Odzież damska z początku XX wieku. Moda damska na początku XX w. Moda dziecięca. Oryginały Zdjęcie. Edwardiańska sylwetka - mity i rzeczywistość

Nowy sposób życia

radziecki moda uformował się i pomaszerował własną, specjalną trasą. Został stworzony przez utalentowanych fachowców, którzy przetrwali lata zniszczeń i krwawego terroru, a korygowany i kierowany przez funkcjonariuszy partyjnych i pracowników organów bezpieczeństwa państwa. powstał z umiejętności krawców minionego stulecia i nowatorskich pomysłów artystów młodego kraju sowietów, z modeli odzieży stworzonych przez specjalistów wyhodowanych przez sowieckie uniwersytety, z masowej odzieży produkowanej przez liczne zakłady odzieżowe, z sowieckich magazyn modowy, z magazynów mody bratnich republik socjalistycznych i burżuazyjnych publikacji zachodnich legalnie wjeżdżających do kraju, wchodzących do ZSRR z powodu „żelaznej kurtyny”, z historii osób przebywających za granicą, z kopiowania przez krajowe rzemieślniczki ubrań, które przywieźli „stamtąd”, z imitacji obrazów kina sowieckiego i zagranicznego.

Socjalistyczna rewolucja październikowa, która zniosła klasy szlacheckie i burżuazyjne oraz zatwierdziła nowy skład społeczny społeczeństwa, nieuchronnie wpłynęła na ukształtowanie się mody w kraju radzieckim, w którym nie było już miejsca na luksusowe toalety. Lud pracy młodego państwa sowietów musiał wyglądać tak, jak przystało na budowniczego nowego społeczeństwa, choć dokładnie jak, nikt dokładnie nie wiedział, a każdy, kto miał przetrwać Rewolucję Październikową, musiał po prostu przystosować się do surowych cech praca wojskowa i cywilna oraz życie pierwszych lat porewolucyjnych.

Na ulicach miasta pojawiali się mężczyźni i kobiety w skórzanych kurtkach komisarzy, skórzanych czapkach i żołnierskich tunikach, przepasanych skórzanymi pasami. Najpopularniejszą odzieżą męską stały się satynowe bluzki, noszone do miejskich marynarek. Kobiety ubrane w płócienne sukienki, proste spódnice z żołnierskiego sukna, perkalowe bluzki i sukno. Tuniki męskie, które przeniosły się do damskiej garderoby, podkreślały równość sowieckiej kobiety i sowieckiego mężczyzny.

Kultową odzieżą nowych czasów jest skórzana kurtka kojarząca się z wizerunkami Czekisty i Komisarza, która stała się symbolem rewolucjonisty Moda na Rosję sowiecką, dość dziwne ubrania jak na kraj w strasznej ruinie. Skąd mogła pochodzić tak wysokiej jakości skóra w pierwszych latach władzy sowieckiej, która uszyła tyle kurtek tego samego rodzaju w takich ilościach? W rzeczywistości słynne skórzane kurtki powstały przed rewolucją, w czasie I wojny światowej dla batalionów lotniczych. W tym czasie nigdy nie były w pełni poszukiwane, a po rewolucji październikowej znaleziono je w magazynach i zaczęto je wydawać czekistom i komisarzom jako mundury.

Znakiem nowego porewolucyjnego czasu był czerwony szalik - symbol wyzwolenia kobiety, teraz naciągnięty na czoło i zawiązany z tyłu głowy, a nie pod brodą, jak to tradycyjnie robiono . Buty męskie i damskie składały się z butów, trzewików, płóciennych kapci, kaloszy.

Członkowie Komsomołu założyli „Jungsturmovki” – paramilitarną odzież zapożyczoną z niemieckiej młodzieżowej organizacji komunistycznej „Red Jungsturm”, czyli tunikę lub kurtkę w różnych odcieniach zieleni, z wywiniętym kołnierzem i naszywanymi kieszeniami, noszoną z paskiem i uprząż i czapka na głowie. Dziewczyny nosiły jungshturmovki z ciemną prostą spódnicą. Na podstawie Jungsturmovki opracowano jeden mundur dla członków Komsomola. Jak pisała gazeta „Krasnaja Zwiezda”: „KC WKP zaleca, aby organizacje lokalne wprowadziły na zasadzie dobrowolności jednolitą formę Komsomołu. W przypadku próbki powinieneś przyjąć formę moskiewskiego Komsomola - khaki (ciemnozielony). Komitet Centralny uważa za pożądane wprowadzenie tej formy we wszystkich organizacjach miejskich do XIV Międzynarodowego Dnia Młodzieży.

Surowość stroju proletariackiego w latach 1918-1921 wynikała nie tylko ze światopoglądu, który negował wszystko, co związane ze „starym światem”, ale także z najtrudniejszych warunków ekonomicznych, dewastacji, wojny domowej, która nastąpiła po rewolucji i najbrutalniejszej polityki komunizmu wojennego. Ludzie po prostu umierali z głodu, nie mogli zdobyć podstawowych artykułów higienicznych i artykułów gospodarstwa domowego, o jakiej modzie można mówić. Były ubrania, które uosabiały surowe i bezwzględne czasy.

Rzeczy szyto z płótna, grubego lnu, grubego perkalu, sukna żołnierskiego, sukna, bumazei, grubej wełny. Począwszy od 1921 - 1922, kiedy w kraju ogłoszono przejście do Nowej Polityki Gospodarczej (NEP) i rozpoczął się proces przywracania przedsiębiorstw włókienniczych i odzieżowych, pojawiły się pierwsze tkaniny drukowane, głównie bawełniane - perkal, satyna, flanela.

Jednym z pierwszych strojów masowych był mundur Armii Czerwonej. W 1918 r. utworzono specjalną komisję do opracowania formy Armii Czerwonej i ogłoszono konkurs na najlepsze próbki odzieży wojskowej, w którym wzięli udział tacy artyści jak Wiktor Wasniecow i Borys Kustodiew. Rosyjski strój historyczny był podstawą munduru Armii Czerwonej. Rok później jako nowy mundur zatwierdzono hełm, płaszcz, koszulę, łykowe buty skórzane. Obszycie dziurki, typowe dla starych mundurów wojskowych, było obok siebie z czerwonymi mankietami, kołnierzami i gwiazdą na hełmie, które powtarzały starożytną rosyjską formę sholom z grotem, podkreślając w ten sposób heroizm i romans obrazu. Nowy hełm Armii Czerwonej, który wkrótce został nazwany Budionowką, przetrwał do wybuchu II wojny światowej.

Okropny, krwawy upadek starego świata i bolesna budowa nowego, wydawałoby się, powinny skazać na nieistnienie takiego zjawiska, jak moda. Dlaczego i komu jest to potrzebne w kraju sowieckim? Ale wbrew wszelkim przeciwnościom 20s Wiek XX stał się jednym z najciekawszych okresów w historii mody domowej.

W carskiej Rosji pod koniec XIX wieku Moskwa, Petersburg, Kijów, Niżny Nowogród, Kazań były na pierwszym miejscu w produkcji gotowych sukien. Odzież produkowana była głównie przez rzemieślników z małych warsztatów. Było kilka dużych przedsiębiorstw szwalniczych. Zasadniczo wykonywali zamówienia rządowe, produkując mundury, sprzęt i bieliznę dla jednostek wojskowych i inżynieryjnych. Ale oprócz tego wielu producentów odzieży państwowej było właścicielami znanych sklepów z gotowymi sukienkami, butami i pasmanterią.
Największymi przemysłami odzieżowymi w Rosji były: partnerstwo "Mandl i Reitz", który poza fabryką posiadał na Twerskiej gotowy dom handlu sukniami (po nacjonalizacji przedsiębiorstwa - fabryka nr 31 trustu Mosshvey, następnie Fabryka Doświadczalno-Techniczna im. K. Zetkina, oraz w 1930 TsNIIShP – istniejący do dziś Centralny Instytut Badawczy Przemysłu Odzieżowego); „Dom handlowy K. Thiel and Co”, który zrzeszał fabrykę garbarni i lakierników, wojskową rymarnię, amunicję i mundury, filc, rękawice, wyroby pończosznicze, fabryki, przeszedł po bankructwie w 1912 r. na rzecz Moskiewskiej Spółki Akcyjnej Dostawca (znacjonalizowanej w 1918 r. i przemianowanej na Czerwony Dostawca, która następnie stała się Moskiewska Fabryka Filcu Technicznego i Moskiewskie Stowarzyszenie Filcowania i Filcowania (obecnie CJSC Gorizont); „Stowarzyszenie manufaktur Timofeya Katsepova i synów”- przedsiębiorstwo przemysłowe z solidnym przepływem środków pieniężnych, od 1930 roku zostało przeprojektowane na fabrykę filcu Voskresensky nazwaną od 9 stycznia (nowoczesny OJSC Fetr).
Duże firmy produkujące gotowe sukienki i bieliznę: dom handlowy „M. i I. Mandla», dom handlowy „Bracia N. i F. Petukhov” na Ilyince; legendarne partnerstwo handlowo-przemysłowe Muir i Maryliz, właściciele jednego z najsłynniejszych moskiewskich domów towarowych na Pietrówce, sprzedającego ubrania, buty, biżuterię, perfumy, artykuły gospodarstwa domowego (znacjonalizowane w 1918 r., od 1922 r. Centralny Dom Towarowy Centralnego Sklepu Uniwersalnego TSUM); Pasaż Pietrowski, położony między ulicami Pietrowka i Nieglinna, należał do Vera Ivanovna Firsanova, następczyni słynnej Moskwykupiecka dynastia Firsanowów. Przejście zgromadziło pod jego łukami ponad pięćdziesiąt różnych pawilonów handlowych, w tym sklepy znanych domów handlowych: Markuszewicz i Grigoriew. tkaniny jedwabne i wełniane, „Wikula Morozow, Konshin i synowie”, Veselkov i Tashin - modne materiały na sukienki damskie», "Louis Kreutzer" - bielizna i krawaty ", "Matilda Barish - gorsety i parasole" itd. Głównymi ośrodkami handlu były: Pasaż Popowa na Kuznieckim Moście, Pasaż Postnikowa na Twerskiej, Pasaż Łubianski na Łubiance, sklep z jedwabiem braci Sapożnikow na Iljince, domy handlowe Ludwiga Knopa, K. Maliutina i jego synowie i wielu innych. Jedna z odnoszących największe sukcesy firm bieliźnianych była firmą „Bracia Alschwang” oraz dom handlowy „Kandyrin i spółka” przy ul. Nikolskiej, do którego należała fabryka lnu. Znane sklepy z odzieżą męską w przedrewolucyjnej Moskwie - Aje na Twerskiej, Bracia Aleksiejew na Rozhdestvence, Bracia Czystyakow na Placu Łubiańskim, Dellos na Sretence, Georges na Twerskiej, Duchard, Smith and Sons na moście Kuznieckiego. Modną odzież damską produkowały i sprzedawały „Miasto Lyon” na Łubiance, „Louis Kreutzer” i „Madame Josephine” na Petrovce i inne.
Wielu rosyjskich producentów tkanin było znanych nie tylko we własnym kraju, ale także zyskało popularność na całym świecie. Szczególnie udana była manufaktura Trekhgornaya, założona przez kupca Wasilija Prochorowa, stąd jej inna nazwa - Prochorowska (znacjonalizowana po rewolucji, w 1936 r. nosi imię F. E. Dzierżyńskiego); Manufaktury Iwanowo-Wozniesiensk Grachevów, Garelinów, Iwana Yamanowskiego, Diodora Burylina i innych. W czasach sowieckich przedsiębiorstwo to stało się znane jako „Pierwsza Drukarnia Bawełny”. Największymi przedsiębiorstwami włókienniczymi były manufaktury Morozowa. Największym przedsiębiorstwem Morozowa jest manufaktura Nikolskaya w Orekhovo-Zuevo. Znanymi manufakturami tego czasu są fabryki Alberta Gubnera, Michaiła Titowa, fabryka Thorntona w Petersburgu, Krushe i Ender, Michajłow i Syn, P. Maliutin i Synowie itp. Odegrała nieocenioną rolę w wyposażeniu wielu tekstyliów przedsiębiorstwa w Moskwie biuro czasowe barona Ludwiga I. Knopa. Jego główną działalnością jako przedstawiciela brytyjskiej firmy De Jersey była dostawa nowoczesnego sprzętu tekstylnego do Rosji z Niemiec, Francji i Anglii. Produkty rosyjskich manufaktur były eksportowane i cenione na całym świecie. W przedrewolucyjnej Rosji noszenie gotowej sukienki uważano za los ludzi o ograniczonych środkach, bogaci woleli zamawiać ubrania. Szycie w domu było długą i czcigodną tradycją w Imperium Rosyjskim i było uważane za ważny element edukacji kobiet.
Absolwenci szkół krojenia i szycia oraz klas robótek ręcznych otrzymywali certyfikaty uprawniające do wykonywania zawodu krojczego, otwartych szkół prywatnych oraz kursów szycia. W jednym z takich warsztatów krawieckich popularnej wówczas moskiewskiej fashionistki Madame Voitkevich, po ukończeniu szkoły krojenia i szycia O. Saburova, do pracy przyszła młoda krojczyni Nadya Lamanova, która później została najsłynniejszą krawcową w carskiej Rosji. Wybitne osiągnięcia w dziedzinie projektowania mody sprawiły, że Lamanova stała się postacią numer jeden w historii krajowego projektowania mody. Nadieżda Łamanowa położyła podwaliny pod modelarstwo sowieckie. Mottem kreatywności współczesnych projektantów mody jest słynna formuła Lamanova - cel, wizerunek, tkanina.
W 1885 roku Lamanova otworzyła swój warsztat w domu Adelheima na Bolszaja Dmitrowka. legendarny Nadieżda Łamanowa, dostawca dworu cesarskiego, przed rewolucją „ubierał” rodzinę królewską, arystokratyczną i artystyczną beau monde. Po rewolucji nie tylko projektowała modele dla żon wysokich rangą urzędników, ale także tworzyła masową modę. Robiła kostiumy do filmów Eisensteina i Aleksandrowa, do wielu sowieckich przedstawień teatralnych. Jej klientami były Vera Kholodnaya, Maria Ermolova, Olga Knipper-Chekhova. W jej domu swoje pokazy mody urządzał wielki francuski projektant mody Paul Poiret. Po rewolucji modelki Lamanowej, która nadal pracowała jako radziecka projektantka mody, zdobywały nagrody na międzynarodowych wystawach, pokazywane były ubrania Lamanowej - muza Władimira Majakowskiego Lilya Brik, jej młodsza siostra, francuska pisarka Elsa Triolet, aktorka Alexandra Khokhlova. Przedrewolucyjna Rosja szczyciła się dużą ilością domów mody, atelier i warsztatów.. Tylko w Petersburgu w latach 1900 było ich ponad 120. Słynnym domem mody w Petersburgu był Dom Brizaka, który był Dostawcą Dworu i pracował tylko dla rodziny cesarskiej, służąc wielkim księżnym i dworskim damom. Najwyższym rozkazem cesarzowej Dom Brizaka mógł służyć dwóm klientom, którzy nie należeli do dworu - baletnicy Annie Pawłowej i piosenkarce Anastazji Vyaltseva.
Kolejnym dużym domem mody w Petersburgu z lat 1900 był Dom hinduski. Anna Grigorievna Hindus studiowała w Paryżu w firmie słynnej francuskiej projektantki mody, pani Paquin, z którą następnie utrzymywała kontakt.

