna från IV-dynastin - Khufu, Khafre och Menekuar. Faraonernas bårhustempel byggdes nära pyramiderna. Väggarna i dessa tempel var dekorerade med reliefer som skildrade den gudomliga kungens liv och gärningar. I farao Sakhurs bårhustempel och i solens tempel, uppfört nära Abusir, har de äldsta kolonnerna bevarats, som schematiskt återger formen av en papyrusstam eller en palm. Arkitekturen i Mellanriket är länken mellan arkitekturen i det gamla och det nya kungariket. Mitten av det monumentala templet Mentuhotep (XI-dynastin) är en pyramid som står på en förhöjd terrass. Den omfattande användningen av gallerier med pelargång, liksom templets halvgrottskaraktär, vittnar om nya arkitektoniska former som först utvecklades fullt ut under det nya kungariket, vilket kan ses i drottning Hatshepsuts tempel i Deir el-Bahri. De storslagna ruinerna av templen i det nya kungariket, i synnerhet tiden för XVIII-XIX dynastierna, ger en levande uppfattning om tempelarkitekturens storhetstid. Ett av de största arkitektoniska komplexen på denna tid var Amuns storslagna tempel i Thebe, vars ruiner är ganska välbevarade i Karnak. Den kolossala pelarhallen i detta tempel, byggd under Seti I och Ramesses II, består av 134 massiva kolonner arrangerade i 16 rader. De 12 centrala kolonnerna i den stora hallen är 21 meter höga. Hallens yta är 5000 kvadratmeter. m.

Den egyptiska skulpturens särdrag - frontalitet och nästan geometriserad statisk - framträder först i skulpturverken under Gamla kungariket. Genom att föreställa en gud, en gudomlig kung eller adelsman försökte konstnären ge en idealiserad bild av en vacker och superkraftig person i en pose av högtidlig och lugn storhet. Sådana är de uttrycksfulla statyerna av farao Khafre och adelsmannen Rahotep. Samtidigt framträder i relief och i teckning, i synnerhet i bilder av tjänare, slavar och vanliga människor i allmänhet, ganska tydliga tendenser till realism och rörelse. Egyptiska mästare befriade sig gradvis från de gamla reglerna för stilisering och försökte skildra människokroppen i dynamik. Ibland manifesterades dessa försök till och med i bilder av präster, tjänstemän och ädla människor. Sådana är statyerna av Kaaper (den så kallade bychefen) eller den sittande skrivaren. Samma drag förekommer i relieferna och teckningarna som pryder väggarna i gravar och tempel. Intrigen i relieferna och teckningarna avslöjar hela egyptiernas liv. Här avbildas strider, bönder, herdar och fiskare, sörjande som följer begravningståget. Sådana är de anmärkningsvärda relieferna från gravarna i Saqqara och i Giza. Begäret efter realism, särskilt inom skulpturporträtt, intensifieras under Mellansriket. Konstnären försöker förmedla en persons inre upplevelser, till exempel i det kolossala huvudet av Senuset III eller i huvudet på Mentuhotep. Nya kungarikets storslagna arkitektur motsvarades av mogen skulptur, som gav exempel på högst konstnärlig realism och samtidigt förfinad stilisering. Illustrationskonsten nådde en hög utveckling under denna tid, till exempel magnifika teckningar på papyrus från samlingen av religiösa texter "The Book of the Dead". Den 18:e dynastins konst kulminerade i den turbulenta Amarna-eran, då ett djärvt försök gjordes att bryta de gamla traditionerna, inte bara inom religionens område, utan även inom konsten. Konstnärerna som arbetade i den nya huvudstaden Akhetaten, efter de nya trenderna, försökte kombinera den gamla realismen med en skarpare uttrycksfullhet. Inom konsten har en ny konstnärlig stil uppstått, baserad på en säregen skildring av människokroppen. Genom att betona de skarpt individuella egenskaperna hos en person nådde konstnären karikatyren och grotesken, även i bilderna av farao och hans familjemedlemmar. Inslag av stilisering bevarades också, vars utveckling oundvikligen ledde till nya former, konst uppstod på grundval av den tidigare utvecklingen av egyptisk kultur och hade sitt inflytande på dess vidare utveckling. Dess inflytande kan spåras i den mjuka flytande linjerna i verken från den tidiga XIX-dynastin, i relieferna från Abydos-templet och templet i Medinet-Abu, mättat med inre rörelser, i den elegant stiliserade reliefen som föreställer sörjande, lagrade i Statens konstmuseum. A. S. Pushkin i Moskva.

Konst

1. Egyptisk målning, ca. 1400 f.Kr e.

   I mer än 3 500 år har konstnärer hållit fast vid de former och kanoner som utvecklades tillbaka i Gamla kungariket, efter en strikt uppsättning principer som bestod även under perioder av utländskt inflytande och interna förändringar. Dessa konstnärliga standarder uttrycktes i enkla linjer, former, karakteristisk platt projektion av figurer, utan att indikera rumsligt djup, vilket skapade en känsla av ordning och balans i kompositionen. Bilder och text var tätt sammanflätade på gravar och tempelväggar, gravar, steler och statyer. Färger erhölls från mineraler som järnmalm (röd och gul ockra), kopparmalm (blå och grön), sot eller träkol (svart) och kalksten (vit). De kunde blandas med gummi arabicum för viskositet och skäras i bitar som vid behov kunde vätas med vatten.

   Även om kanonerna för forntida egyptisk konst bestod i årtusenden, speglade den konstnärliga stilen under vissa perioder förändrade kulturella och politiska attityder. Således hittades fresker i minoisk stil i Avaris, som dök upp efter invasionen av Hyksos och under regeringstiden av Akhenaton"Amarna konst" utvecklades, som kännetecknas av en realistisk skildring av den omgivande världsref.

   Konsten i det antika Egypten återupptäcktes av forskare under Napoleons egyptiska kampanj. Som ett resultat av expeditionen samlades ett stort antal historiska monument in och fördes till Europa.

   Arkitektur[redigera | redigera källa]

   Huvudartikel:Arkitektur i det antika Egypten , se även:Egyptiska pyramider, Lista över egyptiska pyramider

   Arkitekturen i det antika Egypten är känd för byggandet av gravarna - pyramiderna i Giza, tempel- och palatskomplex - Luxortemplet, Amarnas palats: 281.

   Byggnadernas ytter- och innerväggar, liksom kolonnerna, var täckta med hieroglyfer och fresker och målades i ljusa färger. Motiven för många egyptiska prydnadsföremål, som bilder av skarabeen eller den heliga skalbaggen, solskivan och valken, är symboliska. Andra vanliga motiv inkluderar palmblad, papyrusväxten och lotusknoppar och -blommor. Hieroglyfer användes för dekorativa ändamål, såväl som för att spela in historiska händelser eller trollformler. Utformningen av många religiösa byggnader korrelerade med fenomenen solståndet och dagjämningen.

   

2. Pyramiderna i Giza

   De egyptiska pyramiderna är de största arkitektoniska monumenten i det antika Egypten, bland vilka ett av "världens sju underverk" är Cheops-pyramiden. Pyramider är enorma pyramidformade stenstrukturer. Några av dem användes som gravar för faraonerna i det antika Egypten. Ordet "pyramid" är grekiskt. Enligt vissa forskare blev en stor hög med vete prototypen på pyramiden. Enligt andra forskare kommer detta ord från namnet på begravningstårtan i en pyramidform. Totalt har 118 pyramider upptäckts i Egypten. Enligt den allmänt accepterade versionen byggdes den första egyptiska pyramiden på order av farao från den 3:e dynastin Djoser - Stegpyramiden i Saqqara, vars arkitekt, enligt den gamla egyptiska traditionen, är den högsta dignitären (chati) av Djoser Imhotep. Enligt egyptologer är denna pyramid utvecklingen av mastaba - den traditionella graven för adeln i det gamla Egypten under perioderna av de tidiga och gamla kungadömena. De mest kända pyramiderna är de stora pyramiderna på Gizaplatån (Pyramiderna av Cheops, Khafre och Mykerin).

Gamla kungarikets konst. Realistiska drag i porträttkonst.

http://dic.academic.ru/dic.nsf/enc_pictures/3971/%D0%94%D1%80%D0%B5%D0%B2%D0%BD%D0%B5%D0%B3%D0%BE '

I begravningarna av det gamla kungariket fanns inga bilder av gudar, solen och månen. Världen präglad på väggarna var inte en spegelbild av den jordiska tillvaron; det var en artificiellt skapad miljö som försåg gravägarens alla behov. Reliefer och målningar är indelade i remsor och "läses" som text; de förmedlar egyptiernas dagliga liv så noggrant och i detalj att de fungerar som en pålitlig källa för att studera det. Men i jämförelse med verkligheten gjordes vissa förändringar i bilden av efterlivets "tvillingvärld". Det fanns inga scener för public service, vilket tyder på en underordnad position. Väggmålningar kännetecknas av planhet, ljusstyrka i färger. Egyptiska mästare arbetade med limfärger, vanligtvis utan att blanda dem; halvtoner uppträdde först i den sena perioden. Målningens uttrycksfullhet baserades på klarheten i silhuetter, vars konturer var fyllda med ljusa färger. Personen avbildades inte som den sågs, utan på ett sådant sätt att den gav den mest kompletta bilden av honom: axlarna, bålen och ögat i ansiktet på en person avbildades framifrån, ansiktet och benen - i profil. ’

Konst i Mellanriket.

De mest kända verken från denna tid inkluderar bilder av fiske- och jaktscener i Nilens snår (nomarken Khnumhoteps grav, sent 1900-tal f.Kr.). Fisk fångas med spjut, fåglar jagas med bumerang och nät. En vildkatt gömmer sig på en stjälk av blommande papyrus som sjunker under sin tyngd, en elegant flock ljusa fåglar gömmer sig i det genombrutna lövverket av akacia, bland dem en vacker hoopoe, orange, med svarta och vita vingar. Många träfigurer hittades i gravarna, ibland bildade hela grupper - tjänare, plogmän, tvätterskor, herdar, krigare, båtsmän. Liksom barnleksaker är de naiva och attraktiva. Från mitten av eran av Mellanriket började statyer av faraoner, avsedda för allmän beskådan, att resas i tempel. Detta krävde mer uppmärksamhet åt rekonstruktionen av karakteristiska porträttdrag, inklusive åldersrelaterade förändringar. På bilderna av Senusret III och Amsnemkhet III (1800-talet f.Kr.) ger skarpa stora drag, veck på kinderna dem ett strängt, nästan sorgligt uttryck. Under Senusret III blomstrade konsten att hovsmycken. Dess magnifika exempel hittades i begravningen av faraos dotter Sithator. I en rektangulär ebenholts smyckeskrin, inlagd med elfenben och rosa karneol, fanns en bronsspegel prydd med guld, rökelsekärl av obsidian och guld och ett silverfat. Prinsessans huvudbonad i form av en gyllene båge med bilden av en helig kobra (uraeus), hennes bälte av gyllene skal är bara en liten del av smyckena som skapades under den eran. Pectorals är bland de mest utsökta. De innehåller ofta bilder av en skarabébagge (en symbol för solen och uppståndelsen från de döda) och olika gudar. Bröstkorset på Senusret III, snidat av guldplåt och dekorerat med turkos, lapis lazuli och karneol, är det mest harmoniska bland många liknande konstverk från det antika Egypten som har överlevt till denna dag.\

Syntes av konst i det antika Egypten.

Den sanna syntesen av konsten är den högsta formen av konstnärlig utveckling, eftersom den inte bara innebär den estetiska perfektionen av dess individuella komponenter (verk av en viss typ av konst), utan också den estetiska kvalitet som uppstår som ett resultat av den konstnärliga interaktionen av dessa verk.

