5 nombres de musicales y sus autores. Los musicales más famosos Romeo y Julieta. Del odio al amor

El musical es en el que canciones, música, diálogos y coreografías se entrelazan de manera asombrosa. Este es un género relativamente joven que estuvo muy influenciado por la opereta, el burlesque, el vodevil, etc. Por su espectacularidad, el musical es considerado uno de los géneros teatrales más comerciales, y por la complejidad del proceso de puesta en escena, se gasta mucho más dinero. gastado en ello.

La historia del surgimiento de un nuevo género musical.

Se considera que el punto de partida de este género es 1866, cuando se representó en el escenario de Broadway el primer musical, Black Crook, en el que se entrelazaron el melodrama, el ballet romántico y otros géneros. Desde entonces, la lista de musicales se ha actualizado constantemente con nuevas actuaciones. De lo dicho anteriormente se deduce que América es la cuna de este género. A principios del siglo XIX, los compositores estadounidenses J. Kern, J. Gershwin, Col Porter le dieron al género musical un sabor verdaderamente estadounidense: las notas de jazz eran visibles en los ritmos de las melodías, los libretos se volvieron más complejos, aparecieron giros estadounidenses. en la letra, etc. En 1932, el caso logró altos premios. George Gershwin fue premiado por el musical "Canto sobre ti". Las actuaciones más famosas que se incluyen en la lista de musicales, por supuesto, son "West Side Story" (compositor L. Bernstein) basada en la tragedia de Shakespeare "Romeo y Julieta". ” y “Jesus Christ - Superstar” con la música del compositor Andrew Lloyd Webber. Este talentoso compositor es también autor de otros musicales igualmente, y quizás más famosos: “Cats” y “The Phantom of the Opera”.

Mejores musicales: lista según AFI

En 2006, el American Film Institute publicó una lista de los mejores musicales estadounidenses de los últimos 100 años. Aquí está la lista para usted:

1. "Calle 42" - (1933).
2. "Cilindro" (1935).
3. "Teatro flotante" (1936).
4. "El mago de Oz" (1939).
5. "Yanqui Dudel Dandy" (1942).
6. “¿Me verás en St. Louis?” (1944).
7. "Despedida a la ciudad" (1949).
8. "Un americano en París" (1951).
9. "Cantando bajo la lluvia" (1952).
10. "Camioneta de teatro" (1953).
11. "Siete nueras para siete hermanos" (1954).
12. "Niños y muñecas" (1955).
13. "El rey y yo" (1956).
14. "Historia del lado oeste" (1961).
15. "Mi bella dama" (1964).
16. "El sonido de la música" (1965).
17. "Chica divertida" (1968).
18. Cabaret (1972).
19. "Todo ese jazz" (1979).
20. "La Bella y la Bestia" (1991).

A pesar de que, según muchos, la edad de oro de los musicales ha quedado atrás, en los últimos 13 años, Hollywood ha producido muchas películas excelentes en este género. Aquí hay una lista de musicales que se consideran los mejores del siglo XXI.

1. "Bailando en la oscuridad" (2000).
2. Moulin Rouge (2001).
3. Chicago (2002).
4. "El fantasma de la ópera" (2004).
5. "La Bohemia" (2005).
6. "Encantada" (2007).
7. "Mamá mía" (2008).
8. "Burlesque" (2010).
9. "Los Miserables" (2012).
10. "Diosa" (2013).

Musicales franceses: lista de las mejores actuaciones.

Hasta 1958 se consideraba un género exclusivamente estadounidense, pero este año se llevó a cabo en Londres con triunfo la representación Los Miserables basada en la obra de V. Hugo. La música fue compuesta por Claude Michel Schonberg. Otra obra de esta compositora, Miss Saigon, basada en la ópera Madama Butterfly, fue un éxito en los escenarios parisinos. La lista de musicales incluye producciones de “Starmania-Starmania” (Michel Berger), “Romeo y Julieta” (Gerard Presgurvik), “Notre Dame de Paris” (Riccardo Coccante), “Mozart” (Kunze and Levay) y otros.

musicales rusos

El musical más popular en Rusia durante muchos años ha sido y sigue siendo la maravillosa ópera rock Juno and Avos. Esta es quizás la obra más poderosa del compositor A. Rybnikov. Hoy en día, los mejores musicales rusos se consideran "Nord-Ost", "Metro", en los últimos años, las obras traducidas al ruso por "Notre Dame de Paris", "Chicago", "Cats", etc. se han presentado en el escenario ruso.

1. "Mi hada dama" (Mi hada dama) (1956)

Frederic Lowe (música) y Alan Jay Lerner (libreto y letra), luego de analizar el material dramático de la obra "Pygmalion" de Bernard Shaw, decidieron escribir un musical. La trama del musical repite en gran medida la obra de Shaw, la historia de la transformación del personaje principal de una florista vulgar a una joven encantadora.

El profesor de fonética Henry Higgins hace una apuesta con su colega lingüista, el coronel Pickering: se compromete a convertir a una florista londinense llamada Eliza Doolittle en una verdadera dama. Eliza se muda a la casa del profesor, aprender no es fácil, pero, al final, comienza a progresar. En el baile de la embajada, Eliza aprueba el examen con brillantez. El final del musical es optimista: Eliza regresa con su maestra Higgins.

El musical se estrenó el 15 de marzo de 1956. El estreno en Londres tuvo lugar en abril de 1958. El papel de Higgins fue interpretado por Rex Harrison, y Eliza fue interpretada por Julie Andrews. El espectáculo se hizo muy popular de inmediato, las entradas se agotaron con seis meses de anticipación. Sin embargo, el éxito arrollador del musical fue una completa sorpresa para sus creadores.

El musical se representó 2.717 veces en Broadway y 2.281 veces en Londres, se tradujo a once idiomas, incluido el hebreo, y se representó con éxito en más de veinte países. El musical recibió 6 premios Tony. El elenco original de Broadway registró más de cinco millones de copias vendidas, y la película del mismo nombre de George Cukor se estrenó en 1964. Warner Brothers pagó un récord de 5,5 millones de dólares por los derechos cinematográficos del musical. El papel de Eliza fue para Audrey Hepburn, y Rex Harrison pasó con éxito del escenario a la pantalla grande. La película estuvo nominada al Oscar y recibió ocho de las 12 estatuillas.

El musical "My Fair Lady" sigue siendo amado por el público y gracias al productor Cameron Mackintosh y al director Trevor Nunn, el espectáculo ahora se puede ver en Londres.

2. "El sonido de la música" (El sonido de la música) (1959)

En 1958, los guionistas estadounidenses Howard Lindsay y Russell Cruz, junto con el productor Richard Halliday y su esposa, la actriz Mary Martin, se unieron para trabajar en una obra basada en la película alemana The Von Trapp Family. La película cuenta la historia de una familia austriaca que, huyendo de la persecución nazi, se vio obligada a abandonar su tierra natal e irse a América. La historia no fue inventada: la película se basó en un libro escrito por Maria von Trapp, participante directa en los eventos descritos.

Mary Martin era una estrella del teatro musical, y aunque esta vez se trataba de una actuación dramática, no podía negarse el placer de actuar como cantante. Inicialmente, los autores pretendían utilizar canciones folklóricas e himnos religiosos del repertorio de la familia von Trapp para el diseño musical de la producción. Sin embargo, Mary quería interpretar una canción escrita especialmente para ella. El compositor Richard Rogers y el libretista Oscar Hammerstein ayudaron a Martin en esto. Compusieron números musicales completamente nuevos, convirtiendo la obra en el musical "The Sound of Music".

El 16 de noviembre de 1959 se estrenó en Broadway. La obra fue dirigida por David Jay Donahue. El papel principal, por supuesto, fue interpretado por Mary Martin, el papel del Capitán von Trapp - Theodor Bickel. El público, enamorado de Mary Martin, luchó por entrar en el musical, que le proporcionó excelentes honorarios.

The Sound of Music se reprodujo 1.443 veces y ganó 8 premios Tony, incluido el de Mejor Musical, y el álbum original ganó un Grammy. En 1961, el musical realizó una gira por los Estados Unidos y ese mismo año se inauguró en Londres, donde estuvo al aire durante más de seis años, convirtiéndose así en el musical estadounidense de mayor duración en la historia del West End.

En junio de 1960, 20th Century Fox adquirió los derechos cinematográficos por 1,25 millones de dólares. La trama de la película era algo diferente a la historia narrada en la obra, pero fue en esta versión que La novicia rebelde ganó fama mundial. La película tuvo su estreno mundial en Nueva York el 2 de marzo de 1965. La imagen fue nominada a un Oscar en 10 categorías, de las cuales ganó cinco.