Trzecim dużym domem mody był Dom Olgi Buldenkovej, który był także dostawcą na dwór cesarski. Jej polem działania były specjalne stroje mundurowe, regulowane przez Kartę Sądu, zatwierdzoną specjalnym dekretem cesarskim jeszcze w latach 30. XIX wieku.

Oprócz dużych domów moda istniało ponad sto małych domów mody i atelier, które zarówno realizowały indywidualne zamówienia, jak i produkowały seryjne kolekcje. Ale żaden z rosyjskich domów nie organizował pokazów mody. W 1911 roku Paul Poiret przywiózł swoją kolekcję do Petersburga. A pierwszy pokaz mody odbył się w Petersburgu w 1916 roku.

Nowa era, która nadeszła, w dużej mierze zmieniła zarówno sam kostium, jak i podejście do mody. W drugiej dekadzie XX wieku, po I wojnie światowej, na świecie nastąpiło uproszczenie stroju i przejście do masowej produkcji przemysłowej odzieży, której początek był w dużej mierze związany z ugruntowaną produkcją mundurów wojskowych . Jednak w Rosji Sowieckiej na ten globalny trend nakładała się rola ideologii socjalistycznej.

Przemysł odzieżowy, zniszczony w czasie rewolucji październikowej, podobnie jak wszystkie inne, zaczął się odbudowywać. W 1917 r. w Centrowłókninie utworzono Wydział Sukni Gotowych i Bielizny „...w celu przywrócenia, zjednoczenia i upaństwowienia produkcji i dystrybucji sukien konfekcyjnych i bielizny na skalę krajową”. W 1919 r. powołano Centralny Instytut Przemysłu Odzieżowego oraz Oświatowe Warsztaty Artystyczno-Przemysłowe, których zadania obejmowały centralizację produkcji odzieży, badania naukowe i szkolenia oraz tworzenie higienicznych i artystycznych form ubioru.
W 1920 r. zorganizowano legendarne Wyższe Warsztaty Artystyczno-Techniczne WKHUTEMY (od 1927 r. przekształcone w WKHUTEIN), które istniały do ​​1932 r. i dały krajowi sowieckiemu wybitnych mistrzów wzornictwa przemysłowego, z których wielu odcisnęło swoje piętno na rozwoju moda. W pierwszych latach władzy sowieckiej powstał Komitet Przemysłu Odzieżowego – Centroszwej, który w kwietniu 1920 r., po połączeniu z centralnym wydziałem zaopatrzenia wojskowego, został przemianowany na Główny Komitet Przemysłu Odzieżowego (Gławodieżda).
Do zarządzania przedsiębiorstwami organizowano trusty terytorialne w Moskwie (słynny Moskwoszwej), Leningradzie, Mińsku, Baku i innych miastach. Zaczęto uzupełniać park maszynowy o nowe importowane maszyny, noże elektryczne, prasy parowe. Fabryki przeszły do ​​szerszego podziału pracy, a pod koniec okresu ożywienia od 1925 r. rozpoczęło się stopniowe przejście do organizacji przepływu produkcji, co dramatycznie zwiększa wydajność w porównaniu z indywidualnym krawiectwem. Ale, jak wiadomo, ilość niekoniecznie oznacza jakość i indywidualność.
W latach 30. asortyment odzieży produkowanej w kraju stał się lepszy i bardziej zróżnicowany. Radzieckie zakłady odzieżowe, które wcześniej pracowały głównie dla wojska i zamiast płaszczy, spodni do jazdy konnej i kurtek pikowanych produkowały kombinezony, zaczęły szyć garnitury damskie i męskie, lekkie sukienki, płaszcze i krótkie płaszcze z różnych materiałów, bieliznę wszelkiego rodzaju, dziecięcą. odzież. W związku z wymaganiami konsumentów trust „Moskvoshvey” wprowadził przyjmowanie indywidualnych zamówień.
Jeden z najjaśniejszych okresów nowego sowietu moda były lata 20. Na wydziale artystycznym i produkcyjnym Wydziału Sztuk Pięknych Ludowego Komisariatu ds. Edukacji otwarto „Warsztaty Nowoczesnego Kostiumu”. Było to pierwsze w Republice Radzieckiej kreatywne eksperymentalne laboratorium nowych form ubioru. Nadieżda Lamanowa zwróciła się do ministra kultury Łunaczarskiego (jego żona, aktorka Teatru Małego Natalia Rozenel bardzo dobrze znała umiejętności Lamanowej) z propozycją stworzenia nowoczesnego warsztatu kostiumowego. Lamanova stanęła przed zadaniem stworzenia robotniczo-chłopskiego moda, i była zmuszona wykazać się ogromną pomysłowością, używając tanich, prostych i prymitywnych materiałów, biorąc pod uwagę porewolucyjne spustoszenie.

W 1923 r. utworzono „Centrum Formacji Nowego Kostiumu Radzieckiego”, później przemianowane na „Atelier Mody”, którego oficjalnym dyrektorem była Olga Senicheva-Kashchenko. W jednym z wywiadów Olga Senicheva opowiedziała, jak w Moskwie szesnastoletnia dziewczyna otrzymała dokumenty do pożyczki i zobowiązała się do pokrycia kosztów Atelier Mody w ciągu półtora roku - naprawy pomieszczenia (na Pietrówce, 12, obecnie Salon Sztuki) i chusteczki otrzymane do pracy. nowe centrum moda przekazywali skonfiskowane materiały z magazynów, których właściciele w czasie rewolucji uciekli za granicę. Brokat, aksamit i jedwab były do ​​dyspozycji pracowni. Przechowywane w wilgotnych magazynach piękne tkaniny były mocno zniszczone, dlatego postanowili wykorzystać część z nich na obicia firan i mebli w hali, gdzie zaplanowano pokaz modeli odzieży. Po pierwsze, aby zwrócić państwu wszystkie pieniądze przekazane na kredyt, w pierwszym sowieckim… „Moda atelierowa” zaczęli tworzyć modele nie z perkalu i lnu, ale z brokatu i aksamitu dla Nepmenów, aby później móc rozwijać masową modę i tworzyć modele odzieży dla ludzi pracy. Na pierwsze pokazy mody zaproszono imprezową elitę, celebrytów i liderów przemysłu lekkiego.

• W eksperymentalnym Atelier Mody, wraz z Nadezhdą Lamanovą, która kierowała pracami twórczymi, pracowali tak wybitni artyści jak Vera Mukhina, Alexandra Ekster, Nadezhda Makarova (siostrzenica Lamanovej) i specjalistka od sztuki użytkowej Evgenia Pribylskaya. ukazało się pismo Atelier., w pracach którego brało udział wielu znanych artystów.

• W 1923 r. Na I Ogólnorosyjskiej Wystawie Sztuki i Przemysłu nagrodzone zostały próbki modeli opracowanych w Atelier Mody przez N. Lamanovą, E. Pribylskaya, A. Exter, V. Mukhina.

• Modele Nadieżdy Lamanowej i Wiery Muchiny, wystawione na Wystawie Światowej w Paryżu w 1925 roku, otrzymały Grand Prix za tożsamość narodową połączoną z nowoczesnym trendem mody. Każdy model sukni był koniecznie uzupełniony nakryciem głowy, torbą, biżuterią ze sznurka, sznurka, słomy, haftowanego płótna, koralików z muszelek i kamyków.

Eksperymentalne studio nie spełniło swojej głównej misji tworzenia próbek odzieży do produkcji masowej, a także realizacji indywidualnych zamówień dla ludzi, ponieważ istniało zaledwie kilka lat. Jednym z największych zamówień państwowych w 1923 roku było opracowanie mundurów galowych dla Armii Czerwonej. W celu zarobku atelier funkcjonowało jako kosztowny warsztat szyty na miarę, skierowany do aktorek, którym przyznawano specjalne zniżki, oraz ludzi zamożnych. Nad stworzeniem modeli pracowało dziesięciu projektantów i dziesięciu artystów. Modele uszyło stu pięćdziesięciu pracowników 26. fabryki trustu Moskvoshvey. Średnio jedna sukienka była szyta przez dwadzieścia dni, a tylko praca mistrzów kosztowała sto rubli za każdy model. Był tak drogi, że nawet po dwóch latach od otwarcia wiele sukienek wciąż nie było wyprzedanych.

W 1923 r. pierwszy sowiecki domownik magazyn modowy„Atelier”, stworzony w ramach innowacyjnego „Trybu Atelier”. Redakcja nakreśliła główne cele i zadania: „Aktywne i niestrudzone dążenie do zidentyfikowania wszystkiego, co twórczo piękne, co w dziedzinie kultury materialnej zasługuje na największą uwagę”. O wielkości pomysłu przesądziła jedynie lista gwiazd, które zgodziły się współpracować w magazynie. Wśród celebrytów są artyści Jurij Annenkow, Boris Kustodiev, Kuzma Pietrow-Wodkin, Aleksander Gołowin, Konstantin Somow, Igor Grabar, rzeźbiarz Vera Mukhina, poetka Anna Achmatowa, historyk sztuki Nikołaj Punin i wielu innych. Magazyn był ilustrowany wstawkami z kolorowymi rysunkami.

Na łamach zaczęły pojawiać się nazwiska artystów magazyn modowy w 1900 i 1910, kiedy sztuka ilustracji mody przeżywała swój rozkwit. W 1908 roku w Moskwie zaczęła ukazywać się książka artystyczna. magazyn modowy, rękodzieło, gospodarstwo „Paryżanka” z frontyspisem artysty Mścisława Dobużyńskiego. Okładka nowego wydania została specjalnie zamówiona u Konstantina Somowa, jednak ze względów technicznych magazyn w nowej okładce zaczął ukazywać się dopiero od 1909 roku. Okładkę magazynu o modzie męskiej Dendy wykonał Victor Zamirailo, a rysunki umieszczonych w niej modeli stworzyli znani petersburscy graficy Alexander Depaldo i Alexander Arnshtam. Artystka Anna Ostroumova-Lebedeva zaproponowała również wydanie Ladies' Journal. W 1915 r. takie plany próbowała zrealizować słynna petersburska krawcowa Anna Gindus. W tym samym czasie architekt Iwan Fomin zaczął również wydawać pismo o pięknym życiu zatytułowane „Lustro”. Plany te, a nawet wtedy tylko częściowo, miały zostać zrealizowane dopiero w latach dwudziestych.

Pierwszy sowiecki magazyn modowy miał zwrócić baczną uwagę na „szczegółowe opracowanie pytań o nowy strój damski”, a także odzwierciedlić „całą różnorodną twórczość Atelier Mod”, a ponadto zaznajomić czytelniczki z nowościami z dziedziny sztuki, teatr i sport.

W magazynie ukazał się artykuł artystki Alexandry Ekster „O konstruktywnej odzieży”, odzwierciedlający główny kierunek rozwoju modelarstwa w tamtych czasach – prostotę i funkcjonalność. „Wybierając formę ubioru” – pisał autor – „należy brać pod uwagę naturalne proporcje postaci; przy odpowiednim zaprojektowaniu odzieży można osiągnąć jej dopasowanie do kształtów i rozmiarów ciała. Odzież robocza powinna zapewniać swobodę ruchów, aby nie była ciasna. Jednym z głównych wymagań takiego garnituru jest łatwość użytkowania. Exter zwrócił szczególną uwagę na dobór tkanin, sugerując, aby przy projektowaniu takiej czy innej formy kostiumu kierować się plastycznymi właściwościami materiału. Tak więc, jej zdaniem, pionowe fałdy są nieodpowiednie przy tworzeniu modeli z grubej wełny, a miękkiej wełny o dużej szerokości, wręcz przeciwnie, pozwolą stworzyć złożoną obszerną sylwetkę. Exter zaprojektował złożony wielofunkcyjny zestaw przypominający japońskie kimono, wykorzystując różne materiały w kontrastowych kolorach. Kolejny zestaw do domu i na ulicę składał się z górnej i dolnej sukienki koszulowej z rozcięciami po bokach, obszytej aplikacją. Okładkę magazynu Atelier ozdobił szkic autorstwa Alexandry Ekster, wydłużona sylwetka modelki w pelerynie na ulicę z jasnoniebieskiego jedwabiu tafta, bez szwów, z oversizowym kołnierzem. Na głowę zakłada małą obcisłą czapeczkę z pomponem.

Słynny szkic sukni pączkowej Very Mukhiny został umieszczony w pierwszym numerze Atelier. Słynny rzeźbiarz został tu przedstawiony jako projektant mody. Zaproponowana przez nią sukienka została sklasyfikowana jako „odmiana”. Bujne draperie spódnicy z białej tkaniny przypominały płatki kwiatu. Elegancka kobieca sylwetka w czerwonym kapeluszu z szerokim rondem, z laską w dłoni, była reminiscencją rokoka, połączoną z motywami suprematystycznymi.

Na łamach pierwszego numeru Atelier umieszczono dużą liczbę fotografii moskiewskich aktorek i modelek w luksusowych toaletach, nie gorszych od francuskich strojów. Ze zdjęć zamieszczonych w czasopiśmie wynika, że ​​kolekcja z lat 1922-1923, mimo trudności ładu gospodarczego, została wykonana z drogich tkanin. Literackie i publicystyczne refleksje na temat nowoczesności moda reżyser i dramaturg Nikołaj Jewreinow („Wygląd paryżanki 1923”), rosyjski filantrop Vladimir von Meck, który po rewolucji pracował nad tworzeniem szkiców scenografii i kostiumów w Teatrze Małym („Kostium i rewolucja”) , M. Yuryevskaya („ O wpływie tańca na modę).

Jako dodatek do artykułu Yuryevskaya artyści Atelier zaproponowali model „różnej sukienki do tańców ekscentrycznych” z czarnego aksamitu i tafty z długim trenem („ogon”). Talię przecina szeroki pas z pomarańczowego futra, na ramieniu pomarańczowa wstążka przechwytująca pasująca do futra, nakrycie głowy z czarnego jedwabiu ze stojącymi pawimi piórami.

Magazyn Atelier ukazał się w nakładzie 2000 egzemplarzy i odniósł wielki sukces. Jak napisała redaktor naczelna Olga Senicheva: „Czytelnikom brakowało artystycznych, pięknie zaprojektowanych publikacji. Papier powlekany, dobry druk, kolorowe ilustracje i chyba najważniejsza rzecz: nietypowy jak na tamte czasy temat - moda- przyciągnął wielu, a nakład szybko się wyprzedał. Dużym zainteresowaniem cieszył się fakt, że na koniec numeru zamieszczono „Przegląd trendów w modzie z zagranicznych magazynów”. Jednak pierwsza liczba magazyn modowy okazał się ostatni. W czasopiśmie „Shveinik” pojawiła się notatka „Jak nie być artystą”, w której wszystkie działania „Atelier” zostały poddane najostrzejszej krytyce. W 1925 r. do oskarżeń ideologicznych dołączyły trudności gospodarcze, a pierwszy sowiecki dom mody przeszedł poważne zmiany. Mianowano nowego dyrektora, zmniejszono personel, a słynne Moskiewskie Atelier Mody zamieniło się w zwykłą nomenklaturową pracownię mody, w której ukrywały się żony imprezowe i celebrytki.

