Истина о природе происхождения искусства скрыта в глубокой древности. Многие ученые на протяжении столетий ищут ответы на вопрос о происхождении искусства, но до сих пор о художественной деятельности человечества на ранних стадиях развития известно не слишком много. Те произведения, которые дошли до наших дней (наскальные росписи, скульптурные изображения из камня и кости), появились значительно раньше, чем сформировалось сознательное представление человека о художественном творчестве. Истоками искусства можно считать первобытное общество, когда появились первые попытки изобразить окружающий мир. Такая передача своих представлений способствовала возникновению новой формы общения между людьми, а также первым зачаткам обучения, т.к. давала возможность сохранять и передавать знания и навыки.

В настоящее время существует много теорий происхождения искусства, основывающихся на археологических фактах (это открытие в конце XIX века в Испании в пещере Альтамира первых наскальных росписей), этнографических исследованиях и исследованиях в языкознании (обнаружение в традиционном народном творчестве архаических слоев художественной культуры). Перечислим лишь некоторые из них:

1. Биологическая теория происхождения искусства, основывающаяся на теории Ч. Дарвина. Теория утверждает, что способность к искусству, к художественному творчеству является врожденной способностью человека, полученной им от природы. Однако "законы красоты" складывались в течение многих тысяч лет. Ведь человек, общаясь с природой, в процессе трудовой деятельности стал чувствовать красоту, затем воплощать ее в своих произведениях и, наконец, понимать законы красоты. В этом процессе художественного творчества возникло и развилось эстетическое чувство человека.

2. Теория эротического происхождения искусства возникла под влиянием учения Зигмунда Фрейда и Карла Юнга. Сторонники теории считают, что произведение искусства содержит образы, рожденные фантазией человека и являющимися своеобразными "снами наяву", а художественное творчество – выражение преломленного эротического желания и приносящее косвенное удовлетворение. По мнению исследователей многие сюжеты первобытного творчества задевают такие важные темы для человека, как материнство и смерть, а в ритмичных узорах первобытности (орнаментах) они находят подсознательный эротизм.

3. Игровая теория происхождения искусства . Основоположники данной теории – Ф. Шиллер, Г.Спенсер, Г.Аллен, К.Гросс и К. Ланге – видят основной причиной возникновения искусства потребность расходования энергии, которая осталась нерастраченной в трудовой деятельности. Поэтому они определяют игру как деятельность, связанная с избытком у человека силы, которая не направляется на конкретные цели, а выражается свободно. По мнению авторов, игра – это всегда подражание.

В какой–то степени эта теория является теорией свободы, свободного творчества. Ф. Шиллер считал игру вхождением человека из сферы необходимости в сферу творчества. Как только у человека появилось свободное время, его сила начала проявляться в творчестве эстетически. Действительно, до сих пор для того, чтобы творить, необходимы эти условия – свободное время и неизрасходованные силы. Эта теория проникнута пафосом свободного творчества и выходом человека из сферы быта в сферу более ему свойственную и приятную – свободного созидания. Самые ранние образцы творчества - отпечатки пальцев, свободные зигзагообразные линии содержат непроизвольность и игровой характер.

4. Магическая теория происхождения искусства была разработана С. Рейнаком. Согласно этой теории, корни искусства лежат в многочисленных первобытных магических обрядах и, прежде всего, обрядах, связанных с удачной охотой. Для этих обрядов люди создавали изображения животных, пронзенных стрелами, которые выполняли магическую цель – принесение удачи, привлечение добычи, оберег самого охотника. Действительно, такие изображения создают ощущение очень натуральное и мощное и несут много информации для мага. Кроме изображений животных мы видим частое изображение самих магов исполняющих ритуал шаманов. По этой теории именно шаманы были первыми художниками и музыкантами, а произведения искусства несло на себе отпечаток гораздо более важного действа – самого магического обряда.

5.Теория прагматизма, приверженцы которой считают, что создание первых произведений искусства – преследовало четкие социальные цели. Общение, объединение общины, познание мира, передачу информации об окружающем мире от взрослых к детям. То есть, все эти произведения созданы для конкретных социальных целей данного племени.

Теории происхождения исскуств

1. Биологическая теория происхождения искусства.
Эта теория берет свое начало от идей Ч.Дарвина. Сторонники данной концепции усматривают начало искусства в украшении самого себя для удовлетворения потребности привлечения внимание живого существа противоположного пола.
Теория основана на мнении, что способность к искусству, к художественному творчеству - врожденная способность человека, что он получает ее от природы. Однако "законы красоты" складывались исторически, постепенно. Они стали зарождаться с того времени, как в труде, в общении с природой человек стал чувствовать красоту, затем воплощать ее в своих произведениях и, наконец, понимать законы красоты. В этом процессе художественного творчества возникло и развилось эстетическое чувство человека.
2. Психоаналитическая теория происхождения искусства.
Основоположником данной теории считают З.Фрейда. По его мнению, искусство возникает из аффективных конфликтов психики, искусство - форма вытеснения и сублимации влечений человека (использование энергии элементарных влечений для более высоких целей).
3. Игровая теория происхождения искусства.
Основоположниками данной теории можно считать Г.Спенсера, Г.Аллена, К.Гросса и К. Ланге. Данные ученые видят основной причиной возникновения искусства потребность расходования энергии, которая осталась нерастраченной в трудовой деятельности. А также, причиной возникновения искусства считают необходимость "тренировки" для усвоения социальных ролей

Классификация.

Классифиация искусств:
-по форме существования
*пространст. (живопись, графика, скульптура, декоративное искусство, архитектура)
* временные (музыка, словесное искусство)
* пространственно-временные (театр, кино, танец).
-по отношению к пространству:
Пространственных исскуствах три рода:
* станковые (2-х,3-хмерные картины)(станковая живопись, станковая графика и т.п.),
* монументальные (монументальная скульптура, стенная живопись и др.)
*прикладные (типовая массовая архитектура, малая пластика, миниатюрная живопись, промышленная графика, плакат и др.).
-по сообщению художественного образа зрителям и слушателям:
* изобразительные (живопись, графика, скульптура и др.)
* выразительные (музыка, танец, архитектура и др.)
*словесные (литература)
* смешанные, синтетические (театр, кино и др.)
-по жанрам(типы произведений на основании общих черт):
Тематический принцип выделение жанров (на основе области действительности, отражаемой в произведении):
*бытовой*любовный*батальный*натюрморт*авантюрный*исторический* пейзаж
В современном искусстве наблюдается тенденция отрицания жанра как устойчивой формы художественного творчества (постмодернизм).
Различают искусства и псевдоискусства. Виды «псевдоискусств»:
искусство как: 1. Развлечение2. «магия»3. «загадка»4. «инструкция»5. «проповедь». .

Станковое и монументальное искусство

Станковое искусство

термин, которым обозначаются произведения живописи, скульптуры и графики, имеющие самостоятельный характер и не предназначенные непосредственно для какого-либо сооружения, издания и т.д. Идейно-художественная выразительность произведений С. и. не изменяется в зависимости от места, где они находятся. Термин «С. и.» произошёл от «станка», на котором создаются произведения С. и.; в живописи, например, им является Мольберт. Широкое развитие С. и. получило с эпохи Возрождения и особенно в 19 в.

Монументальное искусство

род искусств пластических. охватывает широкий круг произведений, создаваемых для конкретной архитектурной среды и соответствующих ей своими идейными качествами.. относятся Памятники и Монументы, скульптурное, живописное, мозаичное убранство зданий, витражи, городская и парковая скульптура, фонтаны и т. Д. К монументальному искусству относятся произведения больших форм, выступающие в синтезе с архитектурой, рассчитанные на массовое восприятие. Это настенная живопись, мозаика, витраж, памятники, мемориальные сооружения, парковая скульптура. Синтез с архитектурой, участие в оформлении городского пространства накладывает отпечаток на формы монументального искусства, он обуславливает размер, форму, характер пропорций,

Виды искусств.

Архитектура, живопись, Скульптура, графика, декоративно-прикладное иск., театрально-декоративное иск..

Скульптура как вид иск

Скульптура – ваяние, пластикапроизведения которого имеют объемную трехмерную форму и выполняются их твердых или пластичных материалов.
Скульптура – пространственно-изобразительное искусство, осваивающее мир в пластических образах, которые запечатлеваются в материалах, способных передать жизненный облик явлений.
Скульптура проявляет определенную близость к архитектуре: она также имеет дело с пространством и объемом, подчиняется законам тектоники и материальна по своей природе. Но в отличие от архитектуры она не функциональна, а изобразительна. Главными специфическими чертами скульптуры являются телесность, материальность, лаконизм и универсальность.
Материальность скульптуры обусловлена способностью человека осязать объем. Виды скульптуры:
- мелкая пластика [древние глиптики – резьба на полудрагоценных минералах; резьба по кости; фигурки из разных материалов, амулеты и талисманы; медали и т.д.];
- скульптура малых форм [статуэтки до полуметра];
- станковая скульптура [статуя, предназначенная для кругового обозрения];
- монументально-декоративная скульптура [рельефы, фризы на стенах, статуи на фронтонах, атланты и кариатиды, декорации фонтанов и т.д.];
- монументальная [надгробия, монументы, памятники]. Основными эстетическими средствами скульптуры выступают объем, силуэт, пропорции, светотень, т.е. построение объемной формы, пластическая моделировка, разработка силуэта, фактура, материал, иногда цвет.

6 первобытное и традиционное искусство.это современное, давно укоренившееся название различных видов изобразительного творчества, возникшего в каменном веке и продолжавшегося около 500 тыс. лет. В палеолите - древнем каменном веке, оно было представлено первобытной музыкой, танцами, песнями и обрядами, а так же геоглифами - изображениями на поверхности земли, дендрографами - изображениями на коре деревьев и изображениями на шкурах животных, различными украшениями тела при помощи цветных пигментов и всевозможных природных предметов, например бус, популярных и в настоящее время. Но всё перечисленное не способно противостоять натиску разрушительного времени. Поэтому, сохранились и были постепенно обнаружены лишь абстрактные знаки, выбитые искусственно на сверхтвёрдых скальных поверхностях, а так же анималистическая пещерная живопись, антропоморфная скульптура малых форм из кости и камня, гравировки и барельефы на кости, каменных плитках и роге времени верхнего палеолита (35.000 - 30.000 тыс.лет).Начиная с классической античности, художники стремятся выразить в своих произведениях индивидуальную манеру и неповторимость. В народном искусстве индивидуальность тоже присутствует, но уступает первое место традиции. И традиция сохраняет на столетия и даже на тысячелетия не только манеру изображений, но и их композиционные особенности. В этом главное сходство между традиционным и первобытным искусством. Традиционное искусство тесно связано с ритуально-мифологическим коллективным сознанием, которое наряду с верованиями и культами, предшественниками развитых религий, накапливало систему позитивных знаний, характерных для каждой этнической группы. Искусство, по сути, является средством передачи этого родового знания.. В традиционном искусстве эстетическое качество произведения не является самоцелью. Произведения традиционного искусства свидетельствуют о том, что традиционное творчество, очень разнообразное в своих национальных, племенных и региональных проявлениях, имеет глубокие местные корни, связанные законами исторической преемственности с искусством предшествующих эпох. Синонимом понятия "традиционное искусство" можно считать "народное творчество (искусство)". Народное искусство понимается как нечто исконное, автохтонное, изначально присущее данному этносу, племени или народности.

Жанры изобразительного иск.

На основе предмета изображения:

1Пейзаж, 2 Натюрморт , 3 Портрет, Анималистический – изображение животных 5Бытовой - изображение жизни людей , Батальный – изображение военных действий , Сказочно-былинный

4Исторический характера изображения (карикатура, шарж).

8проблема синтеза иск:

Синтез искусств.

Синтез искусств, органичное соединение разных искусств или видов искусства в художественное целое, которое эстетически организует материальную и духовную среду бытия человека. Архитектура и монументальное искусство постоянно тяготеют к объединению, создавая архитектурно-художественный синтез, в котором живопись и скульптура, выполняя собственные задачи, также расширяют и истолковывают архитектурный образ. В этом пространственно-пластическом синтезе обычно участвуют декоративно-прикладное искусство (средствами которого создаётся предметная среда, окружающая человека), а также нередко произведения станкового искусства.

Сочетание разных видов искусства, оказывающее многостороннее эстетическое воздействие. Единство компонентов синтеза искусств определяется единством идейно-художественного замысла. Архитектурно-художественный синтез искусств образуют архитектура, изобразительное и декоративное искусства (архитектурный ансамбль, здание, интерьер). Спектакль, кинофильм - синтез режиссерского, актерского искусства, литературы, музыки, изобразительного искусства и т. д.

Мегалитические сооружения.

доисторические сооружения из больших каменных блоков, соединённых без применения цемента или известкового раствора.Отдельную группу представляют собой мегалитические сооружения, то есть объекты в значительной степени состоящие из мегалитов. Они распространены по всему миру. В Европе, например, это Стоунхендж, сооружения Крито-микенской культуры или Египта. Их общей характерной особенностью являются каменные блоки весом порой более сотни тонн, часто доставленные из карьеров расположенных за десятки километров иногда с большим перепадом высот относительно места стройки. Как правило мегалитические конструкции не служили жильём, а от периода строительства до наших дней не дошло никаких записей о технологиях и назначении строительства. Наиболее сложный в планировочном отношении вид мегалитических памятников - кромлехи. Это концентрические ряды столбов-менгиров, соединенных каменными блоками-балками. В кромлехах, в том числе самом большом, находящемся в Стоунхендже (Англия) и относящемся к эпохе бронзы, существует строго продуманная система расположения каменных блоков. Распространены дольмены (от бретонского «толь» - стол, представляющие вполне законченный тип архитектурного сооружения, поскольку в них уже, помимо внешнего объема, существует и внутренний. До нас дошли остатки и других типов мегалитических сооружений, в том числе площадок для совершения магических обрядов, обусловленных особенностями существования людей того времени.

Искусство Среднего Царства

Литература Среднего царства донесла до нас размышления над проблемами бытия, сомнения в возможности загробной жизни, о чём свидетельствуют памятники письменности того времени: "Плач Ипувера" и "Пророчество Неферти

Фараон по-прежнему обожествляется, но он уже не царствует так абсолютно. Большие гробницы-пирамиды сменились впериод Среднего царства гробницами, вырубленными в скалах или небольшими пирамидами из кирпича-сырца, что было не так разорительно для страны, однако они оказались очень непрочными. Вход в скальные гробницы оформлялся портиками, в которых можно усмотреть прототип греческого дорического ордера.