La adaptación cinematográfica no se convirtió en la última página de la historia del musical, todavía es amada por el público y se presenta en todo el mundo. En la década de 1990, el programa se pudo ver en el Reino Unido, Sudáfrica, China, los Países Bajos, Suecia, Islandia, Finlandia, Perú, Israel y Grecia.

3. "Cabaret" (Cabaré) (1966)

La base literaria de esta actuación legendaria fueron las Historias de Berlín sobre Alemania de Christopher Isherwood a principios de la década de 1930 y la obra de teatro I Am the Camera de John Van Druten. El musical cuenta el romance del joven escritor estadounidense Cliff Bradshaw y la cantante del cabaret de Berlín "Kit-Kat Club" Sally Bowles.

En Berlín en la década de 1930, el destino de un joven inglés Brian Roberts, un aspirante a escritor obligado a ganar dinero extra con lecciones, se tambalea. Conocer a la cantante de cabaret estadounidense Sally le da a Brian una experiencia fresca e inolvidable. El escritor y la cantante se enamoraron, pero están destinados a sobrevivir a la separación. Sally se niega a ir a París con su amado, Cliff deja Berlín con el corazón roto. Cabaret, último refugio del espíritu de libertad, se llena de gente con esvásticas en las mangas...

El estreno tuvo lugar el 20 de noviembre de 1966. La producción fue dirigida por el famoso director de Broadway Harold Prince, John Kantser escribió la música, las letras de las canciones - Fred Ebb, el libreto - Joe Masteroff. El elenco original incluía a Joel Gray (animador), Jill Haworth (Sally), Bert Convy (Cliff) y otros.

La producción resistió 1.165 funciones y recibió 8 premios Tony, incluida la nominación a Mejor Musical. En 1972, se estrenó Cabaret de Bob Fossey con Joel Gray (animador), Liza Minnelli (Sally) y Michael York (Bryan). La película recibió ocho premios Oscar.

En 1987, Joel Gray volvió a desempeñar el papel de animador en la reactivación del espectáculo. En 1993, en Londres, y cinco años más tarde, en Broadway, se inauguró una producción completamente nueva de "Cabaret", creada por el director Sam Mendes. Esta versión de la obra también ha recibido numerosos premios. El musical pasó por alrededor de 2377 funciones y 37 vistas previas y se cerró el 4 de enero de 2004.

4. "Jesucristo– Superestrella" (Jesucristo Superestrella) (1971)

"Jesucristo" fue concebida por Andrew Lloyd Webber (música compuesta) y Tim Rice (libreto) no como un musical tradicional, sino como una ópera completa escrita en un lenguaje musical moderno, observando todas las tradiciones operísticas (aria del héroe, coro, el aria de la heroína, etc.). d.). A diferencia de los musicales tradicionales, no hay piezas dramáticas en "Jesucristo", todo se basa en voces y recitativos. La combinación de música rock con motivos clásicos, el uso de vocabulario moderno en las letras, su alta calidad, el llamado principio cantado (toda la historia se cuenta exclusivamente a través de canciones, sin el uso de diálogos no cantados) hizo que "Jesús Christ Superstar" un verdadero éxito.

El musical "Jesucristo Superestrella" cuenta la historia de los últimos siete días de la vida de Jesús de Nazaret, vistos a través de los ojos de su discípulo Judas Iscariote, desilusionado con lo que se habían convertido las enseñanzas de Cristo. La trama cubre el período desde la entrada de Jesús en Jerusalén hasta su ejecución en el Gólgota.

La ópera se escuchó por primera vez en forma de álbum en 1970, en el que el papel principal fue interpretado por Ian Gillan, quien es el vocalista de la "composición dorada" de Deep Purple, el papel de Judas fue interpretado por Murray Head, Mary Magdalene de Yvonne Elliman. En el escenario de Broadway, el musical se mostró por primera vez en 1971. Algunos críticos creen que Jesús fue retratado como el primer hippie de la tierra. La producción de Broadway solo duró 18 meses.

Se creó una nueva producción del musical en el teatro de Londres en 1972, el papel de Jesús fue interpretado por Paul Nicholas, Judas - Stephen Tate. Esta producción tuvo más éxito, se presentó en el escenario durante ocho años y se convirtió en el musical de mayor duración. El director estadounidense Norman Jewison realizó un largometraje basado en la obra en 1973. En 1974 la película ganó un Oscar a la Mejor Música. Además de buena música y voces, la película es interesante por su interpretación inusual del tema de Cristo, que es una alternativa al cristianismo ortodoxo.

Uno de los musicales más famosos, también llamado ópera rock, generó mucha polémica y se convirtió en obra de culto para toda una generación de hippies, sin perder su actualidad en la actualidad. "Jesucristo Superstar" se ha traducido a varios idiomas, se ha presentado muchas veces y se ha presentado durante más de 30 años en Australia, Nueva Zelanda, Hungría, Bulgaria, Francia, Suecia, Estados Unidos, México, Chile, Panamá, Bolivia, Alemania, Japón y Reino Unido.

5. "Chicago" (Chicago) (1975)

El 11 de marzo de 1924 en Chicago, Illinois, el Chicago Tribune publicó un artículo de la periodista Maureen Dallas Watkins sobre cierta actriz de variedades que había matado a su novio. Debido a que las historias de crímenes sexuales eran especialmente populares entre los lectores, apareció otro artículo de Watkins el 3 de abril de 1924. Esta vez se trataba de una mujer casada que le disparó a su amante. El revuelo que acompañó a estas y otras historias de crímenes causó una profunda impresión en Maureen. Más tarde, dejando el periódico, se fue a estudiar arte dramático a la Universidad de Yale. Fue allí, como tarea educativa, que escribió la obra "Chicago".

El 30 de diciembre de 1926, Chicago abrió en Broadway. La obra soportó 182 funciones, en 1927 se rodó la película del mismo nombre y en 1942 se estrenó la película "Roxy Hart", dirigida por William Velman con Ginger Rogers en el papel principal.

Bob Fossey, el famoso coreógrafo y director de Broadway, no podía pasar por alto tal trama. Fossey trajo al compositor John Kander y a los libretistas Fred Ebb y Bob Fossey para implementar el proyecto. La partitura de "Chicago" es una estilización brillante de los éxitos estadounidenses de finales de los años 20, y en cuanto a la forma en que se presenta el material musical y su tema, "Chicago" se acerca mucho al vodevil.

Esta es la historia de la bailarina del cuerpo de ballet Roxie Hart, quien asesinó a su amante a sangre fría. Una vez en prisión, Roxy conoce a Velma Kelly y otros asesinos. Roxy es ayudada por el director de la prisión, Matron Mama Morton, y el astuto abogado Billy Flynn. La corte encuentra a Roxy inocente, pero esto no le trae alegría. En la escena final del musical, el artista anuncia el debut del "dúo de dos brillantes pecadores", las reinas del crimen de Chicago, Velma Kelly y Roxie Hart. Se abrieron paso en el mundo del espectáculo.

El musical se estrenó en el 46th Street Theatre el 3 de junio de 1975, con Gwen Verdon como Roxy, Chita Rivera como Velma y Jerry Orbach como Billy. Chicago solo abrió en el West End en 1979. Esta producción no tuvo nada que ver con la actuación de Bob Fossey. Después de 898 funciones en Broadway y 600 funciones en el West End, el espectáculo fue cancelado. En 1996, el espectáculo fue revivido bajo la dirección de Walter Bobby y la coreógrafa Ann Rinking. Las cuatro funciones realizadas en el City Center fueron recibidas con tal entusiasmo que los productores del espectáculo decidieron trasladarlo a Broadway. El elenco incluía a Ringing como Roxy, Bebe Neuwirth como Velma, James Naughton como Billy Flynn y Joel Gray como Amos. "Chicago" recibió seis premios Tony, así como un premio Grammy al mejor álbum.

En 1997, el musical se estrenó en el Teatro Adelphi de Londres. Chicago London ganó el premio Laurence Olivier al mejor musical y Ute Lemper a la mejor actriz en un musical. La actuación fue remasterizada en Canadá, Australia, Singapur, Hong Kong, Holanda, Argentina, Alemania, Suecia, México, Japón, Suiza, Austria, Portugal y Rusia.

A finales de 2002, el estudio de cine Miramax estrenó una adaptación cinematográfica del musical con Catherine Zeta-Jones (Velma), Renee Zellweger (Roxy) y Richard Gere (Billy Flynn), dirigida y coreografiada por Rob Marshall. La película "Chicago" fue recibida con entusiasmo por el público y fue galardonada con el "Globo de Oro" en la categoría "Mejor Musical o Comedia". Además, la imagen fue nominada al Oscar en 12 nominaciones, de las cuales ganó seis.

