Typer av skulptur inom bildkonsten. Vilka typer av skulpturer finns. Typer av skulptur efter syfte

28.10.2021

Under de senaste åren har de sovjetiska läsarnas och tittarnas intresse för den estetiska förståelsen av fenomenen i både det klassiska konstnärliga arvet och den samtida sovjetiska konsten, för utbildning av smak och en korrekt förståelse av skönhet, återupplivats avsevärt. Detta intresse har särskilt intensifierats på senare tid i samband med livliga diskussioner kring den sovjetiska konstens problem, dess egenskaper, dess prestationer och individuella brister. Uppmärksamhet på utvecklingen av sovjetisk konst visas dagligen av partiets ledare, regeringen och hela vårt folk.

Framgångarna av den socialistiska realismens sköna konster är mycket märkbara i olika former av konst, och de märks också i skulptur. Det räcker med att säga att fyra sovjetiska skulptörer - mästare av olika generationer och olika kreativa stilar - tilldelades den högsta utmärkelsen i vårt land för sina verk, präglade av hög konstnärlig kvalitet: partiskhet, nationalitet och realism. Under de senaste åren har Lenin-priser delats ut till skulptörer: S. T. Konenkov - för skulpturen "Självporträtt", M. K. Anikushin - för monumentet till Pushkin i Leningrad, A. P. Kibalnikov - för monumentet till Majakovskij och L. E. Kerbel - för monument till Karl Marx (båda i Moskva). Detta är en stor förtjänst av all sovjetisk konst, och sovjetiska skulptörer kan vara stolta över detta.

Om du frågar någon person om han vet vad skulptur är, "naturligtvis, ja", kommer han att svara. Men om du frågar honom vad han förstår med ordet "skulptur", namnen på vilka stora skulptörer han känner, med vilka medel skulptören uttrycker sin idé, varför vissa fenomen av levande verklighet är tillgängliga för förkroppsligande i statyer, medan andra inte är det. , vad är därför möjligheterna och egenskaperna hos skulpturkonsten, då kommer inte alla att svara på alla dessa frågor på en gång. Låt oss försöka ta reda på det här. Skulpturkonsten spelar en stor roll i vårt liv. Genom att spegla det vackra i verkligheten, formar det i sin tur vårt medvetande, vår smak och våra idéer om det vackra. Varje kultiverad person borde lära sig att förstå det, vidga sina vyer inom detta område.

Som svar på frågan "Vad är skulptur?", sa den store franske materialistiska filosofen från 1700-talet D. Diderot: "Detta är en stark musa, men tyst och hemlighetsfull." Att förstå skulptur är faktiskt något svårare än att måla, som vi är mer vana vid, eftersom det kan spegla världen omkring oss mer vid, tydligt och färgstarkt.

Men om du är försiktig kan du vara säker på att skulpturen följer med oss överallt. Vi stannar framför den storslagna ryttarstatyn av stadens grundare eller försvarare, stående på torget; på bröstet på en förbipasserande lägger vi märke till en medalj med ett profilporträtt av Vladimir Iljitj Lenin; vi lockas av en vacker bronsstaty av en idrottsman i parken; vi beundrar en elegant snidad sten - en cameo som pryder ringen; på teatrarnas fronton ser vi ofta Apollons vagn, konstens gud... Och alla dessa verk representerar en eller annan typ av skulptur, som det visar sig är väldigt mångsidig.

Skulptur är en av de sköna konsterna. Liksom all annan konst speglar skulptur den verkliga världen i konstnärliga bilder och reflekterar den på sitt eget sätt, med hjälp av speciella medel och metoder.

Denna uppsats ägnas åt analysen av skulpturens egenskaper, dess specifika konstnärliga språk, dess kreativa möjligheter, analys och systematisering av dess typer och genrer på de bästa proverna, såväl som tekniken för dess skapande.

Vad betyder ordet "skulptur"? Tillsammans med termen "skulptur", som kommer från latinets sculpere - att skära, hugga, används ordet "plast" som en motsvarighet, som kommer från grekiskan pladzein, som betyder att skulptera. Ursprungligen, i ordets snäva bemärkelse, uppfattades skulptur som skulptera, hugga, skala, skära, hugga, det vill säga ett sådant sätt att skapa ett konstverk där konstnären tar bort, slår ner extra bitar eller lager av sten eller trä, som så att säga försöker släppa fången som lurar i blockskulptural form. Med plast förstod de motsatt väg till skulptur, sättet att skapa ett skulpturverk - modellering från lera eller vax, där skulptören inte minskar, utan tvärtom ökar volymen.

Uppkomsten av dessa två termer är historiskt betingad. De gamla grekerna, som räknade med den efterföljande gjutningen av brons, skulpterade i regel statyer av lera, och därför föddes termen "plast", medan romarna, som till övervägande del skulpterade av marmor, kallade sina verk "skulptur" (därav term "skarpel" eller "skalpell" - en kniv, en skärare). (Av detta följer inte alls att grekerna inte kände till skulptur i marmor, och romarna kände inte till bronsgjutning; det betyder bara att vissa metoder att skapa skulptur överväger över andra, och sedan under separata perioder, när, uppenbarligen uppstod dessa termer).

Inom skulpturen är mästarens idé gestaltad i en materiell verklig volym. Precis som i målning är det huvudsakliga uttrycksmedlet bilden med färger på dukens plan, är skulpturens "språk" en volymplastisk, tredimensionell form som har verklig tyngd. Det är genom den skulpturala formen som innehållet i skulpturverket avslöjas, skulptörens avsikt förmedlas till betraktaren. De uttrycksfulla möjligheterna i realistisk konst i denna tredimensionella plastform är verkligen oändliga. Naturen hos den tredimensionella plastiska formen i skulptur under olika epoker av dess utveckling var olika, eftersom den uttryckte olika innehåll. Om vi utelämnar presentationen av skulpturens historia (som inte ingår i vår essäs uppgift), kommer vi bara att beröra två huvudtyper av tolkning av tredimensionell form i skulptur, som manifesterade sig i antiken.

Vissa grekiska mästare i sina statyer skapade en mjukt flytande yta av volym, som, begränsad av en linjär siluett, verkade vara kedjad med linjer. Andra försökte göra volymen mer spänd, som om den fylldes från insidan med ökad rörelse av muskler och leder. I detta avseende räcker det att jämföra tolkningen av formen av en naken kropp i statyn av en ung man från 400-talet f.Kr. e., funnen nära Marathon (NAL. 1), med en tolkning av denna form i en forntida staty från 1:a århundradet f.Kr. e. verk av Apollonius, känd som "Belvedere Torso" (ill. 2), för att känna hela skillnaden i att förstå den volymetrisk-plastiska formen. Dessa sätt upprepas i princip regelbundet i världshistorien och rysk skulptur. Det är naturligtvis svårt att reducera all mångfald av stilar, nationella och individuella seder till dessa områden, men om vi tar plastkonstens storhetstid - antiken, renässansen och den ryska klassicismen, så är en sådan uppdelning, om än något schematisk, kommer att vara sant. Representanter för strikta klassiker, och senare - klassicism, för att avslöja det majestätiska lugnet i sina bilder, föredrog kontinuiteten i siluettkonturer skapade av en lugnt flödande volym. Alla mästare som dras mot bildernas upprörda dramatiska karaktär använde en eftertryckligt dynamisk, "barock", bildform, där siluetten förlorade sin kontinuerligt glidande linje, och fick så att säga "slitna" konturer och intrasiluettformer , som om den rörde sig och sticker ut från insidan, fick mycket större betydelse. .

2. Apollonius, Nestors son. Den så kallade "Belvedere Torso". 1:a århundradet före Kristus e. Marmor

Men båda systemen i behandlingen av yta och volym i skulptur dikterades av bildens innehåll och historiskt etablerade förståelse. Båda dessa system gav de stora mästarna alla möjligheter att avslöja sina idéer och skapa genuina mästerverk av konst.

En egenskap hos skulpturen, originaliteten i dess innehåll är att den främst avbildar en person. Det är i bilden av personen själv som skulptören kan avslöja samhällets liv, människors karaktärer, deras humör och handlingar.

I detta avseende kännetecknas skulpturkonsten av ett visst utbud av ämnen: i skulptur kan du skapa porträtt av samtida eller figurer från tidigare epoker, skapa kompositioner om vardagliga ämnen, avbilda allegoriska figurer som personifierar vanliga begrepp (arbete, fred, folks vänskap, seger, etc.). ).

Naturen och miljön kring en person kan förmedlas i skulptur endast indirekt (detta gäller inte den skulpturala reliefen, som kommer att diskuteras senare), med hjälp av några detaljer.

I sin bok "Erfarenhet av reglerna för medaljkonst", skriven under första hälften av 1800-talet, definierade presidenten för konstakademin A. N. Olenin, som korrekt förstod skulpturens unika, möjligheterna och gränserna för denna typ av konst på detta sätt: metaller i sina verk, bör begränsas till representationen av helt solida kroppar. Alltså, allt genomskinligt eller luftigt bör inte vara föremål för denna konst. Följaktligen, dimma, rök, moln, eld, vidder av hav eller vatten, till och med gräs, fluffiga träd, avstånd, i ett ord - allt där det inte finns några stora ogenomskinliga släta massor som kan producera den motsatta och slående effekten av ljus och skugga, bör uteslutas från denna konst. Ett landskap där allt är byggt på överföring av rymd, ljus och luft kan faktiskt inte avbildas i skulptur (om det inte är en relief). I denna mening är målningens gränser utan tvekan bredare.

Den pittoreska bilden präglas av mångfärgad och illusorisk rymd. En konstnär kan avbilda en månljus natt, en soluppgång, flammande gnistor av smält metall i en stålaffär, ett panorama av en havsbild och mycket mer som en skulptör inte kan avbilda i sitt arbete. Ändå är uttrycksfullheten och rikedomen i de skulpturala formerna extremt stark. Inget bildverk kan ersätta ett monumentalt skulpturmonument på ett stadstorg eller en trädgårds- och parkskulptur, det kommer inte att vara fullt adekvat för en skulpturell relief, skulptural utsmyckning av en fasad eller interiör.

En särskilt viktig egenskap hos skulptur är att den kan uttrycka sin tids heroiska ideal i de mest generaliserade, allegoriska, monumentala bilderna. Det är ingen slump att skulpturens storhetstid sammanfaller med de historiska epoker då betydelsen av en mänsklig medborgare stiger högt och skapandet av en positiv heroisk bild blir konstens huvuduppgift.

Att skapa en skulptur är en aktiv arbetsprocess. En skulptörs arbete är hårt fysiskt arbete, en kamp med material. En person, som det var, övervinner livlösheten i sten, trä eller lera, erövrar materialet, skapar en konstnärlig bild full av liv från det. Låt oss komma ihåg Pushkins ord riktade till skulptören B. Orlovsky: "Du ger tankar till gips, marmor är lydig mot dig."

Uppfattningen om skulptur är också mycket aktiv. Det skulpturala verket får betraktaren att vilja gå runt den från alla håll, för att känna dess tredimensionalitet. Varje ny aspekt hjälper till att bättre förstå innehållet i skulpturen. Det är ingen slump att man vill röra vid skulpturen med sin hand, eftersom känseln så att säga kompletterar den visuella bilden. "Målning tilltalar bara ögonen ... Skulptur finns för både blinda och seende," sa Diderot.

Den sovjetiska skulptören Anna Semyonovna Golubkina talade i sin bok "Några ord om en skulptörs hantverk" om särdragen i skulptörens syn, om förmågan att på ett sätt undersöka formen med ögat, att bestämma ("misslyckas med att klara av" profilen") djupet av fördjupningar och höjden på utbuktningar.

Kanske, inte i den utsträckning som det är nödvändigt för en skulptör, är det användbart för en skulptör att utveckla samma vision i sig själv, så att han kan "se" ett skulpturverk med maximal fullständighet och förstå det djupare.

Skulptur i sin form är uppdelad i två huvudtyper: rund skulptur och relief. I en rund skulptur bearbetas vanligtvis alla dess sidor, och därför vill betraktaren gå runt den och undersöka den från alla punkter i cirkeln för att fullt ut uppfatta bildens innehåll.

Betrakta till exempel en marmorstaty av Herkules av en okänd rysk mästare från slutet av 1700-talet (ill. 3). Skulpturen är en kopia av den berömda statyn av Hercules av Farnese, tillskriven den grekiske skulptören Lysippus (andra hälften av 300-talet f.Kr.).

Hercules (annars Hercules) i antik mytologi personifierade styrka och mod. Enligt legenden utförde han tolv bedrifter och blev sedan accepterad i de odödliga gudarnas församling. Skulptören avbildade en mäktig skäggig atlet som vilade efter en av bedrifterna. Naken Hercules står och lutar sig tungt på en pelare täckt med ett lejonskinn. Hans huvud är något sänkt, hans ansikte är lugnt, men lite uttrycksfullt; men omedelbart slående är den starkt utvecklade övre bålen, musklerna i bröstet och magen, de muskulösa axlarna, armarna och benen, i jämförelse med vilken huvudet verkar "litet." styrka. Sådan är Hercules, sett framifrån. Går runt statyn kan man se den i profil och slutligen bakifrån, där Herkules rygg drar uppmärksamheten (ill. 4) Hela figuren tycktes luta sig framåt. Något sänkta axlar, starka muskler branta skulderblad och en trött arm kastas bakom ryggen ger intryck av frid, avkoppling efter ansträngningarna av en spänd kamp.

Om vi började rotera denna staty på en roterande maskin, som skulptören vanligtvis arbetar på, kunde vi lägga märke till hur ljus och skugga, som avslöjar kroppens form, verkar röra sig och röra sig längs den perfekt polerade marmorytan och bildar höjdpunkter på konvexa och skuggor på de försänkta platserna. Om en ljuskälla i ett mörkt rum placeras bakom Hercules-figuren från sidan mitt emot betraktaren, kommer ljusbländningen att blekna framför, känslan av volym försvinner och linjen som skisserar silhuetten blir mer distinkt . Alla dessa möjligheter uppstår endast när man överväger en rund skulptur. Låt oss föreställa oss samma staty av Hercules ritad på papper eller målad med oljefärger på duk, och vi kommer att känna att vi kommer att överväga det på ett annat sätt: trots allt kommer volymen av statyn, dess belysning inte att vara verklig, utan illusorisk. En rund skulptur förknippas alltid med en viss rumslig miljö, upplyst av naturligt eller artificiellt ljus. Ljus och skugga fungerar som ett sätt att avslöja skulpturens konstnärliga och plastiska väsen. De är placerade på ytan i enlighet med typen av modellering, såväl som platsen för ljuskällan. Leonardo da Vinci sa att i skulptur "påtvingas skugga och ljus av naturen själv." Belysningen kan vara bra eller dålig. "Skulptur kan dödas och återupplivas med ljus", sa V.I. Mukhina och oroar sig för om skulpturgruppen "Worker and Collective Farm Woman" skulle bli väl upplyst på Parisutställningen.

Det finns ett antal varianter av rund skulptur. De viktigaste är en staty, en grupp av två eller flera figurer relaterade till varandra i innehåll och sammansättning, ett huvud, en byst (bröst- eller midjebild av en person).

