He kutsuvat näyttelijöitä. Näyttelijät: halveksittavia narseja on aina ollut, ja nyt - "eliitti", helvetti. Tämän käsitteen alkuperä
Kuinka monta lehteä niille on omistettu, kuinka paljon laadukasta paperia on käytetty seuraavien tähtien tissien ja tähtien omituisten julkaisuun. Kuinka paljon hyvää, hyödyllistä kirjallisuutta tälle paperille voitaisiin julkaista, kuinka monta metsää säästää...
Ja minä ajattelin: mitä, tämä tekopyhä shobla oli aina "yhteiskunnan eliitti" ja "kerma"? Mitä ihmiset muinaisina aikoina myös "litisivät" mistä tahansa pillerin toiminnasta lavalta?
Ei, se ei ollut niin...
Primitiivisen yhteisöllisen järjestelmän olemassaolon aikakaudella jokaisella heimolla oli omat rituaalinsa: tanssit, pelit, pyhät toimet, erilaiset kohtaukset, jotka liittyvät yhteiskunnan elämän perushetkiin (rituaalit, jotka tähtäävät suhteisiin luonnonvoimiin ja esi-isien henget, vuodenaikojen vaihtelut ja satoa lisäävät toimet, metsästys ja rituaalit rikkaan saaliin houkuttelemiseksi). Yleensä niitä esittivät shamaanit, jotka usein järjestivät koko esityksen rituaalista. Shamaanit alkoivat käyttää pukuja ja naamioita antaakseen kuvalle ja toiminnalleen merkityksen, säilyttääkseen yksilöllisen taiteensa. Mutta päätehtävänä oli emotionaalinen vaikutus heimon jäseniin. Tämä jakoi ihmiset myöhemmin esiintyjiksi ja tarkkailijoiksi, voisi sanoa - toiminnan esittäjiksi - taiteilijoiksi ja katsojiksi, joissa esiintyjä oli yksitellen yleisön kanssa. Tätä voidaan kuvata teatterin syntymisen alkajaisiksi.
Lisäksi hahmotellaan kaksi tapaa kehittää teatteria yleensä ja näyttelemistä erityisesti. Ensimmäinen tapa voidaan jäljittää idän maiden esimerkissä, jossa teatteri ylläpitää vakaata yhteyttä uskontoon, ja näyttelemisen taito muodostuu uskonnolle luontaisten allegoristen ilmaisumenetelmien vaikutuksesta, esitykset lavastetaan pääasiassa uskonnollisista, mytologisista, eeppisista aiheista.
Toisessa tapauksessa tämä on antiikin Kreikka, jossa maalliset, sosiaaliset motiivit tulevat yhä selvemmin esiin dramaturgiassa ja teatteritaiteessa, mikä myötävaikuttaa teatterin eri muotojen ja näyttelemisen tekniikoiden joustavampaan kehittämiseen. Näyttämötaide juuri siinä muodossa, jossa olemme tottuneet näkemään sen, syntyi juuri antiikin Kreikassa. Täällä näyttelijän ammatti oli erittäin suosittu. Jokainen maineikas komentaja piti velvollisuutensa pitää mukanaan näyttelijöitä, jotka muun muassa opettivat hänelle puhetta. Hyvien näyttelijöiden nimet tunnettiin ympäri kaupunkia, eikä yleisöllä useinkaan ollut tarpeeksi paikkoja esityksiin. Itse näyttelijän taito hiottiin vuosien varrella, ja muinaisten kreikkalaisten taiteilijoiden oli vaikeampi pelata kuin aikalaisillamme. Teatterit olivat valtavia, ei mikrofoneja, näyttelijöiden piti kuulua ja nähdä kaikkialta teatterista, joten heidän kasvonsa peittyivät väistämättä suurilla naamioilla, jotka kuvasivat surua tragedioissa ja iloa komediassa.
Tunnetaan, ne tunnetaan, mutta vain lavalla. Kuka tunnistaa heidät ilman naamiota, ei cothurneissa eikä teatteriasuissa? Kaikki rakkaus näyttelijöitä kohtaan rajoittui kiviamfiteatteriin. Mikä on oikein - sinne ne kuuluvat.
Muinaisessa Roomassa näyttelijän ammatti oli vähemmän arvostettu. Vain ne, jotka saavuttivat loistavaa menestystä näyttelijätaidoissa, saivat kunniaa ja kunnioitusta. Aluksi antiikin Rooman näyttelijätaito kulki rinnakkain Kreikan kanssa, mutta keisarien aikakaudella teatteri alkoi syrjäytyä sirkuksella ja pantomiimilla, näyttelijätaide romahti.
No, mitä tapahtui myöhempinä aikoina?
Aikakautemme alussa tämä ammatti lakkasi olemasta suosittu, joten näyttelijät alkoivat katsoa gladiaattoritaisteluiksi. Tätä perinnettä tuki täysin keskiaikainen Eurooppa, jossa teatteriesityksiä pidettiin pitkään demonisina, kirkko vainosi häikäilemättömästi vaeltavia kansanryhmiä, vaikka monien vuosisatojen ajan kaikilla kuninkailla oli hovissa hörhöjä ja näyttelijöitä, jotka viihdyttävät jatkuvasti hallitsijaansa ja hänen isänsä. vieraita. Jotkut olivat julkisuudessa halveksittuja, kun taas toisilla oli ministerin tai kuninkaan neuvonantajan valtaa verrattavissa oleva valta.
Tässä! Juurikin valtuuksien alaiset narrit, ei itsenäinen "eliitti", johon tämän ammatin edustajat on nyt muutettu.
Ihmettelen, kuinka näyttelijöitä kohdeltiin Venäjällä viime aikoihin asti (1800-luvulla)?
Venäjällä keskiajalla näyttelijän ammatti (alunperin he olivat pelleitä) liittyi täysin vaaraan, koska inhottavasta esityksestä puhki saatettiin lyödä, rikkoa työkaluja, vapauttaa eläimet ja laittaa hänet vankilaan. .
Ja jos narri oli humalassa kuin sika ja jopa hyökkäsi jonkun kimppuun, niin he olisivat helposti voineet tehdä "pääkirveen". Ja älä oikeuta hänen käyttäytymistään hänen väitetyllä "lahjakkuudellaan"
Kiertueryhmien lisäksi siellä oli myös tuon ajan vaikutusvaltaisten omistamia kotiteattereita. Ja nämä henkilöt omistivat paitsi teatterin tilat, myös itse näyttelijät. Ja oli mahdotonta edes kuvitella, että jostakin kreivin tai prinssin näyttämöstä orja Dunyasta tulisi "maailman kuningatar", ja ylevät nuoret naiset ihailivat hänen muotokuviaan.
Asenteen muutos teatteriin ja näyttelemiseen eri suuntaan alkoi renessanssin tultua, mutta näyttelijät eivät voineet luottaa muiden kunnioitukseen pitkään aikaan. Tässä on yksi esimerkki. 1800-luvulla yksi kuuluisista venäläisistä yrittäjistä, Savva Mamontov, halusi Italiassa ollessaan oopperalaulajaksi, mutta hänet tuotiin väkisin kotiin isän kirouksen uhalla, ja lisäksi kaikki Venäjän liike-elämän piirit olivat äärimmäisen skandaaloituneita. mitä oli tapahtunut.
Ja milloin tämä bakkanaalia alkoi, kun näyttelijät tunnistettiin "kermaksi", "idoleiksi" jne., kun hullut massat alkoivat fanaatilla heistä?
1900-luvulla valistunut.
Näyttelijätyöstä tuli arvostettu ammatti vasta 1800-luvun lopulla ja 1900-luvun alussa, kun ohjaajateatteri ilmestyi, mikä puolestaan johti uusien näyttelijämenetelmien ja -koulutusten kehittämiseen ja toteuttamiseen. Nykyään se on yksi mielenkiintoisimmista ja ainutlaatuisimmista ammateista, koska ainoa työkalu näyttelijän työssä on hän itse. Hänestä tulee tekojalokivi ja instrumentti ohjaajan taitavissa käsissä sekä mestari ja ammatillisen toiminnan tuote. Huolimatta teatterin valtavista mahdollisuuksista ja taiteellisen ilmaisun moninaisuudesta, jokainen näyttelijä ottaa yhteyttä katsojaan silti yksin. Riippumatta siitä, kuinka kunnioitettava ja kuuluisa esityksen ohjaaja, taiteilija, säveltäjä on, lopputulos riippuu näyttelijän taidosta, koska hän on tuotantoryhmän ideoiden kerääjä ja johtaja.
Näyttelijöistä tulee yleisön ajatusten todellisia mestareita, jotka ilmentävät ja symboloivat teatteria. Lahjojaan ja kykyjään äänekkäästi julistaneet menestyneet näyttelijät nauttivat menestyksestä paitsi näyttämöllä, myös kaikentasoisten kaupunkieliittien keskuudessa, tulevat pysyviksi osallistujiksi julkiseen elämään, kunniakansalaisia ja ovat esimerkki aktiivisesta elämänasemasta. Yleisö ei jätä niitä huomiotta. Tällä hetkellä kuuluisia näyttelijöitä kutsutaan yhteiskunnan todelliseksi kermaksi ja maailman koristeeksi.
Tässä ovat idolisi ja maailman koristeet. Kuten? Mutta minä en. Humalassa paskiainen. Ei lahjakkuutta, ei ääntä, ei kykyä käyttäytyä. Ja sellaisia "tähtiä" on lavallamme paljon, eikä vain lavallamme
En vastusta näyttelijän ammattia sellaisenaan. Siellä on myös erittäin lahjakkaita näyttelijöitä, aivan loistavia. Kuitenkin vanha, lähes keskiaikainen asenne tähän käsityöhön on minua lähempänä. Tämä on narri, tekopyhä, jonka koko loiston täytyy loppua, kun teatteriesiripho sulkeutuu tai teksti "Elokuvan loppu" välähtää ruudulla. Heitä on mahdollista ja usein tarpeellista ihailla - mutta vain heidän työssään, roolissaan, esiintymistaidoissaan. Eli lavalla, elokuvateatterissa, konsertissa. Eikä todellakaan tehdä niistä epäjumalia jokapäiväisessä elämässä. Humaudu kuin peto, lyö miestä - vastaa kuin tavallinen ihminen, älä kuin "tähti". Kuinka tavalliset työntekijät, tavalliset sotilaat, tavalliset opettajat tai lääkärit reagoivat. Miksi kukaan ei ole fanaattinen työväestöä kohtaan, mutta kaikki ovat niin raahaamassa näyttelijöitä ja näyttelijöitä?
