Wojna domowa na zdjęciach. Iwan Władimirow. Świetny ilustrator wojny secesyjnej. „Pokonaj białych czerwonym klinem”

Drugi tom epickiej powieści Michaiła Szołochowa opowiada o wojnie domowej. Zawiera rozdziały o buncie Korniłowa z książki Donshchina, którą pisarz zaczął pisać na rok przed „Cicho płynie nad Donem”. Ta część pracy jest dokładnie datowana: koniec 1916 - kwiecień 1918.

Hasła bolszewików przyciągały biednych, którzy chcieli być wolnymi panami na swojej ziemi. Ale wojna domowa stawia przed bohaterem Grigorija Mielechowa nowe pytania. Każda strona, biała i czerwona, szuka własnej prawdy, zabijając się nawzajem. Kiedyś w Czerwonych,

Grzegorz widzi okrucieństwo, nieprzejednanie, pragnienie krwi wrogów. Wojna niszczy wszystko: ugruntowane życie rodzin, spokojna praca, zabiera ostatnie, zabija miłość. Bohaterowie Szołochowa, Grigorija i Piotra Mielechowa, Stepana Astachowa, Koshevoya, prawie cała męska populacja, zostają wciągnięci w bitwy, których sensu nie rozumieją. Za kogo i za co mają umrzeć w kwiecie wieku? Życie na farmie daje im wiele radości, piękna, nadziei, możliwości. Wojna to tylko deprywacja i śmierć.

Bolszewicy Sztokman i Bunczuk postrzegają kraj wyłącznie jako arenę bitew klasowych, gdzie ludzie są jak ołowiane żołnierze w czyjejś grze, gdzie litość dla człowieka jest przestępstwem. Trudy wojny spadają przede wszystkim na barki ludności cywilnej, zwykłych ludzi; głodować i umierać - im, a nie komisarzom. Bunczuk aranżuje zlinczowanie Kałmukowa i na swoją obronę mówi: „To my albo my jesteśmy nimi!... Nie ma pośredniego punktu widzenia”. Nienawiść zaślepia, nikt nie chce się zatrzymać i pomyśleć, bezkarność rozwiązuje ręce. Grigorij jest świadkiem, jak komisarz Malkin sadystycznie kpi z ludności w zdobytej wiosce. Widzi okropne zdjęcia rabunku bojowników tyraspolskiego oddziału 2 Armii Socjalistycznej, którzy rabują gospodarstwa rolne i gwałcą kobiety. Jak jest śpiewana w starej pieśni, zabłociłeś się, ojcze Quiet Don. Gregory rozumie, że w rzeczywistości ludzie, którzy są zrozpaczeni krwią, nie szukają prawdy, ale w Donie dzieje się prawdziwe zamieszanie.

Nie przypadkiem Mielechow wdziera się między dwie walczące strony. Wszędzie spotyka przemoc i okrucieństwo, których nie może zaakceptować. Podtelkov nakazuje egzekucję więźniów, a Kozacy, zapominając o honorze wojskowym, wycinają nieuzbrojonych ludzi. Rozkaz wykonali, ale kiedy Grigorij zorientował się, że rąbał jeńców, wpadł w szał: „Kogo on rąbał!... Bracia, nie mam przebaczenia! Cięcie na śmierć, na litość boską... Matko Boga... Śmierć... zdradź! Christonya, odciągając „rozwścieczonego” Mielechowa z Podtelkowa, z goryczą mówi: „Panie Boże, co się dzieje z ludźmi?” A kapitan Szejn, który już zrozumiał istotę tego, co się dzieje, proroczo obiecuje Podtelkovowi, że „Kozacy się obudzą - i powieszą cię”. Matka wyrzuca Grzegorzowi udział w egzekucji schwytanych marynarzy, ale on sam przyznaje, jak okrutny stał się na wojnie: „Ja też nie żałuję tego dziecka”. Opuszczając Czerwonych, Grigorij pędzi do Białych, gdzie widzi egzekucję Podtelkowa. Mielechow mówi mu: „Pamiętasz pod głęboką bitwą? Pamiętasz, jak strzelali do oficerów?... Strzelali na twój rozkaz! ALE? Teraz bekasz! Cóż, nie martw się! Nie tylko Ty opalasz skóry innych ludzi! Odszedłeś, przewodniczący Don Rady Komisarzy Ludowych!