Kompositionsprinciperna i rund skulptur skiljer sig något från kompositionsprinciperna för samma ämne i måleriet. Skulptören strävar efter yttersta koncisitet, strängt urval och bevarande av endast de absolut nödvändiga detaljerna och detaljerna, utan vilka meningen med verket skulle vara oklar. Sådan självbehärskning följer av det skulpturala blockets natur - sten eller trä, vars integrerade volym inte kan krossas för mycket. Fina detaljer skulle bryta enheten i detta skulpturala block. Michelangelo trodde att den statyn är bra, som, när den sänks nerför bergets sluttning, rullar ner från den och förblir oskadd, och eftersom detta kan hända med en staty som nästan saknar delar, tas alla bort eller delvis separerade från marmorn. blockera sig själv, då blir det tydligt vad exakt den store florentinaren ansåg att vara ideal för skulptural form. Bland hans verk närmar sig "Sittande pojken" (ill. 5), en staty belägen i Leningrad Eremitage och, enligt legenden, huggen av Michelangelo från ett stycke marmor som hade en nästan kubisk form, detta ideal; inuti denna kub såg skulptören, så att säga, just en sådan komposition av figuren och löste den samtidigt med enastående naturlighet.

I en rund skulptur är det mycket svårt att lösa en multifigurerad scen. Figurerna måste föras så nära som möjligt och samtidigt se till att den ena figuren inte skymmer den andra, eftersom deras sammansmältning kommer att förhindra identifieringen av en tydlig siluett. När man arbetar med flerfigurskompositioner bygger skulptörer dem med sikte på en cirkulär vy och tänker över silhuetten av hela verket som helhet. Så här är sammansättningen av många monument byggd: "Rysslands 1000-årsjubileum" i Novgorod, Catherine II i Leningrad, Shevchenko i Kharkov, General Efremov i Vyazma och andra. I vart och ett av dessa monument är figurerna utplacerade i alla riktningar, som strålar från kompositionscentret, och för att inspektera hela monumentet kommer betraktaren definitivt att gå runt det.

"En av de svåraste uppgifterna - enligt skulptören SD Merkurov - är arrangemanget av två figurer i skulpturen." Världsskulptur i denna mening är inte rik på exempel. Skulptören Martos löste detta problem på ett briljant sätt i monumentet till Minin och Pozharsky: från vilken sida du än närmar dig ser och känner du att dessa inte bara är figurer mekaniskt placerade sida vid sida, utan en organiskt sammankopplad grupp där inte en enda gest, inte en enkel volym, inte en kontur kan ändras. , inte en siluett, utan att bryta deras organiska anslutning.

Innehållet i detta monument är anmärkningsvärt: Minin, med en utsträckt hand, vänds till den sittande Pozharsky, han uppmanar honom att leda folkets milis, att gå för att rädda Moskva från utländska inkräktare. Idén om monumentet, mognat i kretsarna av A. N. Radishchevs anhängare, förkroppsligades av en stor konstnär, varför det progressiva patriotiska temat uttrycks så vältaligt i det. I detta monument betonas särskilt rollen som Minin, en anmärkningsvärd Nizhny Novgorod-medborgare, initiativtagaren till kampanjen. Temat för monumentet är folket, under ledning av sina bästa söner, som reser sig för att försvara fäderneslandet.^ Basrelieferna på piedestalen skildrar scener av milisens bildande, insamlingen av medel och utvisningen av utländska inkräktare från Moskva. Dessa reliefer konkretiserar och utvecklar liksom monumentets huvudidé.

Rollen av relief som en typ av skulptur är mycket betydelsefull. Den har en gammal historia, stor konstnärlig potential, har sina egna konstnärliga och tekniska drag.

Reliefen (från det italienska relievo - utsprång, utbuktning, stigning) intar en mellanplats i sina bildmässiga möjligheter mellan en rund skulptur och en bild på ett plan (teckning, målning, fresk). Reliefen, som en rund skulptur, har tre dimensioner (även om den tredje, djupa dimensionen ofta är något förkortad, villkorlig). Kompositionen av figurer i relief utspelar sig längs ett plan, som fungerar både som bildens tekniska grund och samtidigt som bakgrund, vilket gör det möjligt att återge landskapet och mångfigursscenerna i relief. En sådan organisk förbindelse med planet är ett kännetecken för reliefen.

Det finns lågrelief, eller basrelief (från det franska ordet bas - låg), det vill säga en där bilden sticker ut över bakgrundsplanet med mindre än hälften av sin volym, och högrelief, eller högrelief (från franskan word haut - hög), när bilden sticker ut ovanför bakgrundsplanet är mer än hälften av dess volym, och på sina ställen rundar den av, delvis till och med bryts bort från bakgrunden.

Reliefen i förhållande till bakgrunden kanske inte är konvex, utan konkav, fördjupad, det vill säga som omvänd. En sådan lättnad kallas en "koylanoglyph". Det var vanligt i konsten i det antika östern, Egypten och i forntida stenhuggning.

"Klassisk relief", särskilt karakteristisk för antikens och klassicismens konst, har en mestadels slät bakgrund.

Ett exempel på en sådan lättnad är den världsberömda frisen från Parthenon (ill. 6), som skildrar den högtidliga processionen av atenska medborgare till Athenas tempel på dagen för den stora panathenaiska högtiden. Kompositionens höga behärskning, rytmiska och samtidigt ovanligt naturliga, charmen med att skulptera eleganta draperier får oss att antyda att Phidias själv (400-talet f.Kr.) eller hans närmaste begåvade assistenter kan ha varit författaren till denna fris.

Den klassiska reliefen har drag av monumentalitet: bilden på en slät bakgrund förstör inte väggens plan, utan sprider sig liksom parallellt med denna bakgrund. En sådan relief är lätt att föreställa sig som en fris - en horisontell remsa som löper runt väggen i en byggnad. Därför kan den "klassiska reliefen" tillskrivas delen av monumental och dekorativ skulptur, vanligtvis förknippad med arkitektur.

Inte bara en basrelief, utan också en hög relief kan förknippas med en arkitektonisk struktur. Så till exempel är Triumfbågen på Place des Stars i Paris utsmyckad med en högrelief av den franske skulptören F. Ryud "Frivilligarnas uppträdande 1792", eller, som det kort och gott brukar kallas, "La Marseillaise" (ill. 7).

Denna höga relief skapades under inflytande av julirevolutionen 1830 och är kanske det mest anmärkningsvärda skulpturverket på 1800-talet med ett revolutionärt tema. Dess sammansättning är så att säga uppdelad i två nivåer. I den övre finns en allegorisk kvinnofigur av den bevingade Liberty, som svävar mot bakgrunden av banderollerna och uppmanar till ett uppror, det är så att säga ett uttryck för folkets revolutionära anda. I den nedre - en revolutionär avdelning - rusar sex figurer av människor i olika åldrar - för att försvara republiken. Tätt placerade i mitten av den första nivån, häpnar figurerna av en skäggig krigare och en tonåring med kraftfulla energiska volymer. En kontrast skapas mellan skarpt utskjutande upplysta partier och djupt sjunkande mörka fördjupningar mellan figurerna; detta förstärker känslan av dynamik och dramatik i bilderna. Denna höga relief förstör dock inte väggens plan, dess former utvecklas så att säga från platta stenblock direkt mot betraktaren, de lever i verklig, inte illusorisk rymd. Bakgrunden i Marseillaise-reliefen är murverket av själva båguppsättningen; figurernas volymer verkar vara trånga, staplade på varandra, vilket skapar en känsla av snabbhet, energi och angrepp, vilket hjälper till att avslöja folkrörelsens revolutionära impuls. Skulptören klarade sig utan att rama in denna relief utan spred den helt enkelt över stenarna, vilket ytterligare understryker reliefens organiska koppling till arkitekturen.

Men det finns en slags lättnad som inte alls är kopplad till arkitektur och till och med är "kontraindicerad" för det. Detta är den så kallade "sceniska reliefen". När det gäller sina uppgifter ligger den nära en målning, har flera planer, skapar illusionen av ett utrymme som går djupt ner i djupet. Den kan kombinera principerna basrelief och högrelief; en arkitektonisk eller landskapsbakgrund byggd i perspektiv kan introduceras. Djupet och den illusoriska karaktären hos en sådan lättnad förstör så att säga väggens plan. Eftersom det är ett självständigt staffliverk, inte relaterat till arkitektur, kan det placeras i vilken interiör som helst, precis som en målning.

Ett exempel på en "pittoresk relief" är den ryske skulptören F. P. Tolstojs verk "Mercury Leads the Shadows of Penelope's Suuitors to Hell" (ill. 8), utfört på temat Homers Odyssey. Dess handling är en dramatisk berättelse om hur många friare under Odysseus tjugoåriga vandringar uppvaktade hans trogna fru Penelope. Odysseus, som plötsligt återvände, dödade sina rivaler, gudarna fördömde också dem: friarnas skuggor skulle följa till helvetet.

Låt oss överväga denna lättnad noggrant: i förgrunden, inramad av en kraftfull båge av de infernaliska portarna, byggd av enorma stenplattor, i vars sprickor ormar slingrar sig, skuggor som rör sig genom luften syns. Förut visar flygande Merkurius - utföraren av gudarnas vilja - vägen med en stav. Till vänster om ingången finns två figurer av krigare. Brudgummens skuggor är insvepta i gravhöljen. Olika poser och gester förmedlar deras mentala ångest, fasa eller bedrövliga uppgivenhet.

F. P. Tolstoy, skulptör-medaljör och miniatyrmålare från första hälften av 1800-talet, skulpterade sina reliefer från rosa vax på en svart skifferbräda. Genomskinlig genom den tunna formningen av figurerna i den andra planen skapar den svarta bakgrunden illusionen av chiaroscuro och luftrummet i landskapet. Skulptören skulpterade figurerna av krigare och Merkurius i högre relief, samt en steningång till helvetet bevuxen med hämmad vegetation. Den andra planen är en grupp flygande skuggor. Illusionen av den tredje planen skapas av Styx - glömskans flod. Den är avbildad i den finaste vaxreliefen, genom vilken tavlans svarta yta lyser igenom. Slutligen är den fjärde planen den motsatta stranden av Styx med figurer av syndare och båtsmannen Charon, som är på väg att transportera ett nytt parti i sin båt. Siffrorna för människor i den fjärde planen är kraftigt reducerade i jämförelse med siffrorna i den första och andra planen, vilket ger en uppfattning om dess avlägsenhet. Den är också skulpterad i mycket låg relief, genom vilken en svart bakgrund lyser igenom, vilket ger intrycket av nattmörker. Således är denna basrelief av utmärkt hantverk ett exempel på användningen av rent bildtekniker vid överföring av rymd i skulptur: effekten av svart och ljus, genomskinligheten av bakgrunden genom tunna lager av vaxformning. Rörelsen kommer från det illusoriskt-spatiala djupet, som också är mer typiskt för måleri, snarare än skulptur. Alla dessa särdrag tyder på att skulptören skapade denna relief som ett verk som inte var avsett att dekorera arkitektur. Ett sådant verk kallas staffli. Den skiljer sig i grunden från monumentala reliefer, där figurernas rörelse, som utvecklas parallellt med väggen, inte hotar att "bryta igenom" den med ett illusoriskt perspektiv, utan så att säga bekräftar väggens plan.

Skulpturen är enligt sitt syfte uppdelad i monumental, monumental-dekorativ och staffli. Var och en av dessa sektioner har sina egna egenskaper.

Monumental skulptur tjänar orsaken till propagandan för de viktigaste transformativa sociala idéerna. Monumentet tilltalar alltid de breda åskådarmassorna och bekräftar en positiv bild (naturligtvis ur de som bygger detta monuments synvinkel). Stadsmonumenter (deras konstruktion är vanligtvis under kontroll av staten) firar de människor som har vunnit allmän berömmelse. Det är omöjligt att uppföra ett monument på torget till en person som bara är nära skulptören själv - fru, bror, vän (inte bara av tekniska och ekonomiska skäl), medan det är fullt möjligt att skapa sina porträtt för en utställning eller museum i staffliplanen. Det är här som vattendelaren mellan staffli och monumental konst passerar.

Stadsmonument är också uppförda för att hedra alla större sociala och historiska händelser: ett monument till Rysslands 1000-årsjubileum i Novgorod, ett monument till det sovjetiska folkets seger i det stora fosterländska kriget i Kaliningrad och många andra.

Inverkan av monumentet som står på torget och skapat "för alla" skulle gärna kallas kategorisk. Du kan inte gå på teater, på bio, på en utställning, du kan inte läsa böcker, men du kan inte låta bli att lägga märke till monumentet som restes på torget! Och vårt folk förblir inte likgiltiga för verken av monumental skulptur: nära monumentet kan du alltid se människor som stannar för att noggrant undersöka skulpturen. På granitpiedestaler av monument över Marx, Lenin, Pushkin, Majakovskij, Gorkij, Tjajkovskij ligger ofta buketter av blommor - ett rörande tecken på respekt och kärlek till det sovjetiska folket för dessa stora människor.

Mästaren på ett monumentalt monument måste kunna "placera" figuren korrekt, göra silhuetten uttrycksfull och vacker från alla sidor och från olika avstånd. Monumentets innehåll ska uppfattas både vid första anblicken och när man förbi monumentet eller runt det – ur många synvinklar. Olika aspekter, som utvecklar monumentets huvudidé, gör det mer mångfacetterat och rikare. Figurens ställning, gest, dess rörelse måste kompositionellt lösas på ett sådant sätt att dess innehåll blir begripligt. Uttrycksförmågan hos inte bara ansiktet utan hela statyn, den fullständiga överensstämmelsen mellan det yttre plastiska utseendet till hjältens inre värld är en förutsättning för ett monumentalt monument. Vissa uppfattar det på avstånd och därför som en helhet; andra, de som kommer nära monumentet, kan titta in i uttrycket på statyns framsida.

Monumentet ska inte bara ha en uttrycksfull siluett, utan också vara proportionell, bör vara ett integrerat konstverk. Trots allt, tillsammans med det ideologiska innehållet, bär monumentet också arkitektoniska och konstnärliga funktioner. Detta är inte bara en vacker vertikal, volym eller rytmisk växling av volymer, utan en uttrycksfull bild av en person som ger mening till hela den arkitektoniska ensemblen, han centrerar, kröner torgets utrymme.

Alla som kommer till Leningrad utan att misslyckas under de allra första dagarna går för att titta på det berömda monumentet till Peter I ("Bronsryttaren") av E.-M. Falcone (ill. 9). Ryttarstatyn av Peter I restes på en granitpiedestal, som representerar en ojämn sten, som liknar toppen av en förstenad våg. Denna vågtopp upprepar rytmiskt rörelsen hos en uppfödande häst. En rusning framåt och uppåt, och samtidigt majestätisk, som i århundraden bekräftar vågen av Peters utsträckta hand ("...här kommer staden att grundas...") - detta är det huvudsakliga känsloinnehållet i monumentet. Rörelse och frid, impuls och disciplinerad vilja, passion och visdom syntetiseras i detta underbara monument.

Det är svårt att i ord förmedla all den rikedom och mångfald av tankenyanser som den innehåller. När man går runt monumentet från alla håll förändras den vackra silhuetten av ryttarstatyn mot himlen hela tiden, och bildens innehåll avslöjas för betraktaren. För varje nytt steg runt monumentet tycks skulptörens tankar om Peter, om hans djärvhet, vilja, skapande, energi, intelligens, oräddhet, kärlek till fosterlandet och stolthet över honom uppstå framför betraktaren ... Bronsryttaren är vacker både nära och fjärran. Uttrycksfullheten i dess siluett bekräftar behovet av att monumentet omges av luftrum; torgets öppna yta, himlen är den mest gynnsamma bakgrunden mot vilken skulpturen framträder, vilket ger en speciell spännande skönhet, "bild" och meningsfullhet åt stadslandskapet.

En grupp, en ryttarstaty och en stående människofigur kräver nästan alltid en stor yta av torget, eftersom de i sitt syfte liknas vid en agitator, som om de inleder kommunikation med massan av människor som flödar runt dem på alla sidor. Vanligtvis placeras ett sådant monument i mitten av torget eller i korsningen av gator som vetter mot torget, så att skulpturen kan ses på långt håll.