Przez jakiś czas realizowano pomysł magazynu modowego z udziałem artystów i pisarzy oraz zaangażowanie malarzy i grafików w opracowywanie modeli odzieży. Publikacje modowe, które pojawiły się w dobie Nowej Polityki Gospodarczej, wzywały mistrzów pędzla i pióra do wypowiadania się na temat kształtowania się nowoczesności. moda.

W 1928 zaczął publikować magazyn modowy „Sztuka ubierania się” nowe wydanie było nie tylko modne, ale także „kulturalno-edukacyjne” z szeregiem ciekawych nagłówków: „Listy z Paryża” – (wiadomości korespondentki z Paryża o trendach w modzie), „Ciekawostki mody”, „Przeszłość kostiumowa” . W czasopiśmie znajdował się dział „Pomocne wskazówki”, w którym można było dowiedzieć się: „Jak czyścić dziecięce rękawiczki”, „Jak prać cienkie koronki”, „Jak odnawiać czarną koronkę i welony” itp. artykuły czołowych projektantów mody, higienistki, reklama produktów. W magazynie można było zobaczyć nowe osiągnięcia projektantów odzieży M. Orłowej, N. Orshanskiej, O. Anisimovej, E. Yakuniny. Pierwszy numer magazynu o modzie otwierał artykuł Lunacharsky'ego „Czy jest czas, aby pracownik pomyślał o sztuce ubierania się?” W dyskusję zaangażowani byli także zwykli obywatele, którzy mogli wyrazić swoje poglądy. „Nasi proletariaccy artyści, z pomocą mas, muszą zacząć tworzyć nowe mody, „własne”, a nie „paryskie”. Pomogą im w tym spotkania partii i komsomołu ”- twierdził towarzysz Moskali. Juchanow w liście do Komsomolskiej Prawdy. W tym samym 1928 roku pojawia się „Domowa krawcowa” – tradycyjna magazyn modowy z rysunkami modeli odzieży i objaśnieniami do nich, wykrojami i wskazówkami dla krawcowych. Oba czasopisma ukazały się na dobrym papierze wielkoformatowym, z kolorowym nadrukiem i wzorami.

• W 1929 roku ukazało się nowe pismo „The Garment Industry”, które pisało o problemach masowej produkcji przemysłowej odzieży. Rozpoczął się etap industrializacji kraju. W tych samych latach powstały techniczne szkoły szwalnicze, szkoły handlowe i placówki oświatowe, wydziały szycia w przedsiębiorstwach włókienniczych, które kształciły specjalistów dla przemysłu lekkiego.

• Ponadto w latach dwudziestych pojawiły się Fashion Magazine, Fashion of the Season, Fashion World, Fashion, Season Models, Four Seasons, Fashion Bulletin, Women's Magazine itp. niektóre magazyn modowy był krótki, a zamykano je z „braku pomysłów”, a niektóre istniały przez wiele lat.

W 1932 r. przy Ludowym Komisariacie Przemysłu Lekkiego ZSRR otwarto sowieckie wydawnictwo „Gizlegprom”, publikujące literaturę na temat przemysłu lekkiego, tekstylnego i lokalnego oraz usług publicznych, publikujące czasopisma z modelkami. Wiele fabryk odzieżowych w latach 30. zaczęło wydawać własne magazyn modowy. Modele odzieży były publikowane w magazynach kobiecych, takich jak „Robotnik”, „Chłopka” itp.

Jednym z głównych, dla radzieckiego projektu lat 20-30, był temat „kombinezon produkcyjny”. W tym czasie pojawiło się coś takiego jak kombinezony (odzież przemysłowa). Artyści lat dwudziestych oferowali różne opcje garniturów produkcyjnych dla chirurgów, pilotów, strażaków, budowniczych i sprzedawców. Twórca sowieckiego plakatu, łotewski artysta Gustav Klutsis, zaprojektował garnitur górniczy z lampą na hełmie i pasem sygnałowym, na którym znajdowała się skomplikowana klawiatura przycisków. Odzież stała się niejako mikrośrodowiskiem człowieka. Surowce do pierwszych modeli sowieckiego stroju były takie same - płótno, len, gruby perkal, perkal, tkanina, flanelowa, opary, gruba wełna.
Własna teoria kostiumów, z wyłączeniem jakichkolwiek moda, starali się rozwijać mistrzowie i ideologowie moskiewskiego INHUK: Warwara Stiepanowa, Borys Arwatow, Aleksander Rodczenko, Aleksiej Gan i inni., rzeźbiarze, architekci, krytycy sztuki, zorganizowana w Moskwie w marcu 1920 r. w ramach Wydziału Sztuk Pięknych Ludowej Komisariat Oświaty był rodzajem klubu dyskusyjnego i centrum teoretycznego.
Pierwsi radzieccy projektanci mody, m.in. Nadieżda Lamanowa, oraz artyści awangardowi działający w takich dziedzinach jak konstruktywizm i suprematyzm – Aleksander Rodczenko, Varvara Stepanova, Alexandra Ekster, Viktor Tatlin, Kazimierz Malewicz – zajmowali się opracowywaniem kombinezonów dla różnych typów branże. Główne zadanie widzieli w „tworzeniu form odzieży, które nie są oparte na tradycjach mody”. Modę miała zastąpić prostota, wygoda, higiena i „socjotechniczna dogodność”.
Nowe idee artystyczne w tym czasie zaczęły łatwo i organicznie przenikać do świata mody. Jasny i dziwny futurystyczny strój znalazł swoich fanów wśród młodzieży; Potrzebne były „suprematystyczne” ozdoby na swetrach i szalikach, które zrobiła na drutach matka artysty Kazimierza Malewicza, a także szkice rysunków Lamanovej do modnych jedwabnych toalet w stylu kubizmu lub suprematyzmu. Główną metodą projektowania odzieży użytkowej było odsłonięcie konstrukcji: wyeksponowanie wzoru kroju, wzór zapięć, kieszeni. Profesjonalną przynależność kostiumu ujawniała jego konstrukcja i specyficzne urządzenia techniczne. Garnitur stał się profesjonalnym narzędziem w pracy. Nowatorscy artyści celowo odmawiali stosowania ozdób ozdobnych, wierząc, że sama technologia masowej produkcji odzieży ma nieodkryte możliwości artystyczne.
Artyści tekstylii wraz z zachowaniem tradycyjnych wzorów kwiatowych tworzą nowe wzory. Niezwykła projektantka konstruktywistyczna Varvara Stepanova była aktywnie zaangażowana w opracowywanie wzorów tkanin i modelowanie nowego rodzaju odzieży - dla obywateli państwa socjalistycznego. W latach 1923-1924 wraz z innym błyskotliwym i utalentowanym artystą awangardowym, Ljubow Popową, pracowała w Pierwszej Moskiewskiej Fabryce Kaliko, gdzie wielokrotnie produkowano jej modele tkanin. Stepanova marzyła o tworzeniu tkanin o nowych właściwościach fizycznych, opartych na wzorach splotu nici, organicznie połączonych z graficznym ornamentem. Badała zapotrzebowanie konsumentów na tkaniny i odzież, podkreślając, że w ZSRR po raz pierwszy w historii świata wyeliminowano społeczne różnice w strojach i uważała, że ​​nowoczesność pilnie wymaga nowej koncepcji odzieży dla robotników - masowej, ale na jednocześnie różnorodne.

W latach dwudziestych toczyło się wiele dyskusji na temat reorganizacji życia człowieka sowieckiego. W 1928 r. na łamach gazet regularnie pojawiały się artykuły polemiczne na ten temat. Dyskutowano o tym, jakiego rodzaju domy i mieszkania potrzebują robotnicy, jakie powinny być meble, jak dekorować wnętrze radzieckiego człowieka, czy istnieje alternatywa dla koronkowych serwetek, porcelanowych figurek, słoni i innych atrybutów życia drobnomieszczańskiego. Duże miejsce w tej dyskusji zajęło pytanie, jaki powinien być strój członka Komsomołu i komunisty? Problem kształtowania się stylu sowieckiego moda był jednym z centralnych Na przykład w Komsomolskiej Prawdzie można przeczytać następujące argumenty na ten temat: „istnieje wyraźna potrzeba przeciwstawienia się części naszej własnej, sowieckiej mody„ Komsomołu ” próbkom„ najlepszych ubrań ”ze sklepów na Petrovce i Kuzniecki Most”. Kontrowersje budził też świat teatralny, na scenach teatrów można było zobaczyć eksperymentalne projekty odzieży codziennej i roboczej, mebli, racjonalnie wyposażonego mieszkania człowieka radzieckiego.

Wkrótce, na skutek ciągłej krytyki artystów, którzy nie prowadzą własnego biznesu, rozpoczęło się ich stopniowe odchodzenie od sztuki kostiumowej. Moskiewski Dom Modelek, który został otwarty w 1934 roku, ostatecznie uczynił z artystycznego projektowania kostiumu całkowicie samodzielną działalność. Pojawiło się nowe pokolenie artystów, dla których tworzenie modnych ubrań stało się zawodem. Skończył się okres pięknej utopii kształtowania nowego sposobu życia, sztuka kostiumowa przeszła od sielankowych artystów w praktyczne ręce projektantów mody.

W dobie komunizmu wojennego, kiedy dosłownie całe słowo „kombinezon” brakowało, oznaczało to nie tylko wygodne ubrania na potrzeby zawodowe. Pod „kombinezonami” rozumiano także część tzw. zapłaty w naturze, z której połowę rozdawano w żywności, a połowę w rzeczach. Zapotrzebowanie na buty i ubrania dla wszystkich było niemożliwe, dlatego w społeczeństwie wybuchły poważne konflikty. Na przykład w Piotrogrodzie pod koniec zimy 1921 r. w wielu fabrykach i zakładach nie tylko pracownicy, ale także osoby poniżej 18 roku życia zostali wykluczeni z list ubiegających się o kombinezon. Z tego powodu zaczęły pojawiać się „dudy” - specjalne formy strajków. Aby rozwiązać konflikt, potrzebujący otrzymali prześcieradło, jeden ręcznik i jedną parę butów przeznaczoną dla trzech osób. Kombinezony rozdawano zgodnie z zasadą „racji klasowych”. Za klasę uprzywilejowaną uważano robotników i nomenklaturę partyjno-sowiecką. W pamiętnikach współczesnych można było przeczytać takie wpisy: „Nasz brat nawet nie myśli o nowej parze. Buty rozdawane są tylko komunistom i marynarzom.
W jednej z czelabińskich kopalń w 1922 r. administracja wydana górnikom wymieniła buty na łykowe. Sami pracownicy administracji przebrali się w buty. Olga Senicheva przypomniała sobie, jakie ubrania nosiła do pracy w Fashion Atelier, miała na sobie buty z materiału z podeszwami ze sznurka i cienki płaszcz z płótna samodziałowego, który otrzymała w prezencie jako uczestnik III Kongresu Kominternu, gdzie zorganizowała wystawę przemysłu ogólnego i rzemieślniczego dla delegatów. Pisarka Vera Ketlinskaya wspominała: „W życiu codziennym miałam jedną spódnicę i dwie flanelowe bluzki - myjesz, prasujesz i zakładasz po kolei, zarówno w instytucie, jak i na imprezie, w domu i w teatrze”. Nadieżda Mandelsztam, pisarka, żona poety Osipa Mandelsztama, napisała: „Kobiety, mężatki i sekretarki, wszyscy zachwycaliśmy się pończochami”. Reglamentacja odzieży trwała do jesieni 1922 r., dzięki czemu słowo „kombinezon” nabrało prawdziwego znaczenia dopiero od 1923 r.
Wprowadzenie Nowej Polityki Gospodarczej dało mieszkańcom sowieckich miast niepowtarzalną okazję do legalnego zakupu odzieży po raz pierwszy od 1917 roku. NEP - nowa polityka gospodarcza, która istniała w kraju sowieckim od 1922 do 1929 roku, miała na celu przywrócenie gospodarki narodowej i późniejsze przejście do socjalizmu. Przez pewien czas własność prywatna znów stała się jej własnością. To prawda, że ​​gospodarka i siła nabywcza ludności rosły bardzo powoli, a wielu robotników nosiło podarte mundury z czasów wojny domowej.
Wraz z przyjęciem programu NEP zmieniło się życie w Rosji Sowieckiej. W kraju wyniszczonym przez rewolucję i wojnę, po powszechnym głodzie, dewastacji i braku wszystkiego, nagle zapanowała obfitość. Lady sklepowe, których półki do niedawna były puste, zaczęły się psuć. Na ogłoszoną nagle różnorodność towarów mógł patrzeć każdy mieszkaniec stolicy czy dużego miasta, ale niewielu mogło je kupić. Perspektywy NEP-u nie były więc najróżniejsze. W kraju wciąż panowała dewastacja, bezrobocie, bieda, bezdomność.
W NEP Rosja pojawiły się magazyny reklamujące piękne życie i modne ubrania, sklepy z pięknymi rzeczami. W Moskwie można było kupić dosłownie wszystko. Wiele towarów trafiało na półki z lombardów, gdzie ludzie nosili ich towary, często pozostałości klejnotów rodzinnych. Ludzie bardzo chcieli kupować nie tylko jedzenie, ale także nowe modne ubrania. Obywatele radzieccy są zmęczeni „komunizmem wojennym”. W NEP Rosja fetysze mody z połowy lat 20. stały się atrybutami pięknego życia - garnitur Marengo, garnitur z Bostonu, filcowe buty, dywan i płaszcze Cheviot, płaszcze foki, sake astrachańskie, płaszcze wiewiórki, pończochy ze strzałą, perfumy ” Ubigan” i „Lerigan” de coti” oraz inne luksusy.
Prywatni przedsiębiorcy - Nepmen zaczęli importować ubrania z Europy do Rosji. Sami Nepmeni oraz rodziny funkcjonariuszy średniego i wysokiego szczebla, a także sławne osoby, które cieszyły się uznaniem władz sowieckich, ubrane w drogie modne stroje z importu. Ci, którzy nie mogli sobie pozwolić na korzyści nowej polityki gospodarczej, zaopatrywali się w modne ubrania przez robótki ręczne, przerabiając stare suknie, przerabiając kupione tanie rzeczy, konstruując modne modele z tkanin, które udało im się „dostać”, zwracając się do wzorów w magazyn modowy.

• W NEP Moskwa pojawiła się duża liczba warsztatów krawieckich. Najbardziej znane to Maison de Luxe na Petrovce, San Rival na Pokrovce, dom warsztatu sióstr E.V. i G.V. Kolmogorov, warsztat A.Tushnova Plisse, atelier Grishchenko, Koppar, Nefedova, Dellos.

• W latach dwudziestych rozpoczęła działalność w Moskwie szkoła haftu ARS, której właścicielem była Varvara Karinskaya. Wkrótce Karinskaya otworzyła pierwszy salon Houte Couture dla moskiewskiej elity, w którym zamówiła toalety żon komunistycznej „góry” i NEPmenów. Ponadto zamożne kobiety mody poszły do ​​salonu antycznego, który prowadził pasierbica Varvara Karinskaya, Tatiana, po biżuterię. W 1928 Karinskaya wyemigrowała do Niemiec.