Wojna rozgorzała i dzieli ludzi. Grzegorz zauważa, że ​​pojęcia „brat”, „honor”, ​​„ojczyzna” znikają ze świadomości. Silna społeczność Kozaków rozpada się od wieków. Teraz - każdy dla siebie i swojej rodziny. Koshevoy, wykorzystując swoją władzę, postanowił dokonać egzekucji miejscowego bogatego Mirona Korshunova. Syn Mirona, Mitka, mści ojca i zabija matkę Koshevoya. Koszewoj zabija Piotra Mielechowa, jego żona Daria zastrzeliła Iwana Aleksiejewicza. Koshevoy za śmierć matki już mści się na całej farmie Tatarskiego: wychodząc, podpala „siedem domów z rzędu”. Krew szuka krwi.

Zaglądając w przeszłość, Szołochow odtwarza wydarzenia z powstania w Górnym Donie. Kiedy wybuchło powstanie, Mielechow ożywił się, zdecydował, że teraz wszystko zmieni się na lepsze: „Trzeba walczyć z tymi, którzy chcą odebrać życie, prawo do niego…”. Prawie pędząc konia, pędzi do walki z Czerwonymi. Kozacy protestowali przeciwko zniszczeniu ich stylu życia, ale dążąc do sprawiedliwości, starali się rozwiązać problem agresją i konfliktem, co doprowadziło do odwrotnego rezultatu. I tutaj Grzegorz był zawiedziony. Przyłączony do kawalerii Budionnego Gregory nie znajduje odpowiedzi na gorzkie pytania. Mówi: „Jestem zmęczony wszystkim: zarówno rewolucją, jak i kontrrewolucją… Chcę mieszkać blisko moich dzieci”.

Pisarz pokazuje, że nie może być prawdy tam, gdzie jest śmierć. Prawda jest jedna, nie jest „czerwona” ani „biała”. Wojna zabija najlepszych. Zdając sobie z tego sprawę, Gregory rzuca broń i wraca do rodzinnej farmy, aby pracować na swojej ojczystej ziemi, wychowywać dzieci. Bohater nie ma jeszcze 30 lat, ale wojna zmieniła go w starca, zabrała, wypaliła mu najlepszą część duszy. Szołochow w swojej nieśmiertelnej pracy podnosi kwestię odpowiedzialności historii za jednostkę. Pisarz sympatyzuje ze swoim bohaterem, którego życie jest zepsute: „Jak step spalony przez pożary, życie Grzegorza stało się czarne ...”

W epickiej powieści Szołochow stworzył wspaniałe płótno historyczne, szczegółowo opisujące wydarzenia wojny domowej nad Donem. Pisarz stał się dla Kozaków bohaterem narodowym, tworząc artystyczny epos o życiu Kozaków w tragicznym czasie przemian historycznych.

Inne prace na ten temat:

1. Drugi tom epickiej powieści Michaiła Szołochowa opowiada o wojnie domowej. Zawiera rozdziały o buncie Korniłowa z książki „Donshchina”, którą pisarz zaczął tworzyć w ciągu roku ...
2. Wojna domowa jest moim zdaniem najbardziej okrutną i krwawą wojną, bo czasami walczą w niej bliscy, którzy kiedyś żyli w jednym całym, zjednoczonym kraju,...
3. Władza sowiecka przyniosła ze sobą najgorszą rzecz, jaka może się przydarzyć w historii państwa – wojnę domową. Wojna domowa to wojna, która toczy się w kraju, ...
4. Epicka powieść M. A. Szołochowa „Cichy Don” to książka o nieszczęśliwym życiu Kozaków podczas strasznych krwawych wydarzeń, które miały miejsce w Rosji na początku XX wieku....
5. Szołochow władczo wkroczył w XX wiek ze swoimi pomysłami, obrazami i zaludnioną literaturą z żywymi ludzkimi postaciami. Przybyli jak z życia, wciąż dymiąc pożogi...
6. Mówiąc o twórczości M. Szołochowa, przede wszystkim należy powiedzieć o epoce, w której żył i pracował pisarz, ponieważ wstrząsy społeczne, społeczne są prawie ...

Na rocznicę Rewolucji Październikowej przypomnieliśmy sobie dziesięć najważniejszych dzieł sztuki tego okresu – od „Czerwonego klina do pokonania białych” Lissitzky'ego po „Obrony Piotrogrodu” Deineki.

El Lissitzky,

„Pokonaj białych czerwonym klinem”

W słynnym plakacie „Pokonaj białych czerwonym klinem” El Lissitzky używa języka suprematystycznego Malewicza do celów politycznych. Czyste formy geometryczne służą jako opis gwałtownego konfliktu zbrojnego. Lissitzky sprowadza więc wydarzenie bezpośrednie, akcję do tekstu i hasła. Wszystkie elementy plakatu są ze sobą sztywno splecione i współzależne. Figury tracą absolutną swobodę i stają się tekstem geometrycznym: ten plakat byłby czytany od lewej do prawej nawet bez liter. Lissitzky, podobnie jak Malewicz, zaprojektował nowy świat i stworzył formy, w które miało się wpasować nowe życie. Praca ta, dzięki nowej formie i nowej geometrii, przekłada temat dnia na kilka ogólnych, ponadczasowych kategorii.