Men inte varje monument kommer att se bra ut mot bakgrund av torgets öppna utrymme. Om skulptören bestämde sig för sammansättningen av monumentet i form av en sittande figur, är detta monument mer lämpligt i en park, i "interiören" av en innergård, eller mot bakgrund av en arkitektonisk struktur, än i mitten av ett stort stadstorg. Det är mycket mer naturligt och organiskt att placera en sådan staty där det inte är bullrig trafik, där miljön inbjuder åskådare att stanna nära skulpturen, sitta och utan att skynda sig undersöka den på nära håll. Dessutom reduceras visningsradien för den sittande figuren till 180 grader av en cirkel på grund av den outtryckliga synvinkeln från baksidan, och därför är det bättre om den sittande figuren gränsar till byggnadens vägg eller parkens grönska med sin baksida.

Ett exempel på en framgångsrik lösning av monumentet i form av en sittande figur är monumentet till fabulisten I. A. Krylov av P. K. Klodt, beläget i Leningrad, i Sommarträdgården (ill. 10). Den store fabulisten sitter djupt i tankar; runt den bildar höga tvåhundraåriga träd, så att säga, ett grönt lusthus, som bidrar till tystnad och avkoppling; monumentets piedestal är fylld med reliefbilder av de fyrbenta hjältarna i Krylovs fabler. Leningrads barn leker alltid nära monumentet, som älskar att titta på "farfar Krylov" och hans djur så mycket.

Piedestalens roll är mycket viktig i den konstnärliga uppfattningen av vilket monument som helst. Detta är inte bara ett stativ under figuren (för att synas bättre). Detta är just den piedestal på vilken hjälten är uppvuxen för sina tjänster till folket. Sockeln ska motsvara monumentets arkitektoniska miljö, karaktär, stil och skala som helhet. Ofta är dess ansikten dekorerade med reliefer, som avslöjar hjältens historiska betydelse mer fullständigt. Det mest accepterade förhållandet mellan figuren och piedestalen är 1:1, även om det finns andra proportioner.

En betydande roll i installationen av monumentet spelas av dess position i förhållande till kardinalpunkterna, vilket bestämmer arten av dess belysning vid en eller annan tidpunkt på dagen.

Monumentet är ibland historiskt och handlingsrikt kopplat till platsen där det byggdes, till exempel monumentet över V.I. Lenin vid Finlandsstationen i Leningrad, där Vladimir Iljitj, stående på en pansarvagn, höll ett tal till folket i april 1917 . Men ibland kan ett monument bli det semantiska och kompositionsmässiga centrumet i en stad eller en betydande del av den. Sådana är monumenten till V. I. Lenin i Ulyanovsk och i Georgien vid huvuddammen för ZAGES, bronsryttaren i Leningrad och många andra.

Låt oss ta en titt på en av dem, byggd 1940 av den sovjetiske monumentala skulptören M. G. Manizer. Detta är ett monument till V. I. Lenin, installerat i sin hemstad på Volga - i Ulyanovsk (ill. 11).

V. I. Lenin avbildas stående i full höjd, i en kappa draperad över hans axlar. Fast och envist placeras Lenins gestalt i en lugn och självsäker rörelse. Statyn fungerar som centrum för stadens stora torg. Den verkar "hålla" det omgivande utrymmet, skymtar vackert med sin siluett mot himlen, motstår den byiga Volgavinden, som om den viftade med golvet i en kappa som kastades över axlarna. De svängande klädvecken på statyns vänstra sida ersätts av åtsittande veck på höger sida, vilket förstärker känslan av en stark vind, som om man trycker ett tungt tyg mot figuren. En person står emot trycket från elementen, motstår det och, så att säga, utmanar det.

Mästaren arbetade med särskild uppmärksamhet på Vladimir Iljitjs ansikte och bevarade de välbekanta leninistiska, unika individuella egenskaperna. Han avbildade Lenin med ett öppet huvud, tack vare vilket Lenins enorma panna är synlig. Lenins ansikte är anmärkningsvärt: det är fullt av adel, skönhet och styrka hos det allterövrande mänskliga sinnet och kreativ vilja. Lenins inspirerade blick är vacker, som om han ser in i mänsklighetens ljusa framtid. Mästaren förmedlar detta med lämplig passform av statyns huvud, uttrycksfull modellering av ansiktets generaliserade volymer. Statyns plastiska språk är enkelt och koncist. Skulptören förkastade alla gester och försökte uttrycka bildens inre rörelse genom statyns majestätiskt konstruerade och utvikta volym, dess uttrycksfulla siluett, tydligt läsbar mot himlen.

Högt utvecklad i den ryska skulpturen av den klassiska skolan, som Manizer är en anhängare av, är draperikonsten helt omtänkt av honom i förhållande till den plastiska tolkningen av moderna kläder. Modelleringen av volymer och veck är uttrycksfull och skapar djupa rörliga skuggor. I staden, känd för sina våldsamma vindar, visade sig motivet med kläder som fladdrade av vinden vara framgångsrikt (Simbirsk på tatariska betyder "stad med sju vindar").

En version av denna staty av Lenin installerades i den sovjetiska paviljongen vid 1958 års internationella utställning i Bryssel, där dess författare tilldelades ett hedersdiplom. 1960 installerades denna skulptur i Luzhniki, på Centralstadion. V. I. Lenin i Moskva. Liknande verk av monumental skulptur definierar stadens ideologiska och konstnärliga centrum; de anses välförtjänt vara dess attraktion.

Om stadsmonumentet verkar tilltala alla, så gravstenen - oftast bara till en person som har kommit nära. Ljudet av en minnesgravsten är vanligtvis lyriskt och intimt. Men den höga strukturen av tankar och känslor som uttrycks av sådana verk, deras renhet från vardagens jäkt, ger dem otvivelaktiga drag av monumentalitet. Berättar om de döda och påminner dem om dem, gravskulpturen är känslomässig till sin natur och tilltalar främst känslor. Men under olika historiska epoker fick färgningen av dessa känslor mycket olika nyanser: från patetisk förtvivlan i de mångfiguriga aristokratiska gravstenarna på 1600-talet till elegisk poesi i gravstenarna av den märkliga ryske skulptören I.P. Martos.

Betrakta en av gravstenarna av denne mästare, skapad av honom för Kozhukhovas grav (ill. 12), där antikens stora tradition, manifesterad i rysk klassicism, är särskilt starkt kännbar. På graven, böjd på ett knä, snyftar ett vackert bevingat geni över urnan. Kläderna draperar lätt hans starka ungdomliga kropp. Urnans mjuka rundade linjer ekar konturerna av den böjda figuren, i kontrast till de raka, rytmiskt och vackert flödande vecken. Temat sorg och modig kysk trohet, uttryckt av formernas och linjernas plastiska språk, låter här som musik.

Temat separation, bortgång från livet är fyllt av djup reflektion i gravstenen av E. N. Nemirovich-Danchenko, verk av den största sovjetiska skulptören I. D. Shadr (ill. 13). Den installerades i Moskva på Novodevichy-kyrkogården.

Formen på gravstenen är extremt olika. Detta är antingen ett porträtt av den avlidne (staty, byst, relief), eller allegoriska figurer av genier, sörjande, ibland också medföljande porträttbilden av den avlidne, eller, slutligen, är det helt enkelt arkitekturen av den så kallade "lilla" former", ibland dekorerade med en urna, draperier eller olika allegoriska tecken, som symboliserar den korta varaktigheten av mänskligt liv.

Monumental och dekorativ skulptur löser stora ideologiska och figurativa uppgifter. Detta kan ses på exemplet med sådana underbara klassiska byggnader i Leningrad som amiralitetet, börsen, Narva-portarna, byggnaderna i generalstabsbyggnaden, det offentliga biblioteket och andra. Deras höga konstnärliga uttrycksförmåga bestäms av det faktum att de representerar enheten i bilden av arkitektur och skulptur. Skulptur utvecklar och förtydligar idén och syftet med en struktur, samtidigt som den förstärker ljudet av arkitektoniska former (ibland i korrespondens, och ibland i kontrast).

Ett exempel på en framgångsrik syntes av arkitektur och skulptur är det berömda Leningradadmiralitetet, byggt enligt designen av den stora ryska arkitekten A. D. Zakharov och dekorerad med skulpturala figurer och reliefer av F. F. Shchedrin och I. I. Terebenev.

Amiralitetets huvudtorn kombinerar genialiskt den tunga uppsättningen av den nedre nivån med en lätt pelargång på den, som passerar genom kupolens halvcirkel till en förgylld spira, sjungen av Pushkin ("Admiralitetsnål"). Som ett spetsmönster skymtar en relief av I. I. Terebenev på den släta väggen på den nedre nivån och berättar om skapandet av den ryska flottan.

På båda sidor om porten, inramad av en halvcirkelformad båge, finns elva meter långa (tillsammans med en piedestal) skulpturella grupper (se omslaget). Var och en av dem föreställer tre vackra kvinnor - "havsnymfer" som bär en jordglob. Dessa grupper - skulptören F. F. Shchedrins bästa verk - förvånar med sin majestät, styrka och samtidigt feminina grace med vilken nymferna stöder den enorma sfären. De ädla konturerna av dessa statyer sticker ut vackert mot bakgrunden av väggarna i det centrala tornet. Reliefer som visar flygande glansgenier med en banderoll i händerna kröner portbågen.

Runda skulpturer pryder hörnen på taket på den nedre nivån och toppen av pelargången. Harmoni, proportionalitet och konsekvens mellan delar av arkitektur och skulptur skapar en enda konstnärlig helhet. Betraktarens öga noterar med tillfredsställelse rytmen i de återkommande formerna; byggnadens horisontaler och vertikaler framhävs av statyernas rundhet och det lätta genombrutna arbetet i de präglade friserna, vilket livar upp väggens lugna yta, och själva väggen hjälper till att fokusera vår uppmärksamhet på individuella skulpturala motiv som glorifierar Ryssland som ett stort maritim makt.

Ett lysande exempel på arkitektonisk och skulptural syntes inom den socialistiska realismens konst var den sovjetiska paviljongen vid världsutställningen 1937 i Paris, byggd enligt B. M. Iofans projekt och krönt med en skulpturgrupp av V. I. Mukhina, som har blivit känd sedan dess. sedan (ill. 14). Hela byggnaden är genomsyrad av rörelse, förmedlad i tillväxten av horisontella former, som i den centrala delen förvandlas till vertikalen av den skyhöga pylonen. Gruppen "Worker and Kolkhoz Woman", monterad på taket av pylonen, upprepar konsekvent denna rörelse i sin sammansättning: först, framåt och sedan uppåt. När de kastar upp hammaren och skäran högt marscherar unga och vackra jättar fram tillsammans - en arbetare och en kollektiv lantbrukskvinna, som personifierar hela sovjetfolket. Gruppens kompositionsaxel är en kraftfull diagonal, vilket ger denna rörelse snabbhet. Med dessa medel uttryckte skulptören livligt idén om det sovjetiska folkets rikstäckande rörelse framåt mot kommunismen. Konkretiserad av handlingen och avslöjad i den skulpturala gruppen, denna sats, som huvudmelodi (jag skulle vilja säga: "det segerrika folkets marsch"), får förberedelse och stöd, som i orkesterinstrumentering, i klangen av arkitektoniska former av hela byggnaden.

Trädgårds- och parkskulpturer hör också till monumental och dekorativ skulptur: statyer, byster, fontäner, dekorativa vaser etc. Denna skulptur är nära förbunden med parkens landskap, den harmoniserar väl antingen med en grön bakgrund eller med färgerna på höstens lövverk. .

De bästa verken av trädgårds- och parkskulpturer är täckta med hög poesi. Kom ihåg den fulla av djupa känslor, som låter som musik, Pushkins dikter "Tsarskoye Selo Statue":

"Efter att ha tappat urnan med vatten, bröt jungfrun den på klippan. Jungfrun sitter ledsen, sysslolös och håller i en skärva. Ett mirakel! Vattnet torkar inte ut, strömmar ut ur den trasiga urnan; Jungfrun, över den eviga bäcken , sitter för evigt ledsen..."

Dessa verser är tillägnade en liten bronsstaty, den så kallade "Girl with a Broken Jug" av skulptören P. P. Sokolov (ill. 15), belägen i parken till Katarinapalatset i staden Pushkin nära Leningrad.

Förmodligen har många varit i Leningrad och beundrat de vackra marmorstatyerna i Sommarträdgården. Det finns en underbar samling dekorativa skulpturer av allegorisk karaktär: i en allegorisk form avslöjar de vissa idéer och koncept. På de viktigaste gränderna i parken kan du hitta mänskliga figurer i marmor, som personifierar begrepp som ungdom, sanning och barmhärtighet. I form av en vacker kvinna insvept i en kappa beströdd med stjärnor är statyn "Natt" avbildad (ill. 16). Hon verkar kämpa med sömnen eller dagdrömma. Vissa skulpturer är förknippade med historiska händelser. Så till exempel är den allegoriska kompositionen "Fred och överflöd" tillägnad Nishtadfördraget (1721), som avslutade ryssarnas segerrika nordliga krig med svenskarna.

16. D. Bonazza. Staty "Natt". Sommarträdgård i Leningrad. Början av 1700-talet Marmor

Skulpturella allegorier finns också i designen av de berömda fontänerna i Petrodvorets. Dessa fontäner lämnar ett oförglömligt intryck på alla som har sett dem. Parkens grönska, kristallstrålar och iriserande vattenstänk, marmorns vithet, de mjuka tonerna av grön brons - allt detta är perfekt kombinerat med varandra. Släta, som om flödande linjer och volymer av statyer, tvättade av vatten, förvärva speciell skönhet och uttrycksfullhet i solljusets briljans.

Mitten av kompositionen av Grand Cascade är den gigantiska allegoriska figuren Simson, som river sönder munnen på ett lejon. En stark vattenstråle bryter ut ur lejonets mun och flyger upp till en höjd av tjugo meter. Denna skulptur är personifieringen av Ryssland (visas här i bilden av den bibliska hjälten Simson, som ägde stor makt) och ryssarnas seger över Sverige, i vars vapen det fanns en bild av ett lejon.

Metoden med allegori och symbol, så utbredd i det förflutnas konst, används också framgångsrikt av sovjetiska skulptörer. Vi har redan pratat om V. I. Mukhinas monumentala och dekorativa grupp "Worker and Collective Farm Girl". Detta är ett av de ljusaste exemplen på den allegoriska lösningen av temat. Den allegoriska formen, enligt V. I. Mukhina, är ett starkt figurativt sätt att uttrycka konst. Allegori gör det möjligt att i skulptur förmedla sådana logiska begrepp som mod, vänlighet, jordbruk, fertilitet, etc., översätta dem till en plan av personifierade bilder, vilket utökar de bildmässiga möjligheterna för realistisk skulptur.

Vid ingången till Rybinsk-reservoaren kan du se en enorm staty av en vacker flicka i en rysk solklänning, med en flygande mås vid hennes fötter. Denna skulptur av S. D. Shaposhnikov (ill. 17) behöver ingen signatur. Det är omedelbart tydligt att bilden av den majestätiska ryska skönheten, som regerar över Rybinskhavets vidsträckta vidd, skildrar Volga. Således förhärligades floden, älskad av folket, inte bara i sånger, dikter, målningar och musik, utan också i skulpturkonsten. Detta hjälptes åt av allegorins allegoriska, men ändå förståeliga och uttrycksfulla språk.