6. "Evita" (Evita) (1978)

En octubre de 1973, Tim Rice conducía un automóvil y accidentalmente escuchó el final de una transmisión de radio. El programa trataba sobre Evita Perón, la esposa del dictador argentino Juan Perón, y esta historia interesó al poeta. Tim Rice sintió que la historia de la vida de Eva bien podría ser el tema de un nuevo musical. Su coautor, Lloyd Webber, no estaba entusiasmado con la idea, pero después de reflexionar, estuvo de acuerdo.

Rice estudió en detalle la biografía del personaje principal de su futuro musical, paseando por bibliotecas de Londres y viajando a Argentina, donde escribió la mayor parte de la historia. "Evita" combina varios estilos musicales, la partitura incluye motivos latinoamericanos. Tim Rice introduce a un narrador, un tal Che (cuyo prototipo es Ernesto Che Guevara), en el musical.

En el verano de 1976, las primeras grabaciones de demostración de un nuevo musical de Andrew Lloyd Webber y Tim Rice se presentaron a los invitados en el primer Festival de Sidmonton. Pronto el estudio "Olympic" comenzó a grabar el álbum. El papel de Evita fue interpretado por la actriz Julie Covington, el joven cantante Colm Wilkinson se convirtió en el Che y Perón fue interpretado por Paul Jones. El álbum fue un gran éxito. Ya tres meses después de su lanzamiento, el número de copias vendidas era de 500 mil, e incluso en Argentina, donde el disco estaba prohibido, toda familia que se precie consideró necesario adquirirlo.

El famoso director Hal Prince comenzó a trabajar en la producción. Elaine Page se convirtió en la nueva Evita, y el famoso cantante de rock David Essex fue invitado a interpretar el papel del Che. Evita se estrenó el 21 de junio de 1978. La obra fue un gran éxito y recibió el premio West End Theatre Society al "Mejor musical de 1978", Elaine Page recibió el premio al Mejor actor en un musical. El disco de la formación original londinense de Evita se convirtió en oro en las primeras semanas después de salir a la venta.

El 8 de mayo de 1979 se inauguró Evita en Los Ángeles. Cuatro meses después del estreno estadounidense, el 21 de septiembre de 1979, el mismo elenco actuó por primera vez en Broadway. "Evita" se ganó los corazones del público y recibió 7 premios "Tony".

Después del éxito en Broadway, el musical se representó en una gran cantidad de países: Australia, España, México, Austria, Japón, Israel, Corea, Sudáfrica, Hungría. El rodaje comenzó veinte años después del nacimiento de Evita. La dirección estuvo a cargo de Alan Parker, Madonna interpretó a Eva Perón, la estrella de cine española Antonio Banderas fue invitada a interpretar el papel del Che, el actor británico Jonathan Pryce interpretó a Perón. Especialmente para la película, se escribió una nueva canción: "Debes amarme", que trajo a sus autores "Oscar".

7. "Los Miserables" (Los Miserables) (1980)

La novela Los Miserables de Victor Hugo recibió su segundo nacimiento en un musical creado por el compositor Claude-Michel Schonberg y el libretista Alain Boublil. El trabajo en el musical duró dos años y, finalmente, se grabó un boceto de dos horas del futuro musical. Con la ayuda del libretista Jean-Marc Nathel, este boceto se convirtió en un álbum conceptual, que se lanzó en 1980 y vendió 260.000 copias. El sello distintivo del musical era un grabado que representaba a una pequeña Cosette.

La versión teatral fue presentada a los parisinos el 17 de septiembre de 1980 en el Palais des Sports. A la actuación asistieron más de medio millón de personas. Maurice Barrier interpretó el papel de Jean Valjean, Jacques Mercier - Javert, Rose Laurence - Fantine, Marie - Eponina, Fabienne Guyon - Cosette.

En 1982, el joven director Peter Ferago, a quien le gustaba mucho el álbum conceptual Les Misérables, llamó la atención del productor británico Cameron Mackintosh. McIntosh convirtió el proyecto en un espectáculo de la más alta calidad. Un fuerte equipo trabajó en la creación de la nueva versión del musical "Los Miserables": los directores fueron Trevor Nunn y John Kead, el texto en inglés fue compuesto por Herbert Kretzmer en estrecha colaboración con los creadores del musical. La actuación se representó en el Barbican Theatre bajo los auspicios de la Royal Shakespeare Company. El estreno de la nueva versión del musical tuvo lugar el 8 de octubre de 1985. La producción más "larga" del musical "Los Miserables" se enorgullece del Palace Theatre de Londres. En total, la actuación se representó en este teatro más de seis mil veces.

En 1987, Los Miserables cruzaron el Atlántico y se instalaron en Broadway, iniciando así su marcha triunfal alrededor del mundo. A pesar de que el musical ya tiene más de veinte años, no abandona los escenarios y sigue siendo muy popular en todo el mundo. Les Misérables se ha traducido a muchos idiomas: japonés, hebreo, húngaro, islandés, noruego, alemán, polaco, sueco, holandés, danés, checo, español, mauritano, criollo, flamenco, finlandés, portugués. En total, el musical "Los Miserables" fue visto por residentes de doscientas ciudades en treinta y dos países del mundo. La creación de Alan Boublil y Claude-Michel Schonberg fue vista por más de 20 millones de espectadores en todo el mundo.

8. "Gatos" (Gatos) (1981)

La base de "Cats" fue un ciclo de poemas infantiles de T.S. Old Possum's Book of Practical Cats de Eliot, publicado en 1939 en Inglaterra. Esta es una colección de bocetos irónicos de personajes y hábitos felinos, detrás de los cuales se adivinan fácilmente varios tipos humanos.

Andrew Lloyd Webber comenzó a escribir canciones basadas en la poesía de Eliot a principios de los 70. Para 1980, el compositor había acumulado suficiente material musical, que se decidió procesar en un musical. El show de gatos estaba destinado al éxito: los británicos son conocidos por su amor por estos animales. El equipo musical estaba formado por gente con talento: el productor Cameron Mackintosh, el director Trevor Nunn, el escenógrafo John Napier y la coreógrafa Gillian Lynn.

Cuando se trataba de la puesta en escena de las canciones de Webber, el principal problema al que se enfrentaban los creadores del musical era la falta de trama. Afortunadamente, gracias a la viuda de T. S. Eliot, Valerie, los autores dispusieron de cartas y borradores del poeta, de los que poco a poco fueron sacando ideas para el esquema argumental de la obra.

Había requisitos especiales para los actores del musical: no solo tenían que cantar bien y tener una dicción perfecta, sino también ser extremadamente plásticos. En el Reino Unido, no fue fácil reclutar una compañía de 20 personas, por lo que la alineación de los artistas incluyó el estreno del Royal Ballet Wayne Sleep, y el cantante pop Paul Nicholas, y la actriz Elaine Paige, y la joven cantante y bailarina. Sarah Brightman.

En el teatro "Cats", creado por el diseñador John Napier, no hay cortina, la sala y el escenario son un solo espacio, y la acción no se desarrolla desde el frente, sino desde toda la profundidad. El escenario está diseñado como un basurero y es una montaña de basura pintoresca, el escenario está equipado con electrónica sofisticada. Los actores se transforman en elegantes gatos con capas de maquillaje, leotardos pintados a mano, pelucas de pelo de yak, cuellos de piel, colas y collares brillantes.

El musical se estrenó el 11 de mayo de 1981 en Londres y un año después se estrenó la obra en Broadway. Hasta su clausura el 11 de mayo de 2002, la función fue un gran éxito en Londres, ganándose el título de la producción teatral de mayor duración en la historia del teatro inglés (más de 6.400 representaciones). El musical "Cats" rompió todos los récords imaginables en los Estados Unidos. En 1997, después de 6.138 representaciones, el musical fue reconocido como el número uno en longevidad de Broadway. Más de 8 millones de personas han visto la producción londinense en 21 años y sus creadores han ganado 136 millones de libras esterlinas.

Durante su existencia, el musical se ha representado más de cuarenta veces, ha sido visitado por más de 50 millones de espectadores en treinta países, traducido a 14 idiomas y el monto total de las tarifas en este momento ha superado los $ 2,2 mil millones. Los premios de Cats incluyen el premio Laurence Olivier y el premio Evening Standard al mejor musical, siete premios Tony y el premio French Molière. Las grabaciones del elenco original de Londres y Broadway recibieron premios Grammy.