Syntesen av konst gör det möjligt att, på grundval av en kombination av specifika uttrycksmedel och figurativa möjligheter för olika typer av konst, uppnå den mest kompletta förkroppsligandet och avslöjandet av det ideologiska och konstnärliga innehållet i ensemblen och dess aktiva inflytande på en person . Därför är grunden för äkta S.I. det har alltid funnits och förblir den ideologiska designens integritet. S. i. kan vara en ensemble, som organiskt innehåller komponenter (arkitektur, skulptur, måleri) skapade i olika tidsepoker och som inte har enhetliga stilistiska kvaliteter.

Utvecklingen av monumental skulptur i det antika Egypten.

Skulptur av det antika Egypten- ett av de mest originella och strängt kanoniskt utvecklade konstområdena i det antika Egypten. Skulptur skapades och utvecklades för att representera de antika egyptiska gudarna, faraonerna, kungarna och drottningarna i fysisk form. Det fanns också många bilder av ka i vanliga egyptiers gravar, mestadels gjorda av trä, av vilka några har överlevt. Statyer av gudar och faraoner visades upp för allmänheten, som regel, i öppna ytor och utanför tempel. Den stora sfinxen i Giza har aldrig upprepats i full storlek någon annanstans, men gränderna med reducerade kopior av sfinxen och andra djur har blivit en oumbärlig egenskap hos många tempelkomplex. Den heligaste gudsbilden fanns i templet, i altardelen, som regel i en båt eller en bark, vanligtvis gjord av ädelmetaller, dock har inte en enda sådan bild bevarats. Ett stort antal snidade figurer har bevarats - från gudafigurer till leksaker och fat. Sådana figurer gjordes inte bara av trä utan också av alabaster, ett dyrare material. Träbilder av slavar, djur och egendom placerades i gravar för att följa med de döda i livet efter detta.

Statyer behåller som regel den ursprungliga formen av ett stenblock eller en träbit som den är huggen ur. I traditionella statyer av sittande skriftlärda finns lika ofta likheter med formen av en pyramid (kubisk staty).

Det fanns en mycket strikt kanon för skapandet av forntida egyptisk skulptur: färgen på en mans kropp måste vara mörkare än färgen på en kvinnas kropp, händerna på en sittande person måste vara uteslutande på knäna. Det fanns vissa regler för att avbilda de egyptiska gudarna: till exempel skulle guden Horus ha avbildats med huvudet på en falk, guden för den döde Anubis med huvudet på en schakal. Alla skulpturer skapades enligt denna kanon och följande var så strikt att det under nästan tre tusen år av det antika Egyptens existens inte har förändrats.

Konst av det nya kungariket. Omfattningen av monumental konstruktion.

OK. 1700 f.Kr e. Egypten överlevde invasionen av asiatiska stammar - Hyksos (egyptiska utländska härskare). Tiden för deras 150-åriga regeringstid var en period av nedgång. Utvisningen av hyksos från landet i början. 1500-talet före Kristus e. markerade början på det nya kungarikets era, under vilken Egypten nådde makt utan motstycke. Arkitekturen av denna period kännetecknas av storslagen omfattning, lyxig dekoration och imperialistisk prakt. På 1500-talet före Kristus e. utvecklades, som senare blev en klassisk typ av marktempel ( Karnak och Luxor i Thebe). Drottning Hatshepsuts bårhusbergstemplet i Deir el-Bahri (början av 1400-talet f.Kr., arkitekten Senmut), tillägnat gudinnan Hathor, restes vid foten av rena klippor. Den består av tre terrasser förbundna med ramper, inuti vilka det finns salar uthuggna i bergets tjocklek. Strikta, geometriskt korrekta linjer av taklister och kolumner med versaler i form av Hathors huvud skuggas av de slingrande linjerna av steniga sporrar. Under Ramses II:s regeringstid uppfördes ett storslaget tempelkomplex i Abu Simbele(första hälften av 1200-talet f.Kr.).

Skulptur och målning kännetecknas av sofistikering och uppmärksamhet på detaljer. Silhuetter i reliefer och statyer blir mer raffinerade och smidiga. Det finns försök att förmedla snabba rörelser - racervagnar, springande djur (relief som visar farao Seti I:s militära kampanjer, 1200-talet f.Kr.), starka känslor (lättnad som visar sörjande, sent 1300-tal - tidigt 1200-tal f.Kr. e.); figurer skymmer ibland varandra. Bilder av den andra världen och gudar dyker upp på väggmålningarna, scener med fester och jakt blir favoritämnen (adelsmännen Nakhts gravar, 1400-talet f.Kr. och Sennedzhem, 1200-talet f.Kr.; båda - i Thebe). Genom kvinnors genomskinliga kläder lyser kroppen igenom. Nakna tjänare, i motsats till kanon, avbildas i hel fram eller profil, bakifrån; poser kännetecknas av naturlig lätthet. Papyrusrullar med texter (" dödboken", etc.) började rita i färgteckningar. Konsten och hantverket nådde en speciell blomstring. Den gyllene masken, tronen, kärlen, kistorna och andra redskap från farao Tutankhamons grav (1300-talet f.Kr.) är gjorda med fin smak och elegans. Som ett resultat av reformen av farao Akhenaton etablerades en enda kult av guden för solskivan Aten (reliefen "Atonens tillbedjan", 1300-talet f.Kr.). En ny huvudstad, Akhetaten ("Atens horisont"), uppfördes. Den här tidens konst kännetecknas av livlighet och frihet, en speciell lyrik. Stela kanoner mjuknade: för första gången dök kungen upp i sin familjs krets, kramade sin fru och smekte sina döttrar (reliefen av hemaltaret som föreställer Akhenatens familj, första hälften av 1300-talet f.Kr.). Sanna mästerverk är porträttbyster av drottning Nefertiti och Akhenaton (ca 1340 f.Kr., skulptör Thutmes). År 332 f.Kr. e. Egypten erövrades av Alexander den store, som grundade staden Alexandria i Nildeltat. I kultursammanhang Hellenism Egyptiska traditioner var intrikat sammanflätade med grekisk-romerska. De mest intressanta monumenten från den sena perioden är gravstenar. Fayum porträtt, som påverkade bildandet av romersk och senare - östlig kristen konst.

Konsten från Akhetatens tid.

Den uppförda staden med tempel, trädgårdar, palats, rika kvarter av adelsmän, parker och dammar förklarades "guden Atons land". I denna stad blev även typen av forntida egyptiska tempel helt annorlunda. Alla tidigare tempel ledde från ljuset in i mörkret i kultkapellet, som endast var upplyst av lampor vid altaren. Själens dystra tillstånd krävdes av själva de gamla gudarnas natur, designade för en skrämmande vördnad.

Kulten av guden Aton hade en helt annan karaktär. Den huvudsakliga rituella riten åtföljdes av solens uppgång, där Nilens stränder vaknade till liv, blå och vita lotusblommor blommade ut, flockar av fåglar reste sig från papyrussnår och tillkännagav den uppvaknande världen med sina rop. I det ögonblicket, i templet, som var en enorm innergård öppen för solen, kom Akhetatens invånare med sina gåvor till solen: blommor, grönsaker och frukter. Templet var festligt dekorerat med pyloner, faraostatyer och målningar. Stående på den övre plattformen av huvudaltaret viftade Akhenaton ett rökelsekar med rökelse, och musikerna som ackompanjerade på harpor och lutor, hovmän, präster och alla tillbedjare sjöng orden i psalmen:

Vacker är din stigande vid horisonten, o levande Aton, livets upphovsman. Människor reser sig upp, tvättar sina kroppar, höjer sina händer, gläds åt födelsen av en ny dag! .. Du ger liv åt avlägsna länder, gödslar deras land med regn. Hur många och vackra är dina skapelser: människor, djur, blommor, örter - allt som finns på jorden, i vattnet och i luften!

Farao-reformatorns nya idéer dök också upp i poesi och målning, arkitektur, skulptur och till och med i vardagen. Akhenaton förde inte krig, så han är ingenstans avbildad som att erövra land eller straffa fiender. Därför representerar reliefer, bild- och skulpturporträtt honom som en man nedsänkt i filosofiska reflektioner, med en rik inre värld: i faraos bilder, viss kontemplation, en förhöjd, nästan sensuell känsla av tillvarans fullhet med alla dess glädjeämnen och sorger, gissar man.

Akhenaton dog tidigt, när han ännu inte var 35 år gammal, och efterlämnade varken söner eller värdiga följeslagare. Vissa forskare menar till och med att han blev förgiftad, eftersom en av målningarna visar ett försök på hans liv.

De nya faraonerna gjorde allt för att radera minnet av sin föregångare och hans nya gud ur historien. De raderade, trampade och förstörde allt som skapades av Akhenaton. Militärledaren Heremheb, som regerade på den egyptiska tronen, påstås ha "guden Amons vilja", försökte särskilt hårt. Eftersom han inte hade några lagliga rättigheter till tronen, förföljde han minnet av farao Akhenaton med särskild iver. På order av Heremheb började förstörelsen av Akhetaten, vid den tiden redan helt övergiven. Den vackra staden krossades av hat: magnifika tempel och palats, statyer och reliefer krossades och förstördes. Sedan täcktes ruinerna av Akhetaten gradvis med sand, och öknen täckte dem i flera årtusenden. På platsen där de en gång glittrade

vallar var vita, fram till 1880 sträckte sig en smal remsa av grödor i solens och tystnadens rike, och tre små byar inbäddade i skuggan av täta palmlundar.

Ett typiskt rikt hus i Akhetaton är vanligtvis en hel egendom som ockuperade en yta på 68x55 meter. I mitten av den fanns ett bostadshus, runt vilket det fanns en trädgård, ett kapell och andra byggnader. Hela gården var omgiven av en mur med två ingångar: från huvudentrén ledde stigen till en liten innergård, varifrån de, efter att ha klättrat flera trappsteg, kom in i husets täckta entré. Ett litet rum gränsade till ingången, genom vilket de gick in i ett stort avlångt rum med 4 runda kolonner: det var ett slags mottagning för gäster och samtidigt ett rum där ägarna vilade.

Solguden Atens präster fanns i ett vidsträckt område med lyxiga portaler och gator för processioner, med kapell dekorerade med pelare, med skulpturer och reliefer. Enligt Akhenatons plan utformades alla rum ibland i form av Nilens strand: tunna pelare som liknade papyrusstjälkar, blommor och lotusknoppar, liksom fåglar som fladdrade i snåren, gick igen i vägg- och golvmålningarna. Dessa motiv har påträffats i egyptisk konst förut, men aldrig tidigare har de haft en sådan rikedom av intrig och färger, sådan frihet och grace av utförande, en sådan passion för skönheten i linjer och färger ...

Samma naturlighet, som ersatte den kanoniserade stiliseringen av ställningar och gester, manifesterade sig i skildringen av människor. Till exempel är Akhenaton ofta avbildad i familjekretsen - med sin fru Nefertiti och döttrar. Bland de monument som finns i el-Amarna är det få där faraon är avbildad utan Nefertiti. Farao Akhenaton grundade den nya huvudstaden Akhetaton och lovade drottningen att resa sin egen plats i den för att hedra solen - "Res baldakin". Nefertiti hade sitt eget stora och magnifika skepp som gungade vid palatsbryggan bredvid faraos båt. Tyvärr finns nu bara ruiner kvar av Nefertitis palats, men man vet att det i den nordöstra änden av trädgården fanns en lång byggnad som sträckte sig längs med palatsets norra vägg. Inne i denna hall stod pelarna som stöder taket i en enda rad, var och en på en liten ö mellan intermittenta pooler. Dessa reservoarer gjordes i form av enorma bokstäver "T": i den översta raden vändes de med en vertikal ände nedåt och i botten - upp. Inklämda i rad för rad med sina vertikala ändar bildade bokstäverna "T" ett strikt mönster. Räcket och golvet runt magasinen, liksom räckets sluttande väggar, var helt målade med blomsterdekorationer och bilder av blommor. Sådan var denna "solens magnifika egendom", dekorerad med små tempel, full av vattenaktiviteter och nedsänkt i grönska och blommor. Efter Nefertiti övergick dessa ägodelar till hennes dotter Miyot.