Vi pratade om egenskaperna hos monumental och monumental-dekorativ skulptur. Och låt oss nu uppehålla oss vid den tredje stora delen av skulpturen, som varken är kopplad till arkitektoniska strukturer eller med urbana eller parkensembler. Detta är en staffliskulptur. Den kallas så eftersom den är monterad på en maskin eller monter och är avsedd för utställningar, museer, offentliga lokaler och bostadslokaler (det senare gav till och med upphov till det speciella konceptet "skåpsskulptur"). Staffliskulptur beskådas på nära avstånd, oavsett miljö, närliggande verk eller inredningsarkitektur. När det gäller storlek är staffliskulptur vanligtvis antingen mindre än naturlig storlek, eller något överstiger den. Detta görs för att undvika att avbilda en person i full storlek, eftersom det kan se ut som en modell (en exakt gjutning), vilket är okonstnärligt och obehagligt.

I museer och utställningshallar ställs oftast skulpturer ut tillsammans med målningar. Samtidigt är tittaren trött. Människans syn är arrangerad på ett sådant sätt att den inte kan uppfatta färg på ett plan och volym i rymden med samma uppmärksamhet, snabbt växla från en till en annan. Därför är det bäst att fokusera på en sak, till exempel överväga först alla skulpturala verk, gå sedan vidare till målning (eller vice versa).

Staffliskulptur i innehåll är extremt varierande. Således är porträtt av F. I. Shubin och nästan alla statyer av M. M. Antokolsky, och små bronsstatyetter av E. A. Lansere, föreställande människor och djur, och några verk av I. D. Shadr, staffliverk.

Staffliskulptur täcker ett mycket brett spektrum av ämnen. Den kan skildra en genrescen där karaktärerna sammanbinds av en slags "dialog" som avslöjar deras väsen i alla sociala eller nationella särdrag, till exempel "En bonde i nöd" av M. A. Chizhov. Ett arbete med staffliskulptur kan också vara ett psykologiskt porträtt eller till och med en dramatisk motsägelsefull bild av en hjälte, som avslöjas för betraktaren inte omedelbart, utan under en lång och djupgående undersökning. Dessa verk inkluderar statyn av M. M. Antokolsky "Ivan the Terrible" (ill. 18). Skulptören avbildade den fruktansvärda tsaren i ett tillstånd av smärtsam koncentration, nedsänkt i upplevelserna av de grymheter som begåtts av honom.

Stark oro känns i högra handens kramprörelser och impotens - i hans kraftigt sänkta vänstra, hans huvud nedsänkt i hans axlar, hans blick stannade - allt detta förmedlar samtidigt omvändelsens, ilskans, osäkerheten, misstänksamheten och den gränslösa kraften. av Ivan den förskräcklige. Hans komplexa psykologiska bild avslöjas med stor kraft av en realistisk skulptör.

Ett staffliverk kräver att betraktaren stannar framför det under en lång tid, kastar sig in i en värld av känslor, upplevelser och karaktärer, som om han läser en intressant historia, tittar in i karaktärernas själ.

Den anmärkningsvärda mästaren på staffliporträtt, skulptören F. I. Shubin, son till en fiskare-pomor i Archangelsk-provinsen, en landsman och, de säger, till och med en släkting till den store vetenskapsmannen och poeten M. V. Lomonosov, skapade porträtt av Katarinas adelsmän, som förmedlade deras utseende och karaktärer med en känsla av sådan sanning, att, det verkar, när du tittar på marmorbysterna av dessa människor i peruker med lockar, du hör deras arroganta röst, föreställer dig deras gång och uppförande. Dessa utmärkta verk, som är konstnärliga bilder och dokument från eran, pryder salarna i Tretjakovgalleriet i Moskva, Ryska museet i Leningrad och Kuskovo Estate Museum nära Moskva. Bland de mest anmärkningsvärda verken av Shubin är porträttet av M. V. Lomonosov (ill. 19). Den ryska vetenskapens och konstens geni framträder framför oss i ett bystporträtt (gemensam komposition för Shubins porträtt, inuti vilken han dock hittade nya lösningar varje gång), med ett ansikte som slår med livlighet, intelligens och nyfiken energi. Lomonosov är avbildad utan peruk, vilket ger hans bild en affärsmässig enkelhet och demokrati. Forskarens runda, snälla, ryska ansikte är upplyst av ett vänligt leende, uppenbarligen karakteristiskt för Lomonosov när han var bland människor nära honom. Så här mindes Shubin honom under lång tid (porträttet utfördes postumt), och det var så den store skulptören bevarade sin bild för eftervärlden.

Det mest karakteristiska exemplet på staffliskulptur är statyetterna av E. A. Lansere, som, på grund av deras underhållande karaktär och utmärkta realistiska modellering, nästan närmar sig smyckeskonst, var mycket populära under andra hälften av 1800-talet. Sådan är hans bronsgrupp "Zaporozhets after the battle" (ill. 20). En Zaporozhiansk kosack torkar trött sin sabel efter en strid; hans häst, också trött och utmattad, böjde huvudet och kliade sig sakta på benet. En annan, till synes främmande, häst, tagen i strid, beter sig helt annorlunda när den är bunden i koppel. Sträcker ut nacken, hon gnuggar sorgset, som om hon klagar över sitt träldom, och sträcker sig någonstans åt sidan, troligen mot sin herre, som stannade någonstans i närheten, skadad eller dödad i strid. Med alla plastiska medel, hållning, gest, uttrycksfullhet i ansiktsuttryck, avslöjar skulptören tillståndet för sina karaktärer med anmärkningsvärd övertalningsförmåga.

Staffliverk är också olika inom sovjetisk skulptur. Ett av de framstående staffliverken är skulpturen "Klersten - proletariatets vapen" av I. D. Shadr (se frontispice), skapad av honom 1927, med anledning av 10-årsdagen av oktober. Du kan se denna skulptur i salarna i Tretjakovgalleriet.

En ung arbetare, som böjer sig ner, bryter ut en tung sten från trottoaren och är på väg att kasta den mot sina förtryckare. Hans ansiktsuttryck är fullt av stränghet och ilska, hans blick är riktad framåt, hela gestalten i sin rörelse liknar en utspelad fjäder. Skulptören skulpterade formerna av en kropp naken till midjan i stora volymer, musklerna ges i rörelse. Tack vare sin utmärkta kunskap om människokroppens struktur arrangerade konstnären figuren på ett sådant sätt och fyllde sin staty med en sådan upphetsad uttrycksfullhet att betraktaren omedelbart förstår hela situationen när han tittar på den. Så du föreställer dig den här jättearbetaren 1905, på gatan, där han är inblandad i ett slagsmål med polisen. Och även om hans enda vapen är en kullersten som brutits ut från trottoaren, är den unge arbetaren fylld av sådan styrka och beslutsamhet att du tror på hans seger. Arbetarbilden tolkas på ett sådant sätt att den övertygar betraktaren inte bara om det ryska proletariatets seger, utan också om den historiska oundvikligheten av denna seger, om arbetarens rättvisa och rättvisa.

Ett annat anmärkningsvärt verk, skapat trettio år senare, 1957, av den unge sovjetiske skulptören F. D. Fiveysky, är en grupp som kallas "Stronger than Death" (ill. 21). Den ställdes ut på den internationella utställningen i Moskva under VI-festivalen för ungdomar och studenter, på All-Union-utställningen tillägnad 40-årsjubileet i oktober, där den noterades som ett av de enastående verken inom modern skulptur, och på utställningen för att hedra 40-årsdagen av den leninistiska Komsomol. Vid världsutställningen 1958 i Bryssel fick Fiveysky ett hedersdiplom för denna skulptur.

Det finns tre figurer i gruppen. Alla tre är kämpar för sin tro, redo att dö för dem, och ser djärvt döden i ögonen. Ansiktsuttryck, ställningar, spända figurer, tolkning av formerna av starka unga kroppar som motstår fysiskt lidande (var uppmärksam på den rätta figuren av en torterad, men fortfarande envis man) - allt talar om dessa människors mod. Konstnären klargör inte handlingen med överdriven berättelse: det är redan klart för alla att dessa bilder är inspirerade av det stora fosterländska krigets heroism och uttrycker det sovjetiska folkets andliga styrka och motståndskraft.

Båda dessa verk - både Shadr och Thebe - kännetecknas av stort psykologiskt innehåll och socialt patos, de innehåller en hel värld av passioner och erfarenheter och kräver den mest noggranna och eftertänksamma övervägande. Just på grund av sin berättelse, psykologism, dramatiska uttrycksfullhet och känslomässiga djup, behöver staffliskulptur lämpliga förutsättningar för att ställa ut. Förutsättningarna för ett museum eller en utställning är bäst för henne. Detta var väl förstått av mästarna inom staffliskulptur själva. Intressant i denna mening är till exempel övervägandena från M. M. Antokolsky, som inte ville ställa ut ett av sina verk på gården (det vill säga i det fria) och skrev till I. E. Repin: "... mina verk kräver intimitet, och först då kan de producera ett visst önskat intryck ... ".

Här är det nödvändigt att förtydliga följande bestämmelse: på grund av den otillräckliga utvecklingen av terminologifrågorna inom den sköna konstteorin uppfattas begreppet "monumentalitet" ofta som en kvalitativ bedömning, som beröm för konstnären. Samtidigt är konstnärskapet, den höga kvaliteten på ett verk inte alls beroende av dess syfte - att vara på ett museum eller på ett stadstorg. Monumentalitet (liksom stafflimålning) är originaliteten i den eller den konstnärens plastiska tänkande, och inte en fråga om kvaliteten på det skapade verket. En konstnärs kreativa framgång eller misslyckande kan lika gärna visa sig i både monumental och staffliskulptur. Lika meningslöst att argumentera för vem av författarna ovan som är författare till kända historiska romaner, eller författare till små men utmärkta berättelser, är det lika fel att motsätta sig mästarna av staffli och monumental konst. Många stora skulptörer från det förflutna var övervägande mästare inom området för staffliskulptur, bland dem namnen på Michelangelo och Rodin, Shubin och Antokolsky, även om deras arbete är helt annorlunda till sin natur.

I denna uppsats presenteras förståelsen för genregränser och skulpturens andra problem så som de har utvecklats, främst i vår tid. Samtidigt bör man komma ihåg att varje genre eller avsnitt av skulptur (liksom andra typer av konst) inte alls är något fruset och oföränderligt. Konsthistorien berättar att genrernas gränser i varje epok fluktuerar, förskjuts, genrerna själva fylls med nytt livsinnehåll, som skiljer sig från det tidigare, och det senare ger upphov till nya former, vidgar eller snävar in genrernas gränser. . Men även om man tar hänsyn till all relativitet i dessa gränser kan de inte anses vara obetydliga, de kan inte överges eller på konstgjord väg kränkas. Det är i sådana fall som konstnärliga misslyckanden vanligtvis uppstår, när vardagsscener i onödan tolkas i monumentala former, och stafflifigurer, om de är resta på en piedestal, verkar orättvist krossade. Förlusten av originalitet hos en eller annan genre i skulptur eller försummelse av dem har alltid åtföljt nedgången av denna konst som helhet.

En speciell typ av staffliskulptur är den så kallade "small forms"-skulpturen. Dessa är små statyetter gjorda av gjutjärn, brons, glas, fajans, terrakotta, plast, trä och andra material som föreställer människor och djur. Särskilt vanliga är stafflifigurer av djur och husdjur, utförda av mästare som kallas animalists (från det latinska ordet "djur" - djur). Generellt sett har sektionen av animalistisk skulptur en gammal historia och kan inte bara inkluderas i genren staffliskulptur. Apollons vagn på frontonen av Bolsjojteatern eller lejonen som står på Nevavallen är i huvudsak en djurisk skulptur, men i sitt syfte är den monumental och dekorativ, eftersom den är förknippad med stadens arkitektur. Men i det här fallet talar vi bara om den typ av liten plasticitet som pryder vardagen. Bland de sovjetiska mästarna-djurister som arbetar i detta område är det nödvändigt att först och främst nämna V. A. Vatagin ("Valrossar", ill. 22), I. S. Efimov, P. M. Kozhin ("Grävling, valross och utter ", ill. 23), A. G. Sotnikova; det finns också många unga och duktiga hantverkare. Alla kännetecknas av en kärleksfull, mänskligt varm inställning till djurvärlden, kunskap om vilddjurets vanor och ibland subtil och observant humor i skildringen av djuret. En sådan skulptur av små former innehåller också några drag av dekorativitet, eftersom den huvudsakligen är avsedd att dekorera livet för en person, hans hem. Detta gäller särskilt för verk gjorda av porslin och fajans, som vanligtvis är färgade med olika färger, så att deras uttrycksfullhet skapas inte bara av volym, utan också av färg. I skulptur av små former är satiriska bilder, karikatyrer möjliga. Eftersom det är en konst med stor cirkulation till sin natur, det vill säga sådan att ett verk skapat av en konstnär sedan upprepas (under industriella produktionsförhållanden) i tusentals exemplar, gränsar skulptur av små former till brukskonst med denna egenskap. Fältet för brukskonst är ovanligt brett: mattor, spetsar, broderier, läderprägling, smycken, måleri och träsnideri, konstnärliga fernissor och mycket mer, och här används skulptur i många sektioner. Jagade medaljer, plaketter och mynt, skulpturala dekorationer på hushållsartiklar, smyckesskulpturer gjorda av ädelmetaller, konstnärlig sten, trä- och bensnideri - allt detta är olika typer av tillämpad skulptur.

Vi kommer att prata här om en så intressant konstform som glyptisk eller intaglio (det italienska ordet intaqlio betyder "stenristning"). Detta är konsten att hugga olika ädelstenar och kaméer från ädelstenar eller halvädelstenar. De kan också betraktas som verk av tillämpad skulptur, med skillnaden att de behåller sin unika karaktär och som regel inte replikeras. Ädelstenar är en omvänd (konkav) relief huggen på en sten, som ger ett konvext intryck på ett plastmaterial (vax, plasticine, lera). Legenden tillskriver skapandet av den första ädelstenen till en grekisk snidare från 600-500-talen f.Kr. e. Mnesarchus (fader till filosofen Pythagoras). Han ristade inskriptioner och bilder av mytologiska scener i form av en konkav relief på sidoplanen av en cylindrisk sten; rullande den över vax eller lera, tryckte han sålunda en reliefplakett i form av en rektangel. Senare ristades ädelstenar på ändarna av stencylindern och användes som ett sigill eller ett tecken på äganderätt. Grekland kunde inte konsten att skära ädelstenar, och ädelstenar ristades på karneol, kalcedon, agat och andra halvädelstenar, som sedan sattes in i ringar.

Cameos uppstod runt Alexander den stores tid. De är inte längre konkava, som en pärla, utan en konvex relief. För en cameo brukar man välja en tvåskiktssten, så att bilden som skärs i det övre lagret skiljer sig i färg från bakgrunden (stenens nedre lager). Eremitagesamlingen innehåller den berömda Alexandriska cameo (3:e århundradet f.Kr.) från samlingen av hertig Gonzaga (ill. 24). Den är gjord av trelagers olivvit sardonyx och representerar porträtten av Ptolemaios Philadelphus II och hans fru Arsinoe. Hantverksmässigt och storleksmässigt är detta en riktig "queen of cameos". Vanligtvis är cameos små; som ädelstenar används de som inlägg i smycken.

Låt oss nu prata om så viktiga aspekter av skulpturkonsten som färg och material.

Nästan all modern skulptur (med undantag av porslin och majolika) är gjord monokromatisk, jämnt färgad (tonad gips, patinerad brons), eller har den naturliga färgen av materialet som den är gjord av (marmor, trä, granit). Vi är så vana vid det faktum att skulpturen är enfärgad att varje försök att måla den är redo att betraktas som en manifestation av dålig smak. Under tiden får vi inte glömma att de gamla grekerna målade sina skulpturala verk. Under hellenismens era (III - I århundraden f.Kr.) fortsatte färger att användas. I det antika Rom kunde man hitta en kombination av vit och färgad marmor, förgyllt trä och marmor, även om i grunden romersk skulptur redan hade blivit enfärgad. Under medeltiden, renässansen och barocken användes färgsättning i träskulpturer.