Tämä on vääristynyt käsitys tästä ammatista. Näyttelijä ei ole eliittiä, eikä sen pitäisi olla. Tämä on yksi modernin maailman ammateista, ja siinä se. Ei mitään muuta. He eivät ole jumalia tai puolijumalia, he vain työskentelevät tällä alueella.
Proscenium- näyttämön tila verhon ja auditorion välillä.
Leikkipaikkana prosceniumia käytetään laajalti ooppera- ja balettiesityksissä. Draamateattereissa proskenium toimii pääasetuspaikkana pienille kohtauksille suljetun esiripun edessä, joka sitoo näytelmän kohtaukset.
Jotkut ohjaajat nostavat päätoiminnan esille ja laajentavat näyttämöaluetta.
Näyttelijä- elävä yhteys tekijän tekstin, ohjaajan näyttämöohjeiden ja katsojan havainnon välillä. Tämä vaikea tehtävä on teatterin historiassa tehnyt näyttelijästä joko ihaillun ja mystifioidun henkilön tai yhteiskunnan halveksiman olennon, jolla on melkein vaistomainen pelko. Pitkän aikaa termi "näyttelijä" merkitsi näytelmän päähenkilöä; sitten - roolin esiintyjä, kohtauksen käsityöläinen, koomikko.
Länsimaisessa perinteessä näyttelijä ruumiillistaa hahmoa, imitoi häntä, edustaa hänen fyysistä läsnäoloaan näyttämöllä, ylläpitää aidosti "ruumiillista" yhteyttä yleisöön, jota kehotetaan tuntemaan välittömästi tuntuva lihallinen, sekä lyhytaikainen ja hänen ulkonäönsä käsittämätön puoli. Näyttelijän sanotaan usein olevan toisen olennon hallinnassa, mikä muuttaa hänet. Tästä johtuu romanttinen myytti näyttelijästä "Jumalalta", jolle ei ole eroa näyttämön ja elämän välillä.
Näyttelijä voi kuitenkin myös näyttää etäisyyden, joka erottaa hänet roolista. Tässä piilee vanha kiista "vilpittömän" näyttelijän kannattajien, joka kokee kaikki hahmonsa tunteet, ja näyttelijän välillä, joka pystyy alistamaan ja esittämään heidät.
Nettisivuillamme "Vieraskirja"-osiossa yleisöllä on ainutlaatuinen tilaisuus esittää kysymyksiä teatterin näyttelijöille. ON. Turgenev, opi heiltä kaikki ammatin hienovaraisuudet ja salaisuudet.
Väliaika- toimintojen välinen aika, jonka aikana peli keskeytyy ja yleisö voi poistua hallista. Tämä "tauko" tarkoittaa todellisen sosiaalisen ajan paluuta, illuusion tuhoamista, mahdollisuutta pohtia. Väliaika on tarpeen maiseman vaihtamiseksi, pitkän tauon, pimennyksen tai muutoksen aikana katsojan edessä.
Renessanssin hoviteatterissa väliajalla oli erityinen merkitys. Juuri tähän aikaan yleisö saattoi esitellä toisilleen tyylikkäitä wc-istuimia.
Väliaika on yleisön lepoa, mutta ei ollenkaan toimintaa. Oletetaan, että hahmot jatkavat elämäänsä esitysten välillä.
Väliaika on myös psykologinen välttämättömyys katsojalle, jonka huomiota on vaikea pitää keskeytyksettä yli kaksi tuntia. Lisäksi paluu todellisuuteen saa katsojan ajattelemaan näkemäänsä, arvioimaan teatterityötä, yleistämään ja systematisoimaan paljon vaikutelmia. Tämä on kriittisyyden heräämisen hetki. Ei ole yllättävää, että eeppinen dramaturgia myötävaikuttaa tällaisten taukojen lisääntymiseen esityksessä ja pakottaa yleisön "puuttumaan" illuusion tuhoutumishetkellä. Ja päinvastoin, hypnoottiseen vaikutukseen perustuvat ja tietyn rytmin alaiset esitykset kieltävät nykyään usein täysin tällaisen hengähdystauon.
Väliaika OGATissa. ON. Turgenev kestää yleensä 15 minuuttia. Tällä hetkellä yleisö voi vierailla toisessa kerroksessa sijaitsevassa teatteribuffetissa sekä Oryol Stagen historian museossa.
Rooli- näyttelijän roolityyppi, joka vastaa hänen ikänsä, ulkonäkönsä ja pelityylinsä. Erityisesti on koomisia, traagisia rooleja.
Suosionosoitukset - Katsojan suora tapaaminen esiintyjän kanssa fiktion ulkopuolella. Tarkassa mielessä aplodit (käsien taputus) on melko yleinen ilmiö. Ensinnäkin se todistaa katsojan niin sanotusta fyysisestä reaktiosta, joka pakotetun liikkumattomuuden jälkeen vapauttaa energiansa.
Suosionosoitukset suorittavat aina kontaktin tehtävän, mikä tarkoittaa: "Havaitsen ja arvioin sinut."
Tapa taputtaa näyttelijöitä juontaa juurensa antiikista. Tällaista toimintaa varten muinaiset kreikkalaiset keksivät jopa pienen viehättävän jumalan - Krotoksen.
1600-luvulla Tapa taputtaa käsiä oli yleinen kaikkialla Euroopassa. Joissakin kulttuureissa yleisö osoittaa hyväksyntänsä huutamalla ja vihelltämällä. I. S. Turgenevin mukaan nimetyn OGATin näyttelijät pyytävät katsojiaan tässä mielessä olemaan poikkeamatta venäläisistä perinteistä ja kohteliaisuuden laeista.
On kyseenalaista, voiko esityksen aikana taputtaa ja siten tuhota illuusion. Onhan aplodit osa vieraantuneisuutta, todellisuuden tunkeutumista taiteeseen.
Tällä hetkellä yleisö taputtaa mielellään näyttelijöille, heidän älykkyyksilleen, maisemille toiminnan alussa keskeyttäen esityksen kulun. Älyllisempi tai "avantgardistisempi" yleisö osoittaa innostuksensa vasta esiripun sulkeuduttua, jotta se ei rohkaise yksittäisiin näyttelijä- tai ohjaajalöytöihin, vaan kiittää kaikkia taiteilijoita heti esityksen jälkeen soittaen ohjaajalle ja sisustajalle. ja jopa kirjoittaja.
Tapahtuu, että aplodit "toimitetaan" ohjaamalla.
Teatteriyrittäjät maksoivat kaikkina aikoina ammattimaisen napsutuksen palveluista saadakseen yleisön ottamaan esityksen suotuisasti vastaan. Turgenevin teatterissa ei ole tällaista käytäntöä. Joten ole varma naapuriesi impulssien vilpittömyydestä kojuissa tai amfiteatterissa.
Mutta näyttelijöiden poistuminen ja poistuminen lavalta "ennen esirippua" voidaan lavastella: näyttelijät näyttävät jatkavan roolia tai näyttelevän koomista kohtausta herättääkseen yleisön naurua.
Älä unohda, että taiteilijat OGAT niitä. I.S. Turgenev, katsojan mielipide on erittäin tärkeä. Siksi aplodit heille on kallein palkinto!
kulissien takana- päälavan takana oleva tila. Kulissien takana on jatkoa päälavalle, jolla luodaan illuusio tilan suuresta syvyydestä ja se toimii varahuoneena maisemien asettamiseen. Furks tai pyörivä pyörivä ympyrä esiasennettujen koristeiden kanssa asetetaan kulissien taakse. Takalavan yläosassa on koristeelliset nostoputket ja valaistuslaitteet. Asennettujen koristeiden varastot on sijoitettu takalavan lattian alle.
Hyöty - esitys, joka on lavastettu yhden näyttelijän tai teatterityöntekijän kunniaksi osoituksena edunsaajan taidosta. Useimmiten se järjestetään erilaisten ikimuistoisten tapahtumien, taiteilijoiden vuosipäivien yhteydessä.
Turgenev-teatterin hyötyesitykset ovat aina erittäin lämpimiä ja anteliaita vanhojen ystävien tapaamisia, joiden joukossa erityinen kunniapaikka kuuluu yleisölle.
Sivutasku- huone dynaamiseen maiseman vaihtamiseen erityisten vierintätasojen avulla. Sivutaskut sijaitsevat lavan molemmilla puolilla. Niiden mitat mahdollistavat koko lavan pelialueen kattavan maiseman sopimisen täysin furkaan. Yleensä koristevarastot ovat sivutaskujen vieressä.
Rekvisiitta - erikoisvalmisteiset esineet (veistos, huonekalut, astiat, korut, aseet jne.), joita käytetään teatteriesityksissä oikeiden esineiden sijaan. Rekvisiitta on tunnettu halvuudestaan, kestävyydestään, ulkoisen muodon korostetusta ilmeisyydestään. Samaan aikaan rekvisiitta yleensä kieltäytyy toistamasta yksityiskohtia, jotka eivät näy katsojalle.
Rekvisiittavalmistus on laaja teatteritekniikan ala, johon kuuluu työskentely paperimassojen, pahvin, metallin, synteettisten materiaalien ja polymeerien, kankaiden, lakkojen, maalien, mastiksien jne. kanssa. Laaja rekvisiitta, joka vaatii erityisosaamista stukko-alalta , pahvi , viimeistely- ja lukkoseppätyöt, kankaiden maalaus, metallin takaa...