De två flodernas konst. Generella egenskaper. Huvudverk.

Konsten i Mesopotamien i slutet av 4:e - 3:e årtusendet f.Kr (staterna Sumer och Akkad)

Sumerisk kulturstammosaik

Under andra hälften av det 4:e årtusendet f.Kr. på de bördiga slätterna i södra Mesopotamien uppstod de första stadsstaterna. De främsta bland dem var städerna Sumer. De första monumenten av monumental arkitektur växte i dem, konstformerna som var förknippade med dem blomstrade - skulptur, relief, mosaik, olika typer av dekorativa hantverk. Kulturell kommunikation mellan olika stammar främjades aktivt av sumerernas uppfinning av skrift, först piktogram och sedan kilskrift. De skrev med vassa pinnar på blöta lertavlor, som sedan brändes i eld.

Varje stad hedrade sina egna gudar. Var och en av gudarna var tillägnad sitt eget tempel, som blev centrum för stadsstaten. De första mäktiga byggnaderna i Sumer i slutet av 4 tusen f.Kr. det fanns det så kallade "Vita templet" och "Röda byggnaden" i Uruk. Rektangulär i plan, utan fönster, med väggar dissekerade i Vita templet av vertikala smala nischer, och i Röda byggnaden - av kraftfulla halvkolonner, enkla i sina kubiska volymer, skymtade dessa strukturer tydligt på toppen av ett konstgjort berg. De hade en öppen innergård, en helgedom, i vars djup en staty av en vördad gudom placerades. Det vita templet har fått sitt namn från vitkalkningen av väggarna. Den röda byggnaden dekorerades med en mängd olika geometriska ornament från brända lerkonformade zigatti-nejlikor, vars hattar målades i rött, vitt och svart. På avstånd fick denna prydnad, sammansmältande, en enda mjuk rödaktig nyans.

En speciell roll spelades av mosaiker, inlagda med ädelstenar, pärlemor och snäckor, som användes i stor utsträckning för att dekorera väggar, pelare och statyer. Utsmyckningen av kolonner med plåtkoppar, inkluderandet av reliefkompositioner, kom också i användning. Gudinnans tempel - "alla gudars moder" och "de skogsklädda bergens gudinna" Ninhursag, uppfört nära staden Ur i mitten av det 3:e årtusendet f.Kr., präglas av ett antal sådana innovationer. Ovanför den rektangulära ingången till templet fanns en baldakin vilande på tunna träpelare, klädd i koppar och dekorerad med inlägg av pärlemor, ädelstenar och asfalt. Templets väggar, förutom vertikala nischer, var också delade horisontellt av band av mosaikfriser. Templets taklist var dekorerad med ett mönster av keramiska nejlikor, vars mössor gjordes i form av blommor med röda och vita kronblad. Den övre frisen innehöll även mosaikbilder av vita duvor, gjorda på en skifferbakgrund, den nedre frisen bestod av kopparfigurer av gobies. Entrén inramades av två träfigurer av skyddslejon. De var täckta med kopparplåtar och ögon och tungor var inlagda med färgade stenar. Ovanför entrédörren finns en rektangulär kopparplatta som föreställer relieffigurerna av den lejonhövdade örnen Imdugud, som stadigt håller två rådjur med sina tassar – en slags symbol för gudomens makt över alla invånare i de skogsklädda bergen och dalarna. Den liknas vid en bergstopp och reste sig på en plattform och en terrass, vars nedre yta totalt var 32x25 meter.

Under det 3:e årtusendet f.Kr. Ziggurats uppstod i Sumer. De bestod av små trapetsformade enorma plattformar som sänkte sig uppåt. Den övre plattformen kröntes med en liten helgedom. Från urminnes tider har bara ett fåtal forntida torn kommit ner till oss i ruiner. De bäst bevarade zigguraterna från Elam (i Choga Zambil) och Borsippa (nära Babylon). Nu har en av de äldsta zigguraterna i Ur i slutet av det 3:e årtusendet f.Kr. delvis restaurerats. Nu syns bara en av dess nedre terrasser. Arean av en enorm trunkerad trapets är 65x43 meter, och höjden på tornets bas är 20 meter. Inledningsvis nådde zigguraten, som bestod av tre stympade pyramider, som om de var placerade ovanpå varandra, sjunkande uppåt, en höjd av 60 meter. Tre branta, raka trappor flankerade dess fasad och konvergerade vid kanten av toppen av den första plattformen, vilket tydligt avslöjar strukturen för hela den skyhöga strukturen.

Narrativ relief har sitt ursprung mycket tidigt i konsten i Mesopotamien. Teman för relieferna från andra hälften av det 4:e-tidiga 3:e årtusendet f.Kr. återuppliva framför oss kretsen av de viktigaste angelägenheterna för de gamla invånarna i Tigris- och Eufratdalen, i samband med skörden. Dessa är mestadels ritualer för dyrkan av fruktbarhetsgudinnan Inanna. Processionen av donatorer, som går med gåvor till gudinnan Inanna, avbildas i reliefer som fyller ytan på ett monumentalt alabasterkärl från Uruk i början av 3000 f.Kr. Formen av en hög rituell stenbägare tillägnad kulten av denna gudinna är uppdelad i ett antal bälten. I den nedre frisen, motiv av ett flodlandsbygdslandskap, anges träd som växer nära vattnet. Nästa visar en rad baggar som rör sig mätt längs flodstranden. Ovan är en lika uppmätt procession av människor som bär maträtter och frukt. Den övre är tillägnad ceremonin att dyrka gudinnan och erbjuda gåvor till henne.

De skulpturala figurerna av "beskyddare" placerade i templen i både norra och södra Mesopotamien visar att under första hälften av det 3:e årtusendet f.Kr. i skulpturen av Sumer fanns en betydande figurativ uppdelning. Sten liten (endast 34-40 centimeter i höjd), och ibland en och en halv meter, statyer gjorda av alabaster, kalksten, sandsten, basalt hade långsträckta proportioner, långsträckta ansikten. Figurerna i södra Mesopotamien var storhuvade och hukiga. Samtidigt verkar båda vara släkt med varandra. Allt i dem: hållningen, ögonen höjda mot himlen, handflatorna vikta mot bröstet, syftar till att avslöja det interna tillståndet av upplysning. Dessa är basaltfiguren av chefen för spannmålsmagasinen i staden Uruk Kurlil, alabasterstatyn av dignitären Ebih-Il (från staden Mari) och stenstatyn av guden Ab-U från staden Eshnun.

Många statyer av härskaren över staden Lagash Gudea (22:a århundradet f.Kr.) är präglade av äkta monumentalitet, trots sin relativt lilla (cirka 1,5 meter) storlek. Statyerna förmedlade både ålderstecken på linjalen och de karakteristiska dragen i hans ansikte. I ett stenblock lyckades hantverkarna avslöja människokroppens levande plasticitet, känna spänningen i musklerna.

Hosted på Allbest.ru

Arkitektur och konst.

Den härskande klassens rikedom återspeglades i kungarnas kraftfulla och utbredda byggverksamhet. Intensiv konstruktion, som täckte landet med tempel och palats, var möjlig på grund av närvaron av många slavkrigsfångar, såväl som användningen av den fria befolkningens arbetskraft. Men i Mesopotamien, till skillnad från Egypten, på grund av lokala naturförhållanden, existerade inte stenkonstruktion, och alla byggnader byggdes av rå tegel.

Till skillnad från Egypten utvecklades inte begravningskulten här i sådan omfattning och ingenting som pyramidernas stenmassor eller den egyptiska adelns gravbyggnader byggdes. Men med enorma medel till sitt förfogande, reste arkitekterna från Sumer och Akkad storslagna tempeltorn (ziggurater). I Mesopotamiens arkitektur har man funnit kolonner sedan urminnes tider, som dock inte spelade någon större roll, liksom valv. Ganska tidigt dyker tekniken att sönderdela väggar av avsatser och nischer, samt att pryda väggar med friser gjorda i mosaikteknik upp.

Sumeriska skulptörer skapade statyer av gudar och representanter för adeln, såväl som reliefer (till exempel "Kite Stele"). Men om även under perioden med Jemdet-Nasr-kulturen lyckades sumeriska konstnärer uppnå vissa framgångar med att förmedla bilden av en person, så dominerar grov schematisering under existensen av de tidiga stadsstaterna - en person avbildas antingen onaturligt squat, eller i onaturligt långsträckta proportioner, med överdrivna ögon, näsa etc. Även inom stenhuggningskonsten är bilden föremål för geometriska mönster. Skulptörerna från den akkadiska dynastin överträffade vida de tidiga sumeriska skulptörerna, och kunde i synnerhet avbilda levande varelser i rörelse. Relieferna från Sargons tid och särskilt hans barnbarn Naramsins tid förvånar med sin konstnärliga skicklighet. Ett av de mest anmärkningsvärda konstnärliga monumenten är Naramsin-stelen, tillägnad segern över bergsstammarna. Reliefen skildrar dramatiken i slaget i den bergiga terrängen där denna strid ägde rum.

Även brukskonsten i Akkad stod på hög höjd. Särskilt anmärkningsvärda är de konstnärligt utförda bilderna av tomter från myter och epos, ristade på cylindertätningar av färgad sten. Uppenbarligen förlorade konstnärerna från denna period inte kontakten med folkkonsten i Mesopotamien.

Konsten av Lagash under Gudeas tid (som till exempel i porträttstatyerna av Gudea själv gjorda av hård sten - diorit) och tiden för III-dynastin i Ur, använde utan tvekan de bästa exemplen på akkadisk konst. Men sedan III-dynastin i Ur har döda, kanoniska bildscheman etablerats i konsten, har monotona religiösa komplotter segrat.

Folken i Mesopotamien skapade ett antal instrument - en pipa, en flöjt, en tamburin, en harpa, etc. Enligt de monument som har kommit ner till oss användes dessa instrument i tempelkulten. De spelades av speciella präster som också agerade sångare.

Kretensisk-mykensk konst. Generella egenskaper. Huvudverk.

konventionellt namn för konsten i antikens Grekland från bronsåldern (cirka 2800-1100 f.Kr.); det bredare namnet är Aegean art.

(Källa: "Popular Art Encyclopedia." Under redaktion av V.M. Polevoy; M.: Publishing House "Sovjet Encyclopedia", 1986.)