Kliment Redko

"Insurekcja"

Dzieło Klimenta Redki „Powstanie” to tak zwana sowiecka neoikona. Ideą tego formatu jest to, że obraz drukowany na samolocie jest przede wszystkim rodzajem ogólnego modelu, obrazem tego, co jest pożądane. Podobnie jak w tradycyjnej ikonie, obraz nie jest prawdziwy, ale odzwierciedla pewien idealny świat. To właśnie neoikona stała u podstaw sztuki socrealizmu w latach 30. XX wieku.

W tej pracy Redko odważa się na odważny krok – w przestrzeni obrazu łączy figury geometryczne z portretami bolszewickich przywódców. Na prawo i lewo od Lenina są jego współpracownicy - Trocki, Krupska, Stalin i inni. Podobnie jak w ikonie, nie ma tu znajomej perspektywy, skala konkretnej postaci zależy nie od jej odległości od widza, ale od jej znaczenia. Innymi słowy, Lenin jest tu najważniejszy, a więc największy. Redko przywiązywał również dużą wagę do światła.

Postacie zdają się emanować blaskiem, przez co obraz wygląda jak neon. Artysta określił tę technikę słowem „kino”. Starał się przezwyciężyć materialność farby i kreślił analogie między malarstwem a radiem, elektrycznością, kinem, a nawet zorzą polarną. W ten sposób faktycznie stawia sobie te same zadania, które malarze ikon postawili sobie wiele wieków temu. Bawi się znanymi wszystkim schematami w nowy sposób, zastępując Raj światem socjalistycznym, a Chrystusa i świętych Leninem i jego poplecznikami. Celem pracy Redko jest deifikacja i sakralizacja rewolucji.

Paweł Fiłonow

„Formuła piotrogrodzkiego proletariatu”

Formuła Piotrogrodzkiego Proletariatu została napisana podczas wojny domowej. W centrum obrazu znajduje się robotnik, którego majestatyczna postać góruje nad ledwo widocznym miastem. Kompozycja obrazu zbudowana jest na napiętych rytmach, tworząc wrażenie wrzenia i narastającego ruchu. Uchwycone zostały tu wszystkie ikoniczne symbole proletariatu, na przykład gigantyczne ludzkie ręce – narzędzie do przeobrażania świata. Jednocześnie nie jest to tylko obraz, ale uogólniająca formuła odzwierciedlająca Wszechświat. Filonov wydaje się rozbijać świat na najmniejsze atomy i natychmiast składa go w całość, jednocześnie patrząc przez teleskop i mikroskop.

Doświadczenie uczestniczenia w wielkich, a zarazem potwornych wydarzeniach historycznych (I wojna światowa i rewolucja) wywarło ogromny wpływ na twórczość artysty. Ludzie na obrazach Filonova są zmiażdżeni w maszynce do mięsa historii. Jego prace są trudne do odczytania, czasem bolesne – malarz bez końca rozbija całość, sprowadzając ją czasem do poziomu kalejdoskopu. Widz musi nieustannie pamiętać o wszystkich fragmentach obrazu, aby w końcu uchwycić całościowy obraz. Świat Filonova to świat ciała zbiorowego, świat koncepcji „my” wysuniętej przez epokę, w której zniesione zostaje to, co prywatne i osobiste. Sam artysta uważał się za rzecznika idei proletariatu, a obecne na jego obrazach ciało zbiorowe nazywał „rozkwitem świata”. Możliwe jednak, że nawet wbrew woli autora, jego „my” przepełnia głęboka groza. W twórczości Filonova nowy świat jawi się jako ponure i straszne miejsce, w którym umarli przenikają do żywych. Prace malarza odzwierciedlały nie tyle współczesne wydarzenia, ile przeczucie przyszłości - okropieństwa totalitarnego reżimu, represje.

Kuźma Pietrow-Wodkinu

„Madonna Piotrogrodzka”

Inna nazwa tego obrazu to „1918 w Piotrogrodzie”. Na pierwszym planie młoda matka z dzieckiem na rękach, w tle miasto, w którym właśnie wygasła rewolucja, a jego mieszkańcy przyzwyczajają się do nowego życia i władzy. Obraz przypomina ikonę lub fresk włoskiego mistrza renesansu.