I. S. Turgenevin mukaan nimetyn akateemisen teatterin rekvisiitta yksinkertaisista materiaaleista arsenaalissaan tekevät todellisia ihmeitä. Joskus he jopa ylittävät taitojensa kuuluisan keijun, joka rakensi kurpitsasta vaunun yhtä kuuluisalle kummityttärelleen Zoloshkalle. Älä usko minua - katso itse. Muuten, lasten esitykset ovat aina erityisen kirkkaita.
ylin vaihe- osa näyttämölaatikkoa, joka sijaitsee näyttämöpeilin yläpuolella ja jota ylhäältä rajoittaa ritilä. Se on varustettu toimivilla gallerioilla ja käytävillä, ja siihen voidaan sijoittaa riippukoristeita, kattovalaisimia ja erilaisia näyttämomekanismeja.
Vaudeville - komedianäytelmä, jossa on parilauluja ja tansseja, sekä dramaattisen taiteen genre.
Tämä nimi syntyi 1600-luvulla kahden laululajin saastuttamana.
1400-luvun lopulla ilmestyi lauluja ns Val de Vire- kirjaimellisesti "Virskaya laakso" (Vir - joki Normandiassa). 1500-luvulla Pariisi kehittyi voix de ville("kaupungin äänet") - strofiset kappaleet, jotka sisältävät pääasiassa rakkautta.
1600-luvulla ilmestyi kaupunkikansan satiirisia lauluja, esitettiin yksinkertaisen instrumentaalisen säestyksen kanssa tai ilman. He saivat nimen vaudeville.
1600-luvun jälkipuoliskolla Ranskassa näitä lauluja alettiin sisällyttää pieniin teatteriesityksiin, jotka sitten tunnettiin myös nimellä "vaudevilles".
Meikki- taito antaa näyttelijälle roolin edellyttämä ulkonäkö.
Kosmeettista meikkiä on käytetty teatterissa 1500-luvulta lähtien. Yksi sen päätehtävistä on "luonnon parantaminen". Tämä tavallinen meikin käyttö on erityisen tervetullutta lavalla, sillä tässä taiteessa ei ole kyse niinkään hahmon saamisesta näyttämään vanhalta vaan nuoremmaksi.
Jotkut teatterimeikkausperinteet, esimerkiksi kiinalaisessa teatterissa, perustuvat puhtaasti symboliseen järjestelmään, jossa eri värejä sovitetaan yhteen sosiaalisten ominaisuuksien kanssa: valkoinen älymystölle, punainen turmeltumattomille sankareille, sininen ylpeille, hopea jumalille.
Lisäksi meikki on näyttelijälle eräänlainen asumisasu, joka kilpailee naamion kanssa kasvojen liikkuvuuden vuoksi. Grim käyttää teatteriesityksen määrittelevää monitulkintaisuutta: se on sekoitus luonnollisuutta ja keinotekoisuutta, esinettä ja merkkiä.
Luonnehdittamatta hahmoa psykologisesti, hän osallistuu teatterimuotojen luomiseen muiden esityksen osien kanssa, ja siitä tulee yhtäläinen esteettinen elementti esityksessä.
Koriste- visuaalisen toimintatavan luominen näyttämöllä kuvallisin, kuvallisin, arkkitehtonisin keinoin.
Itse termin (maalaus, ornamentti, koristelu) alkuperä viittaa koristeellisen infrastruktuurin mimeettiseen ja kuvalliseen tehtävään.
Sisustuksen tulee olla hyödyllistä, tehokasta ja toimivaa.
Maiseman päätehtäviä ovat dramaattisessa universumissa oletettavasti esiintyvien elementtien havainnollistaminen ja kuvaaminen, kohtauksen vapaa rakentaminen ja muuttaminen pelimekanismiksi katsottuna.
Draama- kirjallinen (dramaattinen), näyttämö- ja elokuvalaji. Se sai erityisen levinneen 1700-2000-luvun kirjallisuudessa korvaten vähitellen toisen dramaturgian genren - tragedian, vastustaen sitä pääasiassa arkipäiväisellä juonella ja tyylillä, joka on lähempänä arkitodellisuutta. Elokuvan myötä hän siirtyi myös tämäntyyppiseen taiteeseen, ja siitä tuli yksi sen yleisimmistä genreistä.
Draama kuvaa pääsääntöisesti erityisesti ihmisen yksityiselämää ja hänen konfliktia yhteiskunnan kanssa. Samalla painotetaan usein yleismaailmallisia inhimillisiä ristiriitoja, jotka ilmentyvät tiettyjen hahmojen käyttäytymisessä ja toiminnassa.
Juonittelu- draaman päätilanne, jonka ympärille toiminta kehittyy.
Vahtimestari- teatterityöntekijä, joka tarkistaa liput, saattaa yleisön paikoilleen ja pitää järjestyksen salissa.
Ristikot- lavan yläpuolella oleva ristikkolattia (puinen). Sitä käytetään näyttämömekanismien lohkojen asentamiseen, sitä käytetään esityssuunnitteluelementtien ripustamiseen liittyviin töihin. Ritilät ovat yhteydessä työskenteleviin gallerioihin ja näyttämöön kiinteillä portailla.
Komedia- kreikasta. komedia on rituaalilaulu, joka säestää korteegia Dionysoksen jumalan kunniaksi. Aikaisemmin tämä sana merkitsi mitä tahansa näytelmää genrestä riippumatta.
Perinteen mukaan komedia määritellään kolmella tragedialle vastakkaisella kriteerillä: komedian hahmot ovat vaatimattoman aseman ihmisiä, loppu on väistämättä onnellinen, näytelmän perimmäinen tavoite on yleisön nauru. Tästä johtuen sen helppo sopeutuminen mihin tahansa yhteiskuntaan, ilmentymien loputon valikoima ja vaikeus rakentaa yhtenäistä komediateoriaa.
Komedia päätyy melkein aina optimistiseen lopputulokseen (avioliitto, sovinto, tunnustaminen). Siinä katsojan nauru on nyt rikoskumppanin naurua, nyt ylivoiman naurua: se suojelee katsojaa traagisesta ahdistuksesta.
Jokainen koominen näytelmä on traagisen mekanismin vastine ja vastakohta. Tragedia pelaa syvimmistä ahdistuksistamme; komedia pelaa puolustusmekanismeissamme näitä ahdistuksia vastaan.
Molemmat genret vastaavat siis samaan inhimilliseen kysymykseen. Siirtymä traagisesta koomaan saadaan aikaan yleisön emotionaalisen osallistumisen asteella. Loppujen lopuksi komediassa kaikki ristiriidat ratkaistaan leikkisällä tai syövyttävällä sävyllä, maailma löytää tasapainonsa.
Mutta järjestyksen palauttamista ja onnellista loppua täytyy edeltää epävakauden ajanjakso, jota seuraa optimistinen johtopäätös ja lopullinen sovinto.
kulissien takana- pystysuorat kangasnauhat kehystävät näyttämön.
Lodge- perinteisessä teatterin sisustuksessa ryhmä istuimia, jotka on erotettu viereisistä väliseinillä tai esteillä.
Historiallisesti laatikko oli pieni huone, jossa oli erillinen sisäänkäynti, joissain tapauksissa johti pienen käytävän kautta, jonne saattoi jättää vaatteesi tai jopa viettää aikaa tauolla. Tätä huonetta kutsuttiin ulkohuoneeksi. Laatikot sijaitsivat sekä kojujen tasolla (benoirin laatikko) että korkeammilla kerroksilla (joista ensimmäistä, arvostetuinta, kutsuttiin mezzanine).
Monissa teattereissa tarjottiin etuoikeutettuja laatikoita - kuninkaallisia (kuninkaallinen, presidentti), kuvernöörin, ohjaajan laatikoita, jotka olivat teatterin johdon käytössä. Rikkaat ja jalot tuntijat tilasivat useimmiten muita majataloja koko kaudeksi.
Laatikon etuna ei ollut vain erillinen sisäänkäynti, vaan myös mahdollisuus seurata näyttämötoimintaa, vähemmässä määrin paljastaa itsensä.
Melodraama- alunperin - näytelmä, jossa äkillisimmät dramaattiset hetket seurasivat musiikkia hiljaisen hahmon tunteiden ilmaisemiseksi.
Ajan myötä melodraamasta tulee uusi itsenäinen genre. Hyviä ja pahoja ihmisiä traagisissa tai koskettavissa tilanteissa esittävä melodraama yrittää kiihottaa katsojaa ei niinkään tekstin merkityksellisyydellä kuin näyttämötehosteilla.
Se korostaa sankarillisia, sentimentaalisia ja traagisia puolia mahdollisimman paljon, moninkertaistaa hahmojen odottamattomat lopputulokset, tunnustukset ja traagiset kommentit. Kerrontarakenne on horjumaton: rakkaus, pettäminen, onnettomuuden tuominen, hyveen voitto, rangaistus ja palkkio, vaino "juottelun ytimenä".
Tämä muoto kehittyy aikana, jolloin tuotanto alkaa kohdistaa näyttäviä tehosteita, korvata harmonista tekstiä odottamattomilla lopputuloksilla.
Melodraaman hahmot, jotka on jaettu selvästi positiivisiin ja negatiivisiin, riistetään traagisen valinnan mahdollisuudesta. He ovat täynnä hyviä tai huonoja tunteita, epäilykset eivät vaivaa heitä, ristiriidat eivät repeydy.
Melodraaman tilanteet ovat usein epäuskottavia, mutta selkeästi määriteltyjä: täydellinen epätoivo tai sanoinkuvaamaton onnellisuus; sankarin julma kohtalo, joka päättyy onnelliseen loppuun (optimistisessa melodraamassa) tai synkkään ja jännittyneeseen kohtaloon, kuten kauhuromaanissa; sosiaalinen epäoikeudenmukaisuus tai palkinto hyveestä ja kansalaishyveestä.
misen-en-scene - sanan laajassa, yleisesti hyväksytyssä merkityksessä - joukko näyttämön tulkinnan keinoja: maisemat, valaistus, musiikki ja näytteleminen.
Suppeassa merkityksessä tämä termi tarkoittaa toimintaa, joka koostuu draamateoksen näyttämötulkinnan eri elementtien yhdistämisestä tiettyyn aika- ja tilakehykseen. Aluksi misansene ilmaisee klassisen käsityksen teatteriteoksesta yhtenä harmonisena kokonaisuutena, joka ei ole pelkistetty yksinkertaiseksi materiaalien tai näyttämötaiteen summaksi, vaan on laadullisesti uusi korkeamman tason yksikkö. Misansene julistaa jokaisen yksittäisen taiteen tai minkä tahansa merkin alistumisen yhdelle harmoniselle periaatteelle, yhdistäväksi ideaksi.