Producenci odzieży, krawcy, szewcy, kapelusznicy stali się w okresie NEP-u nieformalną elitą społeczeństwa sowieckiego. W Rosji Sowieckiej zaczęły powstawać studia, w których pracowali wysokiej klasy mistrzowie, dostępne tylko dla członków rządu i przywódców partyjnych. Kobiety z Kremla najaktywniej zaczęły korzystać z usług krawców i projektantów mody. Szczególnie wśród nich w połowie lat 20. toalety „z Lamanowej” uważano za najwyższy szyk.

Lata dwudzieste w nowym sowieckim kraju, niesamowity czas, łączący awangardowe idee konstruktywizmu, ubrania zwykłych robotników - czerwone szale, długie bezkształtne spódnice, płócienne buty z membraną i stroje pań korzystających z dobrodziejstw NEP z mocą i głównym i ubiera się na sposób europejskich podlotów. Pierwsze szokujące plany pięcioletnie już się zaczynały, a duch Charleston wciąż był w powietrzu.

Oczywiście w kraju sowieckim zawsze istniał nierównomierny rozkład terytorialny moda. W stolicy koncentrowała się koncentracja sowieckiego przemysłu modowego. Przepaść między stolicą a prowincjami była ogromna. W dziedzinie mody Moskwa i prowincja były powiązane jako kultury „referencyjne” i „naśladowcze”. A jeśli w dużych miastach nadal można było kupić lub, jak mówiono, „dostać” dobre rzeczy lub skorzystać z usług atelier, to dla mieszkańców wsi pojęcie „ moda Po prostu nie istniał. Dlatego mówiąc o modzie młodego sowieckiego kraju, trzeba opisać ubrania, które nosili przede wszystkim mieszkańcy Moskwy i dużych miast.

W dobie Nowej Polityki Gospodarczej radzieckie kobiety mody naśladowały gwiazdy kina niemego, uznając je za standardy piękna i smaku. Wśród nich są Olga Zhizneva, Veronika Buzhinskaya, Vera Malinovskaya, Anel Sudakevich, Anna Sten, Alexandra Khokhlova, Julia Solntseva, Nina Shaternikova, Sofia Magarill, Sofia Yakovleva, Galina Kravchenko i inni Sukces tych aktorek nie wykroczył poza granice Rosja sowiecka, ale często na swój wizerunek i makijaż kopiowali zachodnie gwiazdy filmowe.

Fashionistki lat 20. miały te same ideały, co wyemancypowane kobiety na całym świecie - szczupła sylwetka, która pozwala nosić sukienki do kolan z niską talią, jednak wśród sowieckich pań to marzenie nie zawsze się spełniało i w modzie sukienki musiały być ubrane w dość dobrze odżywione formy. Modne są sztuczne kwiaty, sznury pereł - prawdziwe lub sztuczne, owinięte wokół szyi, sznurowane buty, boa z futra lisa lub lisa polarnego, astrachańskie kurtki. Ważnym dodatkiem ówczesnych fashionistek były kapelusze, które w pierwszych latach porewolucyjnych były krytykowane jako wyraźny znak burżuazji i były aktywnie zastępowane czerwonymi szalikami.

W męskim stroju modnym szykiem były kozaki shimmy lub jimmy oraz oksfordy – krótkie, sięgające do kostek i wąskie. W połowie lat 20. te rzeczy są stosunkowo niedrogie. Tak więc poeta Daniil Charms napisał w swoim pamiętniku we wrześniu 1926 r.: „Kupiłem buty Jima w Gostiny Dvor, po stronie Newy, sklep 28”. Popularne są getry (zamszowe lub lniane białe pokrowce noszone na buty męskie), marynarki, bryczesy, legginsy (specjalny rodzaj miękkich butów męskich).

Jeśli na początku lat 20. trzeba było obserwować oznaki bolszewizmu i nosić bluzę lub bluzę, a także czapkę, czapkę i buty, to pod koniec lat 20. dzięki NEP-owi zaczęło się odradzać moda na ubrania w stylu europejskim. W męskiej garderobie pojawiły się kurtki bobrowe, odzież wierzchnia wykonana z ciężkich i gęstych tkanin - gabardyna, chesuchi, dywanik, szewiot itp. Męskie skórzane buty z tępymi palcami - „buldogi” były uważane za luksusowe. Bardzo powszechnym ubiorem w latach 20. i wczesnych 30. były męskie lniane spodnie i białe płócienne buty, które czyściło się proszkiem do zębów, a także pasiaste koszulki, noszone zarówno przez mężczyzn, jak i kobiety. Dzianina była również szeroko stosowana w męskiej garderobie - swetry, kamizelki, szaliki itp.

Ponieważ nie wszyscy mieli dostęp do usług mistrzów krawiectwa, wysokiej jakości tkanin czy dobrych produktów wykończonych, modne toalety trzeba było wymyślać z improwizowanych środków. We wspomnieniach pisarki Nadieżdy Teffi można przeczytać o kobiecej przedsiębiorczości - używano zasłon i zasłon, prześcieradeł i innej bielizny pościelowej i stołowej, obrusów i narzut. Dużym zainteresowaniem cieszył się materac w paski teak, podobnie jak wszelkie inne tkaniny używane w gospodarstwie domowym. Dużą popularnością cieszyły się tanie futra - króliki, cygkey. Najpopularniejszym futrem w tamtych czasach był królik farbowany.

To prawda, futro szybko ogłoszono oznaką mieszczaństwa. Prosty robotnik nie miał gonić za skąpymi futrami, ale chodzić zimą w pikowanym płaszczu z watą. Z butami były spore problemy, bo nie dało się ich uszyć w domu jak sukienki czy bluzki, a ci, których nie było stać na prywatne sklepy, wymieniali buty na targach odzieżowych lub nosili stare aż do całkowitego kruszenia się, filcowe buty pomogły wiele w zimie.
W latach wojny secesyjnej i NEP-u głównymi „pchlimi targami” kraju były targi Tiszynskiego i Suchariewskiego, gdzie za stosunkowo niewielkie pieniądze lub wymieniając towary na towary, można było założyć buty i przebrać się. Rynek Tishinsky był ulubionym miejscem handlu Moskali do lat 90., ale Sucharewski został zamknięty pod koniec lat 20. XX wieku.
Najważniejsze dla zwykłego sowieckiego robotnika późnych lat 20. - wczesnych 30. był pewien średni standard, trzeba było wyglądać jak wszyscy, być jak wszyscy, niczym się nie wyróżniać. W kraju, w którym wszędzie brzmiało słowo kolektyw, indywidualność nie była mile widziana. Tłum wyglądał raczej monotonnie.

Ciąg dalszy nastąpi ( Historia mody radzieckiej – część druga lata 30. )

Powielanie tego materiału jest zabronione -

10:10 07/04/2012

Rozwój mody w latach 1910. XX wieku był w dużej mierze zdeterminowany wydarzeniami globalnymi, z których głównym była I wojna światowa 1914-1918. Zmienione warunki życia i troski, które znalazły się na barkach kobiet, wymagały przede wszystkim wygody i komfortu w ubiorze. Kryzys finansowy związany z wojną również nie przyczynił się do popularności luksusowych sukien uszytych z drogich tkanin. Jednak, jak to często bywa, trudne czasy wytworzyły jeszcze większe zapotrzebowanie na piękne ubrania: kobiety, nie chcąc znosić okoliczności, wykazywały cuda pomysłowości w poszukiwaniu tkanin i nowych fasonów. W rezultacie druga dekada XX wieku została zapamiętana przez modele łączące elegancję i wygodę oraz pojawienie się legendarnej gwiazdy Coco Chanel na modowym niebie.

Na początku drugiej dekady XX wieku Paul Poiret pozostał głównym dyktatorem świata mody. W 1911 r. spory rozgłos zyskały damskie spodnie i spodnie typu culottes. Projektant mody nadal popularyzował swoją twórczość poprzez imprezy towarzyskie i różne wycieczki. Poiret świętował powstanie kolekcji tysiąca i jednej nocy luksusowym przyjęciem, a później w tym samym 1911 roku otworzył własną szkołę sztuki i rzemiosła, Ecole Martin. Ponadto rewolucjonista mody nadal publikował książki i katalogi ze swoimi produktami. Następnie Poiret wyruszył w światowe tournée, które trwało do 1913 roku. W tym czasie artysta wystawiał swoje modele w Londynie, Wiedniu, Brukseli, Berlinie, Moskwie, Petersburgu i Nowym Jorku. Wszystkim jego pokazom i podróżom towarzyszyły artykuły i zdjęcia w gazetach, dzięki czemu wieść o francuskim couturierze rozeszła się po całym świecie.

Poiret nie bał się eksperymentów i został pierwszym projektantem mody, który stworzył swój własny zapach - perfumy Rosina, nazwane na cześć swojej najstarszej córki. W 1914 roku wraz z wybuchem I wojny światowej Dom Paula Poireta zaprzestał działalności, a próbę powrotu do świata mody artysta podjął dopiero w 1921 roku.

Okazało się to jednak porażką, w dużej mierze ze względu na to, że luksusowy i egzotyczny styl Poireta został wyparty przez rewolucyjne modele Coco Chanel.

Emancypacja i pierwsze praktyczne modele

Pierwszym krokiem w przejściu do mody „wygodnej” było ostateczne zniknięcie z damskiej garderoby gorsetów, obszernych kapeluszy i „utykających” spódnic. Na początku lat 1910 weszły do ​​użytku nowe modele, z których główną była „spódnica świąteczna” z wysokim stanem, szerokimi biodrami, drapowaniem i wąską kostką. Jeśli chodzi o długość, do 1915 r. rąbek sukienek sięgał ziemi. Spódnice natomiast zostały nieco skrócone: pojawiły się modele, które sięgały „tylko” do uniesienia nogi. Sukienki były często noszone z peleryną, popularne były również sukienki z trenem. Dekolt w kształcie litery V był powszechny, nie tylko na klatce piersiowej, ale także na plecach.

Pragnienie praktyczności dotknęło nie tylko ubioru, ale całego kobiecego wizerunku. W drugiej dekadzie XX wieku panie po raz pierwszy przestały robić misterne, eleganckie fryzury i otworzyły szyje. Krótkie fryzury nie stały się jeszcze tak powszechne jak w latach dwudziestych, ale moda na długie, pięknie ułożone włosy na głowie odeszła do przeszłości.

W tym czasie operetka cieszyła się ogromną popularnością w całej Europie, a występujący na scenie tancerze stali się wzorem do naśladowania, także pod względem ubioru. Wraz z operetką publiczność bawiła się kabaretem, a zwłaszcza tańcem tanga. Specjalnie na potrzeby tanga wymyślono kostium sceniczny – tureckie haremki, a także drapowane spódnice, w rozcięciach, w których widoczne były nogi tancerzy. Takie stroje były używane tylko na scenie, ale już w 1911 roku paryski dom mody „Drecol and Beschof” zaoferował paniom tzw. sukienki spodniowe i spódnico-spodnie. Konserwatywna część francuskiego społeczeństwa nie zaakceptowała nowych strojów, a dziewczęta, które odważyły ​​się w nich występować publicznie, oskarżano o negowanie ogólnie przyjętych norm moralnych. Spodnie damskie, które pojawiły się po raz pierwszy na początku lat 1910, spotkały się z negatywnym odbiorem publiczności i zyskały popularność dopiero znacznie później.

W 1913 roku emancypantki zaczęły protestować w Europie przeciwko odzieży ograniczającej ruchy, nalegając na pojawienie się prostych krojów i wygodnych modeli. Jednocześnie nadal był niewielki, ale namacalny wpływ sportu na codzienną modę. Zaczęły zanikać obfite paski i ozdoby, misterne aplikacje i detale zdobiące ubrania. Kobiety pozwoliły sobie na odsłonięcie rąk i nóg. Ogólnie rzecz biorąc, krój ubrań stał się znacznie bardziej swobodny, modne stały się koszule i koszule.

Wszystkie te trendy były charakterystyczne dla odzieży casualowej, podczas gdy szykowne modele były nadal utrzymane w stylu lat 1910. Na świecie nadal popularne były sukienki z wysokim stanem z elementami stylu orientalnego, modele z wąskim stanem i szeroką spódnicą z falbankami. W modzie pojawiła się spódnica typu sakwa, której nazwa jest tłumaczona z francuskiego jako „koszyk”. Model wyróżniał się beczkowatą sylwetką - biodra były szerokie, ale przód i tył spódnicy były płaskie. Krótko mówiąc, stroje na wyjście były bardziej eleganckie i konserwatywne, a niektórzy projektanci mody starali się zachować trendy obserwowane w modzie XX wieku. Erte stał się najbardziej znanym wśród artystów, którzy trzymali się konserwatywnych wzorców.

Głośny debiut wielkiej Erte

Najpopularniejsza projektantka mody Erte, której nazwisko kojarzy się z luksusowymi i kobiecymi wizerunkami drugiej dekady XX wieku, nie dostrzegła trendu w kierunku praktyczności i funkcjonalności.

© dostarczone przez agencję internetową "Bi-group"

Szkic sukienki autorstwa projektantki mody Erte (Roman Pietrowicz Tyrtow)

Roman Pietrowicz Tyrtow urodził się w 1892 r. w Petersburgu, w wieku dwudziestu lat przeniósł się do Paryża. Erte wziął pseudonim z pierwszych liter imienia i nazwiska. Jako dziecko chłopiec wykazywał zamiłowanie do rysowania i projektowania. Od 14 roku życia uczęszczał na zajęcia w Akademii Sztuk Pięknych w Petersburgu, a po przeprowadzce do stolicy Francji udał się do pracy w Domu Paula Poireta. Jego głośnym debiutem w Paryżu było stworzenie kostiumów do sztuki „Minaret” w 1913 roku. Już w następnym roku, kiedy Erte opuścił Dom Poireta, jego modele były bardzo popularne nie tylko we Francji, ale także w zespołach teatralnych w Monte Carlo, Nowym Jorku, Chicago i Glyndbourne. Sale muzyczne wypełniły utalentowanego projektanta mody zamówieniami, a Erte stworzyła kostiumy do takich produkcji jak Music Box Repertoire Irwina Berlina, Skandale George'a White'a i Mary z Manhattanu. Każdy obraz stworzony przez couturiera był jego własnym dziełem: w swojej pracy Erte nigdy nie polegał na doświadczeniu swoich kolegów i poprzedników.

Najbardziej rozpoznawalnym wizerunkiem stworzonym przez projektantkę mody była tajemnicza piękność, otulona luksusowymi futrami, z wieloma dodatkami, z których głównym były długie pasma pereł i koralików, zwieńczone oryginalnym nakryciem głowy. Erte stworzył swoje stroje, inspirowane mitologią starożytnego Egiptu i Grecji, a także miniaturami indyjskimi i oczywiście rosyjską sztuką klasyczną. Zaprzeczając szczupłej sylwetce i abstrakcyjnym geometrycznym wzorom, Erte został w 1916 roku naczelnym artystą magazynu Harpers Bazaar, kontraktem, który zaproponował mu magnat William Hirst.

© RIA Novosti Siergiej Subbotin

Okładka magazynu „Biznes kobiet”

Popularny jeszcze przed wybuchem I wojny światowej, Erte był jednym z trendsetterów aż do swojej śmierci w 1990 roku w wieku 97 lat.

Wojna i moda

Spór między zwolennikami starego stylu a zwolennikami praktycznej odzieży rozstrzygnęła I wojna światowa, która rozpoczęła się w 1914 roku. Kobiety, zmuszone do wykonywania wszelkich męskich prac, po prostu nie mogły sobie pozwolić na ubieranie się w długie, bufiaste spódnice i gorsety.