Большое распространение в декорировании гробниц приобретают росписи. Преимущественно росписями, а не многоцветными рельефами декорировались стены гробниц номархов. Постепенно происходят изменения в канонах построения рельефов, художники стремятся изобразить человека таким, как он есть.

Строгие полные покоя фризы сменяются более свободно сгруппированными сценами, краски становятся нежнее и прозрачнее.

выработался новый тип скорописи: деловое иератическое письмо. Оно отличалось от староегипетских почерков и иероглифического письма.

Синтез иск в древнем египте

Снтез искусств – органичное сочетание различных видов изобразительного и декоративного искусства с архитектурой, имеющее целью создание целостного архитектурно-художественного произведения. Синтез искусств в древнем Египте можно было наблюдать на примере: Статуй пещерных храмов (арх+скульптура) Письмена на стенах (арх+каллиграфия) Декорированные колоны (арх+живопись)

Выдающимся примером синтеза египетского можно рассматривать катакомбы Ком-эш-Шукафа в Александрии, в которых запечатлены сложные образы греко-египетских божеств. Синтетический сплав греко-римской и египетской культур привел к новым формам в искусстве и религии, но Египет так и не был романизирован и нивелирован настолько, насколько были романизированы и латинизированы западные провинции римской империи. Синтез античной и древнеегипетской традиций в изобразительном искусстве породил новый своеобразный тип греко-египетского искусства.м

Витраж в искусстве готики

ВИТРАЖ - орнаментальная или сюжетная декоративная композиция (в окне, двери, в виде самостоятельного панно) из стекла или другого материала, пропускающего свет. Цветные витражи в окнах (напр., в готических соборах) создают игру окрашенного света в интерьере. Фреску заменил витраж . Витражи, помещенные в оконных проемах, наполняли внутреннее пространство собора светом, окрашенным в мягкие и звучные цвета, что создавало необычайный художественный эффект.

Почти до середины 12 века окна в храмах оставались сравнительно небольшими, поэтому в них могли поместиться лишь маленькие витражи с изображением нескольких сценок или одной крупной фигуры. Но после 1150 года начался процесс постепенного "растворения " стены: размеры окон неуклонно увеличивались. В конце концов, гладких стенных поверхностей осталось так мало, что архитектура, по существу, свелась к каркасу для окон. Первым пиком развития этой тенденции стали возведенные в конце 12 столетия соборы в Суассоне, Бурже и Шартре (Франция) и в Кентербери (Англия). Огромные окна этих зданий были украшены пластинами цветного стекла, образующими повествовательные циклы, многочисленные эпизоды которых создавали единую геометрическую структуру. Правда, витражи в окнах верхнего яруса центрального нефа по-прежнему содержали только одну-две сцены или одну фигуру. В первой половине 13 века в немецкоязычных областях сформировался и наряду с вариантами ранней французской готики вошел в употребление особый живописный стиль, во многом основанный на традициях византийского искусства. Произведения, выдержанные в этом стиле, изобилуют резкими линиями и острыми углами, из-за чего сам стиль получил название "угловатого’. Во второй половине 13 столетия "угловатый’ стиль постепенно приблизился по характеру к зрелой готике, сложившейся во Франции. Существует мнение, что высочайшим живописным произведением, созданным в Западной Европе до Джотто, т. е. до начального становления великой итальянской живописи Ренессанса, следует признать не фреску, картину или книжную миниатюру, а

43. Периодизация византийского искусства. Основные произведения Византийская империя - Римская империя в эпоху средневековья со столицей в Константинополе - Новом Риме. 1Период Константина Великого и Юстиниана. (5-8 вв.) 2Македоновский период. (9-11 вв.) 3Комниновский период. (11-13) 4 Палеологовский период. (13-15)

Самой замечательной равеннской постройкой 6в. является церковь Сан Витале, заложенная в 526г. и освященная в 547г. Это центрический купольный храм. С внешней стороны здание мало интересно: основной восьмигранный объем расчленен простыми вертикальными и горизонтальными тягами; над ними возвышается сухой по форме граненый барабан. Мозаика собора Св. Софии в Константинополе. Искусство мозаики Византия унаследовала от Древнего Рима. Мозаика складывалась из множества кусочков смальты - сплава стекла с минеральными красками. Византийские мастера мозаики пользовались всем спектром красочной палитры.

44.Символика храма Храмовое пространство и его декоративное оформление..

Алтарь, наиболее важная часть храма, всегда находится на восточной стороне храма. Алтарь – основная святыня храма, освящающая все здание, символически изображает «селение Божие».

Средняя часть храма, «корабль», представляет собой все земное пространство, где находится вселенская Христова Церковь. Средняя часть храма символизирует мир тварный, но уже обоженный, освященный, оправданный.

Иконостас - состоит из нескольких рядов икон, расположенных в определенном порядке.

Западная сторона храма символизирует «страну мертвых» и ад. Своды, купол - венчающая купол с изображением Христа, есть символ Христа – Главы Вселенской Церкви.

Столпы. - На четырех столпах, поддерживающих купол, изображены те, кто проповедовал слово Божие: апостолы, епископы, подвижники, мученики.

В 9-10вв росписи храмов приводятся в стройную систему. Стены и своды церквей покрываются мозаиками и фресками, расположенными в строгом иерархическом порядке и подчиненными композиции храма. В интерьере создается проникнутая единым содержанием художественная среда, в которую включаются и иконы, размещенные на иконостасе

45.Византийское искусство 11-12вв.Общая хар-ка. Основные произведения . Византийское искусство, явилось продуктом сочетания греко-римских и восточных элементов.

Архитектура продолжала развивать сложившиеся типы зданий, давая им новую трактовку. В церковном зодчестве наблюдается определившаяся к середине 11в. тенденция к вертикализму пропорций зданий. Живопись проникнута духом строгости и одухотворенности. Мозаики этого периода графичны, они культивируют линию и замкнутый контур. Формы становятся более декоративными, орнаментальными, они тонко и виртуозно прорисованы, но в них нет земной пластики. Художник стремился передать лишь отвлеченную духовную энергию, эмоциональную выразительность образа.

Во 2-ой половине 11в. был создан большой цикл мозаик в церкви монастыря Дафни близ Афин. Сюжеты распределены в строгой иерархической последовательности. Продолжал развиваться тип крестовокупольной церкви с куполом на высоком световом барабане. Во второй половине 11в. распространилась ювелирно тщательная манера исполнения мелких рисунков, вплетающихся в текст, украшающих. - Распятие. Мозаики церкви монастыря Дафни. Эта мозаика выделяется особым декоративным изяществом. Фигуры Христа, Марии и Иоанна, очерченные плавными линиями, уравновешены и гармоничны. Даже струйка крови изображена плавной линией.

46. Синтез искусств в Византийском храмовом зодчестве. Заимствовав формы от античной архитектуры, византийское зодчество постепенно их видоизменяло и в течение V века выработало, преимущественно для храмоздательства, тип сооружений, по плану и всей конструктивной системе существенно отличающийся от типа древнехристианских базилик. Главную его особенность составляет употребление купола для покрытия средней части здания. Решением византийских зодчих стало срезание углов параллелепипеда таким образом, что верхние части его стен приняли дугообразную форму. Внутри византийских храмов вокруг среднего подкупольного пространства, за исключением алтарной стороны, шла галерея наподобие хоров. Капители колонн в византийской архитектуре лишились абака и приняли форму усеченной четырёхгранной пирамиды, обращённой меньшим основанием вниз и покрытой не особенно выпуклой орнаментацией, мотивы которой составляют акантовые листья и другие формы растительного царства. Внутренность здания не отличалась богатством и сложностью архитектурных деталей, но зато его стены облицовывались снизу дорогими сортами мрамора, а вверху, точно так же, как и своды, обильно украшались позолотой, мозаичными изображениями на золотом фоне или фресковой живописью. В связи с распространением православия по всему миру, возможным стало огромное разнообразие храмовой архитектуры. Связанная в основе с традициями Византийского зодчества, она представляет собой синтез древних строительных и декоративных приёмов и канонов со стилевыми особенностями, характерными для архитектуры конкретного региона. Таким образом, в рамках одной христианской конфессии нашли своё воплощение самобытные и уникальные храмовые сооружения, отражающие не только суть христианского учения, но и мироощущение отдельного народа.

Творчество Феофана Грека.

Феофа́н Грек (около 1340 - около 1410) - великий русский и византийский иконописец, миниатюрист и мастер монументальных фресковых росписей.
Феофан мыслит фигуру трехмерно, пластически. Он отчетливо представляет себе, как располагается тело в пространестве, поэтому, несмотря на условный фон, его фигуры кажутся окруженными пространством, живущими в нем. Большое значение Ф-н придавал передаче в живописи объема. Его способ моделировки эффектен, хотя на первых взгляд кажется эскизным и даже небрежным. В искусстве Ф-на всегда незримо присутствует чудо. Феофан Грек был одним из византийских мастеров. До приезда в Новгород художник расписал свыше 40 каменных церквей. Он работал в Константинополе, Халкидоне, Галате, Каффе. Обладая огромным живописным талантом, Феофан писал фигуры широкими мазками. Поверх первоначальной прокладки он накладывал сочные белые, голубовато-серые и красные блики.
Первые работы Феофана Грека на Руси выполнены им в Новгороде. Это фрески собора Спаса Преображения, среди которых погрудное изображение Спаса Вседержателя в центральном куполе. Главное в росписи - возвеличивании аскетического подвига, ожидание апокалипсиса. Грек работал позже в Нижнем Новгороде, участвуя в создании иконостасов и фресок в Спасском соборе, которые не сохранились до нашего времени. Впервые Феофан Грек упоминается в Москве в 1395 году. С мастерской Феофана связано изготовление двусторонней иконы "Богоматерь Донская", на обратной стороне которой изображено "Успение Богородицы".
В “Успении” изображено то, что обычно изображается в иконах на этот сюжет. У погребального ложа Марии стоят апостолы, не похожие на строгих греческих мужей. Они сгрудились у ложа без всякого порядка. Не совместная просветленная скорбь, а личное чувство каждого - смятение, удивление, отчаяние, горестное размышление о смерти - читается на их простых лицах. Многие словно бы не в состоянии смотреть на мертвую Марию. Над одром Марии, над фигурами апостолов и святителей высится сияющий золотом Христос с душой богоматери в руках. Апостолы не видят Христа, его мандорла - это уже сфера чудесного, недоступного человеческому взгляду. Резкое звучание красок “Успения” как бы раскрывает крайнюю степень душевного напряжения, в котором пребывает апостолы. В”Успении” Феофана есть деталь, которая как будто концентрирует в себе драматизм происходящей сцены. Эта свеча, горящая у ложа богоматери. Помещенная в самом центре, на одной оси с фигурой Христа и херувимом, свеча в иконе Феофана кажется исполненной особого смысла. По апокрифическому преданию, Мария зажгла ее перед тем, как узнала от ангела о своей смерти. Свеча догорает, это значит, что кончается время земного прощания с Марией. Через несколько мгновений исчезнет сияющий Христос, его мандорла, скрепленная, как замковым камнем, огненным херувимом. В мировм искусстве немного произведений, которые с такой силой давали бы ощутить движение, быстротечность времени, равнодушного к тому, что оно отсчитывает, неумолимо ведущего все к концу.
В Спасо-Преображенском соборе Переяславля-Залесского Феофан расписал церковь Архистратига Михаила в 1399 году, а в 1405 году - Благовещенский собор вместе с Андреем Рублевым. Иконостас Благовещенский - древнейший из сохранившихся доныне русских иконостасов.

56 Творчество Андрея Рублева.
На формирование мировоззрения Рублёва большое влияние оказала атмосфера национального подъёма 2-й половины XIV - начала XV вв.. В своих произведениях он воплотил новое, возвышенное понимание духовной красоты и нравственной силы человека. Пример: иконам Звенигородского чина («Спас», «Апостол Павел», «Архангел Михаил)для которых характерны лаконичные плавные контуры, широкая манера письма близки приёмам монументальной живописи.
В 1405 Рублёв совместно с Феофаном Греком и Прохором с Городца расписал Благовещенский собор Московского Кремля (фрески не сохранились), а в 1408 Рублёв совместно с Даниилом Чёрным и другими мастерами - Успенский собор во Владимире (роспись сохранилась частично) и создал иконы для его монументального трёхъярусного иконостаса, ставшего важным этапом формирования системы высокого русского иконостаса. Из фресок в Успенском соборе наиболее значительна композиция «Страшный суд», где традиционно грозная сцена превратилась в светлый праздник торжества справедливости, утверждающий духовную ценность человека.
В 1425-27 Рублёв совместно с Даниилом Чёрным и др. мастерами расписал Троицкий собор Троице-Сергиева монастыря и создал иконы его иконостаса. они выполнены в различных манерах и неравноценны по художественным качествама. В ряде более поздних работах ему удалось создать впечатляющие образы, в них чувствуются драматические ноты, ранее ему не свойственные («Апостол Павел»). Колорит икон более сумрачен по сравнению с ранними произведениями; в некоторых иконах усиливается декоративное начало.
Ему приписывается также ряд работ, принадлежность которых кисти Рублёва точно не доказана: фрески Успенского собора на «Городке» в Звенигороде, иконы - «Владимирская богоматерь» , «Спас в силах» , часть икон праздничного чина («Рождество Христово», «Крещение», «Воскрешение Лазаря», «Преображение», «Вход в Иерусалим»), часть миниатюр «Евангелия Хитрово»
Почти все персонажи погружены в состояние безмолвного созерцания, которое может быть названо «богомыслием» или «божественным умозрением»; какие-либо внутренние аффекты им не свойственны.
Классическое чувство композиции, ритмов, всякой отдельной формы, воплощенное в ясности, гармонии, пластическом совершенстве, у Андрея Рублева столь же безупречно, как у греческих мастеров первой трети 15 века.
Творчество Рублёва является одной из вершин русской и мировой культуры.Уже при жизни Андрея его иконы весьма ценились и почитались как чудотворные.