Yhdistävän idean vaatimusta jo misenscène-käsitteen syntymästä lähtien liittyi tietoisuus tekstien ja lavastusten historiallisuudesta, ymmärrys siitä, että yhden ja saman teoksen "konkretisointia" on kokonainen sarja. .
Sanalla sanoen, tämä on tekstin muunnos tai pikemminkin konkretisointi näyttelijän kautta näyttämötilan kautta, upotettuna katsojan elämään aikajaksoon.
Tila niin sanotusti käännetään sanoiksi: teksti opetetaan ulkoa ja tallennetaan näyttelijän eletilaan. Taiteilija etsii sellaisia liikkeitä, sellaisia asentoja, jotka parhaiten vastaisivat tekstin tilallista tallentamista. Dialogin sanat, jotka on koottu yhteen tekstiin, ovat nyt olemassa erikseen, ne on kirjoitettu näyttämötilaan ja aikaan, ne voidaan nähdä ja kuulla.
Misanscene kattaa sekä ympäristön, jossa näyttelijät ovat, että roolin psykologisen elepäätöksen. Mikä tahansa mis-en-scene on tekstin tulkinta "toiminnan" avulla; pääsy näytelmään on meille mahdollista vain tällaisen ohjaajan lukeman kautta.
Mise-en-scene sisältää aina vaiheen työskennellä toimijoiden kanssa. Ohjaaja ohjaa näyttelijöitä ja selittää, miltä heidän tulee näyttää lavalla roolikäsityksensä mukaisesti. Hän tekee säätöjä riippuen heidän esityksensä yhteensopivuudesta muiden näyttelijöiden esityksen kanssa. Hän pyrkii varmistamaan, että eleet, intonaatiot ja rytmi pienimmissäkin yksityiskohdissa vastaavat koko misen-kohtauksen diskurssia niin, että ne sopivat kohtaukseen, kohtaukseen, koko esitykseen.
alempi vaihe- tabletin alla oleva lavalaatikon osa, jossa sijaitsevat näyttämömekanismit, prompteri- ja valonohjauskopit, nosto- ja laskulaitteet, näyttämöefektien laitteet.
Ooppera - musiikillisen ja dramaattisen taiteen genre, jossa sisältö ilmentyy musiikillisen dramaturgian avulla, pääasiassa laulumusiikin kautta. Oopperan kirjallinen perusta on libretto.
Sana "orega" italian kielestä käännettynä tarkoittaa kirjaimellisesti työtä, sävellystä. Tässä musiikkigenrissä runous ja dramaattinen taide, laulu- ja instrumentaalimusiikki, ilmeet, tanssit, maalaus, maisemat ja puvut sulautuvat yhdeksi kokonaisuudeksi.
Melkein jokainen ooppera alkaa alkusoitolla - sinfonisella johdatuksella, joka esittelee kuulijan yleisellä tasolla koko toiminnan sisältöön.
Permanto(fr. permanto- maassa) - teatterin auditorion alakerrassa yleisölle istuimet lavalta tai orkesterista vastakkaiseen seinään tai amfiteatteriin.
Kojujen esi-isä oli senaattorien penkki muinaisen Rooman teattereissa. 1600-luvulla porrastetun teatterirakennuksen ilmaantumisen jälkeen myös kojut muuttuivat ja saivat nykyaikaisemman ilmeen. Parteri oli tarkoitettu alemmalle luokalle, joten siinä ei pitkään aikaan ollut istuimia - parterin katsojien oli seurattava esitystä seisten. Istuimet kojuihin ilmestyivät 1600-luvun alussa Englannin yksityisiin sisäteattereihin. Sitten istuimet järjestettiin tarpeen mukaan.
Tällä hetkellä istuimet on useimmiten järjestetty riveihin, jotka nousevat lavalta amfiteatteriin ja ovat samansuuntaisia lavan reunan kanssa. Istuimet on erotettu kulkuväylillä, joiden avulla pääset ulos kojuista.
Ramppi- hajavalaisinjärjestelmä, joka on asennettu tabletille istukan etureunaa pitkin ja joka on suunniteltu valaisemaan näyttämön tilaa edestä ja alhaalta. Piilossa yleisöltä matalalla puolella.
Johtaja- henkilö, jonka tehtäviin kuuluu näytelmän näyttäminen. Ohjaaja ottaa vastuun esityksen esteettisestä puolesta ja sen organisoinnista, esiintyjien valinnasta, tekstin tulkinnasta ja käytössään olevien näyttämötyökalujen käytöstä. Tämän termin esiintyminen johtuu yleensä 1800-luvun ensimmäisestä puoliskosta.
Teatterin historiassa on monia enemmän tai vähemmän laillisia ohjaajan edeltäjiä.
Muinaisessa kreikkalaisessa teatterissa didaskaloksen roolia (sanasta didiskalos - "opettaja") soitti usein esityksen kirjoittaja itse, toimien järjestäjänä.
Keskiajalla teatteriryhmän johtaja vastasi mysteerien näyttämön ideologisista ja esteettisistä puolista. Renessanssin ja barokin aikakaudella esityksiä järjestivät usein arkkitehdit ja sisustajat omien suunnitelmiensa mukaan.
XVIII vuosisadalla. mahtavat näyttelijät ottavat viestin. Ja vasta realistisen teatterin kukoistaessa ohjaajan tehtävä siirtyy ammattilaisille, muuttuu itsenäiseksi taiteeksi.
Rekvisiitta- näyttämön kalusteet (lukuun ottamatta lavasteita ja pukuja), joita näyttelijät käyttävät tai käsittelevät näytelmän aikana.
Repertuaari- sarja näytelmiä, joita yksi teatteri esittää yhden kauden tai jonkin ajanjakson aikana; valikoima saman tyylisiä tai saman aikakauden näytelmiä; joukko rooleja, joita yksi näyttelijä pystyy näyttelemään, hänen näyttelijäkykynsä, roolinsa.
Harjoitus- tekstin oppiminen ja näyttelijät ohjaajan ohjauksessa.
Tämä esitystä valmistava toiminta koskee koko ryhmää ja saa erilaisia muotoja.
Harjoitukset tapahtuvat joka kerta uudella, luovalla tavalla.
Rooli - yhdistelmä tekstiä ja saman näyttelijän näyttelemistä. Roolijaon tekee pääsääntöisesti ohjaaja riippuen esiintyjien ominaisuuksista ja heidän käyttömahdollisuuksistaan näytelmässä.
Sitten roolista tulee itse näyttelijä (rooli, petturi jne.), jonka näyttelijä on luonut. Kun rooli ei vastaa taiteilijan roolia, puhutaan sekaroolista.
Jokaisessa näytelmässä on niin sanotut pää- ja toissijaiset roolit. Asenne rooliin muodostuu joko matkimisen ja identifioinnin periaatteesta (näyttelijän inkarnaatio hahmosta) tai päinvastoin erilaisuuden ja vieraantumisen periaatteesta.
Näkymä- kreikasta. skene - osasto, näyttämö. Kreikkalaisen teatterin alkuaikoina skene oli orkesterin taakse rakennettu häkki tai teltta.
Skene, orchectra, theatron ovat antiikin kreikkalaisen esityksen kolme keskeistä skenografista elementtiä. Orkesteri tai leikkipaikka yhdisti lavan ja yleisön. Skene kehittyi korkeudessa, mukaan lukien teologeon tai jumalien ja sankarien leikkipaikka, ja pinnalla, prosceniumin kanssa, arkkitehtoninen julkisivu, seinän koristelun edelläkävijä, joka myöhemmin muodostaisi proskeniumtilan.
Kautta historian termin "lava" merkitys on laajentunut jatkuvasti: maisema, leikkipaikka, toiminnan kohtaus, aikajakso näytöksen aikana ja lopulta metaforisessa mielessä äkillinen ja kirkas näyttävä tapahtuma ( "asettaa jollekulle kohtauksen").
Turgenev-teatterilla on erityinen, hyvin kunnioittava asenne näyttämöä kohtaan. Tämä on paikka, jossa tietämättömät ovat suljettuina. Sen päälle astuessaan Turgenev-talon palvelijat näyttävät tekevän lupauksen soittaa sydämestä, esitellä kykynsä kaikki puolet yleisölle.
Mutta yleisöllä on myös ainutlaatuinen mahdollisuus vierailla näyttämöllä ostamalla lippu "Rakkauden kaunis tähti" -esitykseen: yleisön istuimet on varustettu suoraan näyttämölle, mikä antaa tuotannolle erityistä läheisyyttä ja läheisyyttä.
Lavastus- muinaisten kreikkalaisten keskuudessa - teatterin sisustamisen taito ja tästä tekniikasta johtuvat maalaukselliset maisemat.
Renessanssin aikaan skenografia on tekniikka, joka koostuu kankaalle taustamaalauksesta.
Sanan nykyisessä merkityksessä se on tiedettä ja taidetta lava- ja teatteritilan järjestämisestä. Metonyymisesti: itse maisema, lavastussuunnittelijan työn tulos.
Tämä termi korvataan yhä useammin sanalla "koristelu", jos on tarve mennä pidemmälle kuin koristelun käsite. Lavastus merkitsee siis halua kirjoittaa kolmiulotteiseen tilaan (johon pitää lisätä myös ajallinen ulottuvuus), eikä vain kankaan koristelu taidetta, johon teatteri tyytyi naturalismiin asti.
Modernin lavastustaiteen kukoistusaikoina sisustajat onnistuivat puhaltamaan elämää tilaan, elävöittämään aikaa ja näyttelijän suorituskykyä luovassa kokonaisuudessa, kun ohjaajaa, valoa, näyttelijää tai muusikkoa on vaikea eristää.
Teatteri(Kreikaksi θέατρον - päätarkoitus on paikka spektaakkeleille, sitten - spektaakkeli, sanasta θεάομαι - katson, näen) - esittävän taiteen muoto.