Pietrow-Wodkin interpretował nową epokę w kontekście nowych losów Rosji, ale swoją pracą nie dążył do całkowitego zniszczenia całego starego świata i zbudowania nowego na jego ruinach. Rysował fabuły do ​​obrazów w życiu codziennym, ale przybiera dla nich formę z minionych epok. Jeśli średniowieczni artyści ubierali biblijnych bohaterów we współczesne stroje, aby przybliżyć ich do swoich czasów, Pietrow-Wodkin robi dokładnie odwrotnie. Mieszka w Piotrogrodzie na obrazie Matki Boskiej, by zwykłą, codzienną fabułę nadać niezwykłego znaczenia, a jednocześnie ponadczasowości i uniwersalności.

Kazimierz Malewicz

„Głowa chłopa”

Kazimierz Malewicz przyszedł na wydarzenia rewolucyjne 1917 roku jako znakomity mistrz, który przeszedł od impresjonizmu, neoprymitywizmu do własnego odkrycia - suprematyzmu. Malewicz przyjął rewolucję ideologicznie; nowi ludzie i propagandyści wyznania suprematystycznego mieli zostać członkami grupy artystycznej UNOVIS („Afirmatyści Nowej Sztuki”), którzy nosili na rękawach bandaż w postaci czarnego kwadratu. Według malarza, w zmienionym świecie sztuka musiała stworzyć własne państwo i własny porządek świata. Rewolucja umożliwiła artystom awangardowym przepisanie całej przeszłej i przyszłej historii w taki sposób, aby zająć w niej centralne miejsce. Muszę powiedzieć, że pod wieloma względami się udało, bo sztuka awangardy jest jedną z głównych wizytówek Rosji. Mimo programowego odrzucenia formy malarskiej jako przestarzałej, w drugiej połowie lat 20. artysta zwrócił się ku figuratywności. Tworzy dzieła z cyklu chłopskiego, ale datuje je na lata 1908-1912. (czyli okres przed „Czarnym kwadratem”), więc odrzucenie nieobiektywizmu nie wygląda tu na zdradę własnych ideałów. Ponieważ cykl ten jest częściowo mistyfikacją, artysta jawi się jako prorok, który przewiduje przyszłe niepokoje ludowe i rewolucję. Jedną z najbardziej zauważalnych cech tego okresu jego twórczości była bezosobowość ludzi. Zamiast twarzy i głów ich ciała wieńczą czerwono-czarno-białe owale. Z tych postaci bierze się z jednej strony niesamowita tragedia, z drugiej abstrakcyjna wielkość i heroizm. „Głowa Chłopa” przypomina święte obrazy, na przykład ikonę „Zbawiciel Ogniste Oko”. W ten sposób Malewicz tworzy nową „ikonę postsuprematystyczną”.

Borys Kustodiew

"Bolszewicki"

Nazwisko Borysa Kustodiewa kojarzy się przede wszystkim z jasnymi, barwnymi obrazami przedstawiającymi życie kupców oraz idyllicznymi festynami z charakterystycznymi rosyjskimi scenami. Jednak po przewrocie artysta zwrócił się ku wątkom rewolucyjnym. Obraz „Bolszewik” przedstawia gigantycznego chłopa w filcowych butach, kożuchu i kapeluszu; za nim, wypełniając całe niebo, powiewa czerwony sztandar rewolucji. Wielkim krokiem przechodzi przez miasto, a daleko w dole roi się od wielu ludzi. Obraz ma ostrą plakatową ekspresję i przemawia do widza bardzo pretensjonalnym, bezpośrednim, a nawet nieco niegrzecznym, symbolicznym językiem. Chłop to oczywiście sama rewolucja, która wdziera się na ulice. Nic jej nie powstrzyma, nie ma przed nią ukrycia, a ona w końcu zmiażdży i zniszczy wszystko na swojej drodze.

Kustodiev, pomimo wielkich zmian w świecie sztuki, pozostał wierny swojemu już wówczas archaicznemu piktorializmowi. Ale, co dziwne, estetyka kupieckiej Rosji organicznie dostosowała się do potrzeb nowej klasy. Rozpoznawalną Rosjankę zastąpił samowarem, symbolizującym rosyjski styl życia, równie rozpoznawalnym mężczyzną w watowanej kurtce - rodzajem Pugaczowa. Faktem jest, że w pierwszym i drugim przypadku artysta używa obrazów-symboli zrozumiałych dla każdego.