9. El fantasma de la ópera (1986)

El nacimiento del musical comenzó en 1984, cuando el compositor británico Andrew Lloyd Webber se casó con la joven actriz y cantante Sarah Brightman. Basado en la voz de Sarah, Lloyd Webber compuso "Requiem", pero quería mostrar el talento de su esposa en una obra más grande. Esta obra fue el musical “El Fantasma de la Ópera”, creado en base a la novela del mismo nombre del escritor francés Gaston Leroux. Esta es una historia oscura y romántica sobre una criatura sobrenatural que vivía en un calabozo debajo de la Ópera de París.

Sarah Brightman interpretó el papel del personaje principal: Christina Daae. La parte masculina principal fue interpretada por Michael Crawford. El papel del amante de Christina, Raúl, fue interpretado por Steve Barton en el elenco principal. El libreto fue escrito por Richard Stilgoe y Andrew Lloyd-Webber, la letra fue escrita por Charles Hart. La artista de teatro Maria Bjornson concibió la famosa máscara Phantom e insistió en que el infame candelabro que caía se bajara sobre la audiencia en lugar de sobre el escenario.

El musical se estrenó el 9 de octubre de 1986 en el Her Majesty's Theatre, en presencia de miembros de la familia real. La primera producción de Broadway de The Phantom se estrenó en el Majestic Theatre de Nueva York en enero de 1988. Se convirtió en la segunda obra de teatro de mayor duración en la historia de Broadway después de Cats, con 10,3 millones de espectadores.

Se han realizado más de 65.000 representaciones de El Fantasma en 18 países, incluidos Japón, Austria, Canadá, Suecia, Alemania y Australia. Las producciones de El Fantasma de la Ópera han recibido más de 50 prestigiosos premios, incluidos tres Premios Laurence Olivier y 7 Premios Tony, 7 Premios Drama Desk y el Premio Evening Standard. “El fantasma de la ópera” se ganó la simpatía de más de 58 millones de espectadores de todo el mundo. Casi 11 millones de personas ya la han visto solo en Nueva York, y más de 80 millones en todo el mundo.Los ingresos por venta de entradas para El Fantasma de la Ópera superaron los 3.200 millones de dólares.

10. "Mamma Mia" (Mamma Mia) (1999)

La idea de crear un musical original basado en canciones de ABBA pertenece a la productora Judy Kramer. La base del musical son 22 canciones del grupo. Dado que en el original todas las canciones eran interpretadas por mujeres, se ofreció como punto de partida la historia de madre e hija, sobre dos generaciones. Era necesario idear una historia digna de los famosos éxitos del cuarteto sueco. La escritora Katherine Johnson vino al rescate, escribiendo una historia sobre una familia que vive en las islas griegas. La historia no es menos interesante para el espectador que las canciones. Katherine pudo construir lógicamente las canciones en una sola historia, las canciones se dividen en diálogos y se colorean con nuevas entonaciones. La música fue escrita por Benny Anderson y Bjorn Ulvaeus y dirigida por Phyllida Lloyd.

"Mama Mia" es una comedia romántica irónica y moderna en la que aparecen dos líneas principales: una historia de amor y una relación entre dos generaciones. La trama de la actuación es un entretejido de situaciones de comedia, que se enfatizan con la música alegre de ABBA, los disfraces originales y los diálogos ingeniosos de los personajes. La esencia del proyecto se expresa en el logotipo característico "Mama Mia", la imagen de una novia feliz. Esta imagen se ha convertido en una marca reconocida internacionalmente.

Una joven, Sophie, está a punto de casarse. Quiere invitar a su padre a la boda para llevarla al altar. Pero ella no sabe quién es él, ya que su madre, Donna, nunca habló de él. Sophie encuentra el diario de su madre, en el que describe las relaciones con tres hombres. Sofía decide enviar invitaciones a los tres. Todas las cosas más interesantes comienzan a suceder cuando llegan los invitados a la boda... Mamá se casa al mismo tiempo que su hija.

La primera prueba del musical "Mama Mia" tuvo lugar el 23 de marzo de 1999, cuando se realizó la proyección previa al estreno en Londres. Luego, la reacción de la audiencia podría describirse en una palabra: alegría: la gente en la sala no se sentó en sus asientos por un minuto, bailaron en los pasillos, cantaron y aplaudieron. El estreno tuvo lugar el 6 de abril de 1999.

Tras la producción londinense, el musical "Mama Mia" se representa en paralelo en 11 lugares diferentes del mundo. 11 producciones mundiales recaudan más de $8 millones por semana. Más de 27 millones: el número total de espectadores de todo el mundo que visitaron el musical "Mama Mia". Más de 20.000 personas visitan el musical "Mama Mia" todos los días en todo el mundo.

1.600 millones de dólares de ingresos de taquilla en todo el mundo de Mama Mia.

Durante ocho años de contrato, el musical se representó en más de 130 ciudades importantes. El álbum que registra la primera producción de "Mama Mia" se convirtió en "platino" en Estados Unidos, Australia y Corea; doble platino en el Reino Unido y oro en Alemania, Suecia y Nueva Zelanda.

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Esta es probablemente la primera película que alguien recuerda con la palabra "musical". Además, es curioso que las canciones que sonaban en él no fueran, básicamente, escritas específicamente para esta película y se interpretaron antes, incluso en otras películas y musicales. El actor principal Gene Kelly también fue uno de los directores de la película, lo que le permitió, con su estatus de superestrella, hacer la película exactamente como él quería que fuera. Naturalmente, también cantó las canciones él mismo. Pero para la hermosa Debbie Reynolds (por cierto, la madre de "Princess Leia", Carrie Fisher), por si acaso, se contrató a una cantante profesional: la propia Reynolds cantaba y bailaba bien, pero era imposible correr riesgos. Como resultado, la película ocupó para siempre un lugar de honor entre las mejores películas musicales de la historia.

Si hablamos de valor cinematográfico, entre todas las pinturas nombradas, esta obra maestra de Lars von Trier es, por supuesto, la principal. Arriesgado, experimental (los números musicales fueron filmados por cien cámaras de video desde diferentes ángulos), cruel, inmediatamente se convirtió en un evento en todas partes excepto en la América conservadora, donde von Trier nunca fue favorecido en absoluto. Incluso una invitación a un cameo de Joel Gray, conocido por su papel como animador en Cabaret, no ayudó. La cantante Björk escribió sus mejores canciones para la película y las interpretó con Catherine Deneuve. Hollywood ignoró deliberadamente la película, ni siquiera le dio un Oscar a la mejor canción, pero, afortunadamente, Hollywood no es un decreto para gente inteligente. La película recibió el premio cinematográfico más prestigioso del mundo, la Palma de Oro, y aunque desde entonces Björk se ha negado incluso a hablar con von Trier, también recibió el premio de Cannes a la mejor actriz gracias a él.

Uno de los mejores cuentos de hadas del cine musical, e incluso con canciones escritas e interpretadas por el mismísimo David Bowie. En la película, interpretó el papel del villano principal, que, en general, no es un villano en absoluto, sino un enamorado solitario e incluso romántico. Un mundo mágico, monstruos peludos, castillos con espacio retorcido: todo esto cobra vida bajo la increíble música de Bowie y naturalezas muertas.

Las canciones del grupo ABBA se han convertido durante mucho tiempo de éxitos pop de los años 70 en propiedad de la cultura universal. Por lo tanto, cuando se montó un musical sobre su material, no fue un truco comercial (aunque también lo fue para ellos), sino simplemente una admisión de lo obvio: ABBA ya no es solo ABBA. Por lo tanto, aunque las estrellas de Hollywood en combinación con las canciones del cuarteto sueco parecen salvajes al principio, rápidamente te acostumbras y comienzas a sentir un placer legítimo.

Parecía que a principios del siglo XXI, el musical de Hollywood había sido un género muerto durante mucho tiempo, y solo los experimentadores como von Trier se atrevieron a trabajar con él. Pero Baz Luhrmann les demostró a todos que esto no es así. Su producción masiva de una historia de amor ambientada en el infame cabaret francés resultó ser muy oportuna e increíblemente exitosa. Hollywood se dio cuenta de que el género necesitaba ser desarrollado.

Con un alcance enorme, el éxito de taquilla en color en su época fue un digno competidor de Lo que el viento se llevó. Aunque solo fuera porque la historia de Oz tenía más lectores de todos modos. La mejor actriz de Hollywood, Judy Garland, también protagonizó la película, y todavía es imposible no enamorarse de ella cuando interpreta sus papeles en esta película. En los EE. UU., esta película siempre figura entre las diez películas más significativas de todos los tiempos, y en todo el mundo, los espectadores de todas las edades todavía están felices de revisar esta imagen.