Teatteri on kaikkien taiteiden synteesi, se sisältää musiikin, arkkitehtuurin, maalauksen, elokuvan, valokuvan jne. Pääilmaisuvälineenä on näyttelijä, joka toiminnan kautta, eri teatteritekniikoita ja olemassaolon muotoja käyttäen välittää katsojalle olemuksen. siitä, mitä lavalla tapahtuu.
Tässä tapauksessa näyttelijän ei tarvitse olla elävä henkilö. Se voi olla nukke tai jokin henkilön hallitsema esine.
Teatteria pidetään tehokkaimpana keinona vaikuttaa ihmisiin, koska nähdessään, mitä lavalla tapahtuu, katsoja assosioituu yhteen tai toiseen hahmoon. Katarsiksen (puhdistuminen kärsimyksen kautta) kautta hänessä tapahtuu muutoksia.
Teatterin päätyöntekijät: ohjaajat, näyttelijät, meikkaajat, vaatesäilyttäjät, valaisimet, vahtimestarit, koreografit, taiteilijat, näyttämötyöntekijät.
Teatteri taide- sanayhdistelmä, joka sisältää kaikki teatterin ristiriidat: onko tämä taide itsenäinen omien lakiensa ja esteettisten erityispiirteidensä kanssa vai onko se vain useiden taiteiden (maalaus, runous, synteesi, yhdistelmä tai yhdistelmä) kumulatiivinen tulos (synteesi, yhdistelmä tai yhdistelmä), arkkitehtuuri, musiikki, tanssi ja ele)? Estiikan historiassa on molempia näkökulmia.
1. Teatterin alkuperä
Loputon rikkaus historian aikana kehittyneitä muotoja ja teatteriperinteitä, teatteritaiteen yhden, yleisimmänkin määritelmän mahdollisuus. Kreikan sanan theatron etymologia, joka tarkoittaa paikkaa, johon katsojat kokoontuivat katsomaan esitystä, välittää vain osittain yhden tämän taiteen osista. Itse asiassa ensisijaisesti visuaaliseen havainnointiin suunniteltu taide, eräänlainen institutionalisoitunut mietiskely, teatteri on kuitenkin usein pelkistetty dramaturgian taiteeksi, kirjallisuuden genreksi, jonka spektaakkelina on Aristoteleen ajoista lähtien pidetty taiteena. lisävaruste, väistämättä tekstistä riippuvainen. Teatterin muotojen ja näytelmägenrejen monimuotoisuus vastaa teatterityön aineellisten, sosiaalisten ja esteettisten ehtojen vaihtelua: mikä on yhteistä esimerkiksi primitiivisen riitin, bulevardinäytelmän, keskiaikaisen mysteerinäytelmän tai teatterissa luodun esityksen välillä. Intialainen vai kiinalainen perinne?
Sosiologien ja antropologien on vaikea tunnistaa niitä syitä, jotka määräävät ihmisen teatterin tarpeen. Mutta toisistaan riippumatta ja joskus yksimielisesti he viittasivat haluun matkia; leikin makua, sekä lasten että aikuisten keskuudessa, alkuperäinen seremoniallinen toiminto; tarve kertoa tarinoita ja nauraa rankaisematta tälle tai toiselle yhteiskunnan tilalle; näyttelijän reinkarnaatiossa kokema nautinto. Teatterin synty näyttää olleen rituaali- tai uskonnollinen perusta, ja yksilö ryhmästä henkilö itse osallistui seremoniaan ennen kuin uskoi tehtävän näyttelijälle tai papille. Teatteri vain vähitellen irtautui maagisesta tai uskonnollisesta olemuksestaan ja haastaakseen yhteiskunnan sen piti tulla riittävän vahvaksi ja itsenäiseksi: tästä johtuvat sen historiassa nousseet vaikeudet, jotka leimaavat asennetta valtaa ja lakia kohtaan. Nykyteatterilla ei ole mitään yhteistä kulttilähteen kanssa, lukuun ottamatta joitain myytteihin tai seremoniaan palaavia kokeiluja, jotka Artaudin kokeilujen jälkeen etsivät teatterin toiminnan alkuperäistä puhtautta, ja sen muodot ovat niin moninaiset, että se vastaa täysin teatteritoiminnan alkuperäistä puhtautta. lukuisia uusia esteettisiä ja sosiaalisia toimintoja. Teatterin kehitys liittyy läheisesti yhteiskunnallisen ja teknologisen tietoisuuden kehitykseen: eikö tästä syystä he ajoittain ennustavat sen väistämätöntä kuolemaa median ja massataiteen ylivallan vuoksi.
2. Länsimainen perinne
Jos kysymys teatteritaiteen olemuksesta ja spesifisyydestä on aina sisältänyt jotain idealistista ja metafyysistä, hyvin kaukana teatterin varsinaisesta käytännöstä, niin voidaan ainakin luetella joitakin tämän taiteen piirteitä, jotka ovat tyypillisiä länsimaiselle perinteellemme. Muinainen Kreikka nykyaikaan. Käsite "taide" eroaa käsitteistä "käsityö", "tekniikka" tai "riitti": teatteri, vaikka sillä olisi käytössään erilaisia teknisiä välineitä (näytelmä, näyttämösuunnittelu jne.) ja tietty määrä perinteisten ja horjumattomien toimien määrä ylittää jokaisen näiden osien soveltamisalan. Joka kerta hän edustaa toimintaa (tai jonkin toiminnan mimeettistä esitystä) sen ansiosta, että näyttelijät ilmentävät näyttelijöitä tai näyttävät heidät samaan aikaan kokoontuneelle yleisölle enemmän tai vähemmän varusteltuina. Teksti (tai toiminta), näyttelijän vartalo, näyttämö, katsoja - sellainen on kaiken teatterin kommunikoinnin välttämätön ketju. Jokainen lenkki tässä ketjussa saa hyvin erilaisia muotoja. Joskus tekstiä ei kunnioiteta ja se korvataan ei-kirjallisella pelityylillä, vaikka se olisikin erityinen, luettavaksi tarkoitettu teksti; näyttelijän ruumis menettää ihmisen läsnäolon funktionsa, kun ohjaaja muuttaa sen nukkeksi tai kun sen tilalle tulee lavastuksen tarjoama esine tai näyttämömekanismi; näyttämöä ei välttämättä ole varusteltu erityisesti teatteriesityksiä varten rakennetussa rakennuksessa: kaupungin aukiolla, hangaarissa jne. täydellinen teatteritoimintaan; katsojaa ei voida täysin sulkea pois muuttamatta teatteritaidetta dramaattiseksi peliksi, johon kaikki osallistuvat, rituaalina, joka ei tarvitse ulkopuolisen silmää esitykseensä, tai "lahkotoiminnaksi", joka on täysin eristetty ja jolla ei ole kriittistä ulospääsyä yhteiskuntaan. ...
Teatteriesitys edellyttää kokonaisia ohjeita, neuvoja ja määräyksiä, jotka sisältyvät teatterin partituuriin, tekstiin ja näyttämöohjeisiin.
Genrejen ja niiden hierarkian välisessä erossa ei ole mitään kiinteää ja lopullista. Siten moderni teatteritaide kieltää kategorisesti jaon kolmeen osaan: draama/lyriikka/epos. Tragedia-komedian polariteetti, joka näkyy genrejen kaksoisperinteessä - "jalo" (tragedia, korkea komedia) ja "vulgaari" (farssi, spektaakkeli) - menettää myös merkityksensä sosiaalisten suhteiden kehittyessä.
3. Teatteri taiteen järjestelmässä
Useimmat teoreetikot ovat yhtä mieltä siitä, että teatteritaiteella on kaikki tietyllä aikakaudella käytettävissä olevat taiteelliset ja tekniset keinot. Esimerkiksi Craig antaa tämän (melkein tautologisen) määritelmän: "Teatterin taide ei ole näyttelemisen taidetta, ei teatterinäytelmää, ei näyttämökuvaa eikä tanssia... Se on teatterin elementtien kokonaisuus. joista nämä eri sfäärit koostuvat. Se koostuu liikkeestä, joka on näyttelemisen tarkoitus, sanoista, jotka muodostavat näytelmän rungon, linjasta ja väreistä, jotka synnyttävät lavamaiseman sielun, rytmistä, joka määrittää tanssin olemuksen.
Kysymys näiden eri taiteiden välisestä suhteesta ei ole yksimielinen.
Toisille teoreetikoille eri taiteiden yhdistäminen on mahdotonta; Parhaimmillaan voit rakentaa rakenteettoman ryhmittymän; On tärkeää asettaa välineiden välinen hierarkia ja yhdistää niitä halutun tuloksen saavuttamiseksi ja ohjaajan maun mukaan. Appian ehdottama hierarkia - näyttelijä, tila, valo, maalaus - on vain yksi estetiikan lukemattomista mahdollisuuksista.
Toinen teoreetikkoryhmä näkee Wagnerin ja Appian käsitteissä saman kolikon kaksi puolta, mutta kritisoi teatteritaiteen käsitettä Gesamtkunstwerkinä tai kokonaisteatterina ja korvaa sen teatterityöllä (Brecht). Esittävä taide on olemassa ja järkeä vain monimuotoisuudessaan ja ristiriitaisuuksissaan. Lavastus pakottaa näyttämön vastustamaan tekstiä, musiikin kielellistä merkitystä, viittomakielen musiikkia tai tekstiä jne.
4. Teatteritaiteen spesifisyys ja rajat
Lyhyt katsaus teatteria koskeviin teoreettisiin töihin osoittaa, että mikään teoria ei pysty vähentämään teatteritaidetta tarpeellisiin ja tyydyttäviin ehtoihin. Tätä taidetta on mahdotonta rajoittaa teknisten keinojen arsenaaliin. Käytännön tavoitteena on näyttämön horisontin loputon laajentaminen: piirtoheitinkalvojen tai elokuvien näyttäminen, teatterin muuttaminen veistokseksi, tanssiksi tai pantomiimin taiteeksi, poliittiseksi propagandaksi tai tapahtumaksi. Siten teatteritaiteen opiskeluohjelma haarautuu äärettömyyteen.