Władimir Tatlin

Pomnik III Międzynarodówki

Tatlin wpadł na pomysł wieży już w 1918 roku. Miał stać się symbolem nowej relacji między sztuką a państwem. Rok później artyście udało się zdobyć zamówienie na budowę tej utopijnej budowli. Jej przeznaczeniem było jednak pozostać niespełnione. Tatlin planował zbudować 400-metrową wieżę, która składałaby się z trzech szklanych brył obracających się z różnymi prędkościami. Na zewnątrz mieli otoczyć dwie gigantyczne metalowe spirale. Główną ideą pomnika była dynamika, która odpowiadała duchowi czasu. W każdym z tomów artysta zamierzał umieścić przesłanki dla „trzech władz” – legislacyjnej, publicznej i informacyjnej. Swoim kształtem przypomina słynną Wieżę Babel z obrazu Pietera Bruegla – tylko wieża Tatlina, w przeciwieństwie do Wieży Babel, miała służyć jako symbol zjednoczenia ludzkości po rewolucji światowej, na której ofensywę wszyscy tak namiętnie czekali. w pierwszych latach władzy sowieckiej.

Gustav Klutsis

„Elektryfikacja całego kraju”

Konstruktywizm, z większym entuzjazmem niż inne ruchy awangardowe, wziął odpowiedzialność za retorykę i estetykę władzy. Żywym tego przykładem jest fotomontaż konstruktywisty Gustava Klutsisa, który połączył dwa najbardziej rozpoznawalne języki epoki - konstrukcje geometryczne i twarz przywódcy. Tutaj, jak w wielu pracach z lat 20., odbija się nie rzeczywisty obraz świata, ale organizacja rzeczywistości oczami artysty. Celem nie jest pokazanie tego czy tamtego wydarzenia, ale pokazanie, jak widz powinien to wydarzenie postrzegać.

Fotografia odgrywała ogromną rolę w ówczesnej państwowej propagandzie, a fotomontaż był idealnym sposobem oddziaływania na masy, produktem, który w nowym świecie miał zastąpić malarstwo. W przeciwieństwie do tego samego obrazu może być powielany niezliczoną ilość razy, umieszczony w czasopiśmie lub na plakacie, a tym samym przekazany do ogromnej publiczności. Sowiecki montaż tworzony jest w celu masowej reprodukcji, a wytworzony tu przez człowieka ogromny nakład zostaje zniesiony. Sztuka socjalistyczna wyklucza pojęcie wyjątkowości, jest niczym innym jak fabryką do produkcji rzeczy i bardzo konkretnych idei, które muszą być przyswojone przez masy.

Dawid Szterenberg

„Zsiadłe mleko”

David Shterenberg, choć był komisarzem, nie był w sztuce radykałem. Swój minimalistyczny styl dekoracyjny realizował przede wszystkim w martwych naturach. Główną techniką artysty jest blat lekko odwrócony w pionie, na którym znajdują się płaskie przedmioty. Jasne, dekoracyjne, bardzo aplikacyjne i zasadniczo „powierzchowne” martwe natury były postrzegane w Rosji Sowieckiej jako prawdziwie rewolucyjne, przewracające stary styl życia. Jednak ostateczna płaskość łączy się tutaj z niesamowitą wyczuwalnością - prawie zawsze malowanie naśladuje konkretną fakturę lub materiał. Zdjęcia przedstawiające skromne, a czasem ubogie jedzenie, ukazują skromną, a czasem ubogą dietę proletariuszy. Shterenberg kładzie główny nacisk na formę stołu, która w pewnym sensie staje się odzwierciedleniem kultury kawiarni z jej otwartością i ekspozycją na pokaz. W znacznie mniejszym stopniu uchwyciły artystę głośne i żałosne hasła nowego stylu życia.

Aleksander Deineka

„Obrona Piotrogrodu”

Obraz podzielony jest na dwa poziomy. Dolna przedstawia żwawo maszerujących na front bojowników, a na górze rannych powracających z pola bitwy. Deineka posługuje się techniką ruchu odwrotnego – najpierw akcja rozwija się od lewej do prawej, a potem od prawej do lewej, co stwarza wrażenie cyklicznej kompozycji. Pełne determinacji postacie męskie i kobiece są rozpisane potężnie i bardzo obszernie. Uosabiają gotowość proletariatu do pójścia do końca, bez względu na to, ile to zajmie - skoro kompozycja obrazu jest zamknięta, wydaje się, że przepływ ludzi idących na front i powracających
z nim nie wysycha. W twardym, nieubłaganym rytmie dzieła wyraża się heroiczny duch epoki i romantyczny patos wojny domowej.