57 «Троица» Андрея Рублева . около 1412 он создал свой шедевр - икону «Живоначальная Троица» . Традиционный библейский сюжет Рублёв наполнил глубоким богословским содержанием. Библейский рассказ лег в основу иконографии Троицы. Говоривший о том что Первым, кто увидел бога, был праведный старец Авраам. Бог явилс к нему в облике трех ангелов. Авраам догадался, что под видом трех странников от принимает три лица Троицы. Исполнившись радости, он усадил их под сенью Мамврийского дуба, велел жене своей Сарре испечь из лучшей муки пресные хлебы, а отроку слуге - заколоть нежного тельца.Отойдя от традиционной иконографии, Андре рублев поместил в центре композиции единственную чашу, а её очертания повторил в контурах боковых ангелов. Одежды среднего ангела (красный хитон, синий гиматий, нашитая полоса - клав) явно отсылают нас к иконографии Иисуса Христа. Двое из сидящих за столом главою и движением стана обращены к ангелу, написанному слева, в облике которого читается отеческая начальственность. Голова его не наклонена, стан не склонен, а взгляд обращен к другим ангелам. Светло-лиловый цвет одежд свидетельствует о царственном достоинстве. Все это - указания на первое лицо Святой Троицы. Наконец, ангел с правой стороны изображен в верхней одежде дымчато-зелёного цвета. Это ипостась Святого Духа, за которым возвышается гора. На иконе есть ещё несколько символов: дерево и дом. Дерево - мамврийский дуб - превратилось у Рублёва в древо жизни и стало указанием на живоначальность Троицы. Дом воплощает Божие Домостроительство. Дом изображен за спиной ангела с чертами Отца (Творец, Начальник Домостроительства), Древо - за спиной среднего ангела (Сын Божий), Гора -символ восхищения духа, то есть, духовного восхождения,за спиной третьего ангела (Святой Дух).Центральный ангел выделен выразительным контрастом пятен тёмно-вишнёвого и голубого цветов, а также изысканным сочетанием золотистых охр с нежным «голубцом» и зеленью. А внешние контуры образуют 5-угольник, символизирующий вифлеемскую звезду. «Троица» рассчитана на дальнюю и ближнюю точки зрения, каждая из которых по-разному раскрывает богатство оттенков, виртуозную работу кисти. Гармония всех элементов формы является художественным выражением основной идеи «Троицы» - самопожертвования как высочайшего состояния духа, созидающего гармонию мира и жизни.

58 творчество дионисия
ДИОНИСИЙ (ок. 1440 - после 1502), иконописец и живописец, один из величайших художников Святой Руси.

Дионисий расписывал Рождественский собор Пафнутиева Боровского монастыря (1467-76); написал иконы для иконостаса Успенского собора Московского Кремля; иконы и фрески соборной церкви Иосифо-Волоколамского монастыря (после 1485). В иконах и фресках Дионисия по сравнению с искусством эпохи Андрея Рублева проявляются единообразие приемов, черты праздничности и декоративности, перед которыми несколько отступает психологическая выразительность образов. Иконам Дионисия с их тонким рисунком и изысканным колоритом, с сильно вытянутыми грациозными фигурами присущи нарядность и торжественность (“Богоматерь Одигитрия”, 1482; “Спас в силах”, “Распятие”, обе 1500; иконы для Ферапонтова монастыря, 1500-02, совместно с сыновьями Владимиром и Феодосией Много работ приписано иконописцу на основании стилистического анализа. Несмотря на уязвимость этого положения, мы должны все же согласиться с отдельными примерами, утвердившимися в искусствоведческой науке. Созданные Дионисием с сыновьями росписи собора Ферапонтова монастыря близ г. Кириллова (1500-02) принадлежат к числу наиболее совершенных образцов русского средневекового монументального искусства, где в стройной и цельной системе росписей органично решены идейно-образные и декоративные задачи. Эти росписи отличаются слитностью с архитектурой и красотой подчиненных плоскости стены композиций, с изящными, как бы лишенными тяжести фигурами и холодной колористической гаммой, преобладанием светлых оттенков. Тот факт, что Дионисий ощутил потребность осознать по-новому Священное Писание, осмыслить догматические тексты, и выразил своё понимание методами живописи, создав совершенно новые, яркие образы, говорит о том, что общение с московскими еретиками (кружок дьякона Федора Курицына) не прошло для художника бесследно.

Характерной чертой его искусства были узкие, элегантные фигуры, тонкий, уверенный рисунок и часто светлые, прозрачные краски. Рисовал фрески в Пафнутьевом монастыреУспенском соборе, где работал вместе с иконописцами Тимофеем, Конём и Ярезом. Работал в Иосифо-Волоцком монастыре, а со своими сыновьями писал фрески и иконы в Ферапонтовом монастыре. Создал знаменитую икону «Крещение».

59 Искусство Италии доренессансного периода. Общая характеристика. Основные произведения., В итальянской культуре XIII-XIV вв. на фоне ещё сильных византийских и готических традиций стали появляться черты нового искусства - будущего искусства Возрождения. Потому этот период его истории и назвали Проторенессансом. В итальянской культуре XIII-XIV вв. на фоне ещё сильных византийских и готических традиций стали появляться черты нового искусства - будущего искусства Возрождения. Потому этот период его истории и назвали Проторенессансом. Для искусства Проторенессанса характерны тенденция к наглядному отражению реальности, светское начало и интерес к античному наследию С первых десятилетий 14в. ведущая роль в искусстве начинает постепенно переходить к живописи.

Итальянские живописцы были тесно связаны с византийским стилем живописи и поэтому они задержались с переходом к проторенессансному искусству. Но когда к концу 13в. произошел прорыв, то крепкий фундамент византийской традиции послужил надежной опорой и итальянские художники совершили подлинный переворот в живописном мышлении.

Ведь при всем схематизме византийской живописи в ней сохранялась связь с эллинистическим наследием. В отвлеченных, статичных канонах были законсервированы античные приемы светотеневой моделировки и ракурсных сокращений. Нужен был гениальный художник способный преодолеть чары византийской застылости, чтобы выйти в новое художественное пространство.

Такого гения итальянское искусство обрело в лице флорентийского живописца Джотто ди Бондоне. В крупнейшем цикле фресок Капеллы дель Арена в Падуе можно видеть отступление от средневековой традиции: вместо ограниченного числа вырванных из общей связи канонических евангельских сытий , каждое из которых приобретало символическое значение, Джотто создал связное историческое повествование, включив в него широкий круг сюжетов. Фрески расположены ровными рядами и заключены в прямоугольники. К числу наиболее известных фресок принадлежит "Смерть святого Франциска"

Тайная вечеря» Леонардо

ТАЙНАЯ ВЕЧЕРЯ - последняя вечеря, в христианских представлениях последняя совместная трапеза (ужин) Иисуса Христа и двенадцати апостолов в канун дня (страстной пятницы) крестной смерти Христа. Во время тайной вечери Христос предрекает, что его предаст Иуда Искариот, и учреждает таинство евхаристии (причащения), дав ученикам вкусить хлеба и испить из чаши с вином.

В трапезной монастыря Санта-Мария делле Грацие Леонардо создает роспись «Тайная вечеря» (1495-97; из-за рискованного эксперимента, на который пошел мастер, применив для фрески масло в смеси с темперой, работа дошла до нас в весьма поврежденном виде). Высокое религиозно-этическое содержание образа, где представлена бурная, разноречивая реакция учеников Христа на его слова о грядущем предательстве, выражено в четких математических закономерностях композиции, властно подчиняющей себе не только нарисованное, но и реальное архитектурное пространство. Ясная сценическая логика мимики и жестов, а также волнующе-парадоксальное, как всегда у Леонардо, сочетание строгой рациональности с неизъяснимой тайной сделали «Тайную вечерю» одним из самых значительных произведений в истории мирового искусстваРеставрация заняла 21 год. 28 мая 1999 года роспись была открыта для просмотра.

Теории происхождения искусства. ПРОИСХОЖДЕНИЯ ИСКУССТВА ТЕОРИИ - 1) согласно религиозной теории происхождения искусства красота является одним из имён Божьих, а искусство - конкретно-чувственным выражением божественной идеи; 2) теория игры (Г. Спенсер, К. Бюхер, В. Фриче,Ф. Шиллер) трактует искусство как самоцельную игру, лишённую какого-либо содержания. Так как игра старше труда, то искусство как естественное природное явление старше производства полезных предметов. Его основная цель - удовольствие, наслаждение; 3) эротическая теория (Н. Нардау, К. Ланге,3. Фрейди др.) пытается обосновать возникновение искусства необходимостью привлечения внимания представителей противоположного пола (украшательство, призывные музыкальные звуки и т. п.); 4) теория подражания (Демокрит, Аристотель и др.) стремится соединить причину возникновения искусства с социальным назначением человека. Причинами зарождения искусства Аристотель считал естественные склонности человека к имитации, подражанию природе; 5) марксизм на первый план выдвигает общественно-историческую практику, производственную деятельность людей.

Классификация искусств.

По динамике искусства можно разделить на пространственные и временные . По утилитарности искусства делятся наприкладные и изящные (чистые).

По материалам искусство можно

Станковое и монументальное искусство.

Станко́вое искусство - род изобразительных искусств, произведения которых носят самостоятельный характер и не имеют прямого декоративного или утилитарного назначения (в отличие, например, от произведений монументального искусства или книжной иллюстрации). В живописи - это картины; в скульптуре - статуи, бюсты, группы, станковые рельефы; в графике - эстампы, станковые рисунки.

Монументальное искусство (лат. monumentum , от moneo - напоминаю ) - одно из пластических пространственных изобразительных и неизобразительных искусств; данный род их включает произведения большого формата, создаваемые в согласовании с архитектурной или естественной природной средой, композиционным единением и взаимодействием с которыми они сами приобретают идейно-образную завершённость, и сообщают таковую же окружению. Произведения монументального искусства создаются мастерами разных творческих профессий и в разных техниках. К монументальному искусству относятся памятники и мемориальные скульптурные композиции, живописные и мозаичные панно, декоративное убранство зданий, витражи, а также произведения выполненные в иных техниках, в том числе и многих новых технологических формаций (отдельные исследователи относят также к монументальному искусству произведения архитектуры).

Виды искусств.

Литература, архитектура, музыка, изобразительное искусство (в него входят живопись, графика, скульптура). Синтетические виды искусства: кинематограф, театр и т.п). декоративно-прикладное искусство (часто относят к изобразительному). Кроме того, еще разделяют пространственные, временнЫе, пространствено-временнЫе искусства

1. Скульптура как вид искусства

.

Скульпту́ра (лат. sculptura , от sculpo - вырезаю, высекаю) в широком значении слова, искусство создавать из глины, воска, камня, металла, дерева, кости и других материалов изображение человека,животных и иных предметов природы в осязательных, телесных их формах.

Художник, посвятивший себя искусству скульптуры, называется скульптором, или ваятелем. Главную его задачу составляет передача человеческой фигуры в реальном или идеализированном виде, животные играют в его творчестве второстепенную роль, а прочие предметы являются лишь в значении придаточных или обрабатываются исключительно с орнаментальной целью.

Первобытное и традиционное искусство. http://teologia.ru/www/biblioteka/esthetika/trad.iscusstvo.htm

Жанры изобразительного искусства. АВТОПОРТРЕТ - портрет, написанный с самого себя.

АЛЛЕГОРИЯ - изображение отвлеченных понятий через ассоциативно близкие конкретные образы, существа и предметы, обычно наделяются поясняющими их содержание атрибутами.

АНИМАЛИСТИЧЕСКИЙ - связанный с изображением животных в живописи, скульптуре и графике; сочетает естественно-научные и художественные начала.

БАТАЛЬНЫЙ - посвященный изображению войны и военной жизни.

БЫТОВОЙ - связанный с изображением повседневной частной и общественной жизни человека.

ГАЛАНТНЫЙ - разновидность бытового.

ИСТОРИЧЕСКИЙ - один из основных жанров изобразительного искусства, посвященный историческим событиям прошлого и современности, социально значимым явлениям в истории народов.

КАРИКАТУРА - жанр изобразительного искусства, использующий средства сатиры и юмора, гротеска, шаржа, художественной гиперболы; изображение, в котором комический эффект создается преувеличением и заострением характерных черт.

МИФОЛОГИЧЕСКИЙ - посвящен событиям и героям, о которых рассказывают мифы.

НАТЮРМОРТ - жанр изобразительного искусства, показывающий неодушевленные предметы, размещенные в реальной бытовой среде и организованные в определенную группу; картина с изображением предметов обихода, цветов, плодов, битой дичи, выловленной рыбы.

НЮ - жанр изобразительного искусства, посвященный обнаженному телу, его художественной интерпретации.

ПАСТОРАЛЬ - изображение идиллической мирной жизни пастухов и пастушек на лоне природы.

ПЕЙЗАЖ - изображение какой-либо местности, картин природы: рек, гор, полей, лесов, сельского или городского ландшафта; по предмету изображения выделяют архитектурный, индустриальный пейзаж, ведуту, марину (изображает море), исторический и фантастический (футурологический) пейзаж.

ПОРТРЕТ - жанр изобразительного искусства, посвященный изображению человека или группы людей; разновидности - автопортрет, групповой портрет, парадный, камерный, костюмированный портрет, миниатюра портретная, парсуна.

СЮЖЕТНО-ТЕМАТИЧЕСКАЯ КАРТИНА - определение своеобразного скрещения традиционных жанров живописи, которое способствовало созданию крупномасштабных произведений на социально значимые темы с четко выраженной фабулой, сюжетным действием, многофигурной композицией.

ШАРЖ - разновидность карикатуры, юмористическое или сатирическое изображение, в котором изменены иподчеркнуты характерные черты человека.

Проблема синтеза искусств. си́нтез иску́сств

сочетание разных видов искусства, оказывающее многостороннее эстетическое воздействие. Единство компонентов синтеза искусств определяется единством идейно-художественного замысла. Архитектурно-художественный синтез искусств образуют архитектура, изобразительное и декоративное искусство (архитектурный ансамбль, здание, интерьер). Спектакль, кинофильм - синтез режиссёрского, актёрского искусства, литературы, музыки, изобразительного искусства и т. д.

2. Основные этапы развития первобытного искусства (палеолит, мезолит, неолит). Местонахождение основных памятников.

   Наскальные рисунки и росписи в пещерах. Ласко фр, альтамира исп

Мегалитические сооружения. Мегали́ты (от греч. μέγας - большой, λίθος - камень) - Сооружения из огромных каменных глыб(появились в 9-1 тыс. до н. э.) (храмы острова Мальта, менгиры, кромлехи, дольмены)

Периодизация культуры Египта. Формирование характерных черт египетского стиля . Народы Древнего Египта создали оригинальную, интересную и богатую культуру, многие ценности которой вошли в сокровищницу мировой культуры, стали её органичной частью.