Kretensisk-mykensk konst

(Egeisk konst), konst som utvecklades på öarna i Egeiska havet och i södra delen av Balkanhalvön (3:e - 2:a årtusendet f.Kr.). Konst om. Kreta och öarna i Kykladernas skärgård - Paros, Naxos, Syros, Thera (3:e - mitten av 2:a årtusendet f.Kr.) brukar kallas minoisk med namnet av den mytomspunna kungen Minos, son till guden Zeus och prinsessan av Europa . Den kultur som utvecklades på Balkanhalvön (1600-1100 f.Kr.), där de grekisktalande stammarna av akaerna levde och där det "guldrika Mykene", den legendariske kungen Agamemnons stad, intog den dominerande ställningen, kallas Mykensk.

labyrint kolumner, avsmalnande nedåt, vilket liknade dem vid stalaktiter som hängde från grottornas valv. Senare hittades ruiner av palats och mindre komplex (de så kallade villorna) även i Phaistos och andra platser på Kreta. Alla palatsen hade spektakulära lokaler - gårdar belagda med plattor, inramade av stentrappor. Heliga lekar med en tjur ägde rum här, farligare än den spanska tjurfäktningen, eftersom de unga män och flickor som deltog i dem var obeväpnade (fresken "Leker med tjuren", 17-16 århundraden f.Kr.). Tjuren ansågs vara ett heligt djur av den stora gudinnan, i vars bild kretensarna vördade naturen. Bilder av heliga horn och tveeggade yxor labris, med hjälp av vilka man gjorde uppoffringar - ett av de minoiska mästarnas favoritmotiv. Kretensarnas konst verkar dock "inte känna till" ondska och död: in vasmålning labris "groddar" med liljeblad; rhytons (formade kärl) i form av ett tjurhuvud, på vars panna, på den plats där yxan är genomborrad, en blomma blommar, förvånar med perfektion. Fresk friser med landskap och scener av festligheter omringar rummen. Silhuetterna av figurer och föremål är konturerade med flexibla, "löpande" linjer ("The Saffron Collector", 1600-talet f.Kr.). Charmigt charmig sk. "Parisian" (1400-talet f.Kr.), bilden av en av flickorna på scenen för festivalen i olivlunden. De kretensiska mästarna var bekanta med de egyptiska kanonerna för skildringen av den mänskliga figuren ("King-Priest", 1400-talet f.Kr.), men i allmänhet var minoisk konst inte bunden av strikta regler: den förkroppsligade en entusiastisk beundran för naturen, med vilken människan är organiskt sammansmält . Bilderna av den naturliga världen förkroppsligades också i plastiska, elastiska former och målningar av kretensiska kärl (se Art. vasmålning). Inga stora statyer har upptäckts på Kreta; skulpturen representeras av små keramiska figurer av gudinnor (eller prästinnor) med ormar i händerna, med en getingmidja, i pösiga kjolar med krusiduller och korsager, som avslöjar en magnifik bröstkorg.
Bull Games. Fresk i Knossos-palatset. 1600-1500-talen före Kristus e. Kreta "Boxing Boys". Fresk. 15:e c. före Kristus e. Arkeologiska museet. Aten. Lejonporten i Mykene. 14:e c. före Kristus e. Nedgången av den minoiska kulturen är förknippad med ett vulkanutbrott på ungefär. Fera (nu Santorini), som inträffade ca. ser. 2:a årtusendet f.Kr e. som orsakade jordbävningar och en tsunamivåg som träffade Kreta. Genom att dra fördel av Knossos försvagning intog akaerna ön, samtidigt som de upplevde det starka inflytandet från den minoiska kulturen. Enligt andra versioner tog de akaiska härskarna, som gifte sig med de kretensiska prinsessorna, gradvis ön i besittning under perioden med förvärring av inre stridigheter där. Från 1400-talet före Kristus e. Den minoiska konsten förlorade sin livliga spontanitet, blev torrare och hårdare. De nya funktionerna som dök upp i den återspeglade smakerna hos de akaiska härskarna, som förmodligen var anställda av många kretensiska mästare vid den tiden. Den mykenska kulturens storhetstid infaller på 1300-1200-talen. före Kristus e. Achaernas städer - Mykene, Tiryns, Aten, Pylos, etc. - var hårda fästningar byggda på klippsluttningarna. Deras centrum var akropol med härskarens palats (megaron). Kraftfulla fästningsmurar byggdes av enorma obehandlade stenar utan bindningslösning (det så kallade "cyklopiska murverket": enligt legenden lyfte enögda jättar-cyklop tunga block). Tiryns väggar nådde en tjocklek av 17 m; inuti dem fanns passager där vattentankar, vapen och matdepåer placerades. Ingången till citadellet i Mykene var Lejonporten, dekorerad med en platta som föreställer två formidabla lejoninnor. År 1876 upptäckte den tyske arkeologen G. Schliemann inuti fästningsschaktet (hugget i klippan) gravar efter härskarna i Mykene, som han trodde var Agamemnon och hans medarbetare. Därefter fann man att begravningarna är mycket äldre (1500-talet f.Kr.). De dödas bröst var täckta med gyllene rustningar, gyllene masker låg på deras ansikten. Ansiktena ingraverade på ett tunt guldark lakoniskt och förmedlade på ett övertygande sätt utseendet av stränga krigarledare (den så kallade "Agamemnons mask"). Seden att täcka de dödas ansikten med masker fanns i det forntida Egypten, men än så länge finns det inga bevis på att akaerna lånat denna sed därifrån. På 1400-talet före Kristus e. schaktgravar ersattes av majestätiska stengravar - tholos. Till sk. "Atreus grav" (1300-talet f.Kr.) leder en korridor-dromos kantad av stenplattor 36 m långa. Begravningen är blockerad av ett halvklotformat falskt valv bildat av rader av stenar som sticker ut ovanför varandra. Under antiken var taket dekorerat med förgyllda rosetter (blomformade dekorationer), som personifierade stjärnhimlen. Av de mykenska palatsen är palatset i Pylos, som upptäcktes av arkeologer på 1950-talet, det bäst bevarade. Strikt omtänksamhet, symmetri av planen för rymliga rektangulära rum är ett utmärkande drag för mykensk arkitektur. I monumentalmåleri och vasmåleri ersattes det festliga jubelet av minoisk konst av förhärligandet av triumfen av fysisk styrka, heroisk anda och strängt mod. Pittoreska bilder kännetecknas av strikt symmetri och formstyvhet. Inom den vackra och dekorativa konsten råder strider och jakt (en dolk med en lejonjaktsscen, en guldring med en stridsscen; båda - 1500-talet f.Kr.; en krater - ett kärl för vin - med trådar från krigare, 12:e århundradet f.Kr. n. e.). Det trojanska kriget (1200-talet f.Kr.) markerade början på den mykenska kulturens nedgång. OK. 1200 avbröts dess utveckling av invasionen av dorianerna. Det är också möjligt att dorianerna kom till de länder som redan hade ödelagts av inbördes krig. "Den mörka åldrarna" kom, varefter konsten upplevde en ny blomning i antikens Grekland.

Knossos palats.

Den minoiska kulturen upplevde en ljus blomning under första halvlek. 2:a årtusendet f.Kr e. Hennes monument öppnades först i början. 1900-talet Den engelske arkeologen A. Evans grävde fram ruinerna av palatset i Knossos ungefär. Kreta, som han kallade "Minos palats". Mitten av det enorma komplexet, med en yta på över 8 000 m 2 , var en stor rektangulär gård; runt den, i nivå med flera våningar, fanns det ceremoniella salar, helgedomar, lagerhus, förbundna med långa slingrande korridorer och trappor. De nedre rummen var nedhuggna i bergets tjocklek, de övre tornade sig ovanför kullen. Den östra delen av palatset öppnade sig mot det omgivande landskapet med kolumnerade gallerier. I den västra delen, där det tydligen fanns en huvudentré, skyddades lokalerna av kraftiga murar. Den komplexa utformningen av palatset, överflödet av invecklade passager, plötsliga nedstigningar och svängar påminde senare grekerna om den som byggdes av den mytiske arkitekten och skulptören Daedalus labyrint, i fängelsehålan som Minotaurus bodde. Det fanns inga fönster. Korridorerna var beckmörka. Bara ibland runt hörnet på platserna för den så kallade. lätta brunnar lyste med en bländande ljuspelare som strömmade ner ovanifrån; härtill gjordes fyrkantiga öppningar i platta tak, som motsvarade samma öppningar i de underliggande våningarna. Trappor lindade runt den öppna öppningen, prydda med ljust rödbelagt trä kolumner, avsmalnande nedåt, vilket liknade dem vid stalaktiter som hängde från grottornas valv.

arkaisk konst. Skapande av ett ordersystem.

Utvecklingen av det grekiska templet gick från enkla till komplexa former, från trä till sten. Gradvis dök en peripter omgiven av kolumner upp. Ingången var vanligtvis från öster. Huvudrummet - naos, eller cella - låg bakom tröskeln - pronaos. Bakom cellan - i adyton eller opisthodom - förvarades gåvor.

På 700-talet f.Kr e. arkitektoniska ordningar uppstod, där inte bara byggnadens tekniska kvaliteter kom till uttryck utan även de konstnärliga. I en byggnad byggd i beställningssystemet finns två motsatta

Grekiska arkitekter var medvetna om att förhållandet mellan storlekarna på pelare, balkar, arkitraven och frisen inte bara spelar en konstruktiv roll. Genom att ändra sina proportioner varierade hantverkarna samspelet mellan bärande och bärande krafter, vilket gjorde byggnadens arkitektur ett eller annat konstnärligt intryck på en person.

under den arkaiska eran är det huvudsakliga materialet för byggare sten - först kalksten, sedan marmor. Byggnader blir inte bara mer hållbara än träbyggnader utan ser också pampigare ut. Det är anmärkningsvärt att, trots den omfattande förändringen av material, förblir utseendet på ordningen - kolumner och entablaturer - detsamma, som i träarkitektur. Ibland blir element som var konstruktiva (fris) till dekorativa. Mästare älskar att dekorera templens tak med akroterier och antefix. Detta är en tid med särskilt omfattande produktion av först bild- och sedan reliefmetoper, flerfigurskompositioner på friser, komplexa plotgrupper på frontoner. För detta används terrakotta, kalksten, marmor.

Statyerna av det doriska templet Artemis på ön Korfu har klarat tidens tand bättre än andra. Dess reliefer visar flera teman. I mitten är Gorgon Medusa besegrad av Perseus ( sjuk. femton). Till höger - Olympians kamp med jättarna, till vänster - ett avsnitt från det trojanska kriget. Scener av olika tomter förenas av idén om en kamp som har uppslukat alla sfärer i världen.

Rund skulptur och gravstenar

Huvudtemat i grekernas konst är först och främst en man, representerad i form av en gud, en hjälte, en idrottare. Redan i början av det arkaiska sker ett kortvarigt utbrott av gigantism i personskildringen i slutet av 700-talet f.Kr. e. på Phazos, Naxos, Delos. I det arkaiska skulpturmonumentet växer plasticiteten och ersätter schematismen som är inneboende i geometrins bilder. Detta särdrag förekommer i bronsfiguren av Apollo från Thebe, där rundheten på axlarna, höfterna och hårets återhållna utsmyckning är märkbar. Efter torrheten och styvheten hos formerna av geometriska figurer i de tidiga arkaiska monumenten växer friskheten i uppfattningen av bilden, även om ibland mästarna är naiva när det gäller att lösa detaljerna ( sjuk. 20). Märkliga monument från 700-talet f.Kr. e. det fanns så kallade xoanoner - bilder av gudar utförda i ett träd, vars sällsynta kopior nyligen hittades i de grekiska städerna på Sicilien ( sjuk. 21).

Målning och vasmålning

Konstnärer från 700- och 600-talen f.Kr. e. använt olika material. De skapade sina kompositioner på lermetoper ( sjuk. 35), träskivor (offerscen från Sicyon) ( sjuk. 36), små lertavlor tillägnade gudarna pinakah (Aten) ( sjuk. 34), på väggarna av målade lersarkofager (Klazomenae), på gravstenar av kalksten och marmor (Lysiastelen, Sounionstelen). Men det finns inte många sådana monument, där målningen applicerades på en plan yta, och teckningarna på vasernas sfäriska ytor, som brändes, vilket bidrog till färgens hållbarhet, överlevde bättre.