Wojna domowa na obrazie M. A. Szołochowa

W 1917 roku wojna przerodziła się w krwawą zawierusze. To już nie jest wojna narodowa wymagająca od wszystkich obowiązków ofiarnych, ale wojna bratobójcza. Wraz z nadejściem ery rewolucyjnej relacje między klasami i stanami zmieniają się dramatycznie, fundamenty moralne i tradycyjna kultura są gwałtownie niszczone, a wraz z nimi państwo. Rozpad, jaki zrodziła moralność wojny, obejmuje wszystkie więzi społeczne i duchowe, wprowadza społeczeństwo w stan walki wszystkich przeciwko wszystkim, do utraty Ojczyzny i wiary ludzi.

Jeśli porównamy oblicze wojny przedstawione przez pisarza przed tym kamieniem milowym i po nim, to zauważalny staje się wzrost tragedii, począwszy od momentu, w którym wojna światowa przekształciła się w cywilną. Kozacy, zmęczeni rozlewem krwi, liczą na jego szybkie zakończenie, bo władza „musi zakończyć wojnę, bo ludzie, a wojny nie chcemy”.

Pierwsza wojna światowa jest przedstawiana przez Szołochowa jako katastrofa narodowa,

Szołochow z wielką wprawą opisuje okropności wojny, okaleczając ludzi zarówno fizycznie, jak i moralnie. Śmierć, cierpienie budzą współczucie i jednoczą żołnierzy: ludzie nie mogą przyzwyczaić się do wojny. Szołochow pisze w drugiej książce, że wiadomość o obaleniu autokracji nie wywołała wśród Kozaków radosnych uczuć, zareagowali na to z powściągliwym niepokojem i oczekiwaniem. Kozacy są zmęczeni wojną. Marzą o tym, żeby to skończyć. Ilu z nich już umarło: ani jedna wdowa kozacka nie głosowała za zmarłymi. Kozacy nie od razu zrozumieli wydarzenia historyczne. Po powrocie z frontów wojny światowej Kozacy nie wiedzieli jeszcze, jaką tragedię bratobójczej wojny będą musieli przeżyć w najbliższej przyszłości. Powstanie górnego Dona pojawia się na obrazie Szołochowa jako jedno z centralnych wydarzeń wojny domowej nad Donem.

Powodów było wiele. Czerwony terror, nieuzasadnione okrucieństwo przedstawicieli władz sowieckich nad Donem w powieści ukazane są z wielką artystyczną siłą. Szołochow pokazał w powieści, że powstanie górnego Donu odzwierciedlało powszechny protest przeciwko niszczeniu podstaw życia chłopskiego i wielowiekowych tradycji kozackich, tradycji, które stały się podstawą moralności i moralności chłopskiej, które rozwijały się na przestrzeni wieków, i przekazywane z pokolenia na pokolenie. Pisarz pokazał też zgubę powstania. Już w toku wydarzeń ludzie zrozumieli i odczuli swój bratobójczy charakter. Jeden z przywódców powstania, Grigorij Mielechow, deklaruje: „Ale myślę, że zgubiliśmy się, gdy szliśmy do powstania”.

Epos obejmuje okres wielkich wstrząsów w Rosji. Te wstrząsy miały silny wpływ na losy Kozaków Dońskich opisanych w powieści. Odwieczne wartości określają życie Kozaków tak wyraźnie, jak to możliwe w tym trudnym okresie historycznym, który Szołochow odzwierciedlił w powieści. Miłość do ojczyzny, szacunek do starszego pokolenia, miłość do kobiety, potrzeba wolności – to podstawowe wartości, bez których wolny Kozak nie wyobraża sobie siebie.

Przedstawienie wojny domowej jako tragedii ludu

Nie tylko cywilna, każda wojna o Szołochowa jest katastrofą. Pisarz przekonująco pokazuje, że okrucieństwa wojny domowej zostały przygotowane przez cztery lata I wojny światowej.

Ciemna symbolika przyczynia się do postrzegania wojny jako ogólnonarodowej tragedii. W przeddzień wypowiedzenia wojny w Tatarskim „w nocy w dzwonnicy ryczała sowa. Nad gospodarstwem wisiały niepewne i straszne krzyki, a sowa poleciała z dzwonnicy na cmentarz, ubrudzona przez cielęta, jęknęła nad brązowymi, nawiedzonymi grobami.

„Być chudym” – prorokowali starzy ludzie, słysząc sowy głos z cmentarza.

„Wojna nadejdzie”.

Wojna wdarła się do kurenów kozackich jak ogniste tornado właśnie w czasie żniw, kiedy ludzie pielęgnowali każdą minutę. Sanitariusz wpadł do środka, wznosząc za sobą chmurę kurzu. Fatalna...

Szołochow pokazuje, jak zaledwie miesiąc wojny zmienia ludzi nie do poznania, kaleczy ich dusze, dewastuje do dna, sprawia, że ​​patrzą na otaczający ich świat w nowy sposób.