Уже в прикладном искусстве первобытных общин, в росписи глиняных сосудов, в изящных костяных и роговых фигурках ощущаются характерные черты египетского искусства - стремление к фронтальному развёртыванию изображаемых сцен, реалистическое внимание к деталям, тенденция к выработке канонов. С возникновением классового общества искусство становится мощным средством идеологического воздействия, направляется в первую очередь на возвеличивание власти фараона, на утверждение незыблемости существующего строя. Складываются каноны изображений царей, своего рода официальных портретов с подчёркиванием сверхчеловеческих мощных тел, властных суровых лиц. Этим же целям во многом служила и монументальная архитектура. Уже в период Древнего царства получает отчётливое выражение та грандиозная монументальность, которая становится отличительной чертой египетской архитектуры. Таковы громадные царские усыпальницы - пирамиды, исходной формой которых были скамьеобразные гробницы (мастабы).

Древнейшей формой пирамиды является ступенчатая пирамида Джосера в Сакара. Благодаря заполнению пустых пространств между уступами получился классический тип монументальной пирамиды, наиболее чётко выраженный в грандиозных пирамидах, построенных фараонами IV династии, - Хуфу, Хафра и Менекуара. Поблизости от пирамид строились заупокойные храмы фараонов. Стены этих храмов украшались рельефами, изображающими жизнь и подвиги обоготворённого царя. В заупокойном храме фараона Сахура и в храме Солнца, воздвигнутом около Абусира, сохранились древнейшие колонны, схематически воспроизводящие форму стебля папируса или пальмы. Архитектура Среднего царства является связующим звеном между архитектурой Древнего и Нового царства. Центром монументального храма Ментухотепов (XI династия) является пирамида, стоящая на возвышенной террасе. Широкое применение колоннадных галерей, а также полупещерный характер храма свидетельствуют о новых архитектурных формах, полностью развившихся лишь в период Нового царства, как это видно в храме царицы Хатшепсут в Дейр - эль - Бахри. Грандиозные развалины храмов Нового царства, в частности времени XVIII-XIX династий, дают яркое представление о расцвете храмовой архитектуры. Одним из величайших архитектурных комплексов этого времени был грандиозный храм Амона в Фивах, развалины которого довольно хорошо сохранились в Карнаке. Колоссальный колонный зал этого храма, построенный при Сети I и Рамсесе II, состоит из 134 массивных колонн, расположенных в 16 рядов. 12 центральных колонн большого зала имеют высоту в 21 м. Площадь зала равна 5000 кв. м.

Отличительные черты египетской скульптуры - фронтальность и почти геометризованная статичность - впервые проявляются в скульптурных произведениях времени Древнего царства. Изображая бога, обоготворённого царя или вельможу, художник старался дать идеализированный образ прекрасного и сверхмощного человека в позе торжественного и спокойного величия. Таковы выразительные статуи фараона Хафра и вельможи Рахотепа. Одновременно в рельефе и в рисунке, в частности в изображениях слуг, рабов и вообще простых людей, появляются довольно ясные тенденции к реализму и движению. Египетские мастера постепенно освобождались от старых правил стилизации, стремясь изобразить тело лицо человека в динамике. Иногда эти попытки проявлялись даже в изображениях жрецов, чиновников и знатных людей. Таковы статуи Каапера (так называемого сельского старосты) или сидящего писца. Эти же черты проступают в рельефах и рисунках, украшающих стены гробниц и храмов. Сюжеты рельефов и рисунков раскрывают всю жизнь египтян. Здесь изображены дерущиеся, земледельцы, пастухи и рыболовы, плакальщицы, идущие за погребальной процессией. Таковы замечательные рельефы из гробниц в Саккара и в Гизе. Стремление к реализму, особенно в скульптурном портрете, усиливается в период Среднего царства. Художник пытается передать внутренние переживания человека, например, в колоссальной голове Сенусета III или в голове Ментухотепа. Пышной архитектуре Нового царства соответствовала зрелая скульптура, давшая образцы высокохудожественного реализма и одновременно с этим утончённой стилизации. Высокого развития достигло в эту эпоху искусство иллюстрации, например великолепные рисунки на папирусах из сборника религиозных текстов «Книги мёртвых». Искусство времени XVIII династия достигло высшей точки развития в бурную амарнскую эпоху, когда была сделана смелая попытка сломать старые традиции не только в области религии, но и в искусстве. Художники, работавшие в новой столице Ахетатоне, следуя новым веяниям, пытались соединить старый реализм с более острой выразительностью. В искусстве возник новый художественный стиль, основанный на своеобразном изображении человеческого тела. Подчёркивая резко индивидуальные черты человека, художник доходил до шаржа и гротеска, даже в изображениях фараона и членов его семьи. Сохранились и элементы стилизации, развитие которых неизбежно приводило к новым формам, искусство возникло на основе предшествующего развития египетской культуры и оказало своё влияние на её дальнейшее развитие. Его воздействие можно проследить в плавной текучести линий произведений начала XIX династии, в насыщенных внутренним движением рельефах абидосского храма и храма в Мединет - Абу, в изящно стилизованном рельефе с изображением плакальщиков, хранящемся в Государственном музее изобразительных искусств им. А. С. Пушкина в Москве.

Изобразительное искусство

1. Египетская живопись, ок. 1400 до н. э.

   На протяжении более 3500 лет художники придерживались форм и канонов, которые были разработаны ещё во времена Древнего царства, следуя строгому набору принципов, сохранявшихся даже в периоды иностранного влияния и внутренних изменений . Эти художественные стандарты выражались в простых линиях, формах, характерной плоской проекции фигур, без указания пространственной глубины, что создавало ощущение порядка и баланса композиции. Изображения и текст были тесно переплетены на усыпальницах и стенах храмов, гробницах, стелах и статуях. Краски получали из минералов, таких как железная руда (красная и жёлтая охра), медные руды (синий и зелёный), сажа или древесный уголь (чёрный) и известняк (белый). Их могли смешивать с гуммиарабиком для вязкости и разделять на куски, которые могли быть смочены водой при необходимости.

   Хотя каноны древнеегипетского искусства сохранялись на протяжении тысячелетий, художественный стиль некоторых периодов отражал изменение культурных и политических взглядов. Так, в Аварисе были найдены фрески в минойском стиле, появившиеся после вторжения гиксосов, а в период правления Эхнатона получило развитие «Амарнское искусство», для которого характерно реалистичное изображение окружающего мираref .

   Искусство Древнего Египта было вновь открыто учёными, во время Египетского похода Наполеона. В результате экспедиции было собрано и вывезено в Европу огромное количество памятников истории .

   Архитектура [править | править исходный текст]

   Основная статья: Архитектура Древнего Египта , см. также: Египетские пирамиды , Список египетских пирамид

   Архитектура Древнего Египта известна по сооружениям гробниц - пирамиды Гизы, храмовых и дворцовых комплексов - Луксорский храм, дворцы Амарны :281 .

   Наружные и внутренние стены зданий, а также колонны были покрыты иероглифами и фресками и были окрашены в яркие цвета. Мотивы многих египетских орнаментов, такие как изображения скарабея или священного жука, солнечного диска и кречета, являются символическими. Другие распространенные мотивы включают пальмовые листья, растение папируса, а также почки и цветки лотоса. Иероглифы наносились для декоративных целей, а также для записи исторических событий или заклинаний. Планировка многих культовых сооружений соотносилась с явлениями солнцестояния и равноденствия .

   

2. Пирамиды в Гизе

   Египетские пирамиды - величайшие архитектурные памятники Древнего Египта, среди которых одно из«семи чудес света» - пирамида Хеопса. Пирамиды представляют собой огромные каменные сооружения пирамидальной формы. Некоторые из них использовались в качестве гробниц для фараонов Древнего Египта. Слово «пирамида» - греческое. По мнению одних исследователей, большая куча пшеницы и стала прообразом пирамиды. По мнению других учёных, это слово произошло от названия поминального пирога пирамидальной формы. Всего в Египте было обнаружено 118 пирамид. По общепризнанной версии, первая египетская пирамида была построена по приказу фараона 3 династии Джосера - Ступенчатая пирамида вСаккара, архитектором которой, согласно древнеегипетской традиции, считается высший сановник (чати) Джосера Имхотеп. По мнению египтологов эта пирамида является развитием мастабы - традиционной гробницы знати в Древнем Египте периодов Раннего и Древнего царств. Самыми известными пирамидами являются Великие пирамиды на плато Гиза (пирамиды Хеопса, Хефрена и Микерина) .

Искусство Древнего Царства. Реалистические черты в портретном искусстве.

http://dic.academic.ru/dic.nsf/enc_pictures/3971/%D0%94%D1%80%D0%B5%D0%B2%D0%BD%D0%B5%D0%B3%D0%BE’

В захоронениях эпохи Древнего царства не было изображений богов, солнца и луны. Запечатлённый на стенах мир не был зеркальным отражением земного существования; это была искусственно созданная среда, обеспечивающая все потребности владельца гробницы. Рельефы и росписи разбиты на полосы и «читаются» как текст; они настолько точно и подробно передают повседневную жизнь египтян, что служат надёжным источником для её изучения. Однако, по сравнению с реальностью, в изображение загробного «мира-двойника» вносились определённые изменения. Не было сцен государственной службы, свидетельствовавшей о подчинённом положении. Настенные росписи отличает плоскостность, яркость цветов. Египетские мастера работали клеевыми красками, обычно не смешивая их; полутона появились только в поздний период. Выразительность живописи строилась на чёткости силуэтов, контуры которых заполнялись яркими красками. Человека изображали не так, как видели, а таким образом, чтобы дать о нём наиболее полное представление: плечи, туловище и глаз на лице человека изображались анфас, лицо и ноги – в профиль. ‘

Искусство Среднего Царства.

К наиболее известным произведениям этого времени относятся изображения сцен рыбной ловли и охоты в нильских зарослях (гробница номарха Хнумхотепа, конец XX в. до н. э.). Рыбу ловят острогой, на птиц охотятся с бумерангом и сетью. Дикая кошка прячется на прогнувшемся под её тяжестью стебле цветущего папируса, нарядная стая ярких птиц укрывается в ажурной листве акации, среди них красавец удод, оранжевый, с черно-белыми крыльями. В гробницах обнаружено множество деревянных статуэток, составляющих иногда целые группы, - слуг, пахарей, прачек, пастухов, воинов, лодочников. Похожие на детские игрушки, они наивны и привлекательны. С середины эпохи Среднего царства в храмах начали воздвигать статуи фараонов, предназначенные для всеобщего обозрения. Это потребовало большего внимания к воссозданию характерных портретных черт, в том числе и возрастных изменений. На изображениях Сенусерта III и Амснемхета III (XIX в. до н. э.) резкие крупные черты лица, складки на щеках придают им суровое, почти скорбное выражение. При Сенусерте III наступил расцвет придворного ювелирного искусства. Его великолепные образцы обнаружены в погребении дочери фараона, Ситхатор. В прямоугольном ларце для драгоценностей из эбенового дерева, инкрустированном слоновой костью и розовым сердоликом, лежали бронзовое, украшенное золотом зеркало, сосуды для благовоний из обсидиана и золота, блюдечко из серебра. Головной убор царевны в виде золотого обруча с изображением священной кобры (уреем), её пояс из золотых раковин - лишь малая часть ювелирных изделий, созданных в ту эпоху. К числу самых изысканных относятся пекторали. На них часто встречаются изображения жука-скарабея (символа солнца и воскресения из мёртвых) и разных божеств. Пектораль Сенусерта III, вырезанная из листового золота и украшенная бирюзой, лазуритом и сердоликом, - самая гармоничная среди многих подобных произведений искусства Древнего Египта, дошедших до наших дней.\

Синтез искусств в Древнем Египте.

Подлинный синтез искусств является высшей формой художественного развития, т. к. подразумевает не только эстетическое совершенство отдельных составляющих его компонентов (произведений того или иного вида искусства), но и эстетическое качество, возникающее в результате художественного взаимодействия этих произведений.

Синтез искусств позволяет на основе сочетания специфических средств выразительности и образных возможностей различных видов искусства достичь наиболее полного воплощения и раскрытия идейно-художественного содержания ансамбля и его активного воздействия на человека. Поэтому основой подлинного С.и. всегда была и остается целостность идейного замысла. С. и. может представлять собой ансамбль, в к-рый органично входят компоненты (архитектура, скульптура, живопись), созданные в различные эпохи и не обладающие едиными стилевыми качествами.

Развитие монументальной скульптуры Древнего Египта.

Скульптура Древнего Египта - одна из наиболее самобытных и строго канонически разработанных областей искусства Древнего Египта. Скульптура создавалась и развивалась, чтобы представить древнеегипетских богов,фараонов, царей и цариц в физической форме. Существовало также множество изображений ка в могилах простых египтян, в основном из дерева, некоторые из них сохранились. Статуи богов и фараонов ставились на всеобщее обозрение, как правило, на открытых пространствах и вне храмов. Большой сфинкс в Гизе более нигде не повторялся в натуральную величину, однако аллеи из уменьшенных копий сфинкса и других животных стали непременным атрибутом многих храмовых комплексов. Самое сакральное изображение бога находилась в храме, в алтарной части, как правило, в лодке или барке, обычно из драгоценных металлов, правда, ни одно такое изображение не сохранилось. Сохранилось огромное количество резных статуэток - от фигур богов до игрушек и посуды. Такие фигурки делались не только из дерева, но и из алебастра, более дорогого материала. Деревянные изображения рабов, животных и имущества же клали в гробницы для сопровождения умерших в загробном мире.

Статуи, как правило, сохраняют первоначальную форму каменной глыбы или куска дерева, из которого она высечена. В традиционных статуях сидящих писцов столь же часто обнаруживается сходство с формой пирамиды (кубическая статуя).

Существовал очень строгий канон создания древнеегипетской скульптуры: цвет тела мужчины должен был быть темнее цвета тела женщины, руки сидящего человека должны были быть исключительно на коленях. Существовали определенные правила изображения египетских богов: так, бога Гора следовало изображать с головой сокола, бога мертвых Анубиса - с головой шакала. Все скульптуры создавались по данному канону и следование было столь строгим, что почти за трехтысячелетнюю историю существования Древнего Египта он не претерпел изменений.

Искусство Нового Царства. Масштабность монументального строительства.