Uno de los mejores musicales de la historia. Las melodías de Michel Legrand se han vuelto populares desde hace mucho tiempo, nadie recuerda ni a su autor, ni a la película, ni al papel después del cual Catherine Deneuve se convirtió en una superestrella, ni al triunfo de la película en Cannes. Pero la música de los "Paraguas de Cherburgo" suena en todos los lugares donde hay amor, tristeza y romance. Por su bien, ven esta imagen muchas veces, llorando por el destino de héroes tan jóvenes y desafortunados.

Para los estándares de los espectadores de hoy, una película musical de tres horas, e incluso con una trama sin pretensiones y sin prisas, incluso incluyendo el tema del nazismo, parece un poco pesada. Porque este es un espectáculo de pantalla grande al que hay que dedicarle toda la noche. Ver a la encantadora Julie Andrews en esta gran pantalla, someterse a la belleza de su voz, y no solo a su voz. Entonces quedará claro por qué el comité de los Oscar entregó premios a la película no solo en las nominaciones "musicales", sino que la consideró la mejor película con el mejor director de 1966.

La imagen de Audrey Hepburn no encaja con la vendedora de flores del Pigmalión de Bernard Shaw. Pero la actriz logró "domar" su gracia y gracia inexpresables por un tiempo, para "liberarlas" nuevamente más tarde. Entonces surgió una de sus películas más famosas, donde, curiosamente, a la propia Hepburn casi no se le permitió cantar, aunque se preparó seriamente para esto. Pero muchos años después, cuando la película se estrenó en DVD, las bandas sonoras encontradas con su voz se pusieron a disposición del público en general.

El joven John Travolta, que baila maravillosamente y canta un poco menos bellamente, es la decoración principal de este musical. La imagen de un joven gamberro, cuyo corazón resulta ser más grande de lo que esperaba, conquistó a todas las chicas del planeta, a excepción de los espectadores soviéticos progresistas: simplemente no vieron la película.

Estilo, estilo y más estilo: eso es lo que hizo que el musical "Cabaret" dirigido por Bob Fossey fuera tan genial. La apasionante y compleja relación entre los héroes de Liza Minnelli y Michael York se desarrolla en Berlín a principios de los años 30. El espacio es lúgubre, opresivo, algo pervertido, descarado. Y la historia le queda bien. Esta no es una pequeña y agradable historia de amor, sino una cruda historia de varias tragedias personales entrelazadas donde el aborto, el rito judío y las personas que desaparecen misteriosamente del salón donde la heroína realiza sus zongs son de igual importancia.

La historia de Damien Chazelle es la encarnación viva del sueño americano. Desde el modesto cortometraje "Obsesión" sobre el ensayo de un baterista bajo la guía de un director sádico, hasta el metro completo del mismo nombre, del que se habló de inmediato en los círculos cinematográficos. Y después de eso, un musical increíblemente elegante con estrellas de Hollywood, que ya se considera el evento cinematográfico del año. Elegante, inteligente, precisa, no un espectáculo en pantalla, sino una película seria con números musicales. Esta es la historia que se está haciendo ante nuestros propios ojos.

Uno de los musicales más famosos del mundo durante muchos años no pudo ser trasladado a las pantallas de cine. Por lo tanto, miraron esta versión con mucho cuidado, burlándose de la voz de Gerard Butler, que venció las deficiencias de su voz con talento dramático. Pero Emmy Rossum en el papel principal se las arregló con delicadeza, al nivel de una buena cantante de ópera. Y aunque la película fracasó en la taquilla de Estados Unidos, igualmente pasó a la historia. Producción cara ya veces muy interesante.

Mujeres al borde de un ataque de nervios, un hombre muerto en la habitación de al lado y muchas canciones, bromas y bailes: ese es todo el musical de Francois Ozon. Que al mismo tiempo sigue siendo la obra más famosa de este director, y prácticamente no hay espectador que no vea esta película al menos varias veces. Porque todo en él es perfecto, incluidas, por supuesto, las mejores actrices francesas de diferentes generaciones.

Woody Allen y el musical son cosas incompatibles. Así como, por ejemplo, Tim Roth, Edward Norton, Natalie Portman y muchas otras estrellas que realmente no encajan en la cultura de la canción. Con eso contaba Allen el bromista. Y, como siempre, tenía razón: los fans del director recibieron la película muy favorablemente.

Para el público soviético, no cabe duda de qué Mary Poppins es mejor: prefieren por unanimidad la soviética interpretada por Natalya Andreichenko y se niegan a ver el musical de Disney que todo el mundo adora. Pero aquellos que se han superado a sí mismos no pueden entonces librarse de los motivos obsesivos de las canciones interpretadas por Julie Andrews y sus socios en la película. Juguetones, ingeniosos y, a veces, increíblemente tristes, son simples y hermosos, como esta adaptación en sí.

Tim Burton hizo cantar a todos: Johnny Depp, Helena Bonham Carter (también fue filmada embarazada), Sacha Baron Cohen, Alan Rickman - un musical sangriento, oscuro y muy dulce sobre el degüello con una navaja y "los peores pasteles de todo Londres". "que está hecho de seres humanos. Incluso el público que vio este musical en Broadway quedó algo desconcertado, pero luego aceptó la película como propia.

Para Judy Garland, esta película, una nueva versión de la película de 1937 protagonizada por el gran Adolphe Menjou, fue muy personal, ya que se hizo eco de los detalles de su propia biografía en muchos sentidos. Por eso, fue muy difícil para ella venir al rodaje: dicen que a veces hacía esperar al grupo durante varios días, incumpliendo los plazos y arriesgándose a quedar fuera del proyecto. El estudio no perdonó a la actriz: poco después del estreno de la película, se quedó sin trabajo. Pero durante mucho tiempo interpretó canciones de este musical en sus conciertos.

Después de un cuarto de siglo de exitosas producciones en Broadway, "Chicago" encontró una interpretación cinematográfica ejemplar de la mano del principal especialista actual en este género, Rob Marshall. Rene Zellweger, Catherine Zeta-Jones y Richard Gere cantaron para sus propios héroes, aunque claramente carecían de las habilidades vocales para esto, lo que provocó una reacción negativa de varios espectadores. Pero la Academia de Cine apoyó abiertamente la película, le otorgó 6 premios Oscar a la vez y la inscribió en la historia del cine estadounidense. Así que se quedó allí.

Luchador de gánsteres. Pero hay dos características. Primero: todos los mafiosos aquí cantan. En segundo lugar, todos son interpretados por niños pequeños cuyas ametralladoras disparan pasteles. Ver este musical de Alan Parker es increíblemente divertido, y la joven Jodie Foster se destaca claramente del resto de los otros actores talentosos aquí. Su femme fatale, incluso con ropa infantil, sigue siendo peligrosa y sexy.

Convertir la película principal de Federico Fellini, "8½", en un musical parece, a primera vista, un completo absurdo y, por lo tanto, la imagen de Rob Marshall tiene muchos oponentes, como, de hecho, todos sus otros trabajos. Daniel Day-Lewis no se parece en nada al refinado y cínico Marcello Mastroianni, y los acentos de Marshall están algo cambiados. Sin embargo, para cualquier conocedor del cine, esta película tiene especial importancia como reconocimiento al amor de un director por la obra de otro. Confesión muy colorida e inventiva.

La música de West Side Story fue escrita por el gran Leonard Bernstein, uno de los mejores directores de orquesta del siglo XX, conocedor de la música clásica, educador y simplemente una persona sobresaliente. Quizás por eso el musical suena tan perfecto que aún hoy se escucha, ha resistido muchas producciones en diferentes países. La trama es la historia de Romeo y Julieta, trasladada a las calles de Nueva York en los años 50, donde se muestran bandas callejeras en lugar de familias en guerra. La película es considerada una producción ejemplar de este musical, recibió 10 premios Oscar y es uno de los mejores ejemplos del género.

El caso cuando la película musical superó a Broadway durante medio siglo: esta trama "maduró" a la encarnación teatral solo en 1980. Mientras tanto, para su época, principios de los años 30, la trama era muy aguda y política, aunque solo fuera porque hablaba directamente sobre la dura realidad de la Gran Depresión. Como el sonido en el cine apenas estaba surgiendo, la banda sonora del musical se grabó con anticipación y los artistas solo tuvieron que actuar en sincronía con ella. Posteriormente, Hollywood hizo omnipresente esta práctica.