W tym okresie w odzieży zaczęły pojawiać się funkcjonalne detale, nawiązujące do stylu militarnego - naszywane kieszenie, wykładane kołnierzyki, kurtki ze sznurowaniem, klapy i metalowe guziki, które dziewczęta nosiły ze spódnicami. W tym samym czasie w modzie pojawiły się garnitury damskie. Ciężkie lata przyniosły ze sobą kolejną reformę: w krawiectwie wykorzystywano wygodną dzianinę, z której powstały swetry, kardigany, szale i czapki. Sukienki casualowe, których długość stawała się coraz krótsza i sięgała tylko do łydek, zakładano do wysokich, grubych sznurowanych butów, pod którymi kobiety nosiły legginsy.

Ogólnie rzecz biorąc, ten czas można określić jako spontaniczne poszukiwanie nowych form i stylów, namiętne pragnienie oderwania się od wszelkich modowych standardów, które narzucały domy mody w latach dwudziestych. Trendy dosłownie się zastępowały. Wspólną cechą sylwetek z czasów wojny była swoboda krojów, czasem nawet „obwisłych” ubrań. Teraz stroje nie podkreślały wszystkich krzywizn kobiecej sylwetki, a wręcz przeciwnie, ukrywały ją. Nawet paski nie pasują już do talii, nie mówiąc już o rękawach, bluzkach i spódnicach.

Być może wojna uczyniła kobiety znacznie bardziej niezależnymi niż wszystkie ruchy emancypacyjne, które charakteryzowały wczesne lata 1910. Najpierw kobiety przejęły pracę, którą wykonywali mężczyźni: zajmowały miejsca w fabrykach, szpitalach i urzędach. Ponadto wielu z nich trafiło do pomocniczych służb wojskowych, gdzie warunki pracy dyktowały praktyczność jako główne kryterium wyboru odzieży. Dziewczyny miały na sobie mundury, sportowe koszulki khaki i czapki. Być może po raz pierwszy kobiety poczuły swoją niezależność i znaczenie, nabrały pewności siebie w swoich mocnych stronach i zdolnościach intelektualnych. Wszystko to pozwoliło samym paniom kierować rozwojem mody.

© Ilustracja z książki „Ikony stylu. Historia mody XX wieku. Pod redakcją G. Buxbauma. St. Petersburg. „Amfora”, 2009”

Dartey „Krynolina wojskowa”, rysunek 1916.

W czasie wojny, kiedy prawie wszystkie domy mody były zamknięte, kobiety dobrowolnie pozbyły się wszystkich narzuconych kanonów, uwalniając ubrania od zbędnych detali. Praktyczny i funkcjonalny styl zakorzenił się i zakochał tak bardzo, że wznowione po wojnie domy mody zmuszone były podążać za nowymi trendami, a próby odzyskania popularności dotychczas obowiązującej krynoliny i niewygodnych „wąskich” fasonów zakończyły się niepowodzeniem. .

Na szczególną uwagę jednak pojawiły się w tym samym czasie i stały się niezwykle popularnymi „wojskowymi krynolinami”. Te bufiaste spódnice różniły się od swoich poprzedników tym, że nie używały zwykłych obręczy, ale dużą liczbę halek, aby zachować swój kształt. Uszycie takich strojów wymagało dużej ilości materiału i pomimo niskiej jakości, cena „wojskowych krynolin” była dość wysoka. Nie przeszkodziło to w tym, by obszerna spódnica stała się jednym z głównych hitów wojny, a później model ten stał się symbolem stylu romantycznego wywołanego powszechnym protestem i wojennym zmęczeniem. Nie mogąc oprzeć się opanowanemu praktycznemu stylowi, projektanci mody postanowili wnieść oryginalność i piękno do prostych stylizacji poprzez detale i wykończenia. Suknie „haute couture” były bogato zdobione perłami, wstążkami, aplikacjami i koralikami.

Wpływu I wojny światowej na modę nie da się opisać jedynie wyłaniającym się trendem w kierunku praktyczności. Żołnierze, którzy brali udział w bitwach na obcych terytoriach, przywozili do domu jako trofea, w tym nowe egzotyczne tkaniny, a także niespotykane dotąd szale, szaliki i biżuterię z Tunezji i Maroka. Projektanci mody, zapoznając się z kulturami różnych krajów, chłonęli pomysły i ucieleśniali nowe style, wzory i wykończenia w krawiectwie.

Po zakończeniu wojny, kiedy życie świeckie poprawiło się, a w Paryżu zaczęto ponownie rozdawać bale, wiele kobiet porzuciło znane sobie stroje i wróciło do przedwojennej mody. Okres ten nie trwał jednak długo – po wojnie rozpoczął się zupełnie nowy etap w modzie, na który w tym czasie największy wpływ miała Coco Chanel.

Męski styl od Chanel

Coco Chanel

Coco Chanel, jak sama przyznaje, przez całe życie próbowała dostosować męski garnitur do potrzeb i stylu życia współczesnej kobiety.

Coco Chanel rozpoczęła swoją podróż w świecie mody w 1909 roku, kiedy otworzyła swój własny sklep z kapeluszami w Paryżu. Plotka o nowej projektantce szybko rozeszła się po francuskiej stolicy, a już w następnym roku Coco mogła wypuścić nie tylko kapelusze, ale także ubrania, otwierając sklep przy 21 Rue Cambon, a następnie własny Fashion House w kurorcie Biarritz . Pomimo wysokich kosztów odzieży i niezwykłej jak na tamte czasy prostoty kroju, modele Chanel szybko zyskiwały na popularności, a projektantka miała szeroką klientelę.

Głównym zadaniem ubrań, które projektanci mody wcześniej oferowali kobietom, było podkreślenie talii osy i podkreślenie klatki piersiowej, tworząc nienaturalne krzywizny. Coco Chanel była szczupła, opalona i wysportowana, a styl powszechny w tym czasie nie pasował do niej idealnie - z całym pragnieniem żadne ubranie nie mogło zrobić "klepsydry" z figury dziewczyny. Ale była idealną modelką do własnych strojów. „Zakuty w gorset, odsłaniający pierś, odsłaniający pośladki, tak ciasny w talii, jakby przecięty na dwie części… Zawrzeć w sobie taką kobietę to to samo, co zarządzanie nieruchomościami” – powiedział Koko.

Promując wygodę i styl unisex, projektantka mody stworzyła bardzo proste sukienki i spódnice, wyróżniające się wyraźnymi liniami i brakiem biżuterii. Dziewczyna bez wahania odrzuciła na bok zbędne detale i zbędne dodatki w poszukiwaniu idealnego modelu, który nie krępuje ruchów, a jednocześnie pozwala kobiecie pozostać kobietą. Niezależnie od opinii publicznej zgrabnie wprowadziła do kobiecej garderoby elementy męskiego stylu, samodzielnie dając przykład prawidłowego wykorzystania prostych strojów. „Kiedyś założyłem męski sweter, tak po prostu, bo było mi zimno… Zawiązałem go szalikiem (w pasie). Tego dnia byłem z Brytyjczykami. Żaden z nich nie zauważył, że mam na sobie sweter ...” wspomina Chanel. Tak pojawiły się jej słynne marynarskie garnitury z głębokim dekoltem, wykładanymi kołnierzami i skórzanymi kurtkami typu „jockey”.

Tworząc ubrania, Chanel używała prostych materiałów - bawełny, dzianiny. W 1914 skróciła spódnicę damską. Na początku I wojny światowej Coco projektowała praktyczne swetry, blezery, sukienki koszulowe, bluzki i garnitury. To właśnie Chanel przyczyniła się do spopularyzowania piżamy, a w 1918 roku stworzyła nawet piżamy damskie, w których można było zejść do schronu bombowego.

Bliżej 1920 roku Coco, podobnie jak wielu artystów tamtych czasów, zainteresowała się rosyjskimi motywami. Ta linia w twórczości Chanel została opracowana już na początku trzeciej dekady XX wieku.

Druga dekada XX wieku, mimo wszystkich trudów i trudów, stała się punktem zwrotnym w ewolucji mody - to właśnie w latach 1910 artystki zaczęły aktywnie poszukiwać nowych form, które mogłyby dać kobietom wolność bez pozbawiania ich wdzięku. Wprowadzone przez wojnę reformy i trendy lat powojennych stały się decydujące dla rozwoju przemysłu w kolejnych dziesięcioleciach.

Moda dyktuje nie tylko naszą garderobę, głosi ideały, czy to podziwianie form, czy modę na gotycką chorobliwość. Moda na ubrania wywodzi się z mody na ciało. Podkreślono oderwaną czułość, jak z obrazów prerafaelitów, arystokratyczną białą skórę, kobiece loki, lejące się na podłogę suknie. Sukienki Charleston idealnie dopasowują się do płaskiej chłopięcej sylwetki. Ciężka męska skóra przekreśla czułość i skupia się na silnej kobiecie o wręcz majestatycznej sylwetce. Moda wprost mówi nam w co się ubrać, po drodze szepcząc nam do ucha jak to nosić, jaką postawę obserwować przy tym, jaki wygląd będzie nam towarzyszył wychodząc z fryzjera, gdzie niewątpliwie zrobiliśmy z włosami co powiedziała nam Madame Fashion. Piękno kobiet jest lustrem historii.

Antyk

Kultura starożytności greckiej deifikowała kształt ciała, wychwalając wszystko, co z nim związane: urzekające pięknem form sportowców igrzyska olimpijskie, przemówienia publiczne, w tym umiejętność pokazywania gestami znaczenia mowy dla tych, którzy są w tylnych rzędach i nie słychać mówcy, gimnastyka jest przed przechodniami, no cóż, oczywiście nie należy zapominać o rzeźbie, która była najwyższą sztuką wśród Greków.

Na Wschodzie sytuacja była zupełnie odwrotna, gdzie ciało było tylko tymczasową skorupą nieśmiertelnego ducha. Najwyższą wartością są myśli, pisma.

Starożytność i średniowiecze, renesans i nowoczesność, nasza nowoczesność to ciąg wzlotów i upadków duchowości i kultu ciała.

1900 moda

Interpretacja i wizerunek kobiecego ciała zmienia się z dekady na dekadę, z roku na rok. Do I wojny światowej kobieta zachowywała tajemnicę, a kobiece ciało jako takie, czyli kobieca nagość nie była w modzie. W latach dwudziestych XX wieku moda na kobiecą sylwetkę zaczęła swoją przemianę, najpierw poddając się bardzo silnemu wpływowi stylu secesji, który utożsamiał kobietę z nieziemskim bytem. Nowa sylwetka zmieniła modę na gotycką z wystającym brzuchem i zakrzywionymi plecami. Moda na taką sylwetkę wiązała się z popularnością wyglądu kobiety w ciąży w dobie wypraw krzyżowych i nieobecności mężczyzn. Nowa sylwetka w kształcie litery S była zupełnym przeciwieństwem swojego poprzednika, a była spowodowana przede wszystkim charakterystyczną dla tamtych czasów strukturą lnu oraz szczególnie wygiętym kształtem gorsetu, który unosił klatkę piersiową i kładł nacisk na wąską talię, która w skrajne przypadki dochodziły do ​​37 centymetrów.

W 1906 roku, w epoce edwardiańskiej, moda na kobiecą sylwetkę wchłonęła gusta ówczesnej angielskiej arystokracji, zyskując bardziej wyprostowaną, neoklasyczną sylwetkę. Bardziej szacowny w stosunku do francuskiej secesji i prostszy, nawet czarno-biała i pasiasta kolorystyka strojów podkreślała ich wydłużenie i geometrię.

moda lat 1910

Od 1909 roku istnieje fala zainteresowania tematem haremu, wywołana sukcesem S.P. Diagilewa w Paryżu. Moda zrezygnowała z gorsetów i zwróciła uwagę na flegmatyczne półnagie okrągłe kobiety leżące na podnóżkach. Obiektem adoracji były pełne formy o pulchnych, dobrze odżywionych rękach i nogach. Paul Poiret, słynny „cesarz mody”, jako pierwszy podchwycił ten trend w modzie i wprowadził sukienki bez gorsetu, pierwsze bloomersy i przezroczyste sukienki. Była to pierwsza moda na ciało jako takie w XX wieku.

W czasie I wojny światowej kobiety przejęły funkcje męskie, co spowodowało emancypację mody kobiecej. Aktywność zawodowa wyprostowała sylwetkę, przesunęła zapięcie do przodu z tyłu, obcięła włosy, ułatwiając rozczesywanie. Z powodu nieobecności mężczyzn moda na kobiece ciało rozpłynęła się w militarnej mgle.

W tamtych czasach narodził się nowy typ kobiety - wampirzyca, w ówczesnym slangu nazywano ten typ kobiet "Wampirem", co było synonimem podstępnej uwodzicielki, która podkreślała twarde spojrzenie, grubo podsumowane z czarnymi cieniami. Pierwszym takim wampirem była gwiazda filmowa Theda Bara.

Moda lat 20.

W 1918 roku, kiedy wojna przywróciła z frontu przerzedzone szeregi mężczyzn, rywalizacja między kobietami wzrosła tak bardzo, że pokazywanie ciała przeniknęło przez całą ówczesną modę. Era lat 20. zrodziła nowy styl art deco, rodzaj fuzji neoklasycyzmu i nowoczesności. Narodził się nowy wizerunek kobiety, z zupełnie nowym podejściem do ciała i jego form - wizerunek kobiety pół-chłopca, nastolatka. Wraz z lekkim wypełnieniem słynnej skandalicznej powieści V. Marguerite „La Garcon” (co oznacza „chłopiec” po francusku), moda damska nabrała chłopięcych form - brak piersi, bioder, szeroka, płaska talia. Jeśli lata dwudzieste XX wieku zmuszały kobiety do spożywania różnych leków w celu zwiększenia biustu, odwiedzaj masażystki, to w latach dwudziestych kobiety przykuwały łańcuchami w specjalnych płaskich gorsetach, które zakrywały ich piersi.

Dzięki staraniom Poireta kobiety zdjęły gorsety, a dzięki prostym formom garniturów i sukienek Coco Chanel zostały całkowicie zapomniane. Ta część ciała, która do niedawna w ogóle nie była pokazywana, stała się modna - plecy. Kobiety nosiły gorsety od początku XIV wieku i po zgubieniu zdecydowały, że teraz należy jak najczęściej pokazywać plecy. Jedynym faktem, który powstrzymał nowy trend w modzie, była bladość. Pojawiły się pierwsze mieszane plaże, na których kobiety najpierw otwierały się na słońce, a potem pojawiały przed społeczeństwem w wieczorowych sukniach z odkrytymi plecami i gołymi ramionami. Moda na gotycką bladość zastąpiła moda na opaleniznę.

Aresztuj dziewczyny w Chicagoza noszenie stroju kąpielowego w miejscu publicznym

Wydłużona sylwetka sukienek z niską talią dominowała do 1924 roku. Ośmielone, pokazując plecy i ramiona, kobiety postanowiły zaostrzyć walkę o uwagę mężczyzn, pokazując nogi. W latach 1924 i 1925 domy mody Chanel i Jean Patou ubierały kobiety w przycięte spódnice do kolan. Panie zaczęły pokazywać swoje łydki i kostki, co doprowadziło do narodzin pończoch. Moda kobieca coraz bardziej odsłaniała ciało, pomogły jej w tym popularne tańce do muzyki jazzowej (np. Charleston).