PavieP. Teatterin sanakirja. Kustantaja: Progress, 1991.
teatterin verho- kangas, joka peittää lavan katsomosta. Verhot on ommeltu tiheästä värjätystä kankaasta, jossa on tiheä vuori, koristeltu teatterin tunnuksella tai leveällä hapsulla, päärmetty verhon pohjaan. Verhon avulla voit tehdä tilanteen muuttamisprosessista näkymätön, luoda tunteen aikaraosta toimien välillä.
Tragedia(muinaisen kreikkalaisen tragōdía, kirjaimellisesti - "vuohen laulu") - tapahtumien kehitykseen perustuva fiktio, joka on yleensä väistämätöntä ja johtaa väistämättä hahmoille katastrofaaliseen lopputulokseen, joka on usein täynnä paatosa; draaman muoto, joka on komedian vastakohta.
Tragediaa leimaa ankara vakavuus, kuvaa todellisuutta terävimmin sisäisten ristiriitojen nippuna, paljastaa todellisuuden syvimmät ristiriidat äärimmäisen intensiivisessä ja rikkaassa muodossa, joka saa taiteellisen symbolin merkityksen. Ei ole sattumaa, että useimmat tragediat on kirjoitettu jakeisiin.
Käsite "tragedia" liittyy satyyrien (kreikkalaisessa mytologiassa vuohijalkaisten olentojen) laulamiseen, joiden kuvia käytettiin antiikin Kreikan uskonnollisissa riiteissä Dionysoksen jumalan kunniaksi.
Farssi- kevyen sisällön komedia, jossa on puhtaasti ulkoisia sarjakuvatemppuja.
Keskiajalla erästä kansanteatterin ja kirjallisuuden tyyppiä, joka oli laajalle levinnyt Länsi-Euroopan maissa 1300- ja 1500-luvuilla, kutsuttiin myös farssiksi. Mysteerin sisällä kypsynyt farssi 1400-luvulla saavuttaa itsenäisyytensä, ja seuraavalla vuosisadalla siitä tulee hallitseva genre teatterissa ja kirjallisuudessa. Sirkuksen pelleilyssä on säilynyt farssisen puhkimisen tekniikat. Nykyvenäjäksi farssia kutsutaan yleensä kiroiluksi, prosessin, kuten oikeudenkäynnin, jäljitelmäksi.
Farssin pääelementti ei ollut tietoinen poliittinen satiiri, vaan rento ja huoleton kuvaus urbaanista elämästä skandaaleineen tapauksineen, siveettömyyksineen, töykeyksineen ja hauskoineen. Ranskalaisessa farssissa puolisoiden välisen skandaalin teema vaihteli usein.
Aula- teatterin, elokuvateatterin, sirkuksen huone, joka on tarkoitettu yleisön odottamiseen istuntoa, esitystä, esitystä odotellessa sekä yleisön rentoutumiseen väliajan aikana.
I. S. Turgenevin nimetyn valtion akateemisen teatterin aula houkuttelee paitsi talvipuutarhalla, erilaisilla valokuvilla, jotka kertovat ikimuistoisimmista esityksistä, myös ainutlaatuisella projektilla "Theatre in the Foyer", joka isännöi esityksiä nuorille katsojille.
furka- osa näyttämölaitteistoa; teloilla liikkuva alusta, jolla siirretään osia lavan koristeesta. Furcan liike tapahtuu sähkömoottorilla, manuaalisesti tai kaapelin avulla, jonka toinen pää on kulissien takana ja toinen on kiinnitetty furcan sivuseinään.
Valmisteilla "Teattinen sanakirja" käytetty materiaali Internet-resursseista sekä P. Pavin "Dictionary of the theatre" (Julkaisija: Progress, 1991)
AVANLOJA- istuimet auditoriossa, huone laatikon sisäänkäynnin edessä.
PROSCENIUM- lavan etuosa (verhon ja rampin välissä).
TOIMIA- draamateoksen tai teatteriesityksen valmis osa; sama kuin toiminta.
NÄYTTELIJÄ, näyttelijä - roolien esiintyjä (esiintyjä).
ROOLI- luonteeltaan samankaltaiset roolit, jotka vastaavat tietyn näyttelijän kykyjä ja ulkoisia tietoja.
AMFITEATTERI- 1) muinainen silmälasirakennus: soikea areena, jonka ympärille oli sijoitettu katsojien istuimet kielekkeisiin; 2) istuimet kojujen takana sijaitsevassa auditoriossa.
SITOUMUS- näyttelijän kutsu tietyksi ajaksi osallistua esityksiin tai konsertteihin.
ILMOITUS- ilmoitus tulevista kiertueista, esityksistä, konserteista.
ANTISANKARI- tarkoituksella pelkistetty, deheroisoitu hahmo näytelmässä, jolla on yksi pääpaikoista.
VÄLIAIKA- tauko esityksen toimien (toimien) välillä, konsertin osien välillä.
YRITTÄJÄ- yksityisen teatterin omistaja, omistaja, vuokralainen.
YRITYS- yksityinen teatteri.
TÄYSI TALO- ilmoitus, että kaikki liput (esitykseen, esitykseen) on myyty.
APOTEOOSI- esityksen tai juhlakonserttiohjelman juhlallinen päätösmessukohtaus.
ARRIERSCENE- katsomosta kauimpana oleva osa näyttämöstä.
BALAGAN- luonteeltaan koominen teatteriesitys, joka on esitetty messuilla ja juhlallisuuksissa (Venäjällä 1700-luvulta lähtien).
PARVEKE- paikat auditoriossa, jotka sijaitsevat amfiteatterissa eri tasoilla.
MEZZANINE- ensimmäinen parveketaso myyntikojujen ja amfiteatterin yläpuolella auditoriossa tai konserttisalissa.
HYÖDY- 1) teatteriesitys yhden näyttelijän kunniaksi; 2) esitys, josta olen saanut yhden tai useamman näyttelijän sekä muiden teatterityöntekijöiden edun.
BENOIR- teatterilaatikot siennan tasolla tai hieman alempana kojujen molemmilla puolilla.
BERIKAOBA- Georgian improvisoiva naamioiden kansanteatteri. Se oli olemassa muinaisista ajoista 1900-luvun alkuun asti.
BURLESKI- liioiteltu koominen kuva lavalla.
OMINAISUUDET- rekvisiittavastaava teatterityöntekijä. Sen on tehnyt rekvisiittataiteilija.
REKVISIITTA- esineitä, jotka on erityisesti valmistettu ja käytetty oikeiden esineiden sijasta teatteriesityksissä.
PELLE- näyttelijän rooli, joka käyttää rooleja näyttelijänä.
ILVEILY- 1) esiintyminen klovnitekniikoilla; 2) ulkoisesti korostunut koominen liioittelua, joskus karikaturoivaa hahmoa.
Seimikohtaus- Ukrainalainen kansannukketeatteri, joka yleistyi XVII-XIX vuosisatojen aikana. Nuket, jotka oli kiinnitetty langalle kaksikerroksiseen laatikkoon - luolaan, pantiin liikkeelle seimi. Kohtauksia Raamatun tarinoista. Satiirisia välikappaleita säestettiin musiikkia.
GALLERIA- auditorion ylempi kerros.
HASTION näyttelijä muinaisessa Roomassa.
KIERTUE- näyttelijöiden esiintyminen tien päällä muissa teattereissa.
SANKARI on näytelmän päähenkilö.
PUKUHARJOITUS- viimeinen ennen esitystä, konserttia.
Isoäiti- näyttelijän rooli aatelisnaisten roolissa.
GRANDOCKET- aikuisen jalo naisen rooli.
MEIKKI- 1) taito muuttaa näyttelijän ulkonäköä (pääasiassa kasvoja) erikoismaalien, tarrojen, peruukkien, kampausten jne. avulla; 2) maalit ja muut meikkitarvikkeet.
meikkitaiteilija- Meikkitaiteilija.
MEIKKIHUONE- näyttelijöiden meikkaus- ja pukeutumistila.
TOIMINTA- esityksen valmis osa. Sama kuin teko.
ILMOITUS- Selkeä, ilmeikäs ääneen lukeminen.
KORISTE- Teatterin näyttämön kohtauksen taiteellinen suunnittelu, visuaalisen kuvan luominen esityksestä.
DZYORURI eräänlainen nukketeatteri Japanissa. Kabuki-teatterin lavalla esitetään Jyoruri-näytelmiä.
DIVERTISSEMENTTI- musiikillinen tai dramaattinen esitys yksittäisten numeroiden sarjasta, joka yleensä annetaan esityksen lisäksi.
DRAMATURGIA- 1) dramaattinen taide, teoria dramaattisten teosten rakentamisesta; 2) tällaisten teosten kokonaisuus; 3) erillisen teatteriteoksen juoni-sävellysperusta.
PAHIS- negatiivisia hahmoja esittävän näyttelijän rooli.
INGENUE- näyttelijän rooli naiivin tytön roolissa.
VÄLIMEDIA- lyhyt kappale, joka esitetään dramaattisen tai oopperaesityksen välissä; lisää kohtaus.
KABUKI- yksi klassisen teatterin tyypeistä Japanissa. Sisältää musiikkia, tanssia, draamaa, syntyi 1600-luvulla. Vuodesta 1652 lähtien vain miehet ovat esiintyneet tällaisissa ryhmissä.
MAALAUS osa näytelmää draamassa.
Klaka- erityinen ryhmä ihmisiä, jotka on palkattu luomaan esityksen keinotekoinen menestys tai epäonnistuminen, näyttelijä.
KOKETTAA- näyttelijän rooli, joka toimii kauniina tyttönä.
RISTIÄT- näyttämön ylempi (katsojalle näkymätön) osa lohkojen, näyttämömekanismien ja maiseman ripustuselementtien asentamista varten.
KOOMIKKO- näyttelijän rooli komediarooleissa.
LUOTTAMAINEN- näyttelijä, joka esittää likimääräisen päähenkilön roolia.
KOTURNY- eräänlaiset sandaalit, joissa on erittäin paksut pohjat antiikin kreikkalaisten ja roomalaisten näyttelijöiden keskuudessa kasvun lisäämiseksi.
kulissien takana- Tasaiset maiseman osat (pehmeät, kehyksiin venytetyt), sijaitsevat lavan sivuilla.