Un musical, o comedia musical, es una obra escénica en la que se mezclan canciones y diálogos, música y bailes. Los progenitores de este género son la opereta, el vodevil y el burlesque. Los musicales son una de las artes teatrales más comerciales. Esto se debe a su entretenimiento y costosos efectos especiales. Se cree que el primer musical se representó en 1866 en Nueva York y se llamó Black Crook.

El comienzo del siglo XX dio un impulso activo al desarrollo del género en Estados Unidos y los años 30, junto con el trabajo de los talentosos compositores Gershwin, Porter y Kern. Los años 60 trajeron nuevas ideas a los musicales, con el tiempo el número de representaciones comenzó a disminuir, pero la escenografía y el vestuario se volvieron más magníficos.

En 1985, los franceses rompieron el monopolio de los musicales de Estados Unidos e Inglaterra con Les Misérables. Hoy en día, los musicales, nacidos tímidamente en la URSS en los años 70, son populares en Rusia. Hablemos de las diez obras más famosas de este género en toda la historia de su existencia.

"Mi Bella Dama" Frederick Lowe, el compositor de la música, y Alan Lerner, el autor del libreto y la letra, se inspiraron para escribir el musical del drama "Pygmallion" de Bernard Shaw. No es de extrañar que la trama de su trabajo conjunto repita el drama de Shaw, que cuenta cómo el personaje principal, que originalmente era una florista ordinaria, se convierte en una joven encantadora. Según la trama del musical, durante la disputa entre el profesor de fonética y su amigo, el lingüista, se produjo tal transformación. Eliza Doolittle se mudó a la casa del científico para recorrer el difícil camino de la educación. Al final, en el baile de la embajada, la niña pasa el difícil examen con brillantez. El musical se estrenó el 15 de marzo de 1956. En Londres, la actuación se realizó solo en abril de 1958. Rex Harrison actuó como profesor-maestro y Julie Andrews obtuvo el papel de Eliza. El espectáculo ganó inmediatamente una gran popularidad, las entradas se agotaron con seis meses de antelación. Esto resultó ser una verdadera sorpresa para los creadores. Como resultado, la función se realizó 2717 veces en Broadway y 2281 veces en Londres. El musical se tradujo a once idiomas y se representó en más de veinte países. "My Fair Lady" ganó premios Tony. En total, se han vendido más de 5 millones de grabaciones del musical con su elenco original de Broadway. En 1964, se estrenó la película del mismo nombre y los jefes de Warner Brothers pagaron un récord de 5,5 millones de dólares por el derecho a filmar el musical. Eliza fue interpretada por Audrey Hepburn, y Rex Harrison se convirtió en su pareja, habiéndose mudado al cine desde el escenario. Y el éxito de la película fue abrumador: fue nominada a 12 premios Oscar y ganó 8 de ellos. El musical es tan querido por el público que ahora se puede ver en Londres.

"Sonidos de la música". La película alemana "Von Trapp Family" se convirtió en la base de este musical. En 1958, la idea fue trasladada del cine al escenario por los guionistas Howard Lindsay y Russell Cruz, el productor Richard Holliday y su esposa, Mary Martin, que era actriz. La imagen hablaba de una familia austriaca que, huyendo de los nazis, se fue a América. La trama de la película no fue inventada, se basó en el libro de Maria von Trapp, quien fue partícipe directa de aquellos hechos. La propia Mary Martin en ese momento era una celebridad del teatro musical, en este caso se trataba de un papel dramático serio. Sin embargo, la actriz no pudo negarse a actuar en un nuevo papel como cantante. Al principio, los autores decidieron arreglar la producción con la ayuda de canciones populares e himnos religiosos de la familia von Trapp. Sin embargo, Mary insistió en que estuviera presente una canción escrita específicamente para ella. Con la ayuda del compositor Richard Rogers y el libretista Oscar Hammerstein, aparecieron nuevos números musicales en la obra y nació el musical. Se estrenó en Broadway el 16 de noviembre de 1959. El socio de Mary Martin fue Theodor Bickel, quien interpretó el papel del Capitán von Trapp. Mary Martin fue tan popular que el público estaba ansioso por ver el estreno del musical con su participación, proporcionando generosas tarifas. The Sound of Music ganó 8 premios Tony y se reprodujo 1443 veces. El álbum original incluso ganó un Grammy. En 1961, el musical inicia su gira por Estados Unidos, al mismo tiempo que se inaugura el espectáculo en Londres, donde se representa durante 6 años, convirtiéndose en el musical estadounidense de mayor duración en la capital de Inglaterra. En junio de 1960, los cineastas de 20th Century Fox compraron los derechos cinematográficos de la producción por 1,25 millones de dólares. Aunque la trama de la película era diferente de la obra, fue él quien le dio a "Sonrisas y lágrimas" una verdadera fama mundial. La película se estrenó el 2 de marzo de 1965 en Nueva York y ganó 5 de los 10 premios Oscar a los que estuvo nominada. Posteriormente, se hicieron más intentos de filmar el musical, pero esto no impidió su popularidad como actuación independiente. En la década de 1990, The Sound of Music se jugó en Grecia e Israel, Finlandia y Suecia, Perú y China, Islandia y los Países Bajos.

"Cabaret". Para esta actuación legendaria, se tomaron como base las "Historias de Berlín" de Christopher Isherwood, que narran la vida en Alemania a principios de los años 30. Otra parte de la historia proviene de la obra de teatro I Am the Camera de John Van Druten, sobre la historia de amor entre un joven escritor estadounidense y la cantante de cabaret berlinesa Sally Bowles. El destino trajo al joven Brian Roberts, un aspirante a escritor, pluriempleado con lecciones en la capital de Alemania a principios de los años 30. Aquí conoce a Sally, se enamora de ella, obteniendo un montón de sensaciones nuevas e inolvidables. Solo que ahora el cantante se niega a seguir al chico a París, rompiéndole el corazón. El cabaret, que alguna vez fue un símbolo de libertad, poco a poco comienza a llenarse en el transcurso de la acción con personas con una esvástica en la manga... El estreno del musical tuvo lugar el 20 de noviembre de 1966. La producción estuvo a cargo del famoso director de Broadway Harold Prince. Música de John Kanzer con letra de Fred Ebb y libreto de Joe Masteroff. El elenco original presentaba a Joel Gray como animador, Jill Haworth como Sally y Bert Cliff como Cliff. La producción soportó 1165 funciones, recibiendo todos los mismos 8 Tonys. En 1972 se estrenó la película "Cabaret" dirigida por Bob Foss. Joel Gray interpretó el mismo papel, pero Liza Minnelli encarnó brillantemente a Sally, mientras que Michael York interpretó a Brian. La película recibió 8 premios Oscar. Una versión actualizada del musical apareció ante la audiencia en 1987, ¿y dónde sin Joel Gray? Pero en 1993 en Londres y 1998 en Broadway, el nuevo musical "Cabaret", dirigido por Sam Mendes, ya había iniciado su propio viaje. Y esta versión ha recibido numerosos premios, siendo presentada 2377 veces. El musical finalmente se cerró el 4 de enero de 2004, ¿por cuánto tiempo?

"Jesucristo Superestrella". La música de la obra fue escrita por el legendario Andrew Lloyd Weber, y Tim Rice creó el libreto. Inicialmente, se planeó crear una ópera completa, utilizando un lenguaje musical moderno y todas las tradiciones relevantes: las arias de los personajes principales deberían haber estado presentes. La diferencia entre este musical y el tradicional es que no hay elementos dramáticos, todo se basa en recitativos y voces. Aquí, la música rock se combina con la historia clásica, se usa vocabulario moderno en las letras y toda la historia se cuenta exclusivamente a través de canciones. Todo esto convirtió a "Jesus Christ Superstar" en un súper éxito. La historia trata sobre los últimos siete días de la vida de Jesús, que transcurren ante los ojos de Judas Iscariote, defraudado por las enseñanzas de Cristo. La trama comienza con la entrada de Jesús en Jerusalén y termina con su ejecución. La ópera se interpretó por primera vez en forma de álbum en 1970, en el que el papel principal lo interpretó el vocalista de Deep Purple, Ian Gillan. Murray Head interpretó el papel de Judas y Yvonne Elliman hizo la voz de María Magdalena. En 1971, el musical apareció en Broadway. Muchos notan que en la producción, Jesús es retratado como el primer hippie del planeta. La producción duró solo un año y medio en el escenario, pero recibió un nuevo aliento en Londres en 1972. El papel principal fue interpretado por Paul Nicholas, y Stefan Tate encarnó a Judas. Esta versión del musical tuvo más éxito y duró ocho años completos. Basado en el trabajo, como de costumbre, el director Norman Jewison también filmó un largometraje. El Oscar en 1973 a la mejor música fue para este trabajo en particular. La película es interesante no solo por su excelente música y voz, sino también por su inusual interpretación del tema de Jesús, que aparece bajo una luz tradicional alternativa. Este musical suele denominarse ópera rock, la obra ha generado mucha polémica y se ha convertido en un culto para la generación hippie. "Jesus Christ Superstar" sigue siendo relevante hoy y se ha traducido a muchos idiomas. Durante más de 30 años, el musical se ha representado en todo el mundo: en escenarios de Australia, Japón, Francia y México, Chile y Alemania, Gran Bretaña y Estados Unidos.