Separata försök att färglägga skulpturala verk gjordes på 1800-talet. Till exempel trodde den stora ryska konstkritikern V.V. Stasov att färgningen av en skulptur förbättrar dess realistiska uttrycksfullhet. Det finns en byst av Stasov av M. M. Antokolsky, målad av I. E. Repin. V. I. Mukhina uttalade sig mer än en gång för att försvara färgen i skulpturen, vilket skulle förbättra dess dekorativa möjligheter; S. T. Konenkov gillar också att lätt färglägga sina marmorporträtt här och där. Ändå bör det sägas att problemet med att färglägga ett skulpturverk måste närma sig mycket noggrant, eftersom de etablerade traditionerna av enfärgad plasticitet har väckt en viss förståelse för skönhet i skulptur.

En viktig och komplex fråga är valet av material för skulptur, materialkopplingen med innehåll och form, tillåtligheten av att översätta ett och samma verk till olika material.

Att skapa ett skulpturalt verk, mästaren tänker det i ett visst material. Materialet, med sina kvaliteter, introducerar vissa nyanser i bildens karaktärisering, eftersom "... de fysiska egenskaperna hos färger och marmor inte ligger utanför måleriets och skulpturens område", som Karl Marx skrev ( "K. Marx och F. Engels om konsten", Art Publishing House, 1938, s. 210.). Vi vet att 1700-talsskulptören M.I. Kozlovsky skapade "Cupid" i marmor och monumentet till Suvorov i brons, eftersom "bronsringning" bättre förmedlar Suvorovs militära skicklighet och militära geni, och rik på nyanser och så att säga , lysande marmor - ömhet och nåd av den unga kärleksgudens nakna barnsliga kropp. Men eftersom vi inser materialets enorma roll för att avslöja bildens innehåll, bör vi inte förstå detta alltför enkelt. Enbart ett väl valt material kan inte vara en garanti för framgång. En sak är klar: konstnären måste äga materialet, och inte materialet för att dominera konstnären. När du väljer ett material för ett monument är det viktigt att ta hänsyn till den avsedda sammansättningen. Till exempel kännetecknas sten av soliditet och enkelhet i formerna, medan brons är mer bekvämt för fri komposition och hjälper till att skapa en vacker siluett, men intrasiluettdetaljerna i formen i brons är svårare att se, eftersom detta hindras av mörkret i dess ton. Således är materialet med dess karaktär, färg, styrka, vikt och andra egenskaper ett av skulpturens konstnärliga och visuella medel, som hjälper till att avslöja den ideologiska innebörden av ett realistiskt verk.

För att förverkliga sin idé väljer skulptören något gediget material som är väl resistent mot tidens destruktiva inflytande. Men i det inledande skedet av arbetet använder de plast, viskösa material (lera, vax, plasticine), som fritt lämpar sig för mästarens händer. Dessa material tjänar till att skulptera formen genom att öka volymen. I sig är de inte lämpliga för att behålla sin form under lång tid, så skulpturen som vanligtvis görs i dem formas sedan och gjuts i gips.

Föreställ dig själva processen att skapa ett skulpturalt verk. Först skulpterar skulptören en liten skiss av plasticine eller lera, som förmedlar den ursprungliga idén. Sedan återger han skissen i lera i större storlek och avslutar den. En stor lerskulptur är gjord på en ram (gjord av järnstänger, tråd och bitar av trä) monterad på en maskin - ett stativ med en roterande horisontell bräda.

En gips, så kallad "svart form", bestående av två eller flera delar, tas bort från det ursprungliga skulpturverket gjutet av lera. Den upprepar exakt modellen, bara i omvänd, konkav form. I det här fallet förstörs den ursprungliga lermodellen, eftersom det, för att frigöra formen, är nödvändigt att ta bort leran från den. Därefter gjuts en exakt gipsreproduktion av modellen, den så kallade "gjutningen", i form. När gjutgodset släpps går formen sönder och därmed förstörs denna så kallade "svarta mögel". Om du behöver göra flera gipskopior, tas en andra, så kallad "bitform", bestående av många delar, bort från den redan erhållna gjutningen. Lagt i ett hölje (ett gemensamt däck som förenar alla delar) gör "klumpform" det möjligt att forma och gjuta följande exemplar av gips, betong, plast eller någon metall.

Det är därför problemet med autenticitet i skulptur är fundamentalt annorlunda än problemet med autenticitet i måleri. En kopia av en målning är gjord av en annan konstnär "med ögat", medan det i skulptur är en mekanisk reproduktion av originalet, som oundvikligen går förlorad vid den första gjutningen. Men samtidigt, enligt Leonardo da Vinci, "... när det gäller meriter är trycket detsamma som originalet."

En mycket komplex och lång process är gjutning av en skulptur av brons och andra metaller.

Metaller: brons, koppar, gjutjärn, zink, silver och olika legeringar - reproducerar ett skulpturverk endast när de själva förs i flytande tillstånd. De smälts först och hälls sedan i formar.

Metaller kan också bearbetas kallt - genom att smida, jaga, det vill säga att slå ut en relief med hammarslag från insidan på en plåt (enligt en färdig, konkav form). Begreppet "jaga" har en annan betydelse: vanligtvis är de präglade, det vill säga alla sömmar och oregelbundenheter som bildas i processen att gjuta från metall på skulpturens yta är inriktade och förseglade. För närvarande används ofta pneumatiska hammare för mynt. Chasing var känt i antikens Grekland. Så statyn av Athena Parthenos av Phidias, den berömda skulptören från 500-talet f.Kr. t.ex. var gjord av jagade ark av guld, föreställande kläder och plåtar av elfenben, föreställande gudinnans kropp. Dessa plattor fästes på en träram. Denna teknik för att kombinera guld och elfenben kallades krysalefanttekniken.

Sten (granit, marmor, kalksten, sandsten) och trä bearbetas genom att hugga, hugga, skulptera, det vill säga att ta bort "extra" delar och "befria" den konstnärliga form som finns inuti blocket. Vid bearbetning av sten använder skulptören olika verktyg : , troyanka, skalpell, borr och klubba - en järnhammare. En räfflad eller rasp (fil) används också.Trä bearbetas med mejslar av olika profiler och en borr.

Översättningen av ett skulpturarbete i gips, lera eller brons till marmor (eller sten) utförs med den så kallade prickmaskinen: alla utbuktningar och fördjupningar i formen på gipsmodellen mäts noggrant och överförs till marmorn, i som allt överflödigt avlägsnas enligt dessa märken, skära ner. Detta arbete, som kräver stort fysiskt arbete och skicklighet, utförs nu inte alltid av skulptören själv - hans assistenter, marmorspecialister, kan delta i det. Men slutskedet av arbetet - ytbehandling - görs alltid av författaren själv.

Keramisk skulptur tillverkas av olika leror och bränns i speciella ugnar. Majolika, porslin och fajans täcks med färg, flerfärgad eller färglös glasyr (glasyr) redan före bränning och bränns också. På museer har du förmodligen sett små statyetter gjorda av ett material som kallas "kex". Detta är vitt oglaserat porslin med en matt finish.

Skapandet av ett skulpturalt verk, även av liten storlek, kräver en enorm utgift av kreativ energi, medel, material och färdigheter, inte bara av författaren själv, utan också av marmormakare (om skulpturen översätts till marmor) och gjutmaskiner ( om den är gjuten i brons).

Arkitekter, grävare och arbetare - flera dussin personer, såväl som institutioner med ansvar för konst, design och stadsförbättring deltar i skapandet av ett storskaligt verk, till exempel ett monument.

Vem av oss beundrade inte 1700-talsbildhuggaren E.-Ms geniala skapelse. Falcone - ett monument till Peter I i Leningrad? Han inspirerade Pushkin att skapa dikten "The Bronze Horseman".

Hur skapades detta monument?

Falcone arbetade med det i över tolv år. Efter att ha gjort en modell som motsvarade hans plan började han leta efter ett naturligt stenblock för piedestalen. I ett träsk på Lakhta, i närheten av S:t Petersburg, hittades slutligen en mer än fem meter hög lämplig sten. Med otrolig svårighet togs denna "åsksten", som den kallades, upp ur träsket, transporterades över bukten och längs Neva och lossades på Senatstorget. Arbetet med leverans och montering av stenen på plats tog ett och ett halvt år! En medalj utfärdades för att hedra denna händelse.

Även gjutningen av ryttarstatyn tog lång tid. Skulptören övervakade själv direkt arbetet, efter att tidigare ha studerat gjuteriverksamheten, som tidigare var okänd för honom i en sådan omfattning. Under gjutningen av statyn inträffade en olycka: smält brons forsade ut ur den utbrända formen, en brand startade. Falcone själv sårades, och bara artillerigjuteriarbetaren Mikhail Khailovs påhittighet, som modigt, riskerade sitt liv, stängde sprickan, räddade det hela. 1778 var utsmyckningen av statyn klar. Men öppnandet av monumentet ägde rum först 1782, eftersom intrigerna från Catherine II:s hovmän tvingade Falcone att lämna Ryssland, och konstruktionen av monumentet slutfördes redan av den ryske skulptören F. G. Gordeev.

Låt oss påminna om ytterligare ett verk - den skulpturala gruppen "Worker and Collective Farm Girl" av V. I. Mukhina, som vi redan har undersökt. Det skapades, om än på kortare tid, men med utgifterna för ännu mer arbetskraft och med deltagande av ett stort team. För denna grupp, enligt planen för arkitekten B. M. Iofan, författaren till projektet för byggandet av den sovjetiska paviljongen vid utställningen i Paris, valdes ett helt nytt material som aldrig tidigare använts i skulptur - krom-nickel (rostfritt stål. V. I. Mukhina sa att detta stål i skulptur "visade sig vara ett helt exceptionellt material när det gäller färg, på grund av det faktum att dess yta är färglös-silver, det uppfattar alla nyanser av belysning och, så att säga, växer ut i rymden. " Höjden på denna grupp var enorm - 24,5 m. På grund av de snäva tidsfristerna för regeringsuppdraget lyckades Mukhina skulptera en modell endast 1/15 av den givna storleken. Från denna modell var ingenjörer och designers, tillsammans med författaren och hennes assistenter - skulptörerna Z. G. Ivanova och N. G. Zelenskaya - tvungna att göra gigantiska träformer av enskilda delar av statyerna. Plåtar av stål slogs ut i dessa former, som sedan förstärktes på en metallram. Särskilda svårigheter låg i det faktum att varje detalj i skulpturen ökades femton gånger, men varje misstag kunde öka femton gånger!

Träformer - "tråg", som arbetarna kallade dem - gav en omvänd relief: allt som var konvext på statyerna blev konkavt, skulptörerna fick vänja sig vid att känna och korrigera volymen, som man säger, "inifrån och ut". Och dessa former var av extraordinär storlek: "tvärsnittet av armen vid axeln", som Mukhina mindes, "fungerade som ett inlopp för ett helt team av snickare som arbetade i form av en kvinnlig överkropp ..."

När den gigantiska ramen, installerad på gården till Central Research Institute of Mechanical Engineerings anläggning, började "kläs" med färdiga utslagna ståldelar, uppstod nya svårigheter. Så här beskriver Mukhin detta ögonblick av arbete:

"Februari och mars i år var ovänliga, det fanns nästan inga soliga dagar - varken frost, eller regn eller snöstorm. Ramen och byggnadsställningarna var isiga, men två jättar växte stadigt och täckta med stål. En smal vacker man" derrick " , en trana, stod Hans mäktiga järnpil lyfte bitar av statyn en efter en... Benen föll på plats, bålarna sattes på, armarna flöt genom luften och smälte samman med kroppen, huvudena stärktes, och , slutligen, två armar med korsad hammare och skära krönte de främre fasadstatyerna.

Men det fanns fortfarande den viktigaste och svåraste delen - en halsduk som flög genom luften; den enorma bågen hade bara två kontaktpunkter med statyn; hon drog sig tillbaka mellan två överkroppar och flög längs en horisontell cirkel 30 m i diameter med en take-away på 10 m, greps av flickans hand. Den halsdukshållande gården, utomordentligt utarbetad och nyckfull, hade inget föredöme i det förflutna; äran av dess konstruktion tillhör ingenjörerna Dzerzhkovich och Parishioner. Flera gånger togs denna "squiggle", som den kallades på fabriken, bort från sin plats, fästena kontrollerades gång på gång och dess kraft ökade. Att montera den och "klä" den med stål var de svåraste delarna av jobbet.

Tidsfristerna rann ut, arbetet pågick dag och natt, ingen lämnade arbetsplatsen hemmet... Medvetenheten om vikten av det uppdrag vi anförtrotts och den underbara sovjetiska stoltheten tvingade dessa människor att arbeta 3-4 skift i en rad, arbeta i en snöstorm, på isiga skogar... ". Så på rekordkort tid, på drygt tre månader, skapades detta underbara verk, nyskapande i teknik och konstnärlig bild. När statyn monterades i Paris, förutom Mukhina, hennes assistenter och fem ingenjörer, arbetade återigen över sextio arbetare.

På så sätt skapas många stora verk av monumental och monumental-dekorativ skulptur, som är avsedda att förhärliga sitt hemland, dess hjältar och samtidigt de som skapat dessa konstunderverk i århundraden.

I denna korta uppsats har vi försökt visa hur betydelsefull skulpturkonstens roll i vårt liv är, vilka olika uppgifter den utför, förkroppsligar stora och komplexa tankar och känslor, hur olika konstformer och material som skulptören använder, och hur mycket kreativa ansträngningar och medel som satsas på att skapa skulpturer.

Att bemästra kunskap och förståelse för den här eller den typen av konst berikar en person, ger honom äkta glädje, får honom att uppskatta konstverk, behålla dem som frukterna av inspirerad kreativitet, som folkets kulturella värden.

Skulptur är konsten att skapa volymetriska konstverk genom att snida, snida, modellera eller gjuta, smida, jaga.

Det finns två huvudtyper av skulptur: rund (staty, skulpturgrupp, statyett, bål, byst, etc.), som är fritt placerad i rymden och vanligtvis kräver en cirkulär vy, och relief, där bilden är placerad på ett plan som bildar dess bakgrund.

Den första och kanske den viktigaste är sektionen av monumental skulptur, som inkluderar en- och flerfigursmonument, monument till minne av enastående händelser och byster-monument. Alla är installerade på offentliga platser, oftast utomhus. De är alltid generaliserade i design och konstnärlig form, de kännetecknas av sin stora storlek och materialets hållbarhet. Monumental skulptur tjänar orsaken till propagandan för de viktigaste transformativa sociala idéerna. Monumentet tilltalar alltid de breda åskådarmassorna och bekräftar en positiv bild. Stadsmonumenter firar de människor som har fått universell berömmelse. Det är omöjligt att uppföra ett monument på stadens torg till en person som bara är nära skulptören själv - hans fru, bror, vän, medan det är fullt möjligt att skapa sina porträtt för en utställning eller ett museum i staffliplanen. Det är här som vattendelaren mellan staffli och monumental konst passerar.

Monumental konst omfattar: - Monument och monument; - skulpturala, pittoreska mosaikkompositioner för byggnader; - Fönster i målat glas; - stads- och parkskulptur; - fontäner osv.