Ок. 1700 г. до н. э. Египет пережил вторжение азиатских племён – гиксосов (егип. чужеземные правители). Время их 150-летнего владычества было периодом упадка. Изгнание гиксосов из страны в нач. 16 в. до н. э. ознаменовало начало эпохи Нового царства, во время которой Египет достиг небывалого могущества. Для архитектуры этого периода характерны грандиозный размах, роскошь убранства и имперское великолепие. В 16 в. до н. э. был выработан ставший впоследствии классическим тип наземного храма (Карнак и Луксор в Фивах). Заупокойный скальный храм царицы Хатшепсут в Дейр-эль-Бахри (нач. 15 в. до н. э., архитектор Сенмут), посвящённый богине Хатхор, возведён у подножия отвесных скал. Он представляет собой три соединённые пандусами террасы, внутри которых находятся высеченные в толще скалы залы. Строгие, геометрически правильные линии карнизов и колонн с капителями в виде головы Хатхор оттенены извилистыми линиями скальных отрогов. В правление Рамсеса II был возведён грандиозный храмовый комплекс в Абу-Симбеле (первая пол. 13 в. до н. э.).

Скульптуру и живопись отличает утончённость, внимание к деталям. Силуэты в рельефах и статуях становятся более изысканными, плавными. Появляются попытки передать стремительные движения – мчащиеся колесницы, бегущих зверей (рельеф с изображением военных походов фараона Сети I, 13 в. до н. э.), сильные чувства (рельеф с изображением плакальщиков, кон. 14 – нач. 13 в. до н. э.); фигуры иногда заслоняют друг друга. В настенных росписях появляются изображения потустороннего мира и богов, любимыми сюжетами становятся сцены пиров и охот (гробницы вельмож Нахта, 15 в. до н. э., и Сеннеджема, 13 в. до н. э.; обе – в Фивах). Сквозь прозрачные одежды женщин просвечивает тело. Обнажённые служанки, вопреки канону, изображаются полностью в фас или профиль, со спины; позы отличает естественная непринуждённость. Папирусные свитки с текстами («Книга мёртвых » и др.) стали оформлять цветными рисунками. Особого расцвета достигло декоративно-прикладное искусство. Золотая маска, трон, сосуды, ларцы и др. предметы утвари из гробницы фараона Тутанхамона (14 в. до н. э.) выполнены с тонким вкусом и изяществом. В результате реформы фараона Эхнатона был установлен единый культ бога солнечного диска Атона (рельеф «Поклонение Атону», 14 в. до н. э.). Была возведена новая столица Ахетатон («Горизонт Атона»). Искусство этого времени отличает живость и свобода, особый лиризм. Жёсткие каноны смягчились: царь впервые предстал в кругу своей семьи, обнимающим жену и ласкающим дочерей (рельеф домашнего алтаря с изображением семьи Эхнатона, первая пол. 14 в. до н. э.). Подлинными шедеврами являются портретные бюсты царицы Нефертити и Эхнатона (ок. 1340 г. до н. э., скульптор Тутмес). В 332 г. до н. э. Египет был завоёван Александром Македонским, основавшим в дельте Нила г. Александрию. В контексте культуры эллинизма египетские традиции сложно переплетались с греко-римскими. Интереснейшими памятниками позднего периода являются надгробные фаюмские портреты , оказавшие воздействие на формирование римского, а впоследствии – восточно-христианского искусства.

Искусство времени Ахетатона.

Возведенный город с храмами, садами, дворцами, богатыми кварталами вельмож, парками и прудами был объявлен «землей бога Атона». В этом городе даже тип древнеегипетского храма стал совершенно другим. Все прежние храмы вели из света во мрак культовой молельни, которая озарялась лишь светильниками у алтарей. Сумрачного состояния души требовала сама природа древних богов, рассчитанная на устрашающее почитание.

Культ бога Атона носил совсем иной характер. Главным ритуальным обрядом сопровождался восход солнца, при котором оживали берега Нила, распускались голубые и белые лотосы, из зарослей папируса поднимались стаи птиц, оглашая пробуждающийся мир своими криками. В этот момент в храме, который представлял собой громадный открытый солнцу двор, жители Ахетатона приносили солнцу свои дары: цветы, овощи и плоды. Храм был празднично оформлен пилонами, статуями фараона и живописью. Стоя на верхней площадке главного алтаря, Эхнатон взмахивал кадильницей с фимиамом, а музыканты, аккомпанировавшие на арфах и лютнях, придворные, жрецы и все молящиеся произносили нараспев слова гимна:

Прекрасен твой восход на горизонте, о живой Атон, зачинатель жизни. Встают люди, омывают тело, воздевают руки, радуясь рождению нового дня!.. Ты даешь жизнь и отдаленным странам, оплодотворяя дождем их земли. Как многочисленны и прекрасны творения твои: люди, животные, цветы, травы - все, что есть на земле, в воде и в воздухе!

Новые идеи фараона-реформатора проявились также в поэзии и живописи, архитектуре, скульптуре, да и в обыденной жизни. Эхнатон не вел войн, поэтому он нигде не изображен захватывающим земли или карающим врагов. Поэтому рельефы, живописные и скульптурные портреты представляют его человеком, погруженным в философские размышления, с богатым внутренним миром: в изображениях фараона угадывается некоторая созерцательность, обостренное, почти чувственное ощущение полноты бытия со всеми его радостями и горестями.

Эхнатон умер рано, когда ему не было еще и 35 лет, и не оставил ни сыновей, ни достойных сподвижников. Некоторые исследователи даже предполагают, что он был отравлен, так как на одной из росписей изображено покушение на него.

Новые фараоны делали все, чтобы вычеркнуть из истории память о своем предшественнике и его новом боге. Они стерли, растоптали и уничтожили все, что было создано Эхнатоном. Особенно старался военачальник Херемхеб, воцарившийся на египетском престоле якобы по «воле бога Амона». Не имея законных прав на трон, он с особым рвением преследовал память о фараоне Эхнатоне. По приказу Херемхеба началось уничтожение Ахетатона, к тому времени уже и так окончательно покинутого. Прекрасный город громили с ненавистью: разбивали и крушили великолепные храмы и дворцы, статуи и рельефы. Потом руины Ахетатона постепенно занесло песком, и их на несколько тысячелетий укрыла пустыня. На том месте, где некогда сверкали

белизной набережные, до 1880 года в царстве солнца и тишины тянулась узкая полоса посевов, а в тени густых пальмовых рощ приютились три небольшие деревушки.

Типичный богатый дом в Ахетатоне - это обычно целая усадьба, занимавшая площадь 68x55 метров. В центре ее находилось жилое здание, вокруг которого располагались сад, молельня и другие постройки. Вся усадьба обносилась стеной с двумя входами: от главного входа дорожка вела к небольшому дворику, откуда, поднявшись по нескольким ступеням, попадали в крытый подъезд дома. К подъезду примыкало небольшое помещение, через которое проходили в большую продолговатую комнату с 4 круглыми колоннами: это была своего рода приемная для гостей и одновременно комната, где отдыхали хозяева.

Жрецы солнечного бога Атона размещались в огромном районе с роскошными порталами и улицами для процессий, с украшенными колоннами молельнями, со скульптурами и рельефами. По замыслу Эхнатона все помещения иногда оформлялись в виде нильского берега: тонкие колонны напоминали стебли папируса, в росписях стен и пола повторялись цветы и бутоны лотоса, а также порхающие в зарослях птицы. Эти мотивы и раньше встречались в египетском искусстве, но никогда прежде в них не было такого богатства сюжетов и красок, такой свободы и изящества исполнения, такого увлечения красотой линий и цвета…

Эта же естественность, сменившая канонизированную стилизацию поз и жестов, проявилась и в изображении людей. Например, Эхнатон часто запечатлен в семейном кругу - с женой Нефертити и дочерьми. Среди найденных в эль-Амарне памятников мало таких, где фараон изображен без Нефертити. Основывая новую столицу Ахетатон, фараон Эхнатон обещал царице воздвигнуть в ней ее собственное место для почитания солнца - «сень Рэ». У Нефертити было свое большое и великолепное судно, качавшееся у дворцового причала рядом с ладьей фараона. К сожалению, сейчас от дворца Нефертити остались одни развалины, однако известно, что в северо-восточном конце сада находилась длинная постройка, тянувшаяся вдоль северной стены дворца. Внутри этого зала столбы, поддерживающие потолок, стояли в один ряд - каждый на крохотном островке между перемежающимися водоемами. Эти водоемы были сделаны в виде огромных букв "Т": в верхнем ряду они были повернуты отвесным концом вниз, а в нижнем - вверх. Вклиниваясь отвесными концами ряд в ряд, буквы "Т" образовывали строгий узор. Перила и пол вокруг водоемов, а также откосые стенки перил были сплошь расписаны растительным орнаментом и изображениями цветов. Такова была эта «великолепная усадьба Солнца», украшенная небольшими храмиками, полная водных затей и утопающая в зелени и цветах. После Нефертити эти владения перешли к ее дочери Мийот.

Искусство Двуречья. Общая характеристика. Основные произведения.

Искусство Двуречья конца 4-го – 3-го тыс. до н.э. (государства Шумера и Аккада)

шумер культурный племя мозаика

Во второй половине 4-го тыс. до н.э. в плодородных равнинах Южного Двуречья возникли первые города – государства. Главными из них стали города Шумера. В них выросли первые памятники монументального зодчества, расцвели связанные с ними виды искусства – скульптура, рельеф, мозаика, различного рода декоративные ремёсла. Культурному общению разных племён активно содействовало изобретение шумерийцами письменности, сперва пиктографической, а затем и клинописи. Они писали острыми палочками на сырых глиняных табличках, которые потом обжигались на огне.

Каждый город почитал своих богов. Каждому из божеств посвящался свой храм, который становился центром города-государства. Первыми мощными сооружениями Шумера конца 4 тыс. до н.э. были так называемые «Белый храм» и «Красное здание» в Уруке. Прямоугольные в плане, лишённые окон, со стенами, расчленёнными в Белом храме вертикальными узкими нишами, а в Красном здании – мощными полуколоннами, простые по своим кубическим объёмам, сооружения эти чётко вырисовывались на вершине насыпной горы. Они имели открытый внутренний двор, святилище, в глубине которого помещалась статуя почитаемого божества. Белый храм получил своё название за побелку стен. Красное здание было украшено разнообразным геометрическим орнаментом из глиняных обожжённых конусообразных гвоздиков «зигатти», шляпки которых окрашены в красный, белый и чёрный цвета. Издали этот орнамент, сливаясь, приобретал единый мягкий красноватый оттенок.

Особую роль играла мозаика, инкрустация из самоцветов, перламутра и раковины, широко применявшиеся в украшении стен, колонн, статуй. В употребление вошла также отделка колонн листовой медью, включение рельефных композиций. Храм богини – «матери всех богов» и «богини лесистых гор» Нинхурсаг, – воздвигнутый близ города Ура в середине 3-го тыс. до н.э., отмечен целым рядом подобных нововведений. Над прямоугольным входом в храм располагался навес, опирающийся на тонкие деревянные столбы, обитые медью и украшенные вкладками из перламутра, самоцветов, асфальта. Стены храма, помимо вертикальных ниш, были расчленены и по горизонтали лентами мозаичных фризов. Карниз храма был украшен узором из керамических гвоздиков, шляпки которых были выполнены в форме цветов с красно-белыми лепестками. Верхний фриз также включал мозаичные изображения белых голубей, выполненные по шиферному фону, нижний фриз состоял из медных фигур бычков. Вход был обрамлён двумя деревянными фигурами львов – охранителей. Они были покрыты медными листами, а глаза и языки инкрустированы цветными камнями. Над входной дверью помещена медная прямоугольная пластинка, на которой изображались рельефные фигуры львиноголового орла Имдугуда, прочно держащего лапами двух оленей – своеобразный символ власти божества над всеми обитателями лесистых гор и долин. Уподобленный горной вершине, он высился на платформе и террасе, нижняя из которых, по площади насчитывала 32x25 метров.

В 3-м тыс. до н.э. в Шумере возникли зиккураты. Они состояли из несукольких убывающих кверху трапециевидных огромных платформ. Верхняя площадка увенчивалась небольшим святилищем. От древнейших времён до нас дошли в руинах лишь несколько древних башен. Лучше всего сохранились зиккураты Элама (в Чога-Замбиле) и Борсиппы (близ Вавилона). Ныне частично отреставрирован и один из самых дренвнейших зиккуратов в Уре конца 3-го тыс. до н.э. Теперь видна лишь одна его нижняя терраса. Площадь огромной усечённой трапеции занимает 65x43 метра, а высота основания башни насчитывает 20 метров. Первоначально же зиккурат, состоявший из трёх как бы поставленных друг на друга усечённых пирамид, убывающих кверху, достигал в высоту 60 метров. Три крутые прямые лестницы фланкировали его фасад и сходились у края вершины первой платформы, отчётливо выявляя структуру всего устремлённого ввысь сооружения.

Повествовательный рельеф зародился очень рано в искусстве Двуречья. Темы рельефов второй половины 4-начала 3 тыс. до н.э. воскрешают перед нами круг основных забот древних обитателей долины Тигра и Ефрата, связанных с урожаем. Это по большей части обряды поклонения богине плодородия Инанне. Процессия жертвователей, идущих с дарами к богине Инанне, запечатлена в рельефах, заполняющих поверхность монументального алебастрового сосуда из Урука начала 3 тыс. до н.э. Форма высокого ритуального каменного кубка, посвящённого культу этой богини, расчленена на ряд поясов. В нижнем фризе обозначены мотивы речного сельского пейзажа, деревья, растущие у воды. Следующий показывает вереницу мерно движущихся по берегу реки баранов. Выше расположено столь же мерное шествие людей, несущих блюда с яствами и фруктами. Верхний посвящён церемонии поклонения богине и приношения ей даров.

Поставленные в храмах как Северного, так и Южного Двуречья скульптурные фигуры «заступников», показывают, что в первой половине 3-го тыс. до н.э. в скульптуре Шумера сложилось значительное образное расчленение. Каменные небольшие (всего 34–40 сантиметров в высоту), а порой и полутораметровые, статуи из алебастра, известняка, песчаника, базальта обладали вытянутыми пропорциями, удлинёнными лицами. Фигурки Южного Двуречья были большеголовыми и приземистыми. В то же время и те и другие как бы родственны между собой. Всё в них: поза, возведённые к небу глаза, сложенные у груди ладони, – направлено на выявление внутреннего состояния просветлённости. Таковы базальтовая фигура начальника житниц города Урука Курлиля, алебастровая статуя сановника Эбих-Иля (из города Мари) и каменная статуя бога Аб-У из города Эшнуна.