"Chicago". El musical se basó en un artículo del Chicago Tribune fechado el 11 de marzo de 1924. La periodista Maureen Watkins habló sobre una actriz de programas de variedades que mató a su amante. En aquellos días, las historias sobre delitos sexuales eran muy populares, no es de extrañar que Watkins siguiera escribiendo sobre temas similares. El 3 de abril de 1924 apareció su nuevo artículo sobre una mujer casada que le disparó a su novio. Estas historias de crímenes fueron acompañadas de una sensación notable, que tuvo un impacto en Maureen, quien finalmente dejó el periódico y comenzó a estudiar derecho en la Universidad de Yale. Fue allí donde una mujer, como tarea educativa, creó la obra "Chicago". El día anterior al inicio de 1927 se llevó a cabo el estreno de la obra "Chicago" en Broadway, resistió 182 representaciones, en 1927 y en 1942 se realizaron películas basadas en la obra. El renacimiento de la trama lo dio Bob Foss, el famoso director y coreógrafo de Broadway. Atrajo al compositor Dojn Kander, y él y Fred Ebb trabajaron en el libreto. La partitura de "Chicago" en sí era una estilización brillante de los éxitos estadounidenses de los años 20, y la presentación del material musical era similar al vodevil. La historia habla de la bailarina del cuerpo de ballet Roxy Hart, que trató a sus amantes a sangre fría. En prisión, una mujer conoce a Velma Kelly y otros criminales. Roxy pudo salirse con la suya con la ayuda del astuto abogado Billy Flynn: el tribunal la declaró inocente. Como resultado, el mundo del espectáculo se enriqueció con el "dúo de dos pecadores brillantes", Velma Kelly y Roxie Hart. El musical se estrenó el 3 de junio de 1975 en el 46th Street Theatre. El papel de Roxy fue para Gwen Verdon, Chita Rivera interpretó a Velma y Jerry Orbach interpretó a Billy. En Londres, el musical apareció solo 4 años después, y la producción no tuvo nada que ver con la creación de Bob Fosse. La actuación tuvo 898 funciones en Estados Unidos y 600 en el West End y finalmente se cerró. Sin embargo, el espectáculo fue revivido en 1996 bajo la dirección de Walter Bobby y la coreógrafa Ann Rinking. Las primeras funciones en el City Center causaron tal revuelo que se decidió continuar con los espectáculos en Broadway. Rinking interpretó el papel de Roxy, Bebe Neuwirth interpretó a Velma y James Naughton interpretó a Flynn. Esta producción recibió 6 premios Tony, así como un Grammy al mejor álbum. En 1997, el musical llegó al Teatro Adelphi de Londres y la producción ganó el Premio Laurence Olivier al Mejor Musical. En una forma actualizada, la actuación se mostró en todo el mundo: Canadá, Australia, Holanda, Argentina, Japón, México, Rusia y otros países. En 2002, se estrenó una película de Miramax protagonizada por Renee Zellweger (Roxy), Catherine Zeta-Jones (Velma) y Richard Gere (Billy Flynn). El proyecto fue dirigido y coreografiado por Rob Marshall. La imagen recibió el Globo de Oro en la categoría "Mejor musical o comedia" y ganó 6 premios Oscar de los 12 a los que estuvo nominada. En Rusia, el musical fue organizado por Philip Kirkorov, quien encarnó el papel de un abogado hábil y corrupto.

Eva. La idea de crear un musical surgió por casualidad - en octubre de 1973, Tim Rice escuchó el final de un programa de radio en el auto, que trataba sobre Evita Perón. La mujer era la esposa del dictador argentino Juan Perón, el poeta se interesó por la historia de su vida. Su coautor, Lloyd Webber, inicialmente no estaba entusiasmado con la historia, pero finalmente accedió a trabajar en ella. Rice estudió a fondo la historia de su personaje principal, para ello pasó mucho tiempo en las bibliotecas de Londres e incluso visitó la lejana Argentina. Ahí es donde nació la parte principal de la historia. Tim Rice introdujo un narrador en el musical, un tal Che, cuyo prototipo fue Ernesto Che Guevara. La historia en sí habla de Eva Duarte, quien llegó a Buenos Aires a los 15 años y se convirtió primero en una famosa actriz y luego en la esposa del presidente del país. La mujer ayudó a los pobres, pero también contribuyó al reinado de la dictadura en Argentina. "Evita" combinó varios estilos musicales, con motivos latinoamericanos como base de la partitura. Las primeras maquetas del musical se presentaron a los críticos en el primer festival de Sidmonton, y luego comenzó la grabación del álbum en el estudio Olympic. Evita era la actriz Julie Covington y el Che era el joven cantante Colm Wilkinson. El papel de Perón fue para Paul Jones. El álbum fue un gran éxito: se vendieron medio millón de copias en tres meses. A pesar de que "Evita" estaba oficialmente prohibida en Argentina, conseguir el disco era considerado una cuestión de prestigio. El musical fue lanzado el 21 de junio de 1978, dirigido por Hal Prince. En su producción, el papel de Evita recayó en Elaine Page, y el Che fue interpretado por el famoso cantante de rock David Essex. La obra tuvo tanto éxito que fue nombrada el mejor musical de 1978. La propia actriz principal recibió un premio por su actuación en Evita. Las primeras semanas después del lanzamiento de la grabación del musical en el disco lo convirtieron en oro. El 8 de mayo de 1979 tuvo lugar el estreno de "Evita" en Estados Unidos, en Los Ángeles, y cuatro meses después la función llegó a Broadway. La popularidad de "Evita" demostró 7 premios "Tony" recibidos por ella. El éxito del musical le permitió visitar muchos países: Corea, Hungría, Australia, México, Japón, Israel y otros. 20 años después del nacimiento del musical, se decidió hacer una película basada en él. El director fue Alan Parker, el papel principal, Evita Perón, fue interpretado por Madonna, el papel del Che fue encomendado a Antonio Banderas, Perón fue interpretado por Jonathan Pryce. La película presentó una nueva canción de Webber y Rice, "You Must Love Me", que ganó un Oscar a la Mejor Canción Original.

"Los Proscritos". El compositor Claude-Michel Schonberg y el libretista Alain Boublil han dado un segundo nacimiento al ya clásico Les Misérables de Victor Hugo. El trabajo en la creación del musical se llevó a cabo durante dos años. El resultado fue un boceto de dos horas, luego convertido en un álbum conceptual con una tirada de 260.000 copias. Un grabado que representa a la pequeña Cosette se ha convertido en una especie de seña de identidad del musical. La versión teatral se presentó el 17 de septiembre de 1980 en el Palais des Sports de París. Como resultado, la actuación fue vista por más de medio millón de personas. El papel de Jean Valjean fue interpretado por Maurice Barrier, Javert fue interpretado por Jacques Mercier, Fantine por Rose Laurence y Cosette por Fabienne Guyon. El álbum conceptual "Los Miserables" atrajo al joven director Peter Ferago, quien atrajo al productor inglés Cameron Mackintosh para trabajar. Esto hizo posible crear un espectáculo verdaderamente de clase alta. Un equipo profesional trabajó en la producción: los directores Trevor Nunn y John Caed, y Herbert Kretzmer adaptaron el texto al inglés con la ayuda de los creadores del musical. Como resultado, el estreno de la obra bajo los auspicios de la Royal Shakespeare Company en el Barbican Theatre el 8 de octubre de 1985. Hasta la fecha, Les Misérables se ha presentado con mayor frecuencia en el Palace Theatre de Londres, con más de 6.000 representaciones del musical allí. En 1987, "Los Miserables" llegó a Broadway, así comenzó su procesión por todo el mundo. Aunque la actuación tiene más de veinte años, todavía está en los escenarios de los teatros del mundo. Les Misérables se ha traducido a muchos idiomas, incluidos los exóticos como el japonés, el mauritano y el criollo. En total, este musical se representó en 32 países de todo el mundo. Las creaciones de Schonberg y Boublil finalmente fueron vistas por más de 20 millones de personas.