Tutaj pisarz opisuje sytuację po jednej z bitew. W środku lasu trupy są całkowicie porozrzucane. „Leżą płasko. Ramię w ramię, w różnych pozach, często nieprzyzwoitych i przerażających.

Przelatuje samolot, zrzuca bombę. Następnie Jegorka Zharkov wypełza spod gruzów: „Uwolnione jelita wędzone, mieniące się bladoróżowym i niebieskim”.

To jest bezlitosna prawda wojny. A jakie bluźnierstwo nad moralnością, rozumem, zdradą humanizmu stało się w tych warunkach gloryfikacją wyczynu. Generałowie potrzebowali „bohatera”. I został szybko „wynaleziony”: Kuzma Kriuczkow, który rzekomo zabił kilkunastu Niemców. Zaczęli nawet produkować papierosy z portretem „bohatera”. Prasa pisała o nim z podekscytowaniem.

Szołochow opowiada o wyczynie w inny sposób: „Ale było tak: ludzie, którzy zderzyli się na polu śmierci, którzy jeszcze nie zdążyli złamać rąk w zniszczeniu własnego gatunku, potknęli się, powalili zwierzę zgroza, która ich ogłosiła, zadawała ślepe ciosy, okaleczała siebie i konie i uciekała, przestraszona strzałem, zabiła człowieka, odeszła moralnie kaleką.

Nazwali to wyczynem”.

Ludzie z przodu w prymitywny sposób tną się nawzajem. Rosyjscy żołnierze wiszą jak trupy na drutach. Artyleria niemiecka niszczy całe pułki do ostatniego żołnierza. Ziemia jest gęsto poplamiona ludzką krwią. Wszędzie osiadły pagórki grobów. Szołochow stworzył żałobny krzyk za zmarłych, przeklął wojnę nieodpartymi słowami.

Ale jeszcze straszniejsza na obrazie Szołochowa jest wojna domowa. Ponieważ jest bratobójcza. Ludzie tej samej kultury, jednej wiary, jednej krwi zaangażowani w niesłychaną eksterminację siebie nawzajem. Ten „przenośnik taśmowy” bezsensownych, strasznych pod względem okrucieństwa morderstw, pokazany przez Szołochowa, wstrząsa do głębi.

... Punisher Mitka Korshunov nie oszczędza ani starych, ani młodych. Michaił Koshevoy, zaspokajając potrzebę nienawiści klasowej, zabija swojego stuletniego dziadka Grishakę. Daria strzela do więźnia. Nawet Gregory, ulegając psychozie bezsensownego niszczenia ludzi w czasie wojny, staje się mordercą i potworem.

W powieści jest wiele niesamowitych scen. Jednym z nich jest masakra podtelkowitów na czterdziestu pojmanych oficerach. „Strzały padły gorączkowo. Oficerowie, zderzając się, rzucili się na wszystkie strony. Porucznik o pięknych kobiecych oczach, w czerwonym oficerskim kapturze, biegł, trzymając się za głowę rękami. Kula sprawiła, że ​​skoczył wysoko, jakby przez barierę. Upadł i nie wstał. Wysoki, odważny Yesaul został ścięty przez dwóch. Chwycił się ostrzy warcabów, krew spływała z jego rozciętych dłoni na rękawy; krzyczał jak dziecko, padł na kolana, na plecy, toczył głowę w śniegu; na jego twarzy były tylko przekrwione oczy i czarne usta przewiercone nieustannym krzykiem. Latające warcaby przecięły mu twarz, czarne usta, a on wciąż krzyczał głosem cienkim z przerażenia i bólu. Przykucnąwszy nad nim Kozak, w płaszczu z oderwanym paskiem, dobił go strzałem. Podchorąży z kręconymi włosami o mało nie przedarł się przez łańcuch - został wyprzedzony i zabity przez jakiegoś atamana uderzeniem w tył głowy. Ten sam wódz wbił kulę między łopatki centuriona, który biegł w swoim płaszczu, który otworzył się od wiatru. Centurion usiadł i drapał się w pierś palcami, aż umarł. Siwowłosy podsaul został zabity na miejscu; rozstając się z życiem, wykopał głęboką dziurę w śniegu i biłby jak dobry koń na smyczy, gdyby nie dokończyli tego żałosni Kozacy. Te żałobne linie są niezwykle ekspresyjne, przepełnione przerażeniem przed tym, co się dzieje. Czyta się je z nieznośnym bólem, z duchowym niepokojem i niosą na sobie najbardziej rozpaczliwą klątwę bratobójczej wojny.