Denna monumentala komposition skapades av den berömda skulptören Yevgeny Vuchetich. På en hög piedestal håller en sovjetisk soldat ett straffande svärd i ena handen och plockade försiktigt upp en liten tysk flicka med den andra. Denna bild av en krigare-befriare med ett barn i famnen har blivit en symbol för de sovjetiska soldaternas stora bedrift och finns i Treptow Park i Berlin. Och prototypen av denna bild av en soldat var Nikolai Ivanovich Massalov. På det gulnade tidningsfotot ser man honom redan krigsveteran, en äldre man med en tjej i famnen.

monumental dekorativ skulptur för staffli

Bronsskulptur "The Bronze Horseman" (S:t Petersburg), 1768--1770 (Etienne Falcone)

Betongskulptur Motherland (Volgograd), 1959--1967 (E.V. Vuchetich, N.V. Nikitin)

Piedestalens roll är mycket viktig i den konstnärliga uppfattningen av vilket monument som helst. Det här är inte bara ett figurställ. Detta är just den piedestal på vilken hjälten är uppvuxen för sina tjänster till folket. Sockeln ska motsvara monumentets arkitektoniska miljö, karaktär, stil och skala som helhet. Ofta är dess ansikten dekorerade med reliefer, som avslöjar hjältens historiska betydelse mer fullständigt. Det mest accepterade förhållandet mellan figuren och piedestalen är 1:1, även om det finns andra proportioner.

En betydande roll i installationen av monumentet spelas av dess position i förhållande till kardinalpunkterna, vilket bestämmer arten av dess belysning vid en eller annan tidpunkt på dagen.

En speciell del av monumental skulptur är minnesskulptur (gravsten), som är installerad på gravar till minne av de dödas förtjänster och moraliska dygder. Konsthistorien känner till ett stort antal typer av gravstenar - från de majestätiska egyptiska pyramiderna till det blygsamma ryska träkorset på en lantlig kyrkogård. Om stadsmonumentet verkar tilltala alla, så gravstenen - oftast bara till en person som har kommit nära. Formen på gravstenen är extremt olika. Detta är antingen ett porträtt av den avlidne (staty, byst, relief), eller allegoriska figurer av genier, sörjande, ibland också medföljande porträttbilden av den avlidne, eller, slutligen, är det helt enkelt arkitekturen av den så kallade "lilla" former", ibland dekorerade med en urna, draperier eller olika allegoriska tecken, som symboliserar den korta varaktigheten av mänskligt liv.

Låt oss nu bekanta oss med en monumental och dekorativ skulptur. Det kan hittas bokstavligen vid varje tur. Det är nära besläktat med arkitektur, och mer allmänt, till miljön i allmänhet och omfattar alla typer av skulpturell utsmyckning av byggnader, både invändigt och utvändigt: statyer på stadsbroar, grupper på byggnadsfasader, i nischer eller framför en portal, reliefer etc. Monumental och dekorativ skulptur löser stora ideologiska och figurativa uppgifter. Skulptur utvecklar och förtydligar idén och syftet med en struktur, samtidigt som den förstärker ljudet av arkitektoniska former (ibland i korrespondens, och ibland i kontrast).

Ett lysande exempel på arkitektonisk och skulptural syntes inom den socialistiska realismens konst var den sovjetiska paviljongen vid världsutställningen 1937 i Paris, byggd enligt B. M. Iofans projekt och krönt med en skulpturgrupp av V. I. Mukhina, som har blivit känd sedan dess. sedan. Hela byggnaden är genomsyrad av rörelse, förmedlad i tillväxten av horisontella former, som i den centrala delen förvandlas till vertikalen av den skyhöga pylonen. Gruppen "Worker and Kolkhoz Woman", monterad på taket av pylonen, upprepar konsekvent denna rörelse i sin sammansättning: först, framåt och sedan uppåt. När de kastar upp hammaren och skäran högt marscherar unga och vackra jättar fram tillsammans - en arbetare och en kollektiv lantbrukskvinna, som personifierar hela sovjetfolket. Gruppens kompositionsaxel är en kraftfull diagonal, vilket ger denna rörelse snabbhet. Med dessa medel uttryckte skulptören livligt idén om det sovjetiska folkets rikstäckande rörelse framåt mot kommunismen. Konkretiserad av handlingen och avslöjad i den skulpturala gruppen, denna sats, som huvudmelodi (jag skulle vilja säga: "det segerrika folkets marsch"), får förberedelse och stöd, som i orkesterinstrumentering, i klangen av arkitektoniska former av hela byggnaden.

Museums- och utställningskomplexet "Worker and Collective Farm Girl" ligger i en gigantisk piedestal av den berömda statyn av skulptören Vera Mukhina och arkitekten Boris Iofan, som skapades 1935-1937 för den sovjetiska paviljongen på världsutställningen i Paris, och hittade sedan sin plats vid den norra ingången till All-Russian Exhibition Centre. I oktober 2003 påbörjades arbetet med återuppbyggnaden. Hösten 2009 dök hon upp igen på All-Russian Exhibition Center. USSR-paviljongen var belägen på Trocadero-parkens territorium längs Seineflodens vall och representerade en långsträckt volym 160 meter lång, höjden på huvudbyggnaden (piedestal för skulptur) var 32 meter. Det unika med den konstruktiva lösningen av byggnaden var att den stod inför Gazgan-marmor i olika nyanser. En bred fronttrappa ledde till huvudentrén, flankerad av fyra meter långa propylaea. Basreliefer på temat broderskap mellan folken i Sovjetunionen, gjorda av skulptören I.M. Chaikov, placerades på dem. Ingången till paviljongen dekorerades med Sovjetunionens vapensköld av V.A. Favorsky. Paviljongen kröntes med en skulptur av en arbetare och en kollektivgårdskvinna, gjord enligt projektet av V.I. Mukhina av förkromat rostfritt stål. Det var första gången sådant material användes för skulptur. Statyns ram gjordes vid TsNIIMASH pilotanläggning under ledning av professor P.N. Lvov. Höjden på statyn till skärans ände var 23,5 meter, längden på arbetarens arm var 8,5 meter, höjden på hans huvud var mer än 2 meter, tjockleken på stålplåtarna var 1 mm. Den totala vikten av skulpturen var 75 ton.

I monumental och dekorativ skulptur, såväl som i monumental skulptur, är proportionaliteten i skalan och förhållandet mellan monumentets volym och utrymmet i vilket det är placerat av stor betydelse. Samtidigt måste skulptören ha i åtanke inte bara den matematiska skalan och det korrekta förhållandet till arkitekturens proportioner, utan också möjligheterna med mänsklig vision och perception. Trädgårds- och parkskulpturer hör också till monumental och dekorativ skulptur: statyer, byster, fontäner, dekorativa vaser etc. Denna skulptur är nära förbunden med parkens landskap, den harmoniserar väl antingen med en grön bakgrund eller med färgerna på höstens lövverk. .

Staffliskulptur kallas så eftersom den är installerad på en maskin eller monter och är avsedd för utställningar, museer, offentliga byggnader och bostadshus (det senare gav till och med upphov till det speciella konceptet "skåpsskulptur"). Staffliskulptur beskådas på nära avstånd, oavsett miljö, närliggande verk eller inredningsarkitektur. När det gäller storlek är staffliskulptur vanligtvis antingen mindre än naturlig storlek, eller något överstiger den. Detta görs för att undvika att avbilda en person i naturlig storlek, eftersom den kan se ut som en dummy, vilket är okonstnärligt och obehagligt. Staffliskulptur i innehåll är extremt varierande. Staffliskulptur täcker ett mycket brett spektrum av ämnen. Ett staffliverk kräver att betraktaren stannar framför det under en lång tid, kastar sig in i en värld av känslor, upplevelser och karaktärer, som om han läser en intressant historia, tittar in i karaktärernas själ.

Byst av M. V. Lomonosov. Skulptör F.I. Shubin. Kex. Kopiera. 1792. Museum för M. V. Lomonosov. St. Petersburg.

I stort sett kan skulpturer göras av vad som helst. Klassisk skulptur - marmorskulptur. Det var detta magnifika material - lyxigt till utseendet och lätt att bearbeta - som användes av antikens och renässansens konstnärer. Men tiderna förändras, och i början av 1900-talet började skulptörer hugga sina skapelser främst av granit. Det är inte så att världens marmorreserver har tagit slut. Det är bara det att denna sten inte tål modern ekologi och den förstörs stadigt under påverkan av miljön. Modern stads- och parkskulptur är oftast huggen i granit eller gjuten av metall - främst brons eller andra legeringar som är resistenta mot korrosion. Det viktigaste materialet för skulpturer, tillsammans med marmor, är brons; marmor är mest lämpad för att återge känsliga, idealiska, mestadels feminina former; brons - för att förmedla formerna av modig, energisk. Dessutom är det ett särskilt bekvämt ämne i det fall då verket är kolossalt eller skildrar en stark rörelse: figurerna som animeras av en sådan rörelse, när de är gjorda av brons, behöver inte stöd för ben, armar och andra delar, som är nödvändiga i liknande figurer huggen spröd sten. Slutligen, för arbeten som är avsedda att stå utomhus, särskilt i nordliga klimat, är brons att föredra eftersom det inte bara inte försämras av atmosfäriska influenser, utan också får, som ett resultat av sin oxidation, en grönaktig eller mörk beläggning som är behaglig för ögat på dess yta, kallad patina. En bronsstaty görs antingen genom att gjuta smält metall i en förberedd form, eller slås ut med en hammare från metallplattor.

Ett av sätten att producera bronsskulpturer är den ihåliga bronsgjutningsmetoden. Dess hemlighet ligger i det faktum att den ursprungliga formen för figuren är gjord i vax, sedan appliceras ett lerlager och vaxet smälts. Och först då hälls metallen. Bronsgjutning är samlingsnamnet för hela denna process.

När det gäller knock-out-arbetet (det så kallade repussy-arbetet) består det av följande: en metallplåt tas, den mjukas upp genom att eldas upp och slå insidan av plåten med en hammare, ge den den erforderliga konvexiteten, först i en grov form, och sedan, med en gradvis fortsättning av samma arbete, med alla detaljer, enligt den befintliga modellen. Denna teknik, för vilken konstnären måste ha speciell skicklighet och lång erfarenhet, används främst när man utför basreliefer av en inte särskilt stor storlek; vid tillverkning av stora och komplexa verk, statyer, grupper och höga reliefer, tillgrips det nu endast när det är nödvändigt att de har en relativt liten vikt. I dessa fall slås arbetet ut i delar, som sedan kopplas ihop med skruvar och fästelement till en helhet. Sedan 1800-talet har stansning och gjutning i många fall ersatts av deponering av metall i formar med hjälp av elektroformning. För rysk-sovjetiska parker är träskulpturer traditionella, med nationalsymbolen i spetsen - en klumpfotsbjörn. Trä, som material för skulpturer, användes i gamla tider; men träskulptur var särskilt respekterad under medeltiden och under de första dagarna av renässansen i Tyskland, försett tempel med målade och förgyllda helgonstatyer, invecklade altardekorationer, figurerade zhyuby, predikstolar och säten för körer. För sådant hantverk används ett mjukt, lättklippt lind- eller bokträd. Ädelmetaller, såväl som elfenben, används, på grund av deras höga kostnad, uteslutande för små skulpturer. Men under den antika grekiska konstens blomstringstid fann elfenben också sin användning i stora, till och med kolossala verk - i de så kallade kryso-elefantskulpturerna. Slutligen, när det gäller hårda stenar, bör det noteras att de sedan urminnes tider har spelat en viktig roll i små plastverk, såsom kaméer och ädelstenar. För sådana verk tas onyx oftast, vilket gör att konstnären kan få mycket pittoreska effekter på grund av de flerfärgade lagren av denna sten.

Konstnärlig gjutning av skulpturer efter förebilder i jordformer. Detta är det enklaste sättet att få gjutgods av skulpturer. Skulpturmallen kan vara gjord av vilket material som helst - plasticine, gips (de mest acceptabla och bekväma materialen), trä, plast, metall. Skulpturen i sig kan tjäna som modell; om det är nödvändigt att göra samma (för att återställa dess ursprungliga utseende), byggs de saknade delarna upp på den restaurerade eller restaurerade skulpturen med plasticine enligt det ursprungliga provet.

Material för att göra modeller av skulpturer:

1. Plasticin, gips, plast, trä.
2. Vax, paraffin, stearin; tekniskt gelatin, trälim.
3. Polystyren (polystyren) - cellplast.

För att få flera identiska modeller av vaxskulpturer används en elastisk form. För att replikera vaxmodeller för att gjuta identiska skulpturer eller detaljer av konstnärliga verk, till exempel gjutna ornament för ett konstnärligt staket, görs en gummiform. Skulpturverk gjorda av metall - färgade, svarta eller ädla - som slutförandet av hela tillverkningsprocessen behöver de definitivt en dekorativ finish. Dessutom förbättrar det inte bara utseendet på en skulptur, ett genombrutet eller smidd eldstadsgaller, en jagad relief eller konstnärlig gjutning, utan skyddar också verk skapade i någon teknik från effekterna av den yttre miljön, förlänger deras ålder. Det finns många recept för att applicera de tunnaste skyddsbeläggningarna i olika färger, som har sin egen teknik. Valet av en eller annan typ av dekorativ finish av en skulpturell metallprodukt dikteras av själva metallens kvaliteter, såväl som syftet med den här eller den produkten.

- Mjuka ämnen (lera, vax, plasticine, etc.) används för modellering; medan de vanligaste verktygen är trådringar och staplar, "plast".
- Fasta ämnen (olika typer av sten, trä, etc.) bearbetas genom att skära (snidera) eller hugga, ta bort onödiga delar av materialet och gradvis frigöra, så att säga, en tredimensionell form gömd i det; för bearbetning av ett stenblock används en hammare (klubba) och en uppsättning metallverktyg (tunga, skarpell, troyanka, etc.) för bearbetning av trä - huvudsakligen formade mejslar och borrar.
– Ämnen som kan förändras från flytande till fast form (olika metaller, gips, betong, plast etc.) används för att gjuta skulpturer med hjälp av specialgjorda formar.
– Galvanisering används också för att reproducera skulptur i metall. I sin osmälta form bearbetas metall för skulptur genom smide och prägling.
– För att skapa keramiska skulpturer används speciella typer av lera, som vanligtvis täcks med målning eller färgad glasyr och bränns i speciella ugnar.

Skulptören utför något arbete och skulpterar först och främst i en liten form av vax eller våt lera en modell som förmedlar idén om hans framtida arbete. Ibland, särskilt i de fall då den tänkta skulpturen måste vara stor och komplex, måste konstnären göra en annan, större och mer detaljerad modell. Sedan, guidad av layouten eller modellen, börjar han arbeta med själva arbetet. Om en staty ska utföras, så tas en bräda för foten, och en stålram godkänns på den, krökt och monterad på ett sådant sätt att inte en enda del av den sträcker sig utanför den framtida figuren, och han själv tjänade som ett skelett för det; dessutom, på de platser där figurens kropp bör ha en betydande tjocklek, är träkors fästa på ramen med ståltråd; i samma delar av figuren som sticker ut i luften, till exempel i fingrarna, hår, hängande klädveck ersätts träkors av tvinnad tråd eller hampa, mättad med olja och rullad upp i form av buntar. Efter att ha placerat ett sådant skelett av en staty på ett stativ, stationär eller horisontellt roterande maskin, kallad ett sto, börjar konstnären att överlägga ramen med stuckaturlera så att en figur erhålls som i allmänna termer liknar modellen; sedan avlägsnar han på ett ställe den överdrivet applicerade leran, lägger till dess brist på ett annat och avslutar figuren del för del, bringar han den gradvis till den önskade likheten med naturen. För detta arbete serveras han med palm- eller stålinstrument av olika former, kallade stackar, men ännu mer med sina egna händers fingrar. Under hela modelleringen är det nödvändigt, för att undvika uppkomsten av sprickor i den torkande leran, att ständigt bibehålla dess fuktighet och för detta, då och då, fukta eller strö figuren med vatten, och avbryta arbetet till nästa dag, linda in den med en våt duk. Liknande tekniker används också vid tillverkning av reliefer av betydande storlek - med den enda skillnaden är att istället för ramen används stora stålspikar och bultar för att stärka leran, indrivna i en brädsköld eller en grund låda som fungerar som basen för lättnaden. Efter att ha slutfört modelleringen, tar skulptören hand om att göra ett noggrant fotografi av sitt arbete från ett material som är starkare än lera, och för detta ändamål tar han hjälp av en formare. Denna senare avlägsnar från leroriginalet den så kallade svarta formen av alabaster, och en gipsavgjutning av verket gjuts på den. Om konstnären vill ha en gjutning inte i en, utan i flera exemplar, gjuts de i den så kallade rena formen, vars tillverkning är mycket svårare än den föregående.