I slutet av 800-talet f.Kr. e. i det grekiska samhället bildades nya smaker och intressen. Förenklade, villkorade geometriska bilder upphörde att tillfredsställa; i teckningar på vaser, konstnärer från 700-talet f.Kr. e. började rikligt introducera växtmotiv och intrigscener. Närheten till Mindre Asiens öst uttrycktes i kompositionernas dekorativitet och briljans, vilket fick oss att kalla stilen för vasmålning från 700-talet f.Kr. e. orientaliserande eller matta. Konstigt perfekta fartyg tillverkades på Kreta, öarna Delos, Melos, Rhodos och i Mindre Asiens städer, särskilt Miletus. Ett stort centrum för tillverkning av vaser på 700- och 600-talet var staden Korint och på 600-talet - Aten.

På 700-talet blir formerna av vaser mer mångsidiga, men det finns en märkbar tendens till rundade konturer. En liknande ökning av rikedomen av volymer skedde inom skulptur och arkitektur. Tunna trästöd gav plats för fylliga stenpelare med entasis. Tekniken att rita ritningar på vaser från 700-talet blev mer komplicerad, konstnärens palett blev rikare. Förutom svart lack användes vit färg, lila i olika toner och repor för att ange detaljer.

Apollon med muserna och Artemis avbildade på det meliska kärlet visas inte lika schematiskt som i geometriska kompositioner. I målningarna av denna tid är mästarnas beundran för världens ljusa färger märkbar. Teckningarna är så dekorativa och mättade med ornament, som dåtidens homeriska psalmer med uttrycksfulla epitet. Det finns mindre maskulinitet i dem än i geometriska scener, men den lyriska principen är starkare. Naturen hos kompositionerna på denna tids vaser överensstämmer med Sapphos poesi.

I elegansen av mönster av palmetter, cirklar, rutor, meander, spiralrankor framträder doften av stiliserad natur, som passerar genom känslan av en dekoratör - en vasmålare. Utsmyckning, som är ett utmärkande drag för denna periods teckningar, genomsyrar de figurerade bilderna och absorberar dem, löser upp dem i de melodiska rytmerna av deras motiv. Konturerna av människor och djur är dekorativa, luckorna mellan figurer och föremål är mödosamt fyllda med mönster.

Målningen på ökärlen ligger som en brokig matta. Ytan på en saftig och pösig Rhodos-kanna - oinohoe är uppdelad i friser - ränder med djur som regelbundet sticker ut på dem ( sjuk. 37). På Rhodos avbildas vaser, djur, fåglar, betar eller lugnt gå efter varandra, ibland verkliga, men ofta fantastiska - sfinxer, sirener med vackra dynamiska linjer av elastiska konturer, är särskilt ofta avbildade.

Det finns mycket gemensamt i naturen hos sådana väggmålningar med lyxen av kläder som älskades på den tiden, ett överflöd av smycken, hänvisningar till vilka finns i dikterna från poeter från 700-talet:

"Hector med en skara vänner över det salta havet

Sällsynta monument av bildkonst från slutet av 700-talet är lermetoper av Apollontemplet i Ferma. På en av dem tolkade konstnären Perseus flykt som en snabb löpning och undvek tvång, men här använde han också många ornament, ramade in metopens gränser med rosetter och dekorerade hjältens tunika med dem.

Vasmålning med svart och röd figur. Handlingar och funktioner i kompositionen.

Vasmålning med svart figur

Från Wikipedia, den fria encyklopedin

Den aktuella versionen av sidan har ännu inte granskats av erfarna bidragsgivare och kan skilja sig väsentligt från versionen som granskades den 6 december 2013; verifiering kräver 1 redigering.

Avbildning av en tupp på en korintisk amfora med svart figur ca. 575-550 e.Kr före Kristus e. Louvren

Vasmålning med svart figur- en av de viktigaste stilarna för vasmålning tillsammans med vasmålning med röda figurer. Den antika grekiska vasmålningen med svarta figurers storhetstid infaller på 700- och 400-talen. före Kristus e.

ursprung[redigera | redigera källa]

Amfora. Potter Andokid. Vasmålaren Andokides. Krigare, på Hermes och Athenas sidor. OK. 530 f.Kr e. Louvren. Paris

De första vaserna i rödfigursstil dök upp omkring 530 f.Kr. e. Man tror att denna teknik uppfanns av vasmålaren Andokid. Inledningsvis målade Andocides och andra anhängare av den nya stilen (till exempel Psiax) vaser i två stilar samtidigt: på ena sidan av vasen gjordes bilden med svarta figurer och på den andra med röda. Sådana kärl (till exempel i utställningen av den statliga antiksamlingen i München) kallas tvåspråkiga. Jämfört med stilen med svarta figurer var detta redan ett stort steg framåt, men figurerna på dem såg ganska begränsade ut och handlingarna kombinerades sällan med varandra. På dessa vaser kan man fortfarande spåra tekniker som lånats från den gamla stilen, som att skära konturerna av bilder eller täcka betydande områden med röd färg.

Grekisk skulptur från den klassiska perioden. Polykleitos Diadumenus Den sårade Amazonas

Miron Discobolus Scopas maenad

Phidias Athena-krigare, Aten-Promachos, Praxiteles APHRODITE KINSKAYAHermes med barnet Dionysus Lysippus

Aten från 600-talet före Kristus e. blev en symbol för den grekiska kulturens högsta prestationer. Här strävade konstnärer, poeter, skulptörer. Poeten Pindar , som kom från Boeotien och alltid var fientligt inställd till Aten, skrev: "Briljant, krönt med violer, förhärligade det härliga Aten, stödet från Hellas, den gudomliga staden."

Och en av de skarptungade samtida uttalade: ”Om du inte har sett Aten, då är du en stubbe, om du såg och inte blev beundrad, då är du en åsna, och om du lämnade dem efter behag, då är du en kamel." Kamel var ett av antikens mest stötande smeknamn.

Konsten att högklassiker präglas helt av orden av Perikles, en strateg som stod i spetsen för Aten i femton år: "Vi älskar skönhet utan nyckfullhet och visdom utan effeminitet." Den vise Solon uttryckte det ännu kortare: "Inget överflödigt."

http://obsaatetradantichnost.blogspot.com/p/5-4.html

Greklands konst, 500–300-talen före Kristus e. Skapa en klassisk konststil.

målning på keramikskulptur

Periodisering av antik grekisk konst[redigera | redigera källa]

föregående period - Egeisk konst (kretensisk-mykensk konst)- XXX århundradet. FÖRE KRISTUS. - XII-talet. FÖRE KRISTUS.

Achaisk-minoisk konst

geometrisk period("Homeriska Grekland") - c.1050 f.Kr.-VIII-talet. FÖRE KRISTUS.

1. Protogeometri(Submykensk period) - c.1050 f.Kr. - c. 900 f.Kr

   geometri(blomstrande) - c.900 f.Kr. - c. 750 f.Kr

   Sen geometrisk period(Depylon) - c.750 f.Kr. - tidigt. 7:e århundradet FÖRE KRISTUS.

arkaisk period- VII-talet. BC - tidigt. 400-talet FÖRE KRISTUS.

1. Tidigt arkaiskt- tidigt 7:e århundradet FÖRE KRISTUS. - 570-talet FÖRE KRISTUS.

   mogen ålderdomlig- 570-talet FÖRE KRISTUS. - 525s FÖRE KRISTUS.

   senarkaisk- 525s FÖRE KRISTUS. - 490-talet FÖRE KRISTUS.

klassisk period- V c. BC - ser. 4:e århundradet FÖRE KRISTUS.

1. tidig klassiker("Strikt stil") - 1:a våningen. 400-talet FÖRE KRISTUS.

   högklassiker- 2: a våningen. 400-talet FÖRE KRISTUS.

   sen klassiker- IV-talet. FÖRE KRISTUS.

Hellenistisk period- ser. 4:e århundradet FÖRE KRISTUS. - Jag århundrade. FÖRE KRISTUS.

Akropolisbyggnader och deras skulpturala utsmyckning. Syntes av skulptur och arkitektur. PHIDIAS PARFERON

Inne i Parthenon fanns en enorm staty av Athena Parthenos (jungfru),

Phidias skapade också en enorm sittande staty av Zeus för Zeus tempel i Olympia med samma kryso-elefantteknik, som senare inkluderades i listan över världens sju underverk.

Två riktningar i utvecklingen av skulptur av den klassiska perioden i antikens Grekland (Scopas. Praxiteles).

Scopas. Slaget mellan grekerna med amasonerna. Fragment av frisen från Halikarnassos mausoleum, maenad (tillsammans med Dionysos)

Praxiteles Afrodite från Cnidus

Individualisering av bilden, psykologism (Lysippus) och idealisering av bilden (Leohar).

LISSIP: Vila Hermes

en cykel av skulpturer tillägnad Herkules bedrifter

skulptur av Kairos (guden för gynnsamma tillfällen)

Hercules och Telephos

Zeus koloss vid Tarentum

En krater på Merkurius är uppkallad efter Lysippos.

LEOHAR: Apollo Belvedere- Romersk marmorkopia av ett bronsoriginal av den antika grekiske skulptören Leochar (hovskulptören av Alexander den store, ca 330-320 f.Kr.)

Hellenismens konst - slutet av 400-1000-talet. före Kristus e. Generella egenskaper. Större verk

ALEXANDER DET MAKEDONISKA ROM

Hellenismens era präglades av önskan om monumentalitet. Enorma statyer skapas, ett typiskt exempel är Kolossen på Rhodos, figuren av guden Helios 32 meter hög. GJORT AV SHERRY av Lissips lärling

Pergamon skola. Mod förkroppsligas i skulpturgrupperna "The Dying Gaul", "The Gaul Killing Himself and His Wife". Enastående skulptur av hellenismen - Aphrodite de Milo arbete Agesandra - halvnaken, strikt och sublimt lugn.

Små figurer av människor från terrakotta

Etruskisk konst.

Etruskernas arkitektur var ganska utvecklad. De bäst bevarade murarna som omgav de etruskiska städerna och gravarna.

Mästerverken av mänskligt geni är reflektioner av djupa tendenser som förekommer i samhället. Egentligen kan författarna till oförgängliga verk, som människor med en speciell andlig konstitution, känslig natur, inte likgiltigt observera de interna processer som äger rum i samhället - och kasta ut ett känslomässigt eko i sina skapelser. Konst är bara en opartisk spegel av verkligheten, som speglar alla detaljer och fenomen med fantastisk skärpa. Historien om konstens utveckling speglar historien om mänsklighetens utveckling.

Utvecklingen av världskonsten, såväl som enskilda länder och nationaliteter, är, som ni vet, inte bara i en spiral, utan också sinusformad.

Nya trender inom konsten, dess lågkonjunkturer eller fall blir ett slags indikator på universella mänskliga framsteg eller regression under en given specifik tidsperiod.