Многочисленные статуи правителя города Лагаша Гудеа (22 в. до н.э.) отмечены подлинной монументальностью, несмотря на свои сравнительно небольшие (около 1,5 метра) размеры. Статуи передавали как возрастные признаки правителя, так и характерные приметы его лица. В глыбе камня мастера сумели выявить живую пластику человеческого тела, почувствовать напряжённость мышц.

Размещено на Allbest.ru

Архитектура и искусство.

Богатство господствующего класса нашло своё отражение мощной и повсеместной строительной деятельности царей. Интенсивное строительство, покрывшее страну храмами и дворцами, было возможно благодаря наличию многочисленных рабов-военнопленных, а также использованию труда свободного населения. Однако в Двуречье в отличие от Египта в силу местных природных условий не существовало каменного строительства, и все здания возводились из кирпича-сырца.

В отличие от Египта здесь не развился в такой мере заупокойный культ и не строилось ничего подобного каменным громадам пирамид или погребальным сооружениям египетской знати. Но, располагая огромными средствами, архитекторы Шумера и Аккада воздвигали грандиозные ступенчатые храмы-башни (зиккураты). В архитектуре Двуречья встречаются уже с древнейших времён колонны, не игравшие, впрочем, большой роли, а также и своды. Довольно рано появляется приём расчленения стен путём выступов и ниш, а также орнаментации стен фризами, выполненными в мозаичной технике.

Шумерские ваятели создавали статуи богов и представителей знати, а также рельефы (например, «Стела коршунов»). Однако если ещё в период культуры Джемдет-Наср шумерские художники сумели достичь известных успехов в передаче образа человека, то в период существования ранних городов-государств господствует грубая схематизация - человек изображается либо неестественно приземистым, либо в неестественно вытянутых пропорциях, с преувеличенным размером глаз, носа и т. д. Также и в камнерезном искусстве изображение подчиняется геометрическим схемам. Ваятели времён династии Аккада далеко превзошли ранних шумерских ваятелей, сумев, в частности, отобразить живые существа в движении. Рельефы времени Саргона и особенно времени его внука Нарамсина поражают своим художественным мастерством. Одним из наиболее замечательных художественных памятников является стела Нарамсина, посвящённая победе над горными племенами. В рельефе отображён драматизм боя в условиях гористой местности, где происходило это сражение.

На большой высоте стояло и прикладное искусство Аккада. Особенно обращают на себя внимание художественно выполненные изображения сюжетов из мифов и эпоса, вырезанные на цилиндрических печатях из цветного камня. Очевидно, художники этого периода не потеряли связи с народным искусством Двуречья.

Искусство Лагаша времени Гудеа (как, например, в портретных статуях самого Гудеа из твёрдого камня - диорита) и времени III династии Ура использовало, несомненно, лучшие образцы искусства Аккада. Однако со времени III династии Ура в искусстве утверждаются мёртвые, канонические схемы изображений, преобладают однообразные религиозные сюжеты.

Народы Двуречья создали ряд инструментов - свирель, флейту, бубен, арфу и т. п. По свидетельству дошедших до нас памятников, эти инструменты использовались в храмовом культе. На них играли особые жрецы, выступавшие и в качестве певцов.

Крито-микенское искусство. Общая характеристика. Основные произведения.

условное наименование искусства Древней Греции эпохи бронзы (около 2800-1100 до н. э.); более широкое название - эгейское искусство.

(Источник: «Популярная художественная энциклопедия.» Под ред. Полевого В.М.; М.: Издательство "Советская энциклопедия", 1986.)

кри́то-мике́нское иску́сство

(эгейское искусство), искусство, сложившееся на островах Эгейского моря и в южной части Балканского полуострова (3 – 2-е тыс. до н. э.). Искусство о. Крит и островов Кикладского архипелага – Парос, Наксос, Сирос, Фера (3-е – сер. 2-го тыс. до н. э.) принято называть минойским по имени мифического царя Миноса, сына бога Зевса и царевны Европы. Культуру, развивавшуюся на Балканском полуострове (1600–1100 гг. до н. э.), где жили грекоязычные племена ахейцев и где главенствующее положение занимали «златообильные Микены», город легендарного царя Агамемнона, именуют микенской.

Лабиринт колоннами , сужавшимися книзу, что уподобляло их сталактитам, свисающим со сводов пещер. Позднее в Фесте и др. местах на Крите были также обнаружены руины дворцов и меньших по размеру комплексов (т. н. виллы). Во всех дворцах были зрелищные площадки – мощённые плитами дворы, обрамлённые каменными лестницами. Здесь происходили священные игры с быком, более опасные, чем испанская коррида, так как участвовавшие в них юноши и девушки были безоружными (фреска «Игры с быком», 17–16 вв. до н. э.). Бык считался священным животным Великой Богини, в образе которой критяне почитали природу. Изображения священных рогов и двулезвийных топоров-лабрисов, с помощью которых совершались жертвоприношения, – один из излюбленных мотивов минойских мастеров. Однако искусство критян словно «не знает» зла и смерти: в вазописи лабрисы «прорастают» лепестками лилий; поражают совершенством ритоны (фигурные сосуды) в виде головы быка, на лбу которого, в том месте, куда вонзается топор, расцветает цветок. Фресковые фризы с пейзажами и сценами празднеств опоясывают комнаты. Силуэты фигур и предметы очерчены гибкими, «бегущими» линиями («Собиратель шафрана», 17 в. до н. э.). Чарующе прелестна т. н. «Парижанка» (15 в. до н. э.), изображение одной из девушек в сцене празднества в оливковой роще. Критские мастера были знакомы с египетскими канонами изображения человеческой фигуры («Царь-жрец», 15 в. до н. э.), однако в целом минойское искусство не было связано жёсткими правилами: в нём воплотилось восторженное любование природой, с которой органически слит человек. Образы природного мира воплотились и в пластичных, упругих формах и росписях критских сосудов (см. ст. Вазопись ). На Крите не были обнаружены крупные статуи; скульптура представлена небольшими керамическими фигурками богинь (или жриц) со змеями в руках, с осиной талией, в пышных юбках с воланами и корсажах, открывающих пышную грудь.
«Игры с быком». Фреска Кносского дворца. 17–16 вв. до н. э. Остров Крит «Боксирующие мальчики». Фреска. 15 в. до н. э. Национальный археологический музей. Афины. Львиные ворота в Микенах. 14 в. до н. э. Упадок минойской культуры связывают с извержением вулкана на о. Фера (ныне Санторин), произошедшим ок. сер. 2-го тыс. до н. э., вызвавшим землетрясения и волну-цунами, обрушившуюся на Крит. Воспользовавшись ослаблением Кносса, ахейцы захватили остров, испытав при этом сильное влияние минойской культуры. Согласно другим версиям, ахейские правители, бравшие в жёны критских принцесс, постепенно завладели островом в период обострения там внутренних междоусобиц. С 15 в. до н. э. минойское искусство утратило живую непосредственность, стало суше и жёстче. Появившиеся в нём новые черты отражали вкусы ахейских правителей, на которых, вероятно, работали в это время многие критские мастера. Расцвет микенской культуры приходится на 14–13 вв. до н. э. Города ахейцев – Микены, Тиринф, Афины, Пилос и др. – представляли собой суровые крепости, возводившиеся на склонах скал. Их центром был акрополь с дворцом правителя (мегароном). Мощные крепостные стены были сложены из огромных необработанных камней без скрепляющего раствора (т. н. «циклопическая кладка»: по преданию, тяжёлые глыбы поднимали одноглазые великаны-циклопы). Стены Тиринфа достигали толщины 17 м; внутри них располагались ходы, где помещались цистерны с водой, склады оружия и продовольствия. Входом в цитадель Микен служили Львиные ворота, украшенные плитой с изображением двух грозных львиц. В 1876 г. немецкий археолог Г. Шлиман обнаружил внутри крепости шахтовые (высеченные в скале) гробницы правителей Микен, которых он принял за Агамемнона и его сподвижников. Впоследствии было установлено, что захоронения гораздо древнее (16 в. до н. э.). Грудь умерших прикрывали золотые доспехи, на лицах лежали золотые маски. Выбитые на тонком золотом листе лики лаконично и убедительно передавали облик суровых вождей-воинов (т. н. «маска Агамемнона»). Обычай прикрывать лица покойных масками существовал в Древнем Египте, однако пока нет данных о заимствовании этого обычая ахейцами оттуда. В 15 в. до н. э. шахтовые могилы сменились величественными каменными гробницами – толосами. К т. н. «гробнице Атрея» (14 в. до н. э.) ведёт выложенный каменными плитами коридор-дромос длиной 36 м. Захоронение перекрыто полусферическим ложным сводом, образованным выступающими друг над другом рядами камней. В древности потолок был украшен позолоченными розетками (украшениями в форме цветка), олицетворяя звёздное небо. Из микенских дворцов лучше всего сохранился дворец в Пилосе, обнаруженный археологами в 1950-х гг. Строгая продуманность, симметрия плана просторных прямоугольных помещений – отличительная черта микенской архитектуры. В монументальной живописи и вазописи праздничное ликование минойского искусства сменилось прославлением торжества физической силы, героического духа и сурового мужества. Живописные изображения отличает строгая симметрия и жёсткость форм. В изобразительном и декоративно-прикладном искусстве преобладают битвы и охоты (кинжал со сценой охоты на львов, золотой перстень со сценой битвы; оба – 16 в. до н. э.; кратер – сосуд для вина – с проводами воинов, 12 в. до н. э.). Троянская война (13 в. до н. э.) положила начало упадку микенской культуры. Ок. 1200 г. её развитие было прервано нашествием племён дорийцев. Возможно также, что дорийцы пришли на уже разорённые междоусобными войнами земли. Наступили «тёмные века», по прошествии которых искусство пережило новый расцвет в Древней Греции.

Кносский дворец.

Минойская культура пережила яркий расцвет в первой пол. 2-го тыс. до н. э. Её памятники были открыты лишь в нач. 20 в. Английский археолог А. Эванс раскопал руины дворца в Кноссе на о. Крит, который он назвал «дворцом Миноса». Центром огромного, площадью более 8 тыс. м 2 , комплекса был обширный прямоугольный двор; вокруг него на уровне нескольких этажей располагались парадные залы, святилища, склады, соединённые длинными извилистыми коридорами и лестницами. Нижние помещения вырубались в толще скалы, верхние возвышались над холмом. Восточная часть дворца открывалась в окружающий пейзаж колонными галереями. В западной части, где, по-видимому, находился парадный вход, помещения были защищены мощными стенами. Сложная планировка дворца, обилие запутанных ходов, внезапные спуски и повороты позднее напомнили грекам построенный мифическим зодчим и скульптором Дедалом Лабиринт , в подземелье которого обитал Минотавр. Окон не было. В коридорах царила кромешная тьма. Лишь иногда за поворотом в местах т. н. световых колодцев сиял ослепительный столп света, лившегося сверху; для этого в плоских крышах были сделаны квадратные проёмы, которым соответствовали такие же отверстия в нижележащих этажах. Вокруг открытого проёма вились лестницы, украшенные покрытыми ярко-красной обмазкой деревянными колоннами , сужавшимися книзу, что уподобляло их сталактитам, свисающим со сводов пещер.

Архаическое искусство. Создание ордерной системы.

Развитие греческого храма шло от простейших форм к сложным, от деревянных к каменным. Постепенно возник окруженный со всех сторон колоннами периптер. Вход был обычно с востока. Основное помещение - наос, или целла,- располагалось за преддверием - пронаосом. Сзади целлы - в адитоне или опистодоме - хранились дары.

В VII веке до н. э. возникли архитектурные ордеры, в которых находили выражение не только технические качества сооружения, но и художественные. В здании, построенном в ордерной системе, действуют две противоборствующ

греческие зодчие сознавали, что соотношение размеров колонн, балок архитрава и фриза играют не только конструктивную роль. Изменяя их пропорции, мастера варьировали взаимодействие несущих и несомых сил, оказывая архитектурой здания то или иное художественное впечатление на человека.

эпоху архаики основным материалом строителям служит камень - сначала известняк, затем мрамор. Здания не только становятся более прочными, чем деревянные, но и выглядят величественнее. Примечательно, что, несмотря на повсеместную смену материала, внешний вид ордера - колонн и антаблемента - остается прежним, как и в деревянной архитектуре. Порой элементы, являвшиеся конструктивными (фриз), превращаются в декоративные. Мастера любят украшать крыши храмов акротериями и антефиксами. Это время особенно широкого изготовления сначала живописных, а затем рельефных метоп, многофигурных композиций на фризах, сложных сюжетных групп на фронтонах. Для этого используются терракота, известняк, мрамор.

Лучше других выдержали испытание временем изваяния дорического храма Артемиды на острове Корфу. На его рельефах представлено несколько тем. В центре - побежденная Персеем горгона Медуза (илл. 15 ). Справа - битва олимпийцев с гигантами, слева - эпизод из Троянской войны. Разносюжетные сцены объединяет идея борьбы, охватившей все сферы мира.

Круглая скульптура и надгробия

Основной темой в искусстве греков становится прежде всего человек, представленный в виде бога, героя, атлета. Уже к началу архаики относится кратковременная вспышка гигантизма при изображении человека в конце VII века до и. э. на Фазосе, Наксосе, Делосе. В памятниках скульптуры архаики нарастает пластичность, сменяющая схематизм, присущий образам геометрики. Эта особенность выступает в бронзовой статуэтке Аполлона из Фив, где заметны округлости плеч, бедер, сдержанная орнаментальность волос. После суховатости и жесткости форм геометрических фигур в раннеархаических памятниках нарастает свежесть восприятия образа, хотя порой мастера наивны в решении деталей (илл. 20 ). Своеобразными памятниками VII века до н. э. были так называемые ксоаноны - изображения божеств, исполняемые в дереве, редчайшие экземпляры которых были недавно найдены в греческих городах Сицилии (илл. 21 ).

Живопись и вазопись

Художники VII-VI веков до н. э. использовали различные материалы. Они создавали свои композиции на глиняных метопах (илл. 35 ), деревянных досках (сцена жертвоприношения из Сикиона) (илл. 36 ), небольших, посвящавшихся богам глиняных табличках пинаках (Афины) (илл. 34 ), стенках глиняных расписных саркофагов (Клазомены), на известняковых и мраморных надгробиях (стела Лисия, стела из Суниона). Но таких памятников, где роспись наносилась на плоскую поверхность, сохранилось не много, и лучше дошли рисунки на сферических поверхностях ваз, подвергавшихся обжигу, способствовавшему прочности краски.