SANOITTAJA- lyyrisiä hahmoja esittävän näyttelijän rooli.
NÄYTTELIJÄ- näyttelijän nimi muinaisella Venäjällä.
MAJOITUS- ryhmä istuimia auditoriossa (kojujen ympärillä ja tasoilla), jotka on erotettu väliseinillä tai esteillä.
NUKKE- teatterinukke, jonka nukkenäyttelijä saa liikkeelle lankojen avulla.
mis-en-scene- näyttelijöiden sijainti lavalla esityksen aikana. Misanscene-taide on yksi ohjaamisen tärkeimmistä elementeistä.
MIME- miiminäyttelijä
MIMIC- yksi näyttelijän taiteen tärkeistä elementeistä, kasvojen lihasten ilmeikäs liike.
MONOLOGI- näyttelijän puhe, joka on osoitettu yleisölle tai itselleen.
MUSIIKKI SALI- Varieteeteatterityyppi, jossa yhdistyvät varieteet, sirkus, tanssi ja musiikin genret. Ensimmäiset musiikkisalit ilmestyivät Iso-Britanniaan 1800-luvun puolivälissä.
KANSANTEATTERI- 1) kansan keskuudessa oleva teatteri, joka liittyy orgaanisesti suulliseen kansantaiteeseen; 2) 1800-luvun toisen puoliskon ammattiteatteri, jonka toiminta oli suunnattu laajalle yleisölle; 3) epäammattimainen amatööriteatteri (näkyy Venäjällä 1800-luvun puolivälissä).
NOU- yksi perinteisen japanilaisen teatterin tyypeistä. Sisältää musiikkia, tanssia, draamaa. Tunnusomaisia piirteitä: maiseman tavanomaisuus, päähenkilöt ovat naamioissa, puku vailla arjen konkreettisuutta.
PADUGA- verhonauha lavan yläosassa.
PANTOMIIMI- näyttämötaiteen tyyppi, jossa taiteellinen kuva luodaan ilman sanojen apua, ilmeikkäällä liikkeellä, eleellä, ilmeillä.
PARTER- auditorion lattian taso katsojaistuimilla, yleensä lavatason alapuolella.
PELZHENT- siirrettävä näyttämö suuren vaunun muodossa keskiaikaisessa teatterissa. Sitä käytettiin mysteerien, ihmeiden, kulkueiden lavastamisessa.
PETIMETER- Dandyn kuva satiirisessa komediassa.
PERSILJA- venäläisten kansannukketeatterien päähenkilö; tunnettu 1600-luvun alkupuolelta lähtien.
SAGE- synonyymi sanalle "kohtaus".
LAUSUNTO- esityksen luomisprosessi; sama kuin suoritus.
PREMIER (PRIMIER)- näyttelijä, näyttelijä, joka on johtavassa asemassa ryhmässä, näyttelee päärooleja.
Ensi-ilta- uuden esityksen ensimmäinen (tai yksi ensimmäisistä) julkinen maksullinen esitys.
DIVA- Päänäyttelijä.
TYPERYS- näyttelijän rooli, joka esittää yksinkertaista ihmistä.
RAMPPI- valolaitteet näyttämön lattialla sen etureunaa pitkin, yleisöltä piilossa taululla.
REVYY- lajike tai teatteriesitys, joka koostuu useista numeroista, joita yhdistää yksi teema.
JOHTAJA on lavastaja, joka oman ideansa pohjalta luo uutta näyttämötodellisuutta yhdistäen näyttelijöiden, taiteilijan ja säveltäjän työtä.
RESONER- näyttelijän rooli, joka ilmaisee moralisoivia tuomioita.
REKVISIITTA- Esineet, joita käytetään teatteriesityksissä.
HARJOITUS- teatteriesityksen valmistelun päämuoto.
REPERTUaari- sarja teatterissa esitettyjä teoksia.
OLEG Strizhenov ei ole vain yksi neuvostosukupolven parhaista taiteilijoista. Hän on sen korkeimman tason näyttelijä, joka "nostaa rimaa" venäläiselle elokuvalle ulkomailla. Hän itse ei kuitenkaan pidä itseään tähtenä, koska se on "loukkaavasti hauska". Strizhenovilla on aina alkuperäinen mielipide kaikesta. Esimerkiksi kerran hän jopa kieltäytyi Andrei Bolkonskyn roolista, mikä aiheutti todellisen skandaalin elokuvamaailmassa. Elokuun 10. päivänä Oleg Strizhenov täytti 75 vuotta, mutta tähän päivään asti Oleg Aleksandrovich jatkaa työskentelyä elokuvateatterissa. Vaikka hän sanoo, että maassamme ei ole elokuvaa.
OLEG ALEKSANDROVICH, kriitikot puhuvat elokuvamme elpymisestä ja mainitsevat esimerkkinä viimeiset Moskovan elokuvajuhlat, joissa kotimaiset elokuvat voittivat lähes kaikki palkinnot.
Mitkä ovat palkinnot? Kuka niitä jakaa? Haluan kysyä: miksi ulkomaisille taiteilijoille myönnetään palkintoja heidän panoksestaan elokuvaan jokaisella festivaaleillamme? Mitä, meillä ei ole omia näyttelijöitä, jotka ovat rikastaneet maailman elokuvaa? Miksi Kuvaajien liiton puheenjohtaja Nikita Sergeevich ei välitä ollenkaan siitä, kuinka suuret näyttelijät elävät nykyään? Mihalkov ei kutsunut minua elokuvafestivaaleilleen, hän ei edes lähettänyt minulle lippuja elokuvanäytökseen. Näin televisiosta, kuinka kaikki nämä tähdet kävelivät portaita ylös. En huomannut heidän joukossaan yhtään tekijää. Tekijät eivät ole valmiita tähän festivaaliin. Teatterin esitykset alkavathan kello seitsemältä illalla. Siellä ovat todelliset näyttelijät ja ohjaajat. Länsimaiset tähdet kutsutaan festivaaleille, koska se on halpaa. Koska kukaan ei tule meille sellaisenaan.
Luultavasti näille tähdille on kysyntää, jos tv-kanavat ostavat elokuvia heidän osallistumisellaan. Mutta katso, minkä vuoden ja millaisia nämä ulkomaiset maalaukset ovat! Nykylapset eivät tiedä oikeaa elokuvaa, jota voidaan kutsua taiteeksi. Kerran elokuvan "Minun sijasta" (viimeinen elokuvaroolini) kuvauksen aikana, joka tapahtui entisessä Fryazinon aatelistilassa, menin aamulla kadulle. Siellä kävelivät sisäoppilaitoksen pojat, jotka ilmeisesti vain katselevat amerikkalaisia militantteja "laatikolla", mutta he eivät nähneet taiteilijoitamme silmiin. Olin jo sankarini - miljonääri - kuvassa tyylikkäässä puvussa. Kuulen kuiskaavan: "Katso, tämä ei ole huonompi kuin Bruce Willis."
Katsojani on kuollut
TÄNÄÄN sinut kutsutaan usein näyttelemään elokuvissa?
He pelkäävät kutsua minua. Se, jolla on aivot, ei edes soita. Koska hän ymmärtää, mikä hänen skenaarionsa on. Jos luet, kuinka paljon minulle tarjottiin, ehkä jollekin se olisi kokonainen luova polku. Mutta huono tapa, koska pahasta ei voi tehdä hyvää. En kestä sarjoja. Lahjakas - tämä on silloin, kun romaani mahtuu puoleentoista tuntiin ja katselun jälkeen ihminen tulee ulos itkien. Tässä olimme mestareita. Toisaalta en koskaan käänny nuorta näyttelijää luopumaan "sarjatyöstä". Päinvastoin sanon: "Juokse nopeammin, toimi kun olet nuori. Muuten ei tarjota sitä myöhemmin. Tiesin tämän nuoruudessani: odotan viikon, ja sitten tulee mielenkiintoisia tarjouksia. . töihin, jos sinut kutsutaan." Yleensä en pidä näyttelijöiden tuomitsemisesta, koska kaikki kohut lentävät heihin. Operaattori kuvasi huonosti, ohjaaja on hölmö ja näyttelijä on syyllinen tulokseen. Hollywoodissa asiat ovat toisin. Miksei rumia näyttelijöitä ole? Kyllä, koska kun näyttelijä ei menesty ruudulla, häntä ei poisteta roolista, vaan kameramies ajetaan pois. Ja jos kopioit Hollywoodia, niin kaikessa!
Maassamme elokuvateatterissa kehittyvää tilannetta voidaan kuvata sanoilla "vaikea, huono, melko heikko". Mosfilm selviää, ei luo. Myös teatteri on vaikeassa tilanteessa, jätetty omiin käsiin. Osa tilasta on vuokrattava. Kyllä, ja liput pitää myydä, yleisö pitää jotenkin houkutella. Ja mitä aiot tehdä houkutellaksesi tämän uuden katsojan? Loppujen lopuksi suurin osa katsojistani on jo kuollut, en tiedä uutta katsojaa. Muut ohjaajat tai näyttelijät jopa "kääntävät" klassikot toiselle kielelle.
Nykyään klassikot käännetään sarjakielelle, vaikka ollaan sitä mieltä, että Dostojevskin ja Bulgakovin teoksia ei voida ampua tässä genressä.
Jotkut väittävät: "Sinun ei tarvitse ampua klassikoita." Ei, sinun täytyy! Ja sinun täytyy myös lukea. Lue ja katso. Ja millainen kuva tulee, riippuu sen tekijöiden lahjakkuudesta, ei vain näyttelijöistä. Loppujen lopuksi näyttelijä on addikti. He eivät ota sinua ampumaan - siinä kaikki. Minulla on hyvä tuuri. Näyttää siltä, että suojelusenkeli auttoi. Tähän asti ihmiset ovat yllättyneitä: "Kuinka tämä henkilö eli niin itsenäisesti ja menestyksekkäästi?"
Ei ole totta, että joku ennen vanhaan pakotti jonkun näyttelemään roolia, jota näyttelijä ei halunnut esittää. Ehkä kommunisti ja voisi. En tiedä - en ole nähnyt sitä. Mutta olen vapaa mies. Minua ei koskaan edes kutsuttu juhliin. Ja monet sanovat nyt, että heidät melkein raahattiin sinne väkisin. Katso, käteni ovat ehjät, kukaan ei raahannut minua NKP:hen niiden takia.