"Gatos". La base de este popular musical fue un ciclo de poemas infantiles de T.S. Old Possum's Book of Practical Cats de Eliot, publicado en Inglaterra en 1939. La colección hablaba con ironía sobre los hábitos y hábitos de los gatos, pero los rasgos humanos se adivinaban fácilmente detrás de estas características. Los poemas de Elliot atrajeron a Andy Lloyd Webber, quien a lo largo de los años 70 compuso música para ellos lentamente. Y así, en 1980, el compositor había recopilado suficiente material para transformarlo en un musical. Dado que a los británicos les gustan mucho los gatos, su espectáculo simplemente estaba condenado al éxito. Además de Webber, el equipo incluía al productor Cameron McIntosh, el director Trevor Nunn, el artista John Napier y la coreógrafa Gillian Lynn. Pero durante la implementación escénica de las canciones, resultó que no había una trama sensata. Sin embargo, gracias a la viuda de Eliot, se encontraron borradores y cartas del poeta, de los cuales, poco a poco, los autores del musical pudieron recoger ideas para compilar el esquema argumental de la obra. En "Cats" se hicieron requisitos especiales para los artistas: no bastaba con cantar bien y hablar claro, también había que ser muy plástico. Resultó que en la propia Inglaterra era casi imposible reclutar una compañía de 20 de esos actores, por lo que el cantante pop Paul Nicholas, la actriz Elaine Paige, la joven bailarina y cantante Sarah Brightman y la estrella del Royal Ballet Wayne Sleep se incluyeron en el elenco. El teatro "Cats" fue creado por su propio diseñador, John Napier, como resultado, no hay ninguna cortina y el escenario y la sala se fusionan en un solo espacio. La acción no tiene lugar frontalmente, sino en toda la profundidad. La escena en sí está enmarcada como un basurero: hay montañas de basura pintoresca, pero de hecho el escenario está equipado con un equipo sofisticado. Los actores, con la ayuda de un complejo maquillaje de varias capas, aparecen en forma de elegantes gatos. Sus trajes están pintados a mano, sus pelucas están hechas de lana de yak, sus colas y cuellos están hechos de lana y usan collares brillantes. El musical apareció por primera vez ante los ojos del público el 11 de mayo de 1981 en Londres y llegó a Broadway un año después. Como resultado, "Cats" pudo convertirse en la producción de mayor duración en la historia del teatro británico hasta su cierre el 11 de mayo de 2002. En total, se dieron 6.400 funciones, la producción fue vista por más de 8 millones de personas y los creadores pudieron ganar alrededor de 136 millones de libras. Y en los Estados Unidos, el musical rompió todos los récords posibles. Ya en 1997, el número de actuaciones superó las 6100, lo que permitió llamar a la actuación el principal hígado largo de Broadway. Como resultado, durante todo el tiempo, "Cats" se representó más de 40 veces, el número total de espectadores en 30 países superó los 50 millones, las canciones se interpretaron en 14 idiomas y el monto total de las tarifas fue de 2.2 mil millones de dólares. El musical recibió muchos premios, entre ellos los más famosos son el premio Laurence Olivier, el premio del periódico Evening Standard al mejor musical, 7 premios Tony, el premio Molière en Francia. Las grabaciones de las composiciones originales de Broadway y Londres recibieron un Grammy.

"Fantasma de la ópera". La colaboración de Sarah Brightman y Andrew Lloyd Webber en Cats llevó a su matrimonio en 1984. Para su esposa, el compositor creó "Requiem", pero este trabajo no pudo mostrar el talento del cantante a gran escala. Por lo tanto, Webber decidió crear un nuevo musical, que se convirtió en El Fantasma de la Ópera, basado en la novela de 1910 del mismo nombre del francés Gaston Leroux. Una historia romántica pero oscura cuenta la historia de una misteriosa criatura con poderes sobrenaturales que vive en un calabozo bajo la Ópera de París. El papel principal en la producción, Christina Daae, fue, por supuesto, para Sarah Brightman. La parte masculina estuvo a cargo de Michael Crawford. En la primera parte del amante de Christina, Raoul, interpretó a Steve Barton. Richard Stilgoe trabajó en el libreto con Andrew Lloyd Webber y Charles Hart escribió la letra. La artista de teatro Maria Bjornson le dio al Fantasma la famosa máscara e insistió en la decisión de bajar el infame candelabro que caía no sobre el escenario, sino directamente sobre el público. El Fantasma de la Ópera se estrenó el 9 de octubre de 1986 en el Teatro Real, incluso asistieron miembros de la familia de Su Majestad. Y en enero de 1988 tuvo lugar la primera producción de Broadway del musical, tuvo lugar en el Majestic Theatre de Nueva York. El fantasma de la ópera se convirtió en el segundo musical de mayor duración en la historia de Broadway, después de Cats. Como resultado, alrededor de 11 millones de personas vieron el programa solo en Nueva York. El musical se representó en 18 países, se realizaron alrededor de 65 mil funciones, más de 58 millones de personas lo vieron allí y el número total de espectadores en todo el mundo ya superó los 80 millones. Como resultado, premios y premios bien merecidos, que suman más de 50. El musical recibió tres premios Laurence Olivier y 7 premios Tony, 7 premios Drama Desk y el premio Evening Standard. Los ingresos totales del Fantasma de la Ópera ascendieron a 3.200 millones de dólares. La novela inspiró a los directores a crear hasta siete películas, la última de ellas, rodada en 2004, fue tres veces nominada al Oscar, siendo el mismo Webber el productor y compositor.

"Mama Mia" La popularidad de las canciones del grupo ABBA es tan grande que la idea de crear todo un musical basado en ellas, que se le ocurrió a la productora Judy Kramer, no es de extrañar. La base del musical fueron 22 canciones de la legendaria banda. En el original, todas las canciones fueron interpretadas por mujeres, por lo que se desarrolló una historia sobre una madre y una hija, personas de dos generaciones diferentes. Para que la historia fuera digna de éxitos famosos, se invitó a la escritora Katerina Johnson, a quien se le ocurrió una historia sobre una familia que vive en las islas griegas. Como resultado, el espectador se siente atraído no solo por los éxitos musicales, sino también por la trama, en la que la música está estrechamente entretejida. Las canciones se dividieron en diálogos, habiendo recibido nuevas entonaciones. La producción fue dirigida por Phyllida Loyd y compuesta por el miembro de ABBA Bjorn Ulvaeus y Benny Anderson. El resultado es una comedia romántica, irónica y bastante moderna. Hay dos líneas principales en el musical: una historia de amor y la relación de dos generaciones. La trama de "Mama Mia" está llena de situaciones cómicas que tienen lugar en el contexto de las alegres composiciones de "ABBA", los personajes se comunican de manera bastante ingeniosa y sus disfraces son brillantes y originales. El logotipo característico de "Mama Mia" se ha convertido en la imagen de una novia feliz, como resultado, se ha convertido en una especie de marca, reconocible en todo el mundo. La trama del musical es la siguiente. La joven Sophie pronto se está preparando para convertirse en novia. Ella va a invitar a su padre a la boda para llevarla al altar. Solo que la madre de la niña, Donna, nunca hablaba de él. Sophie encontró el diario de su madre, que contaba sobre su relación con tres hombres diferentes, como resultado, se envía una invitación a todos ellos. Cuando los invitados comienzan a llegar a la boda, sucede lo más interesante... Al final de la acción, mamá se casa con Sophie. La primera prueba de "Mama Mia" fue su proyección previa al estreno en Londres el 23 de marzo de 1999. La audiencia estaba completamente encantada: no se quedaron quietos durante la actuación, sino que bailaron en los pasillos, aplaudieron y cantaron. El estreno real tuvo lugar el 6 de abril de 1999. La exitosa producción de Londres llevó al hecho de que el musical se representó en 11 países más alrededor del mundo, ¡y la taquilla del musical allí alcanza los $ 8 millones semanales! Hoy "Mama Mia" fue vista por más de 27 millones de personas, el número diario de visitas aumenta en 20 mil. El musical ha recaudado más de $ 1.6 mil millones en todo el mundo. Durante el alquiler, el espectáculo visitó 130 ciudades importantes y el álbum con la grabación de la primera producción obtuvo platino en EE. UU., Corea y Australia, doble platino en el Reino Unido y oro en Suecia, Nueva Zelanda y Alemania. En 2008, se filmó el musical, asistieron estrellas como Meryl Streep y Pierce Brosnan, y la misma Phyllida Loyd se convirtió en la directora.