Skapandet av inte ett enda mer eller mindre stort skulpturverk, vare sig det är sten eller metall, är oumbärligt utan preliminär modellering av leroriginalet och gjutning av dess gipsavgjutning. Visserligen fanns det skulptörer, som Michelangelo, som arbetade direkt från marmor; men imitationen av deras exempel kräver en utomordentlig teknisk skicklighet av konstnären, och ändå riskerar han att hamna i irreparable misstag vid varje steg med ett sådant djärvt arbete.

Med mottagandet av en gipsavgjutning kan en väsentlig del av skulptörens konstnärliga uppgift anses avslutad: det återstår bara att återge avgjutningen, beroende på ens önskan, i sten (marmor, sandsten, vulkanisk tuff etc.) eller i metall (brons, zink, stål etc.) .), som redan är halvslöjdsarbete. Vid tillverkning av marmor- och stenstatyer i allmänhet täcks ytan av gipsoriginalet med ett helt nätverk av prickar, som med hjälp av en kompass, ett lod och en linjal upprepas på blocket som ska färdigställas . Med hjälp av denna interpunktion tar konstnärens assistenter, under hans överinseende, bort onödiga delar av blocket med hjälp av en mejsel, mejsel och hammare; i vissa fall använder de den så kallade prickade ramen, där ömsesidigt korsande trådar indikerar de delar som bör slås av. Så småningom uppstår statyns allmänna form från ett obearbetat block; den är finare och finare färdigbehandlad under händerna på erfarna arbetare, tills till sist konstnären själv ger den den sista finishen, och polering med pimpsten ger de olika delarna av verkets yta en möjlig likhet med vad naturen själv representerar i detta respekt. För en större tillnärmning till det i optiska termer gnuggade de gamla grekerna och romarna sina marmorstatyer med vax och till och med lätt målade och förgyllde dem.

Lexikon

Acroterium är en skulptural dekoration placerad över hörnen av frontonen av en arkitektonisk struktur byggd enligt en klassisk ordning.

Alabama är namnet på två olika mineral: gips (kalciumdiquasulfat) och kalcit (kalciumkarbonat)

Biga - en skulptural bild på en byggnad eller på bågen på en vagn dragen av ett par hästar.

Bromnes - en serie av dubbel- eller flerkomponents kopparbaserade legeringar, där den huvudsakliga legeringskomponenten är tenn, beryllium, mangan, aluminium eller annat grundämne, ibland med tillägg av ytterligare komponenter - zink, bly, fosfor etc. Legeringarna kan dock inte kallas bronskoppar med zink (detta är mässing) och nickel (koppar-nickellegeringar).

Byst - en skulptur som visar bröstet, axlarna och huvudet på en person, vanligtvis på ett stativ.

Elektroplätering är en avdelning för tillämpad elektrokemi som beskriver de fysikaliska och elektrokemiska processer som sker under avsättningen av metallkatjoner på vilken typ av katod som helst. Elektroplätering förstås också som en uppsättning tekniska metoder, regimparametrar och utrustning som används vid elektrokemisk avsättning av alla metaller på ett givet substrat.

Gemma är en produkt av gyptik, en smyckesten, vanligtvis rund eller oval till formen, med snidade bilder. Det finns ädelstenar med inskurna bilder (intaglia) och med basrelief konvexa bilder (cameos).

En mejsel är ett snickeri- eller snickeriverktyg som är avsett för mejsling av hål, holkar, spår etc. Det ser vanligtvis ut som en avlång metallstång monterad på ett handtag med en skärpt arbetsände. En metallring måste installeras på handtaget för att förhindra att handtaget spricker vid stötar. Vid arbete hålls mejseln vanligtvis med en hand, applicera arbetsänden på ytan som ska behandlas och med den andra handen slå med en hammare i den andra änden.

Cameo - en sorts pärla, ett smycke eller dekoration gjord i tekniken för basrelief på ädelstenar eller halvädelstenar eller på ett snäckskal. Motsatsen till djuptryck, vilket görs med tekniken för djuprelief.

Mascaron - en relief skulptural detalj gjord i form av ett huvud eller mask. Mascaronen placeras på slutstenarna i valven av dörr- och fönsteröppningar, på konsoler, väggar etc.

Monumentet är ett betydande monument av konstgjort ursprung.

Monumental skulptur - dessa är monument, monument, skulpturala komplex som antingen kompletterar och berikar arkitektur eller självständigt uttrycker och främjar en monumental bild, men inte utan hjälp av arkitektur (piedestal, organisation av en plattform runt ett monument).

MONUMENTAL DECORATIVE SCULPTURE är en slags skulptur, som till sin natur är en syntetisk konst, nära besläktad med arkitektur och naturlandskap: den dekorerar fasader (portiker, nischer, bröstvärn) och interiörer av byggnader, introduceras i broarnas sammansättning, triumferande valv, fontäner, små arkitektoniska former (grottor, lusthus, dekorativa strukturer), ingår i den naturliga miljön i trädgårdar och parker.

Marmor är en metamorf bergart som endast består av kalcit CaCO3.

En obelisk är en tetraedrisk, avsmalnande kolumn i toppen, toppad med en vass spets i form av en pyramid.

Omnix är ett mineral, en kalcedon (fibrös) variant av kvarts, där mindre föroreningar skapar planparallella färgade lager. Den randiga varianten av marmor kallas ofta mexikansk onyx eller algerisk onyx.

Monument - ett konstverk skapat för att fira människor eller historiska händelser: en skulpturgrupp, en staty, en byst, en platta med en relief eller en inskription, en triumfbåge, en kolumn, en obelisk, en grav, en gravsten.

Ett monument är en struktur utformad för att hedra människor, händelser, föremål, ibland djur, såväl som litterära och filmiska karaktärer. Oftast har monumentet ingen annan funktion, förutom minnesmärket. De vanligaste typerna av monument är en skulpturgrupp, en staty, en byst, en platta med en relief eller en inskription, en triumfbåge, en kolumn, en obelisk, etc.

Pemmza är ett poröst vulkaniskt glas som bildas som ett resultat av frigörandet av gaser under den snabba stelningen av sura och medelstora lavor.

Hampa - fibrer av hampa stjälkar. Den erhålls genom lång (upp till 2 år) blötläggning av hampamassan i rinnande vatten.

En piedestal är antingen en arkitektonisk grund för ett stycke skulptur (en piedestal); - eller ett stativ på vilket verket av staffliskulptur är installerat.

Protoma - en skulpturell bild av framsidan av en tjur, häst, annat djur eller person.

En piedestal är en konstnärligt utformad bas för en skulptur, vas, obelisk eller kolumn.

Piedestal - samma som piedestal; en konstnärligt utformad bas på vilken verk är installerade - en skulptur (staty, skulpturgrupp, byst), vas, obelisk, stele, etc.

Skäraren är ett skärverktyg utformat för att bearbeta delar av olika storlekar, former, noggrannhet och material. Det är det huvudsakliga verktyget som används vid svarvning, hyvling och räfflor (och på relaterade maskiner).

Relief är en typ av konst, en av huvudtyperna av skulptur, där allt som avbildas skapas med hjälp av volymer som sticker ut ovanför bakgrundsplanet. Det utförs med användning av sammandragningar i perspektiv, vanligtvis sedd framifrån. Relief är alltså motsatsen till rund skulptur. En figurativ eller dekorativ bild är gjord på ett plan av sten, lera, metall, trä med hjälp av modellering, snidning och prägling.

Terrängtyper:

- Basrelief - en typ av skulptur där en konvex bild sticker ut ovanför bakgrundsplanet, som regel, inte mer än halva volymen. Högrelief - en typ av skulptur där en konvex bild sticker ut över bakgrundsplanet med mer än halva volymen.
- Motrelief - en typ av djuprelief, som är ett "negativ" till en basrelief. Det används i tätningar och i former (matriser) för att skapa basreliefbilder och intaglios.
- Koilanaglyph - en typ av djuprelief, d.v.s. konturskuren på planet. Det användes främst i arkitekturen i det antika Egypten, såväl som i forntida österländska och antika gyptiker.

Sculptumra är en typ av konst, vars verk har en tredimensionell form och är gjorda av solida eller plastiska material - i ordets breda bemärkelse, konsten att skapa en bild av en person, djur och andra föremål från lera, vax, sten, metall, trä, ben och andra material naturen i taktila, kroppsliga former.

Statyett - en liten skulptur gjord av trä, ben, lera, sten, metall och andra material, som visar antropomorfa bilder, djurfigurer, livlösa och abstrakta föremål. Det hänvisar till skulptur av små former, det vill säga högst 80 cm hög och högst 1 m lång.

Stammtuya är en av huvudtyperna av rund skulptur, som är en tredimensionell bild av en mänsklig figur eller djur. Statyer kan placeras framför byggnadens fasad, i speciella nischer på piedestalen, på takfoten i hörnen av frontonen eller i speciella trädgårdspaviljonger.

Stela - en vertikalt stående stenplatta med en inskription, relief eller bildbild.

Torso - bålen på en person, såväl som en skulpturell bild av bålen.

Chrysoelephantine Sculpture - en skulptur av guld och elfenben. Det var karakteristiskt för antik konst (mestadels kolossala statyer av gudarna). Den bestod av en träram, på vilken elfenbensplåtar klistrades, som förmedlade en naken kropp; kläder, vapen, hår var gjorda av guld.

SKULPTUR(lat. skulptur, av sculpo - cut, carve), skulptur, plast - en typ av konst, vars verk har en tredimensionell form, är tredimensionella och påtagliga.

Skulptur är indelad i runda, fritt placerad i rymden, och lättnad, där volymetriska bilder är placerade på ett plan.

Skulptur kan delas in i typer − staffli, monumental, monumental och dekorativ skulptur, liten plast. Den verkliga världen reproduceras i skulptur, men bildens huvudobjekt är en person, genom vars yttre utseende hans inre värld, karaktär, psykologiska tillstånd, såväl som människokroppen, överföring av rörelse (huvud, byst, bål, staty, skulpturgrupp) överförs. Bilder av djurvärlden utgör den animalistiska genren skulptur.

Skulpturens uttrycksfullhet uppnås genom konstruktion av grundplaner, ljusplan, volymer, massor, rytmiska relationer. Av stor betydelse är silhuettens klarhet och integritet. Texturerad ytbehandling och detaljer kompletterar uttrycksfullheten hos plastlösningen i den skulpturala bilden. Skulpturmaterialen är sten (marmor, kalksten, sandsten, granit, etc.), trä, ben, metall (brons, koppar, järn, etc.), lera och bakad lera (keramik - terrakotta, majolika, fajans, porslin, etc.). .). ), gips.

Skulpturens komplexa och flerstegsteknologi är förknippad med stort fysiskt arbete. Olika tekniska metoder används - modellering, snidning, snidning, gjutning, jagning, smide, svetsning, olika material används - sten, metall, trä, lera, gips, keramik, glas, plasticine, vax, syntetiska polymerföreningar. Förutom konstnärens författares arbete (gjutning, snidning, bearbetning av hårda material), spelas en viktig roll i skulpturen av hantverkarnas hjälparbete (skärning av sten, gjutning, gjutning, jagning, etc.).

En av de äldsta konstformerna. Olika former av skulptur funnits bland alla världens folk under lång tid: kvinnliga figurer och neolitiska reliefer ( Venus av Savignano(Modena), 10-8 tusen f.Kr.). Utvecklade former av skulptur är kända bland folken i det antika östern ( Drottning Nefertiti, 1400-talet. BC, Berlins statsmuseer; reliefer från palatset Ashurnasirapal II vid Nimrud, 883–859 f.Kr., London, British Museum), det antika Amerika. Ett viktigt steg i skulpturens historia är antiken, vars ideal var skapandet av bilden av en harmoniskt utvecklad person (Myron, Phidias, Poliklet, Praxiteles, Scopas).

Europeisk skulptur av medeltiden fanns i nära anslutning till arkitekturen. På 1400–1800-talen skulptur blir friare i kompositionslösningar, skapar bilder av en person som är komplexa i termer av psykologiska och plastiska begrepp (Donatello, Michelangelo, L. Bernini, A. Houdon, O. Rodin, F.I. Shubin). På 1900-talet metoder och material för skulptur uppdateras, skulptörer (A. Mayol, A. Bourdelle, G. Moore, S.T. Konenkov, V.I. ensembler, museer och utomhusskulpturkomplex, etc.).

En av typerna av skulptur, synlig från alla håll, kallas en rund skulptur (staty eller komposition). Bypass är en av de viktigaste förutsättningarna för uppfattningen av rund plasticitet. För att se skulpturens tredimensionella volym, för att föreställa sig lösningen av statyn som helhet eller för att se skulpturgruppens alla figurer behöver betraktaren gå runt i skulpturverket. Utmärkande för den runda skulpturen är att bilden kan uppfattas olika ur olika synvinklar: nya intryck föds som avslöjar modellen i ständigt föränderliga silhuetter. Plastisk uttrycksförmåga får en speciell inflytandekraft genom användning av övergångar av ljus och skugga. Myron Diskus kastare(c. 450 f.Kr., Rom, National Roman Museum) (), Venus de Milo(ca 130–120 f.Kr., Paris, Louvren) (), Donatello St George(1415–1417, Florens, Nationalmuseet), Michelangelo Pieta(1498–1501, Rom, Peterskyrkan), L. Bernini Ecstasy of St. Teresa(1645–1652, Rom, Santa Maria della Vittoria-kyrkan)

Relief (fr. relief) är en typ av skulptur där de avbildade figurerna och föremålen placeras på ett plan och sticker ut från det. Bakgrunden till reliefen kan vara utstickande bilder (landskap, arkitektur). Reliefbilder är kopplade till planet och återger inte hela volymen av den avbildade kroppen. Reliefmästare använder ofta målningens och grafikens medel och möjligheter. Ofta när man skapar reliefer används färg. Reliefen dök upp i det antika Egypten, Assyrien, utvecklades vidare i antikens Grekland och antikens Rom, i det medeltida Europa, under renässansen, och existerar nu. L. Ghiberti, dörrar till dopkapellet i Florens (1404–1424) (), basrelief av F. Ryud Marseillaise(1832, Paris, Triumfbågen) ().

En mängd olika konvex lättnad är basrelief(Fransk basrelief - lågrelief) - lågrelief, där bilderna sticker ut över bakgrundsplanet med högst hälften av deras totala volym. Byggnadernas väggar, piedestaler av monument, steler, minnestavlor, mynt, medaljer, kaméer pryder basreliefen.

En annan typ av konvex lättnad är högrelief(Fransk haut-relief - hög relief) - hög relief, där bilden höjer sig över bakgrundsplanet med mer än hälften av sin volym och kan uppfattas som en nästan rund skulptur, något i kontakt med planet. Konvex relief, basrelief och högrelief har varit känd sedan den paleolitiska eran, den är utbredd inom konsten i den antika östern, antiken och medeltiden, renässansen och i efterföljande epoker som en del av den arkitektoniska utsmyckningen.