I denna artikel behandlas problemen med konstens framväxt, de viktigaste teorierna och förhållningssätten till konstens ursprung analyseras och huvuddragen hos primitiv konst undersöks.

primitiv konst- konsten i det primitiva kommunalsystemets era. Den uppstod under senpaleolitikum (ca 30 tusen f.Kr.) och återspeglade primitiva jägares livsstil och synsätt (primitiva bostäder, grottbilder av djur fulla av liv och rörelse, kvinnliga figurer). Bönderna och pastoralisterna från neolitikum och eneolitikum hade kommunala bosättningar, megaliter, staplade byggnader, bilder började förmedla abstrakta begrepp, ornamentkonsten utvecklades. Under den yngre stenåldern, eneolitikum, bronsåldern utvecklade stammarna i Egypten, Indien, västra, centrala och mindre Asien, Kina, södra och sydöstra Europa en konst förknippad med jordbruksmytologi, ornamenterad keramik, skulptur). Nordliga skogsjägare och fiskare brukade ha hällristningar och realistiska figurer av djur. De pastorala stäppstammarna i Östeuropa och Asien vid övergången till brons- och järnåldern skapade djurstilen.

De senare stadierna av konstens ursprung är förknippade med nedbrytningen av det primitiva systemet. Ett kännetecken för primitiv kultur är för det första att den bildligt talat är skräddarsydd efter personens mått. Vid ursprunget till den materiella kulturen beordrades saker av människan och inte tvärtom. Naturligtvis var utbudet av saker begränsad, en person kunde direkt observera och känna dem, de fungerade som en fortsättning på hans egna organ, i en viss mening var de deras materiella kopior. Men i centrum av denna cirkel stod en man - deras skapare. Primitiv historia, liksom kultur, hade ett annat drag - primitiv kollektivism.

Det finns ingen allmänt accepterad förklaring till konstens ursprung. I den marxistiska läran förklaras konstens ursprung med arbetsaktivitet. G.V. Plechanov skrev vid detta tillfälle att konst är arbetets barn, inte leken.

Enligt andra synsätt hänger konst ihop med religion. Jaktens magi och fertilitetens magi återspeglades i primitiva konstnärers aktiviteter, där innebörden av en besvärjelse, snarare än nöje, fästes vid konstens bilder. Denna synpunkt bygger till stor del på det faktum att primitiva konstnärer gjorde bilder i grottornas gömda platser, i mörka kammare och korridorer, på ett avsevärt avstånd från ingången, där inte ens två personer kunde skingras. Detta förklaras av önskan att skapa en atmosfär av mystik runt väggbilderna, naturligt för magiska handlingar.

Det finns också en tradition att koppla ihop konstens ursprung med lekaktiviteter. Det har länge märkts att primitiva bilder gradvis blev mindre realistiska, mer konventionella. Men för ett spel är det just skapandet av en person i ett villkorat rum och tid av en ordning som bestäms av honom. En spelande person uttrycker sig i ett villkorligt oberoende, fritt tillstånd, i ett tillstånd av ointresse i förhållande till allt som inte har med spelet att göra. Frånvaron av ett yttre, främmande mål, när själva aktiviteten blir målet, gör konst och lek relaterad.

I boken "Konstens morgon" skriver akademikern A.P. Okladnikov skrev att primitiva konstnärer bara hade ett behov av ett materialiserat uttryck av inre upplevelser, känslor och idéer, kreativ fantasi.
Det är möjligt att de primitiva konstnärerna, som trängde in i grottornas dolda platser, inte gjorde detta för magi, utan för att undvika vittnen till deras verk, som från utsidan kunde verka tomma, obegripliga och på grund av detta kanske en skadlig ockupation. Vissa forskare förknippar inte bara konst, utan också hela den primitiva kulturen med spelet, de ser spelet i dess ursprung. Detta tillvägagångssätt är typiskt för filosofisk hermeneutik. G. Gadamer betraktade historia och kultur som ett slags spel i språkets element.

Ännu mer avslöjande i detta avseende är den holländska kulturhistorikern I. Heusinga (ibland stavat Huizinga) åsikter. I sin bok, The Playing Man. Ett försök att definiera spelelementet i kulturen" (1938), universaliserade han konceptet med spelet, till vilket han reducerade all mångfald av mänsklig aktivitet och ansåg det som huvudkällan och högsta manifestationen av mänsklig kultur. Ju närmare en kultur är arketyper, d.v.s. ju mer primitivt det är, desto mer lekfullt är det; men på väg bort från sitt ursprung, precis som en person flyttar från sin barndom, förlorar kulturen sin lekfulla princip.
Naturligtvis är varje teori där konstens ursprung, såväl som kultur, reduceras till arbete eller lek, till magi, inte obestridlig. Naturligtvis är skapandet av alla kulturella värden arbete. Men fungerar inte lek? Vad kan vara mer allvarligt för ett barn än en lek? Men en helt vuxen människas arbete, när det i sig ger honom glädje och tillfredsställelse, skiljer sig inte mycket från spelet. Slutligen, har inte kultur och konst en magisk effekt, inspirerar oss med tankar och känslor eller väcker begär som vi helt enkelt inte hade haft utan dem?

I frågan om konstens ursprung är det viktigt att förstå inte så mycket orsaken som de mål som den primitiva konstnären eftersträvade när han skapade bilder. Det är klart att de kunde vara olika, att själva bilderna senare användes för olika ändamål. Men om konstnären, som A.P. Okladnikov, tillfredsställde sitt behov av ett materialiserat uttryck av inre upplevelser som var idealiska för honom, bilden av idealet fungerade som målet för hans arbete. Om kulturen som helhet kännetecknas av en ständig diskrepans mellan mål och ideal, så inträffade i kulturens inledande skede denna slump ändå på grund av den synkretiska karaktären hos primitiv kulturell aktivitet.

2. TEORIER OM KONSTENS URSPRUNG

Ingen kan nu exakt bestämma tiden för konstens uppkomst. Men många bevis tyder på att konsten föddes under tiden då Homo sapiens uppträdde. Problemet med konstens framväxt är oupplösligt förknippat med människans problem. Liksom det finns flera teorier om människans ursprung, så finns det flera teorier om konstens ursprung.

Den store estetikern och konsthistorikern Micheles Panaotis skriver om sambandet mellan konst och det gudomliga. "Mellan människan och gudomen finns naturen, universum, som ger människan de enklaste bilderna som hon tänker på - solen, stjärnorna, vilda djur och träd - och stimulerar de enklaste men starka känslorna - rädsla, förvirring, frid. Bilder och intryck från omvärlden är till en början en integrerad del av den religiösa upplevelsen. Människan, mikrokosmos, motsätter sig inte bara makrokosmos, utan är förbunden med det genom det gudomliga. Dessutom saknar mänskliga intryck inte en estetisk karaktär, och bilderna av naturen, som matar den religiösa fantasin, förser mästaren med modeller och inspirerar konstnären att uttrycka sig genom dessa modeller. Med hjälp av konst och hantverk (som till en början inte var åtskilda) imiterar och symboliserar den primitiva människan inte bara elementen, utan erövrar dem också, eftersom hon redan designar och skapar. Han dominerar inte bara ett vilt djurs ande, avbildar honom på grottans väggar; han bygger skyddade bostäder, lagrar vatten i kärl, uppfinner hjulet på nytt. Mikrokosmos, berikat av konst och hantverk, andliga och tekniska erövringar, möter djärvt makrokosmos.”

Den andra teorin om konstens framväxt - estetisk, återspeglas delvis i M. Panaotis tidigare argument. Sten- och grottmålningar är från 40-20 tusen år f.Kr. De första bilderna inkluderar profilbilder av djur i naturlig storlek. Senare dyker bilder på människor upp. Vid tiden för stamföreningarnas uppkomst skapades sånger och psalmer: sånger av markägare, framförda på fälten under jordbruksarbete och på helgdagar efter skörden, stridshymner från krigare - peans, sjungs före stridens början, bröllop hymner - hymenes, begravningsklager - orens. Samtidigt skapades legender om gudar och gudinnor, deras ingripanden i både enskildas och hela stammars angelägenheter. Verkliga historiska fakta var övervuxna med legendariska detaljer. Dessa berättelser och legender har sitt ursprung i en stam och sprids bland andra och går från generation till generation.

Sålunda samlades och överfördes kollektiva erfarenheter med hjälp av konsten. Primitiv konst var enad, inte uppdelad i separata typer och hade en kollektiv karaktär. I ett slavägande samhälle, med tillkomsten av en överprodukt av arbetsverksamhet, som gjorde det möjligt för människor att endast ägna sig åt konst. Det finns också en uppdelning av konst i typer.

Tillsammans med ovanstående teorier om konstens framväxt finns det en psykofysiologisk teori. Ur denna versions synvinkel var konsten nödvändig för mänskligheten för att kunna bevara sig själv och överleva (ur psykologins synvinkel) i denna komplexa värld. Filosofen och psykoanalytikern Erich Fromm skriver om människans behov av kreativitet. "I motsats till den passiva anpassningen som är inneboende i djuret, försöker människor att förändra världen. Och detta är omöjligt utan gravitation mot det bortomstående, utan sökandet efter idealet. Utan denna inre beredskap för det sublima, för den romantiska impulsen kan individen inte höja sig över livets vardagsprosa. Detta behov dikteras av närvaron av kreativa krafter i varje individ, bland vilka en speciell plats är upptagen av fantasi, emotionalitet. I kreativitetens handling förenar en person sig med världen, bryter gränserna för passiviteten i sin existens, går in i frihetens rike.

Konsten fick sina huvuddrag i antiken, men där började den inte omedelbart uppfattas som en speciell sorts verksamhet. Fram till Platon kallades "konst" förmågan att bygga hus, och navigeringsförmåga, och healing, och regering, och poesi, och filosofi och retorik. Först började denna process av isolering av den egentliga estetiska verksamheten, det vill säga konst i vår förståelse, i specifika hantverk och överfördes sedan till området för andlig aktivitet, där det estetiska inte heller först isolerades från det utilitaristiska, etiska och kognitiva .

3. PRIMÄR KONST: ALLMÄN BESKRIVNING

Primitiv eller på annat sätt kallad primitiv konst täcker geografiskt alla kontinenter utom Antarktis, och med tiden - hela eran av mänsklig existens, fortfarande bevarad bland vissa folk som bor i avlägsna hörn av planeten.

Omvandlingen av den primitiva människan till en ny typ av verksamhet för henne - konsten - är en av de största händelserna i mänsklighetens historia. Primitiv konst återspeglade människors första idéer om omvärlden, bidrog till bevarande och överföring av kunskap och färdigheter och fungerade som ett kommunikationsmedel. För den primitiva människan blev konsten samma universella redskap för den andliga kulturen som en slipad sten var i hans arbetsverksamhet.

Vad fick en person att tänka på bilden av vissa föremål? Hur vet du om kroppsmålning var det första steget mot att skapa bilder, eller om en person gissade den välbekanta siluetten av ett djur i en slumpmässig kontur av en sten och efter att ha klippt den gav den en större likhet? Eller kanske skuggan av ett djur eller en person fungerade som grund för teckningen, och avtrycket av en hand eller fot föregår skulpturen? Det finns inget definitivt svar på dessa frågor. Forntida människor kunde komma på idén att skildra föremål inte på ett, utan på många sätt.

Fram till nyligen hade forskare två motsatta åsikter om primitiv konsts historia. Vissa ansåg grottnaturalistisk målning och skulptur vara den äldsta, medan andra ansåg schematiska tecken och geometriska figurer. Nu menar de flesta forskare att båda formerna dök upp ungefär samtidigt. Till exempel, bland de äldsta bilderna på väggarna i paleolitiska grottor är avtryck av en mänsklig hand och slumpmässig sammanvävning av vågiga linjer, pressade in i våt lera med fingrarna på samma hand.

De första verken av primitiv konst skapades för cirka trettio tusen år sedan, i slutet av den paleolitiska eran eller den antika stenåldern. Stenåldern är den äldsta perioden i mänsklighetens historia (började för över 2 miljoner år sedan, fortsatte fram till 6:e årtusendet f.Kr.), då verktyg och vapen tillverkades av sten; uppdelad i paleolitikum, mesolitikum och neolitikum.