Nie mniej przerażające są strony poświęcone egzekucji „podtelkovtsy”. Ludzie, którzy początkowo „ochoczo” poszli na egzekucję „jak na rzadkie, wesołe widowisko” i przebrali się „jak na wakacje”, w obliczu realiów okrutnej i nieludzkiej egzekucji, spieszą się z rozproszeniem, więc że do czasu masakry przywódców - Podtelkowa i Krivoshlykova - było zupełnie mało ludzi.

Jednak Podtelkov myli się, zarozumiale sądząc, że ludzie rozeszli się z powodu uznania jego niewinności. Nie mogli znieść nieludzkiego, nienaturalnego spektaklu ich gwałtownej śmierci. Tylko Bóg stworzył człowieka i tylko Bóg może odebrać mu życie.

Na kartach powieści zderzają się dwie „prawdy”: „prawda” Białych, Czerniecowa i innych zabitych oficerów, rzucona w twarz Podtelkowa: „Zdrajca Kozaków! Zdrajca!" i „prawdę” przeciwstawiającą się temu, Podtelkov, który uważa, że ​​broni interesów „ludu pracującego”.

Zaślepione swoimi „prawdami”, obie strony bezlitośnie i bezsensownie, w jakimś demonicznym szale, eksterminują się nawzajem, nie zauważając, że jest coraz mniej tych, dla których próbują aprobować swoje idee. Mówiąc o wojnie, o życiu militarnym najbardziej wojowniczego plemienia wśród całego narodu rosyjskiego, Szołochow jednak nigdzie, ani w jednym wierszu, nie pochwalił wojny. Nic dziwnego, że jego książka, jak zauważa znany ekspert Szołochowa V. Litwinow, została zakazana przez maoistów, którzy uważali wojnę za najlepszy sposób na społeczną poprawę życia na Ziemi. Quiet Don to namiętne zaprzeczenie wszelkiemu kanibalizmowi. Miłość do ludzi jest nie do pogodzenia z miłością do wojny. Wojna jest zawsze nieszczęściem ludzi.

Śmierć w postrzeganiu Szołochowa jest tym, co sprzeciwia się życiu, jego bezwarunkowym zasadom, zwłaszcza gwałtownej śmierci. W tym sensie twórca The Quiet Flows the Don jest wiernym spadkobiercą najlepszych humanistycznych tradycji literatury rosyjskiej i światowej.

Pogardzając eksterminacją człowieka przez człowieka na wojnie, wiedząc, jakim testom zmysł moralny jest poddawany w warunkach frontowych, Szołochow jednocześnie na kartach swojej powieści namalował klasyczne obrazy wytrzymałości psychicznej, wytrzymałości i humanizmu co miało miejsce podczas wojny. Humanitarny stosunek do bliźniego, człowieczeństwo nie może zostać całkowicie zniszczone. Świadczy o tym w szczególności wiele działań Grigorija Mielechowa: jego pogarda dla grabieży, obrona Polaka Frani, ocalenie Stepana Astachowa.

Koncepcje „wojny” i „ludzkości” są wobec siebie nieprzejednanie wrogie, a jednocześnie na tle krwawej wojny domowej szczególnie wyraźnie rysują się moralne możliwości człowieka, jak piękny może być. Wojna surowo rozprawia się z moralną fortecą, nieznaną spokojnym dniom.

Podobne informacje.

Lekki samochód pancerny Fiata z karabinem maszynowym zbudowany przez fabrykę Izhora i samochód pancerny z ciężkim karabinem maszynowym Garford zbudowany przez fabrykę Putiłowa na Placu Teatralnym w Moskwie. Zdjęcie zostało zrobione w lipcu 1918 podczas tłumienia powstania lewicowych eserowców. Po prawej stronie ramy, na budynku Teatru Szelaputinskiego (w 1918 roku mieścił się w nim Teatr im. K. Nezlobina, a obecnie Rosyjski Akademicki Teatr Młodzieży) można przeczytać plakat z tytułem sztuki „Król Żydzi”, której autorem był wielki książę Konstantin Konstantinowicz Romanow, kuzyn wuj Mikołaja II.

Żołnierz lub dowódca Armii Czerwonej z odznaką modelu 1918 na płaszczu. Podpis z tyłu zdjęcia: Nakręcony 26 grudnia w nowym stylu z 1918 roku. PIEKŁO. Tarasow. aktywna armia.

Członkowie jednej z formacji zbrojnych w czasie wojny domowej, przypuszczalnie Rewolucyjnej Powstańczej Armii Ukrainy pod dowództwem Nestora Machno. Żołnierz po prawej stronie ma na sobie pas z odwróconą do góry nogami odwróconą do góry nogami armią cesarską.