En mängd olika basreliefer, vanliga under renässansen, är naturskön lättnad, där figurerna, föremålen är starkt tillplattade, och bakgrunden - landskapet, arkitekturen - är skisserad i en svag relief. Den pittoreska reliefen intar en mellanställning mellan skulptur och måleri och liknar en målning, eftersom. den kan använda perspektivsnitt och målareffekter (solstrålar, moln, vågor). Skillnaden mellan starkt och svagt utskjutande bilder i bildrelief är liten, en nästan grafisk linjär teckning spelar en viktig roll. Pittoresk relief användes ofta i reliefer för att förmedla en avlägsen plan, men ibland gjordes en bild i vägen för pittoresk relief, inklusive förgrundsfigurer (relief av altaret i kyrkan San Antonio i Padua, 1446-1450, Donatello).

Relief där bilden ligger i flera rumsliga planer , kallad mångfacetterad lättnad. Detta gör det möjligt att avbilda många figurer på en arkitektonisk och landskapsbakgrund, vilket i sin tur visuellt återskapar utrymmet som går djupt in i rummet med hjälp av perspektivsnitt. Den mångfacetterade reliefen använder ljus- och skuggkontraster, fallande skuggor, inslag av arkitektur och landskap för att skapa en illusion av rymd. "Paradise" östra portarna till dopkapellet i Florens (1425-1452, L. Ghiberti).

Typen av basrelief där bilden stiger över bakgrunden till en minsta grad kallas tillplattad lättnad. Kräver speciell virtuositet, subtilitet i rumsliga relationer, tillplattad relief har sitt ursprung i Italien och utvecklades högt inom skulptur på 1400-talet. (Donatello).

Reliefen kan sticka ut ovanför bakgrundsplanet (konvex relief) eller djupna in i det. Infälld avlastning har två varianter: motrelief - ett slags negativ av en konvex relief (på djuptätningar tjänar den till att producera tryck i form av en miniatyrbasrelief) och koilanaglyph (en creux - fransk "ihålig relief"), med en djup kontur och konvex modellering. Försänkt relief finns i det antika Egyptens arkitektur, på forntida östliga och antika intaglios, som huvudsakligen tjänade som sälar. Intaglio (it. intaglio - snidning) - en sten med en snidad djuprelief, i motsats till en cameo, som hade en konvex bild och var en prydnad

Staffliskulptur är en sorts skulptur som har självständig betydelse. Det inkluderar olika typer av skulptural komposition (huvud, byst, figur, grupp), olika genrer (porträtt, plot, symbolisk eller allegorisk komposition, animalistisk genre). Staffliskulptur är designad för att uppfattas på nära håll, inte kopplad till ämnets miljö och arkitektur. Den vanliga storleken på en staffliskulptur är nära naturlig storlek. Staffliskulptur kännetecknas av narrativ, psykologism, metafor- och symbolspråk används ofta. En av de mest utvecklade genrerna av staffliskulptur är porträttet (byst, porträttstatyer, relief), som ger en unik möjlighet till perception - att se skulptur från olika synvinklar, vilket ger stora möjligheter för multilateral karaktärisering av den person som porträtteras . Det skulpturala porträttet har varit känt sedan det gamla Egypten ( Staty av Scribe Kai, ser. 3 tusen f.Kr ., Paris, Louvren).

Monumental skulptur är en av de äldsta typerna av skulptur, som hade ett kult, minnesmärke. Monumental skulptur inkluderar en- och flerfigurskompositioner, ryttarmonument, minnesensembler, monument till minne av framstående människor och händelser, minnesstatyer, byster, reliefer. Beläget i en urban eller naturlig miljö, organiserar den en arkitektonisk ensemble, går organiskt in i det naturliga landskapet, dekorerar torg, arkitektoniska komplex, skapar rumsliga kompositioner som kan innefatta arkitektoniska strukturer, minnesformer (triumfbåge, triumfpelare, obelisk, platta med relief och inskriptioner), monumental skulptur. Monumental skulptur, designad för att uppfattas från stora avstånd, är gjord av hållbara material (granit, brons, koppar, stål) och installeras i stora öppna ytor (på naturliga höjder, på konstgjorda högar). En aktiv siluett och en generaliserad tolkning av volymer är av stor betydelse i monumental skulptur. Marcus Aurelius, 161-180, Rom, Capitol Square; P.K.Klodt hästtämjare, St. Petersburg, Anichkov-bron, 1849-1850.

Den typ av skulptur som är nära förknippad med arkitektur och naturlandskap kallas monumental-dekorativ skulptur. Hon är engagerad i design av fasader och interiörer av byggnader, broar, triumfbågar, fontäner, små arkitektoniska former, inkluderade i den naturliga miljön i trädgårdar och parker. Skulptur kan fungera som ett stöd i en arkitektonisk struktur (atlanter, karyatider) eller dekorera byggnader (fronton, metoper, portaler, stuckaturtak, paneler). Parkskulptur interagerar med den naturliga miljön, vilket bestämmer dess lyriska ljud och attraktion till allegoriska bilder. Monumental och monumental-dekorativ skulptur är nära besläktad med arkitektur.

Skulptur, som är en tredimensionell konst, kräver en lämplig organisation av det omgivande rummet, den arkitektoniska miljön. Resultatet är en syntes av arkitektur och skulptur, vilket kraftigt förstärker både den ideologiska och konstnärliga kraften i verket. Frågorna om syntes med arkitektur är en av de viktigaste i förståelsen och uppfattningen av monumental och monumental-dekorativ skulptur. Ett unikt exempel på en mycket konstnärlig syntes av arkitektur och skulptur är den atenska Akropolis (450–410 f.Kr.) (), palatsensemblen i Versailles (). Monumental och dekorativ skulptur började utvecklas från antiken: Marcus Aurelius(161-180, Rom), Michelangelo David(1501–1504, Florens), E.M. Falcone Peter I(1766–1778, St Petersburg), V.I. Mukhina Arbetstagare och en kollektiv bonde(1935–1937, Moskva).

Liten plast, liten plast, skulptur av små former - den vanligaste typen av skulptur. Liten plast har sitt ursprung i det mänskliga samhällets gryning, den finns under utgrävningar av de äldsta bosättningarna: bakade lerprodukter, träsnideri, ben, sten. Småformad plastisk konst är små verk av genre och hushållsämnen, porträttfigurer etc., gjorda i många kopior och designade för bred spridning. Små plast innehåller både runda skulpturer och reliefer: dekorativa medaljonger, minnesmedaljer, glyptiker Glyptik (grekiska glyptike, från glypho - jag skar ut) är konsten att rista på ädelstenar och halvädelstenar, på glas och elfenben. Ristade stenar (ädelstenar) tjänade som amuletter, sigill, dekorationer ( Cameo Gonzaga, 3 tum. BC, St. Petersburg, Hermitage). Små figurer inkluderar antika terrakottafigurer, bronsfigurer, japansk netsuke (sedan 1600-talet), porslinsfigurer och folkleksaker.

Skulpturens huvudgenrer (fransk genre - släkte, typ) är porträtt, vardagsskulptur, tematisk komposition (tvåsiffrig, flersiffrig komposition), animalistisk genre.

En av de äldsta konstgenrerna inom skulptur är porträtt - en bild av en person eller en grupp människor, som ger en uppfattning om utseendet, den inre världen hos den person som porträtteras. Det finns vissa generaliseringar i denna genre: en porträttkaraktär som visar en persons naturliga egenskaper; en porträtt-typ som kännetecknar en viss typ av människor; porträttstämning, ger en känslomässig beskrivning av en person; porträtt-symbol. Porträttet i skulptur är uppdelat i följande former: huvud, byst, halvfigur, generationsbild, figur. En byst (fr. buste, från it. busto - torso, torso) är en bröstbild av en person i en rund skulptur. Efter att ha dykt upp i det antika Egypten, antikens Grekland, fick bysten en ljus utveckling i konsten i det antika Rom, var utbredd i renässansens konst, 17-20 århundraden. (Donatello, L. Bernini, Houdon, F.I. Shubin, V.I. Mukhina).

Skulptur hushållsgenre visar människor i sin vanliga miljö, för en ständig sysselsättning. Skulpturen av denna genre är liten eller medelstor. Verk kan vara ensiffriga och flersiffriga. Verk om vardagliga ämnen har funnits sedan urminnes tider, ligger nära folkkonsten och är populära i liten plast.

Skulpturer relaterade till tematisk sammansättning, kan visa en form eller flera. Oftast ges figuren i närbild, och detta stora verk av rund skulptur, som föreställer en människofigur på höjden, kallas en staty (lat. statua). För en flerfigurskomposition är det viktigt att bygga en grupp där varje figur är konsekvent med de andra, utan att förlora sin egen roll. (Miron Athena och Marsyas; Michelangelo Pieta, 1498-1501, Rom, Cathedral of St. Peter; A. Mayol Tre nymfer).

Genren av skulptur tillägnad skildringen av djur kallas djuriska genre (av lat. djur - djur). Djuristen hänvisar till djurets konstnärliga egenskaper, dess vanor. Uttrycksförmågan hos figuren, siluetten, färgningen är särskilt betydelsefull i parkskulptur, liten plast. Ofta finns det i skulpturen både ett djur och en person. Skulptörer avbildar djur med utgångspunkt från det primitiva kommunala systemet, de är utbredda i det antika Egyptens konst, i antik skulptur och i efterföljande epoker.

lat. sculptura, from sculpo - cut out, carve) - skulptur, plast, en typ av konst, vars verk har en tredimensionell, tredimensionell form och är gjorda av solida eller plastiska material. Skilj mellan en rund staty och relief, såväl som monumental och staffli. Material - metall, gips, trä, lera etc. Bearbetningsmetoder - gjutning, snidning, skärning, gjutning, smidning, chasning m.m.

Bra definition

Ofullständig definition ↓

SKULPTUR

från lat. scutpo - tälja, skära ut), eller skulptur, plast (från grekiskans plastike - modellering) - en typ av konst, vars specificitet ligger i konstnärens volymetriska genomförande. former i rymden; representerar främst figurer av människor, mer sällan - djur, ibland - ett landskap och ett stilleben. Det fanns två huvudsakliga sorter av S.: rund (staty, grupp, bål, byst), designad för inspektion med många andra. t. sp., och relief, där bilden är placerad på ett plan som uppfattas som bakgrund. Typologiskt är S. enligt sitt innehåll, förhållningssätt till tolkning av bilder och former och funktioner indelat i monumentala (inklusive monumental-dekorativa), staffli och s.k. S. små former, to-rye utvecklas i nära samspel, men har också sina egna detaljer, historiskt konkretiserade. S. som prod. monumental konst är vanligtvis av betydande storlek (monument, monument, dekoration av en byggnad) och är utformad för komplex interaktion med den arkitektoniska eller landskapsmiljön, riktad till massorna av åskådare, deltar aktivt i syntesen av konst. Utveckling från XV-XVI-talen. staffli S. har en kammarkaraktär, designad för interiören. Hennes genrer - porträtt, vardagsliv, naken, djuriska, S. små former är mellanliggande mellan staffli och konsthantverk. Den innehåller också medaljkonst och stenristning - glyptisk. I konstruktionen av konstnären. S. former av stor betydelse är valet av material och tekniken för dess bearbetning. Mjuka ämnen (lera, vax, plasticine) används för modellering, när en plastform skapas genom att applicera materialet lager för lager och fixera dem på c.-l. grund. Fasta ämnen (olika typer av sten och trä) kräver snidning eller snidning, det vill säga att man tar bort delar av materialet för att avslöja formen. Ett antal material som kan förändras från flytande till fast material (metall, gips, betong, plast) används för att gjuta produkter. S. enligt specialmodeller. För att uppnå konstnärliga uttrycksfullhet S. dess yta, som regel, utsätts för ytterligare bearbetning (färgning, polering, toning, etc.). Sedan den estetiska uppfattningen av den skulpturala produkten. utförs på grund av syn, är det mycket viktigt att se till materialets reaktion på ljus, för att förmedla en känsla av dess vikt och volym, osn. kompositionsrytmer. Efter att ha uppstått i den primitiva eran, nådde S. en hög utveckling inom konsten av stora epoker, ofta mest fullständigt uttrycka sina estetiska ideal, världsbild attityder och konstnärliga. stil (S. Antika Egypten och Grekland, romersk konst och gotik. Renässans och barock, klassicism och konst från XX-talet. ). Kraften i S:s bilders genomslagskraft ligger i deras visuella övertalningsförmåga, i förmågan att visualisera både konkreta och abstrakta (allegoriska, symboliska) fenomen. Historien om S. speglade processen att fördjupa de figurativa egenskaperna hos en person i världskonsten. 1900-talets avantgardism, som strävade efter att förändra plastiska former på ett groteskt sätt, drog sig ofta tillbaka för S. eller sökte ersätta den med abstrakta konstruktioner (konstruktivismen). C, i det socialistiska krav-ve tjänar till att bekräfta avancerade sociala ideal; dess bildande är kopplat till den leninistiska planen för monumental propaganda.

Skulptur brukar delas in i 2 huvudtyper: rund och relief. Round är fritt placerad i rymden, den kan förbigås och ses från alla sidor. Verken av denna typ inkluderar en staty, en statyett, en byst och en skulpturgrupp.

Skulpturens tredimensionalitet är en mycket viktig egenskap. När man undersöker den kan bilden uppfattas olika ur olika synvinklar. Till exempel verkar den berömda "Maenad" av Scopas, när vinkeln ändras, ta en annan pose av en frenetisk dionysisk dans.

En relief är en tredimensionell bild på ett plan som utgör bakgrunden. Beroende på bildens höjd och djup är relieferna uppdelade i basrelief, högrelief och.

En basrelief är en lågrelief där bilden sticker ut över bakgrundsplanet med högst hälften av sin volym. Basreliefer hittades ofta i det gamla Egypten.

Högrelief är en högrelief där bilden sticker ut över bakgrundsplanet med mer än hälften av sin volym. De höga relieferna av Parthenon, som skildrar slaget vid titanerna och slaget med amasonerna, var allmänt kända. Höga reliefer pryder ett av världens sju underverk - Pergamonaltaret.

En motlättnad är en djupgående lättnad. Oftast användes det för tillverkning av tätningar. Ett av monumenten till Anna Andreevna Akhmatova, som restes 2006 i St. Petersburg, gjordes också i tekniken motrelief.

Klassificering av skulptur efter innehåll och funktion

Dessutom är skulpturen, efter innehåll och funktioner, uppdelad i monumentala, staffli och små skulpturer.

Monumental skulptur är placerad på gator och torg, i stadsträdgårdar och parker. Det inkluderar monument, minnesmärken och monument.

Staffliskulptur är designad för små utrymmen och nära avstånd. Det inkluderar sådana typer av sammansättning som ett huvud, byst, figur eller grupp. Till exempel kan den världsberömda bysten av drottning Nefertiti fungera som ett klassiskt exempel på staffliskulptur.

Skulptur av små former är utformad för att dekorera interiören. Som regel innehåller det små figurer, såväl som medaljer, ädelstenar och mynt.

Skulptur är en av de mest populära formerna av konst till denna dag. Skulpturverk pryder torg och gator i stora städer, trädgårdsanläggningar och fontäner, museihallar och vanliga bostadsinteriörer.

Typer av skulptur inom bildkonsten. Vilka typer av skulpturer finns. Typer av skulptur efter syfte

SKULPTUR

Klassificering av skulptur efter innehåll och funktion

Rapportera ett stavfel

Text som ska skickas till våra redaktioner:

Din kommentar (valfritt):