Furtseva ei tilannut
SANOT, ettei sinua ole määrätty. Mutta kerran Ekaterina Furtseva yritti pakottaa sinut näyttelemään Andrei Bolkonskia Sota ja rauhassa.
Ei, se on tarina. Bolkonskyn roolia varten Bondarchuk päätti kokeilla koko Neuvostoliittoa, mutta ei minua. Luulin, että Bondartšuk oli nöyryyttänyt minua, kun ei kutsunut prinssi Andreita ensimmäisten joukossa koe-esiintyjiin. Ja yhtäkkiä hän soittaa: "Minun on kiireesti tavattava sinut." Ajattelin: "Nyt hän kysyy." Ja totta kai hän soitti. Pelasin koe-esiintymiset. Keskuskomitean kulttuuriosasto ja ministeriön kollegio hyväksyivät ne. Mutta odotin, kunnes uutinen näytteleväni Bolkonskya julkaistiin lehdessä, jotta myöhemmin kukaan ei sanoisi, ettei Strizhenovia ollut hyväksytty rooliin eikä häntä ole edes kokeiltu. Ja kun "Soviet Screen" -lehdessä ilmestyi artikkeli, jossa oli valokuva, jossa olin Bolkonskyn roolissa, valitsin Bondartšukin numeron ja sanoin: "En koskaan ammu kanssasi elämässäni." Hän ei tiennyt mitä sanoa: "Oletko humalassa?" Sanon: "Kootkaa koko ryhmä ja johto, minä tulen esittelemään itseni." Hän tuli, sanoi hei, kysyi, onko tarpeen kutsua lääkäri? Ja tauon jälkeen hän toisti: "Sergey Fedorovich, en koskaan näyttele elokuvissa kanssasi." Ja vasta sitten Furtseva soitti: "Haluan nähdä sinut." Hän kokosi koko hallituksen. Luulin pelästyväni. Minä jopa häpein häntä. Otin Furtsevan hänen omalla asellaan. Hän sanoi: "Tiedätkö, Jekaterina Aleksejevna, viime aikoina kaikki ovat yrittäneet kirjoittaa minusta:" On sääli, että Strizhenov ei näytä jotain yksinkertaista neuvostohenkilöä. erilaista. Mutta et koskaan puolustanut minua. Joten odotan yksinkertaisen neuvostomiehen rooliin."
Nykyään tähtitaudin epidemia on lamauttanut monia nuorista näyttelijöistämme. Oliko tällainen infektio Neuvostoliiton elokuvassa?
Oman sukupolveni näyttelijöille sana "tähti" kuulosti loukkaukselta. Jos sinua kutsuttiin sellaiseksi, se tarkoitti, että olit huono taiteilija. Tähti ruudulla ei pelaa, vaan esittelee muotia. Vaihtaa muodikkaita pukuja, esiintyy muodikkaalla kampauksella, siirtyy elokuvasta toiseen. Ja hiukseni väri ja hiustyyli ovat aina riippuneet roolistani, ei tämän päivän muodista. Kuvittele kutsuvasi Yanshinia, Gribovia tai Simonovia tähdeksi?! Tämä on loukkaavan hauska. Arvokas arvonimi on taiteilija, vaikea ja arvostettu ammatti.
Uskotaan, että ihminen tiivistää elämänsä 30, 45 ja 75 vuoden iässä. Mitä voit nyt tiivistää?
Kohtaloni on tapahtunut. Pelasin mitä halusin, mistä pidin. 75 on todellinen vuosipäivä, koska et ehkä elä 80-vuotiaaksi, varsinkin 100-vuotiaaksi. Ja 75-vuotiaana voin jo sanoa, että olen työskennellyt alkaen ja loppuun. "Gadfly"-näytön julkaisun jälkeen tuli vuoria kirjeitä. Mutta muistan vain yhden asian, nuoresta sotilasta. Hän kirjoitti: "Rakas isä (ja minä olin silloin 25-vuotias, hän oli vastaavasti 19-vuotias), olin huono sotilas, en halunnut palvella. Mutta nyt, rakas isä, anna minun raportoida. Katsoin The Gadflyn useita kertoja, minusta tuli erinomainen oppilas taistelu- ja poliittinen koulutus." Ja äskettäin minulle kerrottiin, kuinka 10-vuotias poika "Prikaatin" katsottuaan lähestyi äitiään hakavella ja sanoi: "Jos et osta minulle takkia varpaisiin asti, kuten Sasha Belyn, minä" leikkaa sen." Ja kerro nyt minulle, mitä varten näyttelijä työskentelee tänään, mitä varten taide on ja missä se on, tämä taide? Soitin Moskovan taideteatterin "vanhojen miesten" kanssa - Yanshin, Gribov, Massalsky, Tarasova, Stepanova. He lähtivät katsojan kanssa. On sääli tästä menetyksestä, se on kulttuurin menetys.
Minua kutsutaan edelleen romantikkoksi, ja uskon, että kulttuurimme alkaa elpyä. Koska se ei voi olla! Meillä on syvä maa, syvä venäläinen mies. Sinun tarvitsee vain unohtaa "kuinka paljon" ja "kuinka paljon", lukea hyvä kirja, ei sarjakuvia. Ja sitten, näet, kulttuuri ilmestyy taas. Paroni Tuzenbach kolmessa sisaressa sanoo: "Meidän jälkeenmme he lentävät ilmapalloissa, takit vaihtuvat... mutta elämä pysyy ennallaan. Elämä on vaikeaa ja onnellista. ". Ja aivan kuten nyt, hän pelkää eikä halua. kuolema."
Taiteilija on melko moniselitteinen termi, joka ymmärretään yleensä minkä tahansa näyttävän taiteen edustajana: teatterin, musiikin, baletin, elokuvan, näyttämön tai sirkuksen. Feminiinisessä muodossa sanaa "taiteilija" käytetään.
Sanan "taiteilija" merkitys
Taiteilija on (fr. artiste, keskiaikainen - lat. artista - käsityöläinen, taiteilija, mestari lat. ars - taide) henkilö, joka harjoittaa toimintaansa taiteen alalla. Taiteilijaa kutsutaan sellaiseksi henkilöksi, joka näyttää lahjakkaan taitonsa yleisön edessä. Sanan merkitys on pohjimmiltaan erittäin laaja. Se yhdistää konseptissaan useita suuntauksia.
Taiteilija voi siis olla oopperalaulaja, sirkustyöntekijä, dramaattinen näyttelijä, näyttelijä tai rooleja elokuvissa. Taiteilijat jaetaan myös musiikillisiin, koreografisiin, näyttämöihin sekä tanssijoihin. Tämän sanan kuvaannollinen, ironinen tulkinta on myös kysytty.
Taiteilija on henkilö, jolla on korkea taito jollain luovalla alalla. Sanasta "taiteilija" muodostuu adjektiivi "taiteellinen", joka luonnehtii henkilöä luovien kykyjen omaavana tai taiteellisen alan lahjakkaana.
Taiteilijaa voidaan myös kutsua taiteilijaksi suppeassa merkityksessä: taidemaalari, kuvanveistäjä, arkkitehti, kaivertaja. Sanaa "taiteilija" ei tunnettu muinaisina aikoina. Kreikkalaiset ja roomalaiset ymmärsivät tämän sanan alla kaksi ilmaisua. Taiteilija voi siis olla sekä taiteilija-taiteilija että käsityöläinen.
Nykymaailmassa on vaikea vetää tiettyä rajaa, joka voisi määrittää, mihin taiteellinen toiminta päättyy ja käsityö alkaa. Siksi sana "taiteilija" on käsite, joka joskus viittaa yhden tai toisen alan mestareita tuoden heidän työhönsä hieman makua ja ymmärrystä elegantista.
Tämän käsitteen alkuperä
Taiteilijoiden esi-isät olivat kummallista kyllä shamaaneja ja velhoja. Juuri tällaisen toiminnan edustajat osoittautuivat ensimmäisiksi ihmisiksi, jotka lauloivat lauluja ja esittelivät erilaisia tanssiliikkeitä, reinkarnoituen klaanin - toteemieläinten - suojelijaksi. On kuitenkin syytä huomata, että shamaanit ja velhot eivät tehneet erityisiä ponnisteluja herättääkseen myötätuntoa aikalaistensa keskuudessa, koska heidän päätavoitteensa oli saada yhteys toiseen maailmaan.
Osoittautuu, että sisäisen sisältönsä mukaan sanaa "taiteilija" voidaan soveltaa jokaiseen, joka haluaa millä tahansa tavalla antaa vaikutelman kauneudesta, armollisuudesta tai harmoniasta. Samalla ei ole väliä, onko idea ruumiillistuvasta kauneudesta henkilökohtainen luomus ja osoitus tietyn henkilön lahjakkuudesta vai onko se esimerkki taitavasta jäljittelystä.
Taiteilija tai näyttelijä
Molemmat termit tulevat ranskasta. Ne ovat tietysti yhteydessä toisiinsa. Kuitenkin ajatella, että ne ovat synonyymejä, on virheellinen oletus.
Näyttelijä on siis henkilö, jolla on ammatti, jota voidaan soveltaa teatterin näyttämöllä, elokuvakehyksessä tai mainosvideossa. Näyttelijät esiintyvät eri rooleissa.
Konsonanttisanojen vertailu
Näyttelijän tärkein erottuva piirre on hänen kapea erikoistuminen. Henkilö on yksinomaan sitoutunut roolien suorittamiseen. Hän voi esittää sekä komedian että traagisen roolin. Näyttelijällä on oltava kyky esiintyä mestarillisesti ja sopia täydellisesti tietyn sankarin kuvaan. Ulkoisesti tällainen muutos tapahtuu onnistuneen meikin ja pukuvalinnan avulla. Näyttelijillä on oltava oikeat ominaisuudet menestyäkseen.
On kuitenkin syytä huomata, että henkilöä, joka on saavuttanut korkeuksia luovassa toiminnassaan, kutsutaan taiteilijaksi. Tämä sana sisältyy aina kunnianimikkeeseen.