В конце VIII века до н. э. в греческом обществе формировались новые вкусы и интересы. Упрощенные, условные геометрические изображения перестали удовлетворять; в рисунках на вазах художники VII века до н. э. начали обильно вводить растительные мотивы и сюжетные сцены. Близость малоазийского Востока выразилась в декоративности и красочности композиций, заставивших называть стиль вазописи VII века до н. э. ориентализирующим, или ковровым. Художественно совершенные сосуды изготавливались на Крите, островах Делосе, Мелосе, Родосе и в городах Малой Азии, в частности Милете. Крупным центром производства ваз в VII и в начале VI века был город Коринф, а в VI веке - Афины.

В VII веке формы ваз становятся разнообразнее, но заметно тяготение к округлости контуров. Подобное же нарастание сочности объемов происходило в скульптуре и в архитектуре. Тонкие деревянные подпорки сменялись пухлыми с энтазисом каменными колоннами. Усложнялась и техника нанесения рисунков на вазы VII века, богаче становилась палитра художника. Кроме черного лака использовались белая краска, пурпур разных тонов и для обозначения деталей - процарапывание.

Изображенные на мелосском сосуде Аполлон с музами и Артемида показаны не так схематично, как в геометрических композициях. В росписях этого времени заметно восхищение мастеров яркой красочностью мира. Рисунки так декоративны и насыщены орнаментами, как гомеровские гимны той порывыразительными эпитетами. В них меньше мужественности, чем в геометрических сценах, но сильнее выступает лирическое начало. Характер композиций на вазах этого времени созвучен поэзии Сафо.

В изяществе узоров пальметт, кругов, квадратов, меандров, спиралевидных усиков выступает аромат природы стилизованной, прошедшей сквозь чувство декоратора - вазописца. Орнаментальность, составляющая отличительную черту рисунков этого периода, пронизывает фигурные изображения и поглощает их, растворяет в певучих ритмах своих мотивов. Орнаментальны контуры людей и животных, узорами старательно заполнены промежутки между фигурами и предметами.

Пестрым ковром лежит роспись на островных сосудах. Поверхность сочного и пухлого по форме родосского кувшина - ойнохои разделена на фризы - полосы с мерно выступающими на них животными (илл. 37 ). На родосских вазах особенно часто изображаются пасущиеся или спокойно идущие друг за другом звери, птицы, порой реальные, но нередко и фантастические - сфинксы, сирены с красивыми динамичными линиями упругих контуров.

Много общего в характере таких росписей с любимой в то время роскошью одежд, обилием украшений, упоминания о которых встречаются в стихах поэтов VII века:

"Гектор с толпою друзей через море соленое

Редкими памятниками живописного искусства конца VII века являются глиняные метопы храма Аполлона в Ферме. На одной из них художник трактовал полет Персея, как быстрый бег, избежав скованности, но и здесь он использовал много орнаментов, обрамляя границы метопы розеттами и украшая ими хитон героя.

Чернофигурная и краснофигурная вазовая роспись. Сюжеты и особенности композиции.

Чернофигурная вазопись

Материал из Википедии - свободной энциклопедии

Текущая версия страницы пока не проверялась опытными участниками и может значительно отличаться от версии, проверенной 6 декабря 2013; проверки требует 1 правка.

Изображение петуха на коринфскойчернофигурной амфоре Ок. 575-550 гг. до н. э. Лувр

Чернофигурная вазопись - один из наиболее значимых стилей вазописи наряду с краснофигурной вазописью. Расцветдревнегреческой чернофигурной вазописи приходится на VII-IV вв. до н. э.

Истоки [править | править исходный текст]

Амфора. Гончар Андокид. Вазописец Андокид. Воины, по бокам Гермес иАфина. Ок. 530 г. до н. э. Лувр. Париж

Первые вазы в краснофигурном стиле появились около 530 г. до н. э. Считается, что эту технику изобрёл вазописец Андокид. Первоначально Андокид и другие приверженцы нового стиля (например, Псиакс) расписывали вазы в двух стилях одновременно: на одной стороне вазы изображение выполнялось с чёрными фигурами, а на другой - с красными. Такие сосуды (например, в экспозиции Государственного античного собрания в Мюнхене), называются билингвами. По сравнению с чернофигурным стилем это был уже большой шаг вперёд, однако фигуры на них выглядели достаточно скованно, а сюжеты редко сочетались между собой. На этих вазах ещё можно отследить приёмы, заимствованные из старого стиля, как, например, насечки контуров изображений или покрытие значительных участков красной краской.

Греческая скульптура классического периода. Поликлет Диадумен Раненая амазонка

Мирон Дискобол Скопас менада

Фидий Афины-воительницы, Афины-Промахос, Праксителя АФРОДИТА КИНСКАЯГермес с младенцем Дионисом Лисипп

Афины с VI в. до н. э. стали символом высших достижений греческой культуры. Сюда стремились художники, поэты, скульпторы. Поэт Пиндар, происходивший из Беотии и всегда относившейся к Афинам враждебно, писал: «Блестящие, увенчанные фиалками, воспетые славные Афины, опора Эллады, божественный город».

А один из острых на язык современников констатировал: «Если ты не видел Афин, то ты пень, если видел и не был восхищен, то ты осел, а если по своему желанию их покинул, то ты верблюд». Верблюд было одно из самых обидных прозвищ в античности.

Искусство высокой классики достаточно полно характеризуют слова Перикла, стратега, стоявшего пятнадцать лет во главе Афин: «Мы любим красоту без прихотливости и мудрость без изнеженности». Мудрый Солон выразился еще короче: «Ничего лишнего».

http://obsaatetradantichnost.blogspot.com/p/5-4.html

Искусство Греции 5– 4 вв. до н. э. Создание классического художественного стиля.

росписям на глиняной посуде скульптура

Периодизация древнегреческого искусства[править | править исходный текст]

предшествующий период - Эгейское искусство (Крито-Микенское искусство) - ХХХ в. до н.э. - XII в. до н.э.

Ахейско-минойское искусство

Геометрический период («Гомеровская Греция») - ок.1050 г. до н.э.-VIII в. до н.э.

1. Протогеометрика (Субмикенский период) - ок.1050 г. до н.э.- ок. 900 г. до н.э.

   Геометрика (расцвет) - ок.900 г. до н.э.- ок. 750 г. до н.э.

   Поздний геометрический период (Депилон) - ок.750 г. до н.э.- нач. VII в. до н.э.

Архаический период - VII в. до н.э.- нач. V в. до н.э.

1. Ранняя архаика - нач. VII в. до н.э. - 570-е гг. до н.э.

   Зрелая архаика - 570-е гг. до н.э. - 525-е гг. до н.э.

   Поздняя архаика - 525-е гг. до н.э. - 490-е гг. до н.э.

Классический период - V в. до н.э.- сер. IV в. до н.э.

1. Ранняя классика («Строгий стиль») - 1-я пол. V в. до н.э.

   Высокая классика - 2-я пол. V в. до н.э.

   Поздняя классика - IV в. до н.э.

Эллинистический период - сер. IV в. до н.э. - I в. до н.э.

Сооружения Акрополя и их скульптурное убранство. Синтез скульптуры и архитектуры. ФИДИЙ ПАРФЕРОН

Внутри Парфенона находилась огромная статуя Афины Парфенос (девы),

В той же хрисоэлефантинной технике Фидием была создана и огромная сидящая статуя Зевса для храма Зевса в Олимпии, включённая позднее в список семи чудес света.

Два направления развития скульптуры классического периода Древней Греции (Скопас. Пракситель).

Скопас. Битва греков с амазонками. Фрагмент фриза Галикарнасского Мавзолея, менада(сопровожд. диониса)

Пракситель Афродита Книдская

Индивидуализация образа, психологизм (Лисипп), и идеализация образа (Леохар).

ЛИССИП:Отдыхающий Гермес

цикл скульптур, посвященных подвигам Геракла

скульптура Кайроса (бога благоприятного случая)

Геракл и Телефос

колосс Зевса в Таренте

В честь Лисиппа назван кратер на Меркурии.

ЛЕОХАР: Аполло́н Бельведе́рский - римская мраморная копия бронзового оригинала работы древнегреческого скульптора Леохара (придворный скульптор Александра Македонского, ок. 330-320 до н. э.)

Искусство Эллинизма – конец 4 –1 вв. до н. э. Общая характеристика. Основные произведения

АЛЕКСАНДР МАКЕДОНСКИЙ РИМ

Для эпохи эллинизма характерно было стремление к монументальности. Создаются огромных размеров статуи, типичный пример - Родосский колосс, фигура бога Гелиоса высотой 32 метра. ИЗГОТОВЛЕНАЯ ХЕРЕСОМ учеником лиссипа

Пергамская школа. Мужество воплощено в скульптурных группах "Умирающий галл", "Галл, убивающий себя и свою жену". Выдающаяся скульптура эллинизма - Афродита Милосская работы Агесандра - обнаженная наполовину, строгая и возвышенно спокойная.

Малые фигурки людей из терракоты

Этрусское искусство.

Архитектура этрусков была достаточно развита. Лучше всего сохранились стены, окружавшие этрусские города, и гробницы.

Шедевры человеческого гения — это отражения глубинных тенденций, происходящих внутри общества. Собственно, авторы нетленных произведений, как люди особой духовной конституции, натуры чувствительные, не могут равнодушно наблюдать внутренние процессы, происходящие в обществе — и выплескивают эмоциональный отзвук в своих творениях. Искусство является лишь непредвзятым зеркалом реальности, отражающим все детали и явления с поразительной остротой. История развития искусства отображает историю развития человечества.

Развитие мирового искусства, как и отдельно взятых стран и народностей, идет, как известно, не только по спирали, но и синусоидально.

Новые тенденции в искусстве, спады или падения его становятся своеобразным индикатором общечеловеческого прогресса или регресса в данный конкретный период времени.

В данной работе рассмотрены проблемы возникновения искусства, проанализированы основные теории и подходы к происхождению искусства и исследованы основные особенности первобытного искусства.

Первобытное искусство — искусство эпохи первобытнообщинного строя. Возникло в позднем палеолите (ок. 30 го тыс. до н. э.) и отражало образ жизни и воззрения первобытных охотников (примитивные жилища, полные жизни и движений пещерные изображения животных, женские статуэтки). У земледельцев и скотоводов неолита и энеолита появились общинные поселения, мегалиты, свайные постройки, изображения стали передавать отвлеченные понятия, развилось искусство орнамента. В эпоху неолита, энеолита, бронзового века у племен Египта, Индии, Передней, Средней и Малой Азии, Китая, Южной и Юго-Восточной Европы сложилось искусство, связанное с земледельческой мифологией, орнаментированная керамика, скульптура). У северных лесных охотников и рыболовов бытовали наскальные изображения, реалистические фигурки животных. Скотоводческие степные племена Восточной Европы и Азии на рубеже бронзового и железного веков создали звериный стиль.

Поздние этапы происхождения искусства связаны с разложением первобытного строя. Особенностью первобытной культуры является прежде всего то, что она, образно говоря, скроена по мерке самого человека. У истоков материальной культуры вещами командовал человек, а не наоборот. Конечно, круг вещей был ограничен, человек мог их непосредственно обозревать и чувствовать, они служили продолжением его собственных органов, в определенном смысле были их вещественными копиями. Но в центре этого крута стоял человек — их создатель. Первобытная история, как и культура, имела еще одну особенность — примитивный коллективизм.

Общепринятого объяснения причин возникновения искусства нет. В марксистском учении происхождение искусства объясняется трудовой деятельностью. Г.В. Плеханов писал по этому поводу, что искусство — дитя труда, а не игры.

Согласно иным взглядам, искусство связано с религией. Магия охоты и магия плодородия находили отражение в деятельности первобытных художников, где образам искусства придавалось значение заклинания, а не наслаждения. Такая точка зрения во многом основана на том, что первобытные художники делали изображения в потаенных местах пещер, в темных камерах и коридорах, на значительном отдалении от входа, где и два человека не могли разойтись. Это объясняют желанием создать вокруг настенных изображений атмосферу тайны, естественную для магических действий.

Существуют также традиция связывать происхождение искусства с игровой деятельностью. Давно было замечено, что первобытные изображения постепенно становились менее реалистичными, более условными. Но для игры как раз и характерно создание человеком в условном пространстве и времени порядка, который определяется им самим. Играющий человек выражает себя в условно независимом, свободном состоянии, в состоянии незаинтересованности по отношению ко всему, что не связано с игрой. Отсутствие внешней, посторонней цели, когда целью становится сама деятельность, роднит искусство и игру.

В книге «Утро искусства»академик А.П. Окладников писал, что у первобытных художников была лишь потребность в материализованном выражении внутренних переживаний, чувств и идей, творческой фантазии.
Не исключено, что первобытные художники, проникавшие в потаенные места пещер, делали это не для магии, а чтобы избежать свидетелей своего творчества, которое могло казаться со стороны пустым, непонятным и из-за этого, может быть, вредным занятием. Некоторые ученые связывают с игрой не только искусство, но и всю первобытную культуру, видят в ее истоках игру. Такой подход характерен для философской герменевтики. Г. Гадамер, рассматривал историю и культуру как своего рода игру в стихии языка.

Еще более показательны в этом отношении взгляды голландского историка культуры И. Хойзинги (иногда пишется Хейзинга). В своей книге «Человек играющий. Попытка определения игрового элемента в культуре» (1938) он универсализировал понятие игры, к которой свел все многообразие человеческой деятельности и рассматривал ее как основной источник и высшее проявление человеческой культуры. Чем ближе культура к архетипам, т.е. чем более она первобытна, тем более она игра; но отдаляясь от своих истоков, подобно тому как человек отдаляется от своего детства, культура утрачивает игровое начало.
Конечно, любая теория, в которой происхождение искусства, равно как и культуры, сводится к трудовой или игровой деятельности, к магии, не бесспорна. Естественно, что создание любой культурной ценности — это труд. Но разве игра — не труд? Что может быть серьезнее для ребенка, чем игра? Но и труд вполне взрослого человека, когда он сам по себе доставляет ему радость и удовлетворение, мало чем отличается от игры. Наконец, разве культура и искусство не оказывают магического воздействия, внушая нам мысли и чувства или пробуждая желания, которые без них у нас бы просто не возникли?