Moda lat 30.

Ale w 1929 roku Wielki Kryzys zakończył cieszenie się luksusem. Zupełnie inne wartości zastąpiły odwagę lat 20. jazdą kokainą na Rolls-Royce i tańcami w blasku. Moda przyjęła opływową sylwetkę neoklasycznej urody z formami Wenus z Milo. Paryskie domy mody, takie jak Elsa Schiaparelli, Madeleine Vionnet, dopełniły kobiecość modnej sylwetki draperiami w stylu antycznym.

moda lat 40.

W 1935 roku, pod wpływem europejskiego totalitaryzmu, wydłużone suknie zostały zastąpione surowymi formami marynarek, garniturów i płaszczy. Kobieca moda owinęła się w kwadratową męskość pierwszych usztywnianych ramion, ukryła formy pod ramowymi ubraniami. Ten kierunek mody damskiej osiągnął swój szczyt w 1943 roku, podczas II wojny światowej, kiedy rozmiar ramion stał się po prostu niesamowity. Stan wojenny zmienił kobiety w wojowniczki.

Moda lat 50.

Podważony legendarny „Nowy wygląd” mody wojskowej Diora z 1947 roku. Przywracając wiktoriańską modę, Dior zacisnął talię kobiet w gorsety, zaokrąglił biodra i wyjął wyściełane wieszaki na płaszcze znużonym wojną damom. Moda odzyskała tajemniczość, kobiecość i wyrafinowanie.

Moda lat 60.

W latach 60. pod słynnymi „Beatles” i „The Rolling Stones” otworzyli modę dla młodych ludzi, której wcześniej po prostu nie było. Moda kobieca odzyskała chłopięcą sylwetkę lat 20., która stała się popularnym modelem Twiggy. Mimo powtarzających się sylwetek, moda tego okresu dokonała wielu odkryć. Loty kosmiczne utkały modę z aluminium, plastiku i lśniących frędzli, wypierając wełnę, jedwab i bawełnę. Kierunek ten z przyjemnością wspierali Paco Rabanne, Pierre Cardin, Courreges, którzy zamienili swoje modele w załogę statku kosmicznego. Jednak zmiana tkanin nie wystarczyła w tej modnej epoce i zmieniła swój kształt - z lekką ręką Mary Quant w modzie pojawiły się minispódniczki.

Moda zyskała nowy wygląd w 1968 roku, ubrana w ten sam krój, co męskie ubrania: T-shirty, kamizelki, koszule, dżinsy - unisex był wyczuwalny wszędzie, nawet w fryzurach. Hipisi całkowicie zmienili stosunek do ciała, po drodze ozdabiając je naklejkami i tatuażami symbolizującymi miłość i pokój.

moda lat 70.

Ta narkotyczna błogość mogła trwać do dziś, tylko kobieca esencja nie pogodziła się z równością płci i wskrzeszona w luksusie nowego stylu retro, który powstał na początku lat 70. w związku z miłością do przedwojennej mody lat 20. i 30. . Wąskie ramiona, wąska talia, spódnice maxi i midi, platformy zmieniające proporcje kobiecego ciała, odnowiły zainteresowanie kobiecym ciałem. Wolna miłość, pierwsze filmy dla dorosłych, czasopisma, rozbieranie się stały się codziennością.

moda lat 80.

Ale na początku lat 80. poznano konsekwencje wolnej miłości, co znalazło odzwierciedlenie w modzie i postawach wobec ciała, pojawiła się świadomość jego wartości. Japońscy projektanci, tacy jak Yohji Yamamoto i Kenzo Takada, starannie ukryli kobiece ciała w warstwowych czarnych strojach, a reszta projektantów domu mody poszła w ich ślady. Moda zdeformowała kobiecą sylwetkę, a udane kolekcje Thierry'ego Muglera i Claude Montana powróciły na ramiona lat 40.

moda lat 90.

Po sukcesie japońskich projektantów nastąpił odzew francuskiej mody – Jean Paul Gaultier i Christian Lacroix ożywili modę na kobiece formy. Pierwsze trzy lata lat 90. były echem lat 30. i 50. z podkreślonymi gorsetami i głębokim dekoltem kobiecej seksualności. A potem nastąpił kryzys i narodziny nowych stylów, takich jak grunge, etniczny i ekologiczny.

Moda na zainteresowanie ciałem odżyła w postaci rytualnych tatuaży brazylijskich Indian, zaproponowanych przez Jean-Paula Gaultiera. Aby jednak zbytnio nie przestraszyć swoich fanów, projektant zasugerował, aby nie robić tatuaży na ciele, ale przymierzyć je za pomocą cielistych golfów, które stworzył z wydrukowanymi na nich zdjęciami.

Moda jest sztuką, albo rodzi dzieło fantazji autora, albo podziwia majestat przeszłości, albo wyczerpuje się pod presją teraźniejszości. Ale zawsze porusza się, porusza się cyklicznie, odzwierciedla historię. Moda czasem otula kobiece kształty kokonami, jakby skrywając kruche wytwory natury, czasem drwi z kobiecego ciała, wywyższając nienaturalne ideały, ale czasem ukazuje prawdziwe piękno kobiety - a w takich momentach jest piękna!

(Odwiedzone 592 razy, 2 wizyty dzisiaj)

Ubrania obywateli (1917-1922)

Pierwsza wojna światowa, przewrót rewolucyjny i wojna domowa zmieniły wygląd obywateli Rosji. Ikoniczna symbolika stroju zaczęła pojawiać się wyraźniej. Był to czas, kiedy solidarność lub sprzeciw wyrażano za pomocą kostiumu lub jego poszczególnych detali; służyła jako zasłona, za którą można było chwilowo ukryć swój prawdziwy stosunek do zachodzących wydarzeń. „W Moskwie owies rozdawano na kartach. Nigdy wcześniej stolica republiki nie przeżywała tak trudnego czasu, jak zimą dwudziestego roku. Była to „era niekończących się głodnych kolejek, „ogonów” przed pustymi „dystrybutorami żywności”, epicka era zgniłej mrożonej padliny, spleśniałych skórek chleba i niejadalnych surogatów.
„Nie sprzedaje się drewna opałowego. Nie ma co utopić Holendrów. W pokojach znajdują się piece żelazne - piece brzuszne. Z nich pod sufitem są rury samowarowe. Jeden w drugi, jeden w drugi i prosto do otworów w deskach, którymi zamykane są okna, na łączeniach rur zawiesza się słoje, aby żywica nie kapała. . A jednak wielu nadal podążało za modą, chociaż ograniczało się to tylko do sylwetki garnituru lub niektórych szczegółów, na przykład projektu kołnierza, kształtu kapelusza i wysokości obcasa. Sylwetka odzieży damskiej zmierzała do uproszczenia. Można przypuszczać, że wpływ na ten trend miała nie tylko moda paryska (otwarty w 1916 roku dom odzieżowy Gabriela Chanela promował „rob de chemise” – proste formy ubioru, nieskomplikowane krojem), ale także względy ekonomiczne. „Magazyn dla hostess” z 1916 r. napisał: „…w magazynach czy sklepach prawie nie ma tkanin, nie ma żadnych wykończeń, nie ma nawet nici do uszycia sukienki czy płaszcza.” „.

W tym okresie cena sukna wzrosła z 3 rubli. 64 kopiejek (średnia cena w 1893 r.) do 80 890 rubli. w 1918 . Co więcej, spirala inflacyjna rozwijała się coraz bardziej. Bezcenne są informacje z Dziennika moskiewskiego, w którym autor N.P. Okunev codziennie spisywał wszystkie wydarzenia dnia codziennego, ważne i błahe. „Zamówiłem dla siebie parę kurtek, cena to 300 rubli, myślałem, że zwariowałem, ale mówią mi, że inni płacą 4 008 500 rubli za garnitury. Bachanalia życia są kompletne!” Taka sytuacja ekonomiczna nie przyczyniła się do rozwoju modnego garnituru, ale dała początek bardzo ciekawym formom ubioru. Jeśli M. Chudakova w „Biografii M. Bułhakowa” około 1919 r. czytamy: „w marcu kolega naszego bohatera, kijowski lekarz, napisał w swoim pamiętniku: „…bez praktyki, bez pieniędzy. A życie tutaj z każdym dniem staje się coraz droższe. Czarny chleb kosztuje już 4 ruble. 50 tys. za funt, biały - 6,50 i tak dalej. A co najważniejsze - w strajku głodowym. Czarny chleb - 12815 rubli. za funt. A końca nie widać”. To było już w 1921 roku. W liście do matki Michaił Bułhakow pisze: „W Moskwie liczą się tylko setki tysięcy i miliony. Czarny chleb 4600 rubli. za funt, białe 14 000. A cena rośnie i rośnie! Sklepy są pełne towarów, ale co można kupić! Teatry są pełne, ale wczoraj, kiedy przechodziłem obok Bolszoj w interesach (już nie myślę, jak można obejść się bez biznesu!), dealerzy sprzedawali bilety za 75, 100, 150 tysięcy rubli! Moskwa ma wszystko: buty, tkaniny, mięso, kawior, konserwy, przysmaki - wszystko! Kawiarnie otwierają się i rosną jak grzyby po deszczu. I setki, setki wszędzie! Setki!! Buczy się fala spekulacji.
Ale wróćmy do 1918 roku. W tym czasie magazyny modowe nie były publikowane w Rosji. W tym samym roku zamknięto „Magazyn dla Gospodyń Domowych” (wznowiono go dopiero w 1922 r.), więc rozważając wpływy modowe, można polegać wyłącznie na źródłach zagranicznych lub krajowych, które ukazały się przed 1918 rokiem. Pewną rolę w kształtowaniu wyglądu mieszczan odegrali publiczni kolporterzy, gdzie napływały rzeczy z opuszczonych sklepów, domów mieszczańskich itp. W „Wspomnieniach” Walentina Katajewa z 1919 r. czytamy: sandały na bosej stopie, fajka dymiąca w zębach, a na ogolonej głowie czerwony turecki fez z czarną szczotką, który otrzymałem na zamówienie zamiast czapki w miejskim magazynie odzieży. Potwierdzają to również notatki N. Ya Mandelstama: „W tamtych latach ubrania nie były sprzedawane - można je było uzyskać tylko na zamówienie”.
Wspomnienia I. Odoevtsevy są zabarwione ironią. „On (O. Mandelstam, przyp. red.) nigdy nie widział kobiet w męskim garniturze. W tamtych czasach było to zupełnie nie do pomyślenia. Dopiero wiele lat później Marlene Dietrich wprowadziła modę na męskie garnitury. Okazuje się jednak, że pierwszą kobietą w spodniach nie była ona, ale żona Mandelstama. Nie Marlene Dietrich, ale Nadieżda Mandelstam zrewolucjonizowała kobiecą garderobę. Ale w przeciwieństwie do Marleny Dietrich nie przyniosło to jej sławy. Jej śmiałej innowacji nie doceniła ani Moskwa, ani nawet jej własny mąż.