De äldsta skulpturbilderna idag är de så kallade "Paleolithic Venuses" - primitiva kvinnofigurer. De är fortfarande väldigt långt ifrån en verklig likhet med människokroppen. Alla av dem har några gemensamma drag: förstorade höfter, mage och bröst, brist på fötter. Primitiva skulptörer var inte ens intresserade av ansiktsdrag. Deras uppgift var inte att reproducera en specifik natur, utan att skapa en viss generaliserad bild av en kvinna-mamma, en symbol för fertilitet och härdens vårdare. Manliga bilder under den paleolitiska eran är mycket sällsynta. Förutom kvinnor avbildades djur: hästar, getter, renar etc. Nästan all paleolitisk skulptur var gjord av sten och ben.

I historien om grottmålning från den paleolitiska eran urskiljer experter flera perioder. I antiken (ungefär från det 20:e årtusendet f.Kr.) fyllde primitiva konstnärer ytan innanför ritningens kontur med svart eller röd färg.

Senare (ungefär från det 18:e till det 15:e årtusendet f.Kr.) började primitiva mästare ägna mer uppmärksamhet åt detaljer: de avbildade ull med sneda parallella drag, lärde sig att använda ytterligare färger (olika nyanser av gul och röd färg) för att måla fläckar på skinn av tjurar, hästar, bison. Konturlinjen förändrades också: den blev antingen ljusare eller mörkare, vilket markerade de ljusa och skuggiga delarna av figuren, hudveck och massor av ull (till exempel hästmanar, massiv buffelnack), vilket förmedlar volym. I vissa fall betonades konturerna eller de mest uttrycksfulla detaljerna av antika konstnärer med en snidad linje.

Under XII årtusendet f.Kr. e. grottkonsten nådde sin höjdpunkt. Dåtidens målning förmedlade volym, perspektiv, färg och proportioner av figurer, rörelse. Samtidigt skapades enorma pittoreska "dukar" som täckte valven i djupa grottor.

År 1868, i Spanien, i provinsen Santander, upptäcktes Altamira-grottan, vars ingång tidigare hade täckts av ett jordskred. Nästan tio år senare upptäckte den spanske arkeologen Marcelino Sautuola, som grävde i denna grotta, primitiva bilder på dess väggar och tak. Altamira var den första av många dussintals liknande grottor som senare hittades i Frankrike och Spanien: La Moute, La Madeleine, Trois Frere, Font de Gome och andra. Nu, tack vare riktade sökningar, finns ett hundratal grottor med bilder av primitiv tid. bara känd i Frankrike.

En enastående upptäckt gjordes helt av en slump i september 1940. Lascaux-grottan i Frankrike, som blev ännu mer känd än Altamira, upptäcktes av fyra pojkar som lekande klättrade ner i ett hål som öppnade sig under rötterna på ett träd som hade fallit efter en storm. Målningen av grottan i Lascaux - bilder av tjurar, vilda hästar, renar, bison, baggar, björnar etc. - är det mest perfekta konstverket från det som skapades av människan under den paleolitiska eran. Bilderna av hästar är mest spektakulära, till exempel små mörka underdimensionerade stäpphästar som liknar ponnyer. Av intresse är också den tydliga tredimensionella figuren av en ko som ligger ovanför dem och förbereder sig för att hoppa över ett staket eller en gropfälla. Denna grotta har nu förvandlats till ett förstklassigt museum.

Därefter tappade bilderna som helhet sin livlighet, volym; stilisering (generalisering och schematisering av objekt) intensifierades. Under den sista perioden saknas realistiska bilder helt. Paleolitisk målning återvände så att säga där den började: på grottornas väggar uppträdde kaotisk sammanvävning av linjer, rader av prickar, oklara schematiska tecken.

Under mesolitikum, eller medelstenåldern (XII-VIII årtusende f.Kr.), förändrades klimatförhållandena på planeten. Några av de jagade djuren har försvunnit; de ersattes av andra. Fisket började utvecklas. Människor skapade nya typer av verktyg, vapen (bågar och pilar), tämjde hunden. Alla dessa förändringar hade naturligtvis en inverkan på den primitiva människans medvetande, vilket återspeglades i konsten.

Detta bevisas till exempel av hällmålningar i de kustnära bergsregionerna i östra Spanien, mellan städerna Barcelona och Valencia. Tidigare var fokus för den antika konstnären djuren han jagade, nu - figurerna av människor avbildade i snabb rörelse. Om paleolitiska grottmålningar representerade separata, icke-relaterade figurer, började mesolitisk klippkonst att domineras av flerfigurskompositioner och scener som livfullt återger olika episoder från den tidens jägares liv. Förutom olika nyanser av röd färg användes svart och ibland vitt, och sådana beständiga föreningar som äggvita, blod och möjligen honung fungerade som bindemedel.

Centralt för hällkonsten var jaktscener, där jägare och djur kopplas samman i en kraftfullt utspelande handling. Jägare följer spåret eller jagar bytet, kastar pilar på det på flykten, utdelar det sista dödsslaget eller flyr från ett argt sårat djur. Samtidigt dök bilder av dramatiska episoder av militära sammandrabbningar mellan stammar upp. I vissa fall talar vi tydligen till och med om avrättning: i förgrunden är figuren av en liggande man genomborrad av pilar, i det andra är en nära rad bågskyttar som höjde sina bågar. Bilder av kvinnor är sällsynta: de är vanligtvis statiska och livlösa. Stora målningar ersattes av små. Men omfattningen av kompositionerna och antalet karaktärer är slående: ibland finns det hundratals bilder av människor och djur. Människofigurer är mycket villkorade, de är snarare symboler som endast tjänar till att skildra massscener. Konstnären befriade figurerna från allt, ur hans synvinkel, av sekundär betydelse, vilket skulle störa överföringen och uppfattningen av komplexa poser, rörelse, själva kärnan i vad som händer. Människan för honom är en förkroppsligad handling.

Smältningen av glaciärer under den neolitiska eller nya stenåldern (5000-3000 f.Kr.) satte igång folk som började befolka nya utrymmen. Intensifierad kamp mellan stammar för innehavet av de mest gynnsamma jaktmarkerna, för beslagtagandet av nya landområden. Under den neolitiska eran hotades människan av de värsta farorna - en annan man! Nya bosättningar uppstod på öarna i flodernas krökar, på små kullar, d.v.s. på platser skyddade från plötslig attack.

Stenkonsten i den neolitiska eran blir mer och mer schematisk och villkorlig: bilder påminner bara lite om en person eller ett djur. Detta fenomen är typiskt för olika delar av världen. Dessa är till exempel hällmålningar av rådjur, björnar, valar, sälar som finns i Norge, som når åtta meter långa. Förutom schematism kännetecknas de av slarvigt utförande. Tillsammans med stiliserade figurer finns olika geometriska figurer (cirklar, rektanglar, romber, spiraler etc.), bilder av vapen (yxor, dolkar) och fordon (båtar, skepp). Reproduktion av vilda djur bleknar i bakgrunden.

Primitiv konst spelade en viktig roll i den antika mänsklighetens historia och kultur. Efter att ha lärt sig hur man skapar bilder (skulpturala, grafiska, bildliga), har en person fått lite makt över tiden. Han lade liksom grunden till en ny form av vara – en konstform – vars utveckling kan spåras i konsthistorien.

Om vi ​​går från religion till konst beror det inte på att båda dessa områden av andlig kultur var direkt kopplade till sitt ursprung eller innehåll. Inom det förflutnas vetenskap finns det emellertid en mycket utbredd "teori" som härleder konstens uppkomst från religiösa former, i synnerhet från magi och totemism.

Frågan om konstens ursprung i dess olika former, liksom kärnan i dess första manifestationer, är inte utan komplexitet. Den tidigare nämnda "teorin" bör dock resolut förkastas. Det räcker med att påminna om att, som vi vet från arkeologisk forskning, både religion och konst, i synnerhet de sköna konsterna, uppträder samtidigt under den Aurignac-Solutreiska perioden, eller på scenen. Att avvisa konst från religion innebär att anta att den senare existerar, och därför räkna religionen till de tidigaste stadierna av mänsklig existens, och i en så väl utvecklad form att den kan orsaka en ny komplex manifestation av sig själv i nästa skede . Det är inte nödvändigt att uttrycka att religionen kan påverka konsten, utan det beror bara på att i allmänhet alla former av ideologi är i nära kontakt och påverkar varandra, och religionen i större utsträckning, med extrem aktivitet, söker uttryck för själv och utövar inflytande som på andra former, ideologi, tränger in i språk, tänkande, vetenskap etc. och i sociala relationer.

Ritning på stenen. Aurignacian kultur.

En annan teori, och det är värt att nämna, härleder konst från en känsla av skönhet och esteticism, så att säga, organiskt inneboende i människan. Faktum är att hos en person utvecklas en känsla av estetik under hela hans andliga utveckling, på grundval av uppfattningen om perfektion, harmoni och skönhet som är inneboende i naturen först i det ögonblick då en person börjar reproducera sådana naturliga egenskaper i hans verk. eget arbete och i alla möjliga former av personliga uttryck, känslor och egna tankar, det vill säga i olika former av konst som redan har uppstått. Därför kan estetiken inte vara en källa till konst, och konsten, liksom naturen, utvecklar en estetisk känsla hos en person självständigt.

I allmänhet är det inte på något sätt nödvändigt att härleda konst från något annat ideologiskt fenomen, att göra den till en överbyggnad på en överbyggnad. Konsten har en gemensam källa med alla ideologiska företeelser.

En sådan vanlig källa till primitiv konst i alla dess yttringar är arbete och all arbetsaktivitet hos en person från antiken. Med utvecklingen av människan och det mänskliga samhället, med ideologins komplikation, blir denna initiala konstkälla naturligtvis mer och mer förmedlad av nytillkomna aktiviteter och mänskliga relationer. Den primitiva konsten i alla dess olika former är i huvudsak och innehåll inget annat än en uttrycksform som kommer i kontakt med det mänskliga arbetets verksamhet, hennes känslor, uppfattningar, sinnesstämningar och tankar. Denna konst är inte på något sätt ett självändamål, konst för konstens skull, utan uppstår i samhället ur en människas behov av kommunikation, viljan att förmedla sina tankar och känslor.

Konstens ursprungliga innehåll, dess intrig och motiv bestäms i sin tur helt av en persons arbete i ett team. Med social utveckling och dess relationer ansluter de sig här i all sin mångfald och i all komplexitet av uppfattningar, känslor, tankar etc., förknippade med personliga erfarenheter och sociala relationer hos en person.

Av naturliga skäl bevarade arkeologiska monument direkt avtryck av uteslutande skön konst från olika typer av konst.

Monument från den tidiga paleolitikum (Chelle, Ashel, Mouster) avslöjar inga tecken på förekomsten av konst. Men samtidigt, tillsammans med uppgången i utvecklingen av det primitiva samhället, som representeras av den Aurignac-Solutreanska scenen, uppträder här alla typer av konst på en gång. Vi har här en ritning som innehåller en konturbild av en mycket primitiv nivå, genom att hugga eller hugga på en sten, horn eller ben. Samma primitivitet i måleriet, begränsad på samma sätt till en konturbergbild, i svart eller röd färg, applicerad, med all sannolikhet, med ett finger. Någon sorts djur - en häst, ett rådjur, en noshörning, ett lejon - fungerar främst som en tomt. Vanligtvis ges bara huvudet, sällan hela figuren. Strikt realistisk stil, vilket i synnerhet gäller teckningen.