Tak M. Cwietajewa opisał jej „strój” na wieczorze poetyckim w Muzeum Politechnicznym w 1921 r.: „Byłoby hipokryzją nie wspominając o sobie, przeszłam przez prawie wszystkich. Tak więc tego dnia zostałam objawiona „Rzymowi i światu” w zieleni, jak sutanna, sukienki nie da się nazwać (parafraza najlepszych czasów płaszcza), szczerze (czyli ciasno) zawiązana nawet przez oficera, ale przez junkera, 18. Szkoła Chorążych Peterhof, pas . Na ramieniu ma też torbę oficerską (brązowa, skórzana, na lornetki lub papierosy), którą uważałbym za zdradę i zdjąłem dopiero trzeciego dnia po przyjeździe (1922) do Berlina... Nogi w szare filcowe buty, choć nie dla mężczyzn, na nogawce, otoczone lakierowanymi łódkami, wyglądały jak słupy słonia. Cała toaleta z racji swojej potworności usunęła ze mnie wszelkie podejrzenia o celowość. Zaskakująco szczere nuty współczesnych. „A teraz podskakuję w zupełnej ciemności zimowej nocy, rzucam się na stare futro i szalik (przecież to nie stanie w kolejce w kapeluszu, niech służba liczy za brata, inaczej szydzi z pani)” . W związku ze zmianą pozycji kobiet, która nastąpiła od początku wojny, szereg form ubioru męskiego zostaje przeniesionych na kobiecy. W 191681917. są to kamizelki męskie, w latach 1918-1920 skórzane kurtki, które przeszły do ​​życia codziennego z wycofanych ze służby mundurów wojskowych. (W 1916 r. skutery w armii rosyjskiej nosiły skórzane kurtki). Ze względu na brak informacji, zerwanie tradycyjnych więzi z Europą, trudną sytuację ekonomiczną, a jednocześnie zachowanie dawnych form ubioru, strój wielu kobiet miał dość eklektyczny obraz. (Potwierdzają to rysunki, fotografie i rzeźby z tamtych lat). Na przykład policjantka była ubrana tak: skórzana kurtka, mundur niebieski beret, brązowa pluszowa spódnica i sznurowane buty z płóciennym topem. Niesłużące damy wyglądały nie mniej egzotycznie. W „Dziennikach” K. I. Czukowskiego czytamy: „Wczoraj byłem w Domu Pisarzy: ubrania wszystkich są pomarszczone, obwisłe, jasne jest, że ludzie śpią bez rozbierania się, chowając się w płaszczu. Kobiety są gumiaste. Jakby ktoś je przeżuł i wypluł. To uczucie siniaków, strzępów pojawia się nawet teraz, patrząc na zdjęcia z tamtych czasów. Wszędzie zachowały się stare formy ubioru. Co więcej, w środowisku pracy nadal szyją suknie na modłę początku stulecia, a w prowincjonalnych miasteczkach na peryferiach państwowych tradycje stroju narodowego również wpływają na ubiór. W 1917 r. sylwetka stroju kobiecego nadal zachowuje kontury charakterystyczne dla poprzedniego okresu, ale talia staje się znacznie luźniejsza, spódnica jest prostsza i nieco dłuższa (do 12 cm powyżej kostki). Sylwetka przypomina wydłużony owal. Od góry do dołu spódnica zwęża się do 1,5-1,7 m. Po 1917 równolegle współistnieją dwie sylwetki: wydłużony dół i „tuba”, tzw. sukienka koszulowa „rob de chemise”. Koszulowe sukienki pojawiały się już w Rosji (wspomnienia N. Gonczarowej S. Diagilewa pochodzą z 1914 r.): „Ale najciekawsze jest to, że naśladują ją nie tylko jako artystkę, ale także zewnętrznie. To ona wprowadziła do mody sukienkę koszulową, czarno-białą, niebieską i czerwoną. Ale to wciąż nic. Narysowała kwiaty na twarzy. I wkrótce szlachta i cyganeria wyjechała na saniach z końmi, domami, słoniami na policzkach, szyjach, czołach.
Sukienka sylwetka 1920-1921 prosty stanik, talia obniżona do poziomu bioder, spódnica, łatwo układająca się w fałdy, o długości 8-12 cm powyżej kostki, już w dużej mierze zbliżona do mody z kolejnych lat. Ale często można było zobaczyć damę w sukience z tkaniny zasłonowej. I choć dla współczesnych to pytanie wydaje się kontrowersyjne, w literaturze można znaleźć wystarczająco dużo przykładów. A.N. Tołstoj: „Wtedy wojna się skończyła. Olga Wiaczesławowna kupiła na targu spódnicę z zielonej pluszowej zasłony i poszła służyć w różnych instytucjach. Albo Nina Berberova: „Zostałam bez pracy; Miałam filcowe buty z dywanu, sukienkę z obrusu, futro z rotundy mamy, czapkę z poduszki sofy haftowanej złotem. Trudno powiedzieć, czy była to artystyczna przesada, czy rzeczywistość. Tkaniny produkowane w kraju w latach 1920-1923. „różniły się prostotą i były drukowane według najmniej pracochłonnych starych próbek”. Ale podobno było ich niewiele, więc sukienki z firan stały się wszechobecnym zjawiskiem. Tatiana Nikołajewna Lappa wspomina to w „Biografii M. Bułhakowa”: „Poszłam w mojej jedynej czarnej sukience z krepy z aksamitu panne: zmieniłam ją z poprzedniego letniego płaszcza i spódnicy”. Otworzono skrzynie i wydobyto na światło dzienne stroje babci: sukienki z bufiastymi rękawami, z trenami. Przypomnijmy od M. Cwietajewej: „Zanurzam się pod stopami w czerń ogromnej szafy i od razu znajduję się w siedemdziesięciu i siedmiu latach temu; nie w siedemdziesiątym siódmym, ale w siedemdziesiątym i siódmym. Z senną nieomylną wiedzą wyczuwam coś dawno temu i oczywiście z grawitacji, co spadło, spuchło, osiadło, rozlało całą blaszaną kałużę jedwabiu i napełniam się to do moich ramion. I dalej: „I nowe nurkowanie na czarne dno i znowu ręka w kałuży, ale już nie cyna, ale rtęć z uciekającą wodą, grającą spod rąk, nie zebraną w garstkę, rozpraszającą się, rozpraszającą się spod palce wiosłowania, bo jeśli pierwszy opadł od ciężaru, drugi od lekkości odleciał: z wieszaka jak z gałęzi. A za pierwszym, osiadłym, brązowym, faev, prababka hrabina Ledochowskaja prababka hrabina Ledochowskaja odszyta, jej córka moja babcia Maria Lukinicznaja Bernacka odszyta, jej córka moja matka Maria Aleksandrowna Mein odszyta przez prawnuczkę pierwszego Marina w naszej polskiej rodzinie przeze mnie, moja, siedem lat temu, dziewczęce, ale według kroju prababki: gorset jak peleryna, a spódnica jak morze…”. Współcześni wspominają, że „przerabiano stare suknie matek i babć, usuwano z nich biżuterię i koronki „burżuazyjne odbijanie”. Zmagając się z wszelkimi przejawami „mieszczaństwa”, niebieskie bluzki śpiewały: „Nasz statut jest surowy: bez pierścionków, bez kolczyków. Nasza etyka w dół z kosmetykami ”... W przypadku biżuterii zostały oznakowane wstydem, a bilety Komsomola zostały odebrane. Nie dotyczyło to mód wskrzeszonych burżuazyjnych dam w okresie NEP-u, ponieważ były to elementy wrogie. W czasopismach 1917-1918. są zalecenia, jak ze starej sukienki zrobić nową, jak uszyć czapkę, a nawet buty. W latach 1918-1920 w życiu codziennym pojawiło się wiele domowych butów z drewnianymi, tekturowymi, sznurowymi podeszwami. W.G.Korolenko pisał w liście do A.V.Lunacharsky'ego: „…patrzcie, co mają na sobie żołnierze Armii Czerwonej i służąca wam inteligencja: często spotkacie żołnierza Armii Czerwonej w łykowych butach, a inteligencję służącą w jakoś zrobionych drewnianych sandałach . Przypomina klasyczną starożytność, ale teraz jest bardzo niewygodna na zimę.” Moda w tym czasie oferuje podwójne obcasy (ok. 9 cm wysokości). Na początku lat 20. pięta nie tylko unosi się, ale i zwęża. Współcześni zeznają: „W latach 1922-1923. wojskowe szorstkie buty z uzwojeniami znikają. Wojsko zakłada buty. Zmienia się również sylwetka odzieży wojskowej. Po 1917 płaszcz ponownie się wydłuża, talia stopniowo opada o 5-7 cm poniżej naturalnej. Moda 1917 jakby nawiązując do stroju ludowego. Czasopismo „Świat dam” (nr 2; 1917) pisze, że „modne jest naśladowanie w kroju ciepłych damskich płaszczy kaftanów i futer z różnych prowincji. Krój jekaterynosławskich "kobiecych" strojów - szerokie futra na dole, z odciętymi taliami i dużymi wywiniętymi kołnierzami opadającymi na ramiona, wydaje się bardzo modny, skacząc z paryskiego magazynu. W rzeczywistości uproszczenie formy doprowadziło do tradycyjnie prostych form stroju ludowego.

W kolorystyce ubrań dominowały naturalne odcienie brązu. W 1918 r "modny kolor - ciemny ziemisty, zarówno jednokolorowy jak i melanżowy"
, kolor „wielbłąd” w połączeniu z czernią. Wielkie kapelusze z szerokim rondem z okresu przedwojennego to już przeszłość, jednak wiele stylów kapeluszy pozostaje w użyciu przez długi czas. Na przykład dziewczynę w kapeluszu widać na zdjęciu parady wojsk Wsejobucha w 1918 roku. na Placu Czerwonym i wśród kobiet z Komsomołu, które organizują program edukacyjny w obwodzie rostowskim. Czapki nosiły również „pierwsze damy” państwa - N. K. Krupskaya, M. I. Ulyanova, A. M. Kollontai. To prawda, mówimy o małych czapkach z dość wąskim rondem, niewielkich rozmiarów, zwykle ozdobionych tylko kokardą, ale ich powszechne i najszersze rozmieszczenie, zarówno na prowincji, jak iw stolicy, nie budzi wątpliwości.
W 1918 r boa, ryngrafy wychodzą z mody; w ich miejsce czasopisma oferują szale z futerkiem, koronką i frędzlami obszytymi wzdłuż krawędzi. Te szaliki były noszone zarówno na szyi, jak i na czapce. W życiu codziennym najczęściej używano szalików z dzianiny.
W ubiorze męskim najaktywniejszy okres w polityce i rekonstrukcji społecznej nie nadał żadnych nowych form, a jedynie posłużył jako impuls do zniszczenia tradycji jej noszenia. W garniturze męskim zachowane są formy z poprzednich lat, z niewielką tylko zmianą detali. W latach 1918-1920. w użyciu pozostają tylko wywinięte kołnierzyki koszul i bluzek; stójki nie otrzymują dalszej dystrybucji. Krawat po 1920 rozciąga się, zwęża i maksymalnie zbliża się do prostokąta, a sam krawat jest węższy i dłuższy. Ich kolorystyka jest wyblakła, przyćmiona. Normą jest toczony garnitur męski. W „Wspomnieniach” A. Mariengofa czytamy: „Szershenevich w szykownej jasnoszarej marynarce w dużą kratkę. Ale zdradziecka lewa kieszeń... po prawej stronie, bo kurtka jest do góry nogami. Prawie wszyscy dandysowie tamtych czasów mieli górne kieszenie po prawej stronie. Męska odzież jest maksymalnie zmilitaryzowana, a jednocześnie gubi tradycyjnie ustalone zasady doboru kolorów butów do spodni, a także do marynarki. Kurtka w połączeniu z dowolnymi spodniami staje się najpopularniejszą odzieżą dla mężczyzn. „Był ubrany w garnitur paramilitarny – angielską kurtkę w kratę, ze skórą na plecach, bryczesy do jazdy konnej i czarne buty”. „Po Brześciu na stacjach pojawiło się wielu zdemobilizowanych ludzi. Płaszcze żołnierskie "weszły w modę" - wisiały w niemal każdym korytarzu, wydychając zapach kudły, palonej stacji i zgniłej ziemi. Wieczorami wychodząc na ulicę zakładali płaszcze - było w nich bezpieczniej. W życiu codziennym dzianina jest szeroko rozpowszechniona, najwyraźniej ze względu na względną łatwość wykonania. Z Katajewa: „Wanieczka miał na sobie czarną tunikę, musztardowe bryczesy i ogromne, za kolano niezgrabne buty ze skóry bydlęcej, które nadawały mu wygląd kota w butach. Na tunikę, wokół szyi, puścił gruby kołnierz z targowego papierowego swetra. Skórzane kurtki cieszyły się nie tylko dużą popularnością, ale były również obowiązkowym wyróżnieniem dla dowódców, komisarzy i pracowników politycznych Armii Czerwonej, a także pracowników wojsk technicznych. To prawda, współcześni odrzucają ich masową dystrybucję. Nadal nosili mundury różnych wydziałów. A jeśli w latach 1914-1917. umundurowanie urzędników nie było już tak rygorystycznie przestrzegane, od 1918 roku. i całkowicie przestaje odpowiadać zajmowanej pozycji i pozostaje w użyciu jako znajome ubranie. Po zniesieniu starych stopni i tytułów w styczniu 1918 r. mundury wojskowe armii carskiej zaczęto nosić z guzikami wykonanymi z kości lub podszytymi tkaniną (zamiast guzików z herbem). „Oficjalnie ogłoszono zniesienie wszelkich wyróżnień, w tym pasów naramiennych. Byliśmy zmuszeni je zdjąć, a zamiast guzików z orłami przyszyć guziki z kości cywilnej lub schować stare metalowe płótno. Współcześni wspominają, że „… w latach dwudziestych rozpoczęła się kampania przeciwko studenckim czapkom, a ich właściciele byli prześladowani za burżuazyjny sposób myślenia”.

Eklektyzm był również nieodłącznym elementem męskiego garnituru. Oto, co I. Bunin napisał o ubraniach żołnierzy Armii Czerwonej: „Są ubrani w jakieś zespołowe szmaty. Czasem mundur z lat 70., czasem bez wyraźnego powodu czerwone legginsy, a jednocześnie płaszcz piechoty i wielka staromodna szabla. Ale przedstawiciele innej klasy byli nie mniej ekstrawagancko ubrani. W książce „Biografia M. Bułhakowa” czytamy: „W jednym z dni tej zimy w domu nr 13 na Andreevsky Spusk miał miejsce epizod, który został zachowany w pamięci Tatiany Nikołajewnej. Pewnego razu przyszli niebieskoskórzy. Są obute w damskie buty, a na butach są ostrogi. I każdy jest perfumowany "Coeur de Jeannet" - modnymi perfumami.
Lumpenizowano wygląd tłumu i poszczególnych osób. Wróćmy do literatury. Bunin: „Ogólnie rzecz biorąc, często widuje się uczniów: gdzieś spieszących, rozdartych na kawałki, w brudnej koszuli nocnej pod starym otwartym płaszczem, wyblakłą czapkę na kudłatej głowie, przewrócone buty na nogach, wiszący karabin na linie na ramieniu...
Jednak diabeł wie, czy naprawdę jest uczniem. A oto jak wyglądał tłum w opisie M. Bułhakowa: „Wśród nich były nastolatki w koszulach khaki, były dziewczyny bez czapek, niektóre w białej marynarskiej bluzce, inne w kolorowej marynarce. Były sandały na bosych stopach, w czarnych znoszonych butach, młodzi mężczyźni w butach z tępymi palcami. Wł. Chodasewicz przypomniał, że przed wojną poszczególne stowarzyszenia literackie mogły sobie pozwolić na coś w rodzaju munduru. „Aby dostać się do tego sanktuarium, musiałem uszyć czarne spodnie, a do nich dwuznaczną marynarkę: nie gimnazjalną, bo była czarna, ale nie studencka, bo miała srebrne guziki. Musiałem wyglądać w tym stroju jak telegrafista, ale wszystko odkupiła możliwość dostania się wreszcie we wtorek: we wtorki w kręgu odbywały się wywiady literackie. Postacie literackie, aktorzy nabierają osobliwego, wręcz egzotycznego wyglądu. Ale to nie tyle skandal futurystów (osławiona żółta kurtka Majakowskiego), ile po prostu brak ubrań jako takich i przypadkowe źródła ich pozyskiwania. M. Chagall wspominał: „Nosiłem szerokie spodnie i żółtą ściereczkę do kurzu (prezent od Amerykanów, którzy z litości przysłali nam używane ubrania)…”. M. Bułhakow, według wspomnień Tatiany Nikołajewnej, nosił wówczas futro „... w formie rotundy, którą nosili starzy ludzie duchowieństwa. Na futrze jenota, a kołnierz wywinięty na lewą stronę z futrem. Góra była niebieska prążkowana. Był długi i bez zapięć - naprawdę zawinął się i tyle. To musiał być płaszcz mojego ojca. Może jego matka wysłała go z kimś z Kijowa, a może sam przywiózł go w 1923 roku ... ”. Poeta Nikołaj Uszakow napisał w 1929 roku. we wspomnieniach: „W latach 1918-1919 Kijów stał się ośrodkiem literackim; Ehrenburg chodził w tamtych czasach w płaszczu, który ciągnął się po chodnikach, iw gigantycznym kapeluszu z szerokim rondem ... ”.
Na podstawie wszystkich tych materiałów – wspomnień, fotografii – możemy stwierdzić, że odzież męska z tego okresu miała wyjątkowo eklektyczny charakter i przy braku jedności stylistycznej opierała się na osobistych upodobaniach i możliwościach właściciela. W latach 1922-1923. zaczynają się pojawiać krajowe magazyny mody. Ale chociaż w tym czasie tacy mistrzowie jak N.P. Lamanova, L.S. Popova, V.E. Tatlin podejmowali próby stworzenia nowych ubrań, które odpowiadałyby duchowi czasu, a zwłaszcza kombinezonów, ich eksperymenty były tylko szkicowe.

Rozwój mody w latach 1910. XX wieku był w dużej mierze zdeterminowany wydarzeniami globalnymi, z których głównym była I wojna światowa 1914-1918. Zmienione warunki życia i troski, które znalazły się na barkach kobiet, wymagały przede wszystkim wygody i komfortu w ubiorze. Kryzys finansowy związany z wojną również nie przyczynił się do popularności luksusowych sukien uszytych z drogich tkanin. Jednak, jak to często bywa, trudne czasy wytworzyły jeszcze większe zapotrzebowanie na piękne ubrania: kobiety, nie chcąc znosić okoliczności, wykazywały cuda pomysłowości w poszukiwaniu tkanin i nowych fasonów. W rezultacie druga dekada XX wieku została zapamiętana przez modele łączące elegancję i wygodę oraz pojawienie się legendarnej gwiazdy Coco Chanel na modowym niebie.

Na początku drugiej dekady XX wieku Paul Poiret pozostał głównym dyktatorem świata mody. W 1911 r. spory rozgłos zyskały damskie spodnie i spodnie typu culottes. Projektant mody nadal popularyzował swoją twórczość poprzez imprezy towarzyskie i różne wycieczki. Poiret świętował powstanie kolekcji tysiąca i jednej nocy luksusowym przyjęciem, a później w tym samym 1911 roku otworzył własną szkołę sztuki i rzemiosła, Ecole Martin. Ponadto rewolucjonista mody nadal publikował książki i katalogi ze swoimi produktami. Następnie Poiret wyruszył w światowe tournée, które trwało do 1913 roku. W tym czasie artysta wystawiał swoje modele w Londynie, Wiedniu, Brukseli, Berlinie, Moskwie, Petersburgu i Nowym Jorku. Wszystkim jego pokazom i podróżom towarzyszyły artykuły i zdjęcia w gazetach, dzięki czemu wieść o francuskim couturierze rozeszła się po całym świecie.