Ritning på grottväggen. Aurignac-Solutrean kultur.

Villkorsbilder av Aurignac-Solutrean-tiden representerar en serie prickar eller linjer. Skulpturen av en rund form representeras mestadels av kvinnliga figurer snidade från mjuk sten, kalksten, märgel, mer sällan från mammutben. Stöter sällan på manliga figurer och enstaka figurer av djur. Kvinnliga figurer är gjorda på ett realistiskt sätt, men ibland är bålen långsträckt och sexuella egenskaper betonas avsevärt. Ansiktet saknas och händerna är villkorade. Ibland ges statyetten i sittande ställning. Vanligtvis är höjden på dessa skulpturer fem till tio centimeter, ibland mer än femton. Ett fint exempel på sådana figurer, som hittades i Willendorf, Österrike, fick smeknamnet "Venus of Willendorf". Stora reliefbilder av en kvinna på klipporna har en liknande karaktär.

"Willendorf Venus"

Efter dessa första, redan ganska självsäkra steg, presenterar Madeleinekulturen en bild av en vacker blomning inom bildkonsten. Visserligen är skulptur mycket mindre vanlig här, och kvinnliga figurer försvinner nästan helt; endast bilder av huvudet på ett djur kommer över. Men teckningen når en verkligt anmärkningsvärd perfektion för sin tid. Det finns förstås också mindre lyckade saker. Och här, i de flesta fall, blir stora djur tomten - huvudobjektet för jakten på den tiden: en bison, en häst, ett rådjur, ibland - en mammut, en noshörning, rovdjur, ännu mindre ofta. Och här är bilderna av djur enstaka, kompositionerna är mycket få, ibland ges en grupp djur genom att upprepa en detalj, till exempel avbildas en flock rådjur som en serie grenade horn. Det finns bilder på fisk, lax, gädda, karp, färna, etc., ibland - fåglar. Bilder av en person är ganska sällsynta, och dessa teckningar är alltid mindre realistiska och mindre framgångsrika. Bilder av växter är lika sällsynta. En speciell plats i Madeleine-teckningen är bakom bilder som föreställer hälften-människor, hälften-djur.

Betydligt högre i jämförelse med den Aurignac-Solutreanska konsten är målningen av Madeleine. Detta är vanligtvis en kontur huggen precis på berget, målad med färger, vit, röd, gul och svart, med rött närvarande i en större volym. Dessa färger, som studier har visat, är mineraliska, blandade med fett eller benmärg. På Madeleine-platserna finns färger, uppenbarligen förberedda för framtida bruk, ofta i krossad och blandad form, till och med en benflaska där rödockrapulver bevarats. Ämnet för Madeleines målning är nästan uteslutande stora växtätare, särskilt bison och rådjur, sällan rovdjur. Dimensionerna på bilderna är oftast mycket stora och når upp till 2,5 m. Att döma av att Madeleinebilderna huvudsakligen finns i djupa grottor måste man tro att arbetet utfördes under artificiell belysning med de där feta lamporna som finns på platserna för denna kultur. Det finns grottor, som är hela samlingar av paleolitiska målningar. Madeleines målning och teckning sticker ut för sin stora realism, de avslöjar ofta en enastående kunskap om naturen. Madeleine-teckningen är för det mesta kontur och endast ibland täckt av kläckning, perfekt uttrycksfull. I motsats till orörligheten hos Aurignac-Solutrean-bilderna är naturen i Madeleine-teckningen fylld av rörelse, olika poser förmedlas perfekt, särskilt framgångsrikt - huvudvändningen.

Relief på en stenplatta. Aurignacian kultur.

Madeleine-teckningen saknar inte perspektiv. Målning förmedlar volym väl, medan plasticitet uppnås genom fördelning av ljusa och mörka toner; ibland ges en färgstark bakgrund. I stället för den ofullständiga naturskildringen i det föregående skiftet på Madeleine ger både teckning och målning djuret oftare en helfigur. Slutligen står den villkorliga teckningen mycket högre i Madeleine. Vi möter här antingen en stiliserad bild av ett djur, eller ett fritt prydnadsmotiv applicerat på något verktyg. På ett antal prover av ritningen av denna por kan en övergång från en bild med tecken på realism till en stilisering med en prydnad spåras.

Ritning på stenen. Madeleine.

Man ska naturligtvis inte överdriva den paleolitiska konstens konstnärliga förtjänster. Dess kulturhistoriska betydelse ligger i alla fall i att vi har framför oss de första exemplen på mänsklig kreativitet i bildlig riktning.

Verk av Aurignac-Solutrean och Madeleine konst kan hittas varhelst vi hittar monument från dessa kulturer. Enastående monument av paleolitisk målning är grottor: Font-de-Gaume i Frankrike och Altamira i Spanien. Fina exempel på skulptur gavs av monument som hittades på Rysslands territorium: Gagarino, Kostenki, Malta, etc.

En speciell plats i handlingen och sättet bakom teckningen, den så kallade Capsian-kulturen (från namnet på oasen och staden Gafsa - Roman Capsa - i Tunisien). Denna kultur, som har överensstämmelse med europeiska kulturer från övre paleolitikum och tidigneolitikum, är vanlig i sydöstra Spanien, dels i Italien, Nordafrika, Mindre Asien och dels i Kaukasus. Bilderna här är huvudsakligen silhuetterade - från svarta och röda färger - ritade på klipporna, men inte i grottor, utan på öppna platser. Storleken är vanligtvis liten.

Ritningar på väggarna i grottan. Madeleine.

Den största bedriften av Capsian konst är övergången till komposition, ibland ganska komplex, förutom bilder av enskilda figurer. Det här är vardagliga målningar, jaktscener, episoder av krig. Capsian teckning är extremt uttrycksfull, bilden är i grunden realistisk, men viljan att förmedla rörelse leder till extrem konventionalitet.

Bison med pilar. Ritning på klippan. Madeleine.

Å andra sidan är den tidiga neolitiska konsten i Europa mycket dålig. Det måste erkännas att efter den underbara, verkligt lysande uppgången av de sköna konsterna under senpaleolitikum, finns det en tydlig nedgång. Som ett resultat är nästan de enda exemplen på Azils konst målade småstenar, på vilka villkorliga ritningar eller tecken appliceras med röd ockra, vilket inte kan tolkas på ett acceptabelt sätt.

De sköna konsterna i de kommande stadierna av yngre stenåldern utvecklas i en ny riktning. Det finns underbara exempel på rund skulptur gjord av trä, ben och sten. Vissa hällristningar ger bilder av djur och människor, realistiska eller betingade. I allmänhet följer neolitisk konst den dekorativa linjen, och ger här å andra sidan ett överflöd av olika former. I denna era manifesteras önskan att dekorera alla de saker som omger en person som tjänar honom, upp till de mest vanliga och opretentiösa föremålen som används varje dag, särskilt lerrätter, i stor utsträckning i denna era. En sådan prydnad bildar en prydnad (latin ornamentum - "dekoration"), från dess enklaste former - urkärnade, kam eller primitiva geometriska, till mycket komplexa och mycket konstnärliga, med olika motiv och tomter, olika färger. Kläder, husgeråd och vapen är också täckta med olika, ibland mycket rika prydnadsföremål. Skulptur och relief har en dekorativ karaktär i den neolitiska eran. Menhirs, i form av mänskliga bilder, ger början till en staty. En speciell form av menhirer är "stenstatyer" - massiva, vanligtvis upp till 2 m höga och mer, statyer med ett primitivt skulpterat ansikte och en ännu mer primitivt kontur överkropp. Dessa statyer var utbredda på det tidigare Sovjetunionens territorium, på ett stort område av dess europeiska och asiatiska delar, särskilt i den södra delen av Europa.

Om vi ​​nu vänder oss till etnografiskt material, så mötas vi här till största delen av en dekorativ riktning, som ger ganska många olika former och ofta når en betydande konstnärlig höjd. När det gäller teckning och målning, även om inte få folk uppvisar anmärkningsvärda förmågor i denna riktning, med ett undantag, finner vi fortfarande ingenting som är lika med eller ens liknar Madeleine och Capsas konst. Undantaget från detta är de underbara konturteckningarna och målningarna av Bushmen. Vi ser här klipp- och grottmålningar, vars handling är djur, fåglar, människor, både ensamma och i grupp. Naturen ges i profil, mest i rörelse. Kompositioner är inte ovanliga - jaktscener, religiösa ceremonier, militära episoder. Både i Madeleine och här finns människobilder med huvudet av ett djur.

Jaktscener. Teckningar på berget. Capsian kultur. östra Spanien.

Bushman-målningen skiljer sig från Madeleine genom att konturerna i den ofta är godtyckligt målade på ytan, i två eller tre färger, röd, svart, gul eller vit. Bushmen använde penslar och en stenpalett för att färga. Bilder kännetecknas av anmärkningsvärd realism, noggrannhet, utmärkta proportioner och uttryck. Även här är förstås inte allt sig likt på ett konstnärligt plan.

Skulptur, rund och i relief, är utbredd bland massan av stammar och nationaliteter. För det mesta har den nära band med religion och kult, för det mesta ganska primitiv. Men även här möts vi av verk – både realistiska och rent stiliserade eller fantastiska – för all sin originalitet, för all sin "exotism", utmärkande i smak och konstnärlig perfektion. Sådan är särskilt den runda träskulpturen av negrerna i Västafrika och melanesierna, och den dekorativa reliefen av polynesierna och indianerna i nordvästra Nordamerika, hyderna, tlingiterna och andra.

Masker blir ett speciellt område för manifestation av konst. Ursprunget till maskerna hör tydligen till ett mycket arkaiskt förflutet: de är redan kända för mycket efterblivna stammar. Samtidigt har masken olika ursprung: både förklädnad som ett djur som en jaktmetod och en av formerna av totemiska procedurer, och ett sätt att skrämma fienden. Maskerna från många stammar och nationaliteter är ofta underbara verk av skulptur och målning, och med den groteska närvarande är de utan överdrift enastående exempel på konst.

Arkeologiskt och etnografiskt material, som täcker de tidiga manifestationerna av konst, lämnar många luckor, vilket väcker ett antal allvarliga frågor. Det måste uppriktigt sägas att både materialets ofullständighet och bristen på kunskap om sådana frågor tvingar många av dem att lämnas öppna. Vi kommer bara ännu en gång att återkomma till frågan om sambandet mellan primitiv konst och religion. Vi vet redan att religionen också tränger in i konstens område. Därför finns det inget oväntat i det faktum att vissa primitiva konstverk bär religionens stämpel, och ibland är helt betingade av det. Religiöst inflytande yttrar sig särskilt i de senare stadierna i den utvecklande primitiva konsten, och närmare bestämt i skulptur och ornament. Det är dock omöjligt att överallt hitta denna konditionering av konst genom religion. Förresten, i paleolitisk målning finns det mycket sällan bilder av ett djur med pilar fastnade i det. Dessa bilder är ett favorit- och stereotypt argument för den religiösa konstteorin. De säger att vi har en magisk anordning här: med hjälp av en sådan bild hade konstnären i åtanke tillhandahållandet av sin egen framgångsrika jakt. Men det är knappast möjligt att ifrågasätta en annan tolkning av denna teckning, nämligen som en ganska realistisk bild av ett djur med pilar som föll in i den. Ett annat bevis ges lika ofta. Bilder av halvt djur, halvt människor, som finns i paleolitiska monument och i målningen av Bushmen, tolkas som bilder av trollkarlar. Men även här kan man se ganska realistiska bilder av en speciell jaktteknik förklädd till ett djur, en teknik som praktiseras allmänt av många stammar, inklusive samma bushmän.