Poiret nie bał się eksperymentów i został pierwszym projektantem mody, który stworzył swój własny zapach - perfumy Rosina, nazwane na cześć swojej najstarszej córki. W 1914 roku wraz z wybuchem I wojny światowej Dom Paula Poireta zaprzestał działalności, a próbę powrotu do świata mody artysta podjął dopiero w 1921 roku.

Okazało się to jednak porażką, w dużej mierze ze względu na to, że luksusowy i egzotyczny styl Poireta został wyparty przez rewolucyjne modele Coco Chanel.

Emancypacja i pierwsze praktyczne modele

Pierwszym krokiem w przejściu do mody „wygodnej” było ostateczne zniknięcie z damskiej garderoby gorsetów, obszernych kapeluszy i „utykających” spódnic. Na początku lat 1910 weszły do ​​użytku nowe modele, z których główną była „spódnica świąteczna” z wysokim stanem, szerokimi biodrami, drapowaniem i wąską kostką. Jeśli chodzi o długość, do 1915 r. rąbek sukienek sięgał ziemi. Spódnice natomiast zostały nieco skrócone: pojawiły się modele, które sięgały „tylko” do uniesienia nogi. Sukienki były często noszone z peleryną, popularne były również sukienki z trenem. Dekolt w kształcie litery V był powszechny, nie tylko na klatce piersiowej, ale także na plecach.

Pragnienie praktyczności dotknęło nie tylko ubioru, ale całego kobiecego wizerunku. W drugiej dekadzie XX wieku panie po raz pierwszy przestały robić misterne, eleganckie fryzury i otworzyły szyje. Krótkie fryzury nie stały się jeszcze tak powszechne jak w latach dwudziestych, ale moda na długie, pięknie ułożone włosy na głowie odeszła do przeszłości.

W tym czasie operetka cieszyła się ogromną popularnością w całej Europie, a występujący na scenie tancerze stali się wzorem do naśladowania, także pod względem ubioru. Wraz z operetką publiczność bawiła się kabaretem, a zwłaszcza tańcem tanga. Specjalnie do tanga wymyślono kostium sceniczny – tureckie spodnie, a także drapowane spódnice, w których rozcięciach widoczne były nogi tancerzy. Takie stroje były używane tylko na scenie, ale już w 1911 roku paryski dom mody „Drecol and Beschof” zaoferował paniom tzw. sukienki spodniowe i spódnico-spodnie. Konserwatywna część francuskiego społeczeństwa nie zaakceptowała nowych strojów, a dziewczęta, które odważyły ​​się w nich występować publicznie, oskarżano o negowanie ogólnie przyjętych norm moralnych. Spodnie damskie, które pojawiły się po raz pierwszy na początku lat 1910, spotkały się z negatywnym odbiorem publiczności i zyskały popularność dopiero znacznie później.

W 1913 roku emancypantki zaczęły protestować w Europie przeciwko odzieży ograniczającej ruchy, nalegając na pojawienie się prostych krojów i wygodnych modeli. Jednocześnie nadal był niewielki, ale namacalny wpływ sportu na codzienną modę. Zaczęły zanikać obfite paski i ozdoby, misterne aplikacje i detale zdobiące ubrania. Kobiety pozwoliły sobie na odsłonięcie rąk i nóg. Ogólnie rzecz biorąc, krój ubrań stał się znacznie bardziej swobodny, modne stały się koszule i koszule.

Wszystkie te trendy były charakterystyczne dla odzieży casualowej, podczas gdy szykowne modele były nadal utrzymane w stylu lat 1910. Na świecie nadal popularne były sukienki z wysokim stanem z elementami stylu orientalnego, modele z wąskim stanem i szeroką spódnicą z falbankami. W modzie pojawiła się spódnica typu sakwa, której nazwa jest tłumaczona z francuskiego jako „koszyk”. Model wyróżniał się beczkowatą sylwetką - biodra były szerokie, ale przód i tył spódnicy były płaskie. Krótko mówiąc, stroje na wyjście były bardziej eleganckie i konserwatywne, a niektórzy projektanci mody starali się zachować trendy obserwowane w modzie XX wieku. Erte stał się najbardziej znanym wśród artystów, którzy trzymali się konserwatywnych wzorców.

Głośny debiut wielkiej Erte

Najpopularniejsza projektantka mody Erte, której nazwisko kojarzy się z luksusowymi i kobiecymi wizerunkami drugiej dekady XX wieku, nie dostrzegła trendu w kierunku praktyczności i funkcjonalności.

Roman Pietrowicz Tyrtow urodził się w 1892 r. w Petersburgu, w wieku dwudziestu lat przeniósł się do Paryża. Erte wziął pseudonim z pierwszych liter imienia i nazwiska. Jako dziecko chłopiec wykazywał zamiłowanie do rysowania i projektowania. Od 14 roku życia uczęszczał na zajęcia w Akademii Sztuk Pięknych w Petersburgu, a po przeprowadzce do stolicy Francji udał się do pracy w Domu Paula Poireta. Jego głośnym debiutem w Paryżu było stworzenie kostiumów do sztuki „Minaret” w 1913 roku. Już w następnym roku, kiedy Erte opuścił Dom Poireta, jego modele były bardzo popularne nie tylko we Francji, ale także w zespołach teatralnych w Monte Carlo, Nowym Jorku, Chicago i Glyndbourne. Sale muzyczne wypełniły utalentowanego projektanta mody zamówieniami, a Erte stworzyła kostiumy do takich produkcji jak Music Box Repertoire Irwina Berlina, Skandale George'a White'a i Mary z Manhattanu. Każdy obraz stworzony przez couturiera był jego własnym dziełem: w swojej pracy Erte nigdy nie polegał na doświadczeniu swoich kolegów i poprzedników.

Najbardziej rozpoznawalnym wizerunkiem stworzonym przez projektantkę mody była tajemnicza piękność, otulona luksusowymi futrami, z wieloma dodatkami, z których głównym były długie pasma pereł i koralików, zwieńczone oryginalnym nakryciem głowy. Erte stworzył swoje stroje, inspirowane mitologią starożytnego Egiptu i Grecji, a także miniaturami indyjskimi i oczywiście rosyjską sztuką klasyczną. Odrzucając niedopasowaną sylwetkę i abstrakcyjne wzory geometryczne, w 1916 Erte został naczelnym artystą pisma Harpers Bazaar, kontrakt, który zaproponował mu magnat.

Popularny jeszcze przed wybuchem I wojny światowej, Erte był jednym z trendsetterów aż do swojej śmierci w 1990 roku w wieku 97 lat.

Wojna i moda

Spór między zwolennikami starego stylu a zwolennikami praktycznej odzieży rozstrzygnęła I wojna światowa, która rozpoczęła się w 1914 roku. Kobiety, zmuszone do wykonywania wszelkich męskich prac, po prostu nie mogły sobie pozwolić na ubieranie się w długie, bufiaste spódnice i gorsety.

W tym okresie w ubraniach zaczęły pojawiać się funkcjonalne detale, nawiązujące do stylu militarnego - naszywane kieszenie, wykładane kołnierzyki, kurtki ze sznurowaniem, klapy i metalowe guziki, które dziewczęta nosiły ze spódnicami. W tym samym czasie w modzie pojawiły się garnitury damskie. Ciężkie lata przyniosły ze sobą kolejną reformę: w krawiectwie wykorzystywano wygodną dzianinę, z której powstały swetry, kardigany, szale i czapki. Sukienki casualowe, których długość stawała się coraz krótsza i sięgała tylko do łydek, zakładano do wysokich, grubych sznurowanych butów, pod którymi kobiety nosiły legginsy.

Ogólnie rzecz biorąc, ten czas można określić jako spontaniczne poszukiwanie nowych form i stylów, namiętne pragnienie oderwania się od wszelkich modowych standardów, które narzucały domy mody w latach dwudziestych. Trendy dosłownie się zastępowały. Wspólną cechą sylwetek z czasów wojny była swoboda krojów, czasem nawet „obwisłych” ubrań. Teraz stroje nie podkreślały wszystkich krzywizn kobiecej sylwetki, a wręcz przeciwnie, ukrywały ją. Nawet paski nie pasują już do talii, nie mówiąc już o rękawach, bluzkach i spódnicach.

Być może wojna uczyniła kobiety znacznie bardziej niezależnymi niż wszystkie ruchy emancypacyjne, które charakteryzowały wczesne lata 1910. Najpierw kobiety przejęły pracę, którą wykonywali mężczyźni: zajmowały miejsca w fabrykach, szpitalach i urzędach. Ponadto wielu z nich trafiło do pomocniczych służb wojskowych, gdzie warunki pracy dyktowały praktyczność jako główne kryterium wyboru odzieży. Dziewczyny miały na sobie mundury, sportowe koszulki khaki i czapki. Być może po raz pierwszy kobiety poczuły swoją niezależność i znaczenie, nabrały pewności siebie w swoich mocnych stronach i zdolnościach intelektualnych. Wszystko to pozwoliło samym paniom kierować rozwojem mody.

W czasie wojny, kiedy prawie wszystkie domy mody były zamknięte, kobiety dobrowolnie pozbyły się wszystkich narzuconych kanonów, uwalniając ubrania od zbędnych detali. Praktyczny i funkcjonalny styl zakorzenił się i zakochał tak bardzo, że wznowione po wojnie domy mody zmuszone były podążać za nowymi trendami, a próby odzyskania popularności dotychczas obowiązującej krynoliny i niewygodnych „wąskich” fasonów zakończyły się niepowodzeniem. .

Na szczególną uwagę jednak pojawiły się w tym samym czasie i stały się niezwykle popularnymi „wojskowymi krynolinami”. Te bufiaste spódnice różniły się od swoich poprzedników tym, że nie używały zwykłych obręczy, ale dużą liczbę halek, aby zachować swój kształt. Uszycie takich strojów wymagało dużej ilości materiału i pomimo niskiej jakości, cena „wojskowych krynolin” była dość wysoka. Nie przeszkodziło to w tym, by obszerna spódnica stała się jednym z głównych hitów wojny, a później model ten stał się symbolem stylu romantycznego wywołanego powszechnym protestem i wojennym zmęczeniem. Nie mogąc oprzeć się opanowanemu praktycznemu stylowi, projektanci mody postanowili wnieść oryginalność i piękno do prostych stylizacji poprzez detale i wykończenia. Suknie „haute couture” były bogato zdobione perłami, wstążkami, aplikacjami i koralikami.

Wpływu I wojny światowej na modę nie da się opisać jedynie wyłaniającym się trendem w kierunku praktyczności. Żołnierze, którzy brali udział w bitwach na obcych terytoriach, przywozili do domu jako trofea, w tym nowe egzotyczne tkaniny, a także niespotykane dotąd szale, szaliki i biżuterię z Tunezji i Maroka. Projektanci mody, zapoznając się z kulturami różnych krajów, chłonęli pomysły i ucieleśniali nowe style, wzory i wykończenia w krawiectwie.

Po zakończeniu wojny, kiedy życie świeckie poprawiło się, a w Paryżu zaczęto ponownie rozdawać bale, wiele kobiet porzuciło znane sobie stroje i wróciło do przedwojennej mody. Okres ten nie trwał jednak długo – po wojnie rozpoczął się zupełnie nowy etap w modzie, na który w tym czasie największy wpływ miała Coco Chanel.

Męski styl od Chanel

Coco Chanel, jak sama przyznaje, przez całe życie próbowała dostosować męski garnitur do potrzeb i stylu życia współczesnej kobiety.

Coco Chanel rozpoczęła swoją podróż w świecie mody w 1909 roku, kiedy otworzyła swój własny sklep z kapeluszami w Paryżu. Plotka o nowej projektantce szybko rozeszła się po francuskiej stolicy, a już w następnym roku Coco mogła wypuścić nie tylko kapelusze, ale także ubrania, otwierając sklep przy 21 Rue Cambon, a następnie własny Fashion House w kurorcie Biarritz . Pomimo wysokich kosztów odzieży i niezwykłej jak na tamte czasy prostoty kroju, modele Chanel szybko zyskiwały na popularności, a projektantka miała szeroką klientelę.

Głównym zadaniem ubrań, które projektanci mody wcześniej oferowali kobietom, było podkreślenie talii osy i podkreślenie klatki piersiowej, tworząc nienaturalne krzywizny. Coco Chanel była szczupła, opalona i wysportowana, a styl powszechny w tym czasie nie pasował do niej idealnie - z całym pragnieniem żadne ubranie nie mogło zrobić "klepsydry" z figury dziewczyny. Ale była idealną modelką do własnych strojów. „Zakuty w gorset, odsłaniający pierś, odsłonięty tyłek, tak ciasny w talii, jakby pocięty na dwie części… zawrzeć w sobie taką kobietę to samo, co zarządzanie nieruchomościami” – powiedział Koko.

Promując wygodę i styl unisex, projektantka mody stworzyła bardzo proste sukienki i spódnice, wyróżniające się wyraźnymi liniami i brakiem biżuterii. Dziewczyna bez wahania odrzuciła na bok zbędne detale i zbędne dodatki w poszukiwaniu idealnego modelu, który nie krępuje ruchów, a jednocześnie pozwala kobiecie pozostać kobietą. Niezależnie od opinii publicznej zgrabnie wprowadziła do kobiecej garderoby elementy męskiego stylu, samodzielnie dając przykład prawidłowego wykorzystania prostych strojów. „Kiedyś założyłem męski sweter, tak po prostu, bo było mi zimno… Zawiązałem go szalikiem (w pasie). Tego dnia byłem z Brytyjczykami. Żaden z nich nie zauważył, że mam na sobie sweter ...” wspomina Chanel. Tak pojawiły się jej słynne marynarskie garnitury z głębokim dekoltem, wykładanymi kołnierzami i skórzanymi kurtkami typu „jockey”.

Tworząc ubrania, Chanel używała prostych materiałów - bawełny, dzianiny. W 1914 skróciła spódnicę damską. Na początku I wojny światowej Coco projektowała praktyczne swetry, blezery, sukienki koszulowe, bluzki i garnitury. To właśnie Chanel przyczyniła się do spopularyzowania piżamy, a w 1918 roku stworzyła nawet piżamy damskie, w których można było zejść do schronu bombowego.

Bliżej 1920 roku Coco, podobnie jak wielu artystów tamtych czasów, zainteresowała się rosyjskimi motywami. Ta linia w twórczości Chanel została opracowana już na początku trzeciej dekady XX wieku.

Druga dekada XX wieku, mimo wszystkich trudów i trudów, stała się punktem zwrotnym w ewolucji mody - to właśnie w latach 1910 artystki zaczęły aktywnie poszukiwać nowych form, które mogłyby dać kobietom wolność bez pozbawiania ich wdzięku. Wprowadzone przez wojnę reformy i trendy lat powojennych stały się decydujące dla rozwoju przemysłu w kolejnych dziesięcioleciach.