В вопросе о происхождении искусства важно понять не столько причину, сколько цели, которые преследовал первобытный художник, создавая изображения. Ясно, что они могли быть разными, что сами изображения потом использовались с различными целями. Но если художник, как писал А.П. Окладников, удовлетворял свою потребность в материализованном выражении внутренних переживаний, которые для него были идеальны, то целью его творчества служило изображение идеала. Если для культуры в целом характерно постоянное несовпадение целей и идеалов, то в начальной стадии культуры это совпадение все же происходило в силу синкретического характера первобытной культурной деятельности.

2. ТЕОРИИ ПРОИСХОЖДЕНИЯ ИСКУССТВА

Никто точно не может сейчас определить время возникновения искусства. Но множество данных свидетельствует о том, что зарождалось искусство в эпоху появления человека Разумного. Проблема появления искусства неразрывно связана с проблемой человека. Как существует несколько теорий происхождения человека, так существует и несколько теорий происхождения искусства.

Крупный эстетик и искусствовед Михелес Панаотис так пишет о связи искусства с божественным. «Между человеком и божеством стоит природа, Вселенная, дающая человеку самые простые образы, на тему которых он размышляет, - солнце, звезды, дикие животные и деревья - и стимулирует простейшие, но сильные эмоции - страх, смятение, покой. Образы и впечатления от внешнего мира являются вначале неотъемлемой частью религиозного опыта. Человек, микрокосм, не только противостоит макрокосму, но и связан с ним посредством божественного. Более того, впечатления человека не лишены эстетического характера, и образы природы, питая религиозное воображение, дают мастеру модели и вдохновляют художника на самовыражение посредством этих моделей. С помощью искусства и ремесла (которые вначале не разделялись) примитивный человек не только имитирует и символизирует стихию, но и завоевывает ее, потому что уже конструирует и создает. Он не только властвует над духом дикого животного, изображая его на стенах пещеры; он создает крытые жилища, хранит воду в сосудах, изобретает колесо. Микрокосм, обогащенный искусством и ремеслом, духовным и техническим завоеваниями, смело смотрит в лицо макрокосму».

Вторая теория возникновения искусства - эстетическая, отражена частично и в предыдущих рассуждениях М. Панаотиса. Наскальные и пещерные рисунки датируются от 40-20 тыс. лет до н.э. К первым изображениям относятся профильные изображения животных, выполненные в натуральную величину. Позднее появляются изображения людей. Во времена возникновения племенных объединений создаются песни и гимны: песни землевладельцев, исполнявшиеся на полях во время земледельческих работ и на праздниках после сбора урожая, боевые гимны воинов - пэаны, запевавшиеся перед началом боя, свадебные гимны - гименеи, погребальные причитания - орены. Одновременно создавались сказания о богах и богинях, их вмешательствах в дела как отдельных людей, так и целых племен. Реальные исторические факты обрастали легендарными подробностями. Возникая в одном племени, эти сказания и легенды распространялись среди других, переходя от поколения к поколению.

Таким образом с помощью искусства накапливался и передавался коллективный опыт. Первобытное искусство было единым, не делилось на отдельные виды и носило коллективный характер. В рабовладельческом обществе с появлением избыточного продукта трудовой деятельности, который сделал возможным появление людей занимающихся только искусством. Также происходит разделение искусства на виды.

Наряду с вышеперечисленными теориями возникновения искусства существует психофизиологическая теория. С точки зрения этой версии - искусство было необходимо человечеству для того чтобы сохранить себя и выжить (с точки зрения психологии) в этом сложном мире. Философ и психоаналитик Эрих Фромм так пишет о потребности человека в творчестве. «В отличие от пассивного приспособления, присущего животному, люди стремятся преобразовывать мир. А это невозможно без тяготения к запредельному, без поиска идеального. Без этой внутренней изготовки к возвышенному, к романтическому порыву личность не может подняться над повседневной прозой жизни. Эта потребность продиктована наличием творческих сил в каждом индивиде, среди которых особое место занимает воображение, эмоциональность. В акте творчества человек соединяет себя с миром, разрывает рамки пассивности своего существования, входит в царство свободы».

Искусство приобрело свои основные черты еще в античности, но там оно не сразу начало мыслиться как особый вид деятельности. Вплоть до Платона «искусством» называлось и умение строить дома, и навыки кораблевождения, и врачевание, и управление государством, и поэзия, и философия, и риторика. Сначала этот процесс обособления собственно эстетической деятельности, то есть искусства в нашем понимании, начался в конкретных ремеслах, а затем был перенесен и в область духовной деятельности, где эстетическое также не было сначала обособлено от утилитарного, этического и познавательного.

3. ПЕРВОБЫТНОЕ ИСКУССТВО: ОБЩАЯ ХАРАКТЕРИСТИКА

Первобытное или иначе называемое примитивное искусство территориально охватывает все континенты, кроме Антарктиды, а по времени - всю эпоху существования человека, сохранившись до сих пор у некоторых народностей, живущих в отдаленных уголках планеты.

Обращение первобытного человека к новому для него виду деятельности — искусству — одно из величайших событий в истории человечества. Первобытное искусство отразило первые представления людей об окружающем мире, способствовало сохранению и передаче знаний и навыков, служило средством общения. Для первобытного человека искусство стало таким же универсальным инструментом духовной культуры, каким был заостренный камень в его трудовой деятельности.

Что натолкнуло человека на мысль об изображении тех или иных предметов? Как знать, стала ли раскраска тела первым шагом к созданию изображений, или человек угадал знакомый силуэт животного в случайном очертании камня и, обтесав его, придал большее сходство? А может быть тень животного или человека послужила основой рисунка, а отпечаток руки или ступни предшествует скульптуре? Определенного ответа на эти вопросы нет. Древние люди могли прийти к идее изображать предметы не одним, а многими путями.

До недавнего времени у ученых существовало два противоположных взгляда на историю первобытного искусства. Одни считали древнейшими пещерную натуралистическую живопись и скульптуру, другие — схематические знаки и геометрические фигуры. Сейчас большинство исследователей придерживается мнения, что и те, и другие формы появились приблизительно в одно время. Например, к числу древнейших изображений на стенах палеолитических пещер относятся и оттиски руки человека, и беспорядочные переплетения волнистых линий, продавленных в сырой глине пальцами той же руки.

Первые произведения первобытного искусства созданы около тридцати тысяч лет назад, в конце эпохи палеолита или древнего каменного века. Каменный век - древнейший период в истории человечества (начался свыше 2 млн. лет назад, продолжался до VI тысячелетия до н. э.), когда орудия и оружие изготовлялись из камня; делится на палеолит, мезолит и неолит.

Самыми древними скульптурными изображениями на сегодняшний день являются так называемые «палеолитические Венеры» - примитивные женские фигурки. Они еще очень далеки от реального сходства с человеческим телом. Всем им присущи некоторые общие черты: увеличенные бедра, живот и груди, отсутствие ступней ног. Первобытных скульпторов не интересовали даже черты лица. Их задача заключалась не в том, чтобы воспроизвести конкретную натуру, а в том, чтобы создать некий обобщенный образ женщины-матери, символ плодородия и хранительницы очага. Мужские изображения в эпоху палеолита очень редки. Помимо женщин изображали животных: лошадей, коз, северных оленей и др. Почти вся палеолитическая скульптура выполнена из камня и кости.

В истории пещерной живописи эпохи палеолита специалисты выделяют несколько периодов. В глубокой древности (примерно с ХХХ тысячелетия до н.э.) первобытные художники заполняли поверхность внутри контура рисунка черной или красной краской.

Позднее (примерно с XVIII по XV тысячелетие до н.э.) первобытные мастера стали больше внимания уделять деталям: косыми параллельными штрихами они изображали шерсть, научились пользоваться дополнительными цветами (различными оттенками желтой и красной краски), чтобы нарисовать пятна на шкурах быков, лошадей, бизонов. Линия контура также изменилась: она стала то ярче, то темнее, отмечая светлые и теневые части фигуры, складки кожи и массы шерсти (например, гривы лошадей, массивные загривки бизонов), передавая таким образом объем. В некоторых случаях контуры или наиболее выразительные детали древние художники подчеркивали вырезанной линией.

В XII тыс. до н. э. пещерное искусство достигло своего расцвета. Живопись того времени передавала объем, перспективу, цвет и пропорции фигур, движение. Тогда же были созданы громадные живописные «полотна», покрывавшие своды глубоких пещер.

В 1868 г. в Испании, в провинции Сантандер, была открыта пещера Альтамира, вход в которую до того был засыпан обвалом. Почти десять лет спустя испанский археолог Марселино Саутуола, занимавшийся раскопками в этой пещере, обнаружил первобытные изображения на ее стенах и потолке. Альтамира стала первой из многих десятков подобных пещер, найденных позднее на территории Франции и Испании: Ла Мут, Ла Мадлен, Труа Фрер, Фон де Гом и др. Сейчас благодаря целенаправленным поискам только во Франции известно около ста пещер с изображениями первобытного времени.

Выдающееся открытие было сделано совершенно случайно в сентябре 1940 г. Пещеру Ласко во Франции, ставшую еще более знаменитой, чем Альтамира, обнаружили четыре мальчика, которые играя, забрались в яму, открывшуюся под корнями упавшего после бури дерева. Живопись пещеры Ласко — изображения быков, диких лошадей, северных оленей, бизонов, баранов, медведей и др. — самое совершенное художественное произведение из того, что было создано человеком в эпоху палеолита. Наиболее эффектны изображения лошадей, например, маленьких темных низкорослых степных лошадок, напоминающих пони. Интересна также расположенная над ними четкая объемная фигура коровы, приготовившейся к прыжку через изгородь или яму-ловушку. Эта пещера превращена теперь в первоклассно оборудованный музей.

В дальнейшем изображения в целом утратили живость, объемность; усилилась стилизация (обобщение и схематизация предметов). В последний период реалистические изображения отсутствуют совсем. Палеолитическая живопись как бы возвратилась к тому, с чего начиналась: на стенах пещер появились беспорядочные переплетения линий, ряды точек, неясные схематические знаки.

В эпоху мезолита, или среднего каменного века (XII-VIII тысячелетия до н.э.) изменились климатические условия на планете. Одни животные, на которых охотились, исчезли; им на смену пришли другие. Стало развиваться рыболовство. Люди создали новые виды орудий труда, оружия (лук и стрелы), приручили собаку. Все эти перемены, безусловно, оказали влияние на сознание первобытного человека, что отразилось и в искусстве.

Об этом свидетельствуют, например, наскальные рисунки в прибрежных горных районах Восточной Испании, между городами Барселона и Валенсия. Прежде в центре внимания древнего художника были животные, на которых он охотился, теперь - фигуры людей, изображенные в стремительным движении. Если пещерные палеолитические рисунки представляли отдельные, не связанных между собой фигуры, то в наскальной живописи мезолита начинают преобладать многофигурные композиции и сцены, которые живо воспроизводят различные эпизоды из жизни охотников того времени. Кроме различных оттенков красной краски применяли черную и изредка белую, а связующим веществом служили такие стойкие соединения, как яичный белок, кровь и, возможно, мед.

Центральное место в наскальной живописи занимали сцены охоты, в которых охотники и животные связаны энергично разворачивающимся действием. Охотники идут по следу или преследуют добычу, на бегу забрасывая ее стрелами, наносят последний смертельный удар или удирают от разъяренного раненого животного. В это же время появились изображения драматических эпизодов военных столкновений между племенами. В некоторых случаях речь идет, видимо, даже о казни: на первом плане — фигура лежащего человека, пронзенного стрелами, на втором — тесный ряд стрелков, поднявших вверх луки. Изображения женщин встречаются редко: они, как правило, статичны и безжизненны. На смену большим живописным произведениям пришли малые. Зато поражают масштабы композиций и количество персонажей: иногда это сотни изображений человека и животных. Человеческие фигуры очень условны, это скорее символы, которые служат только для того, чтобы изображать массовые сцены. Художник освободил фигуры от всего, с его точки зрения, второстепенного, что помешало бы передавать и воспринимать сложные позы, движение, саму суть происходящего. Человек для него — это воплощенное действие.

Таяние ледников привело в неолите или новом каменном веке (5000-3000 гг. до н.э.) в движение народы, начавшие заселять новые пространства. Усилилась межплеменная борьба за обладание наиболее благоприятными охотничьими угодьями, за захват новых земель. В эпоху неолита человеку угрожала худшая из опасностей — другой человек! Новые поселения возникали на островах в излучинах рек, на небольших холмах, т.е. в местах защищенных от внезапного нападения.

Наскальная живопись в эпоху неолита становится все более схематичной и условной: изображения лишь слегка напоминает человека или животное. Это явление характерно для разных районов земного шара. Таковы, например, найденные на территории Норвегии наскальные рисунки оленей, медведей, китов, тюленей, достигающие восьми метров в длину. Помимо схематизма они отличаются небрежным исполнением. Наряду со стилизованными фигурами встречаются разнообразные геометрические фигуры (круги, прямоугольники, ромбы, спирали и т. д.), изображения оружия (топоры, кинжалы) и средств передвижения (лодки, корабли). Воспроизведение живой природы отходит на второй план.

Первобытное искусство сыграло важную роль в истории и культуре древнейшего человечества. Научившись создавать изображения (скульптурные, графические, живописные), человек приобрел некоторую власть над временем. Он как бы положил начало новой форме бытия — художественной форме — развитие которой прослеживается историей искусства.

Если мы от религии переходим к искусству, то отнюдь не потому, что оба эти направления духовной культуры были напрямую в своем происхождении или содержании связаны. В науке прошлого, однако, имеет весьма распространенное хождение «теория», выводящая возникновение искусства из религиозных форм, в частности из магии и тотемизма.

Вопрос об истоках искусства в различных его формах, как и о сущности первых его проявлений не лишен сложности. Однако указанную ранее «теорию» следует решительно откинуть. Достаточно вспомнить что, как мы это знаем по археологическим изысканиям, и религия и искусство, в частности изобразительное искусство, проявляются в одно время на ориньяко-солютрейской поры, или на этапе . Отклонять из религии искусство означает предположение пред-существование последней, стало быть, религию причислять к самым ранним этапам человеческого существования, причем в столь довольно уже развитом виде, что она способна вызвать новое сложное свое проявление на непосредственно следующем этапе. Не приходится озвучивать, что религия способна оказывать на искусство влияние, но это только потому, что вообще все формы идеологии тесно соприкасаются и влияют друг на друга, причем религия в большей мере, обладая крайней активностью, ищет себе выражения и оказывает влияние как на иные формы идеологии, проникая в язык, мышление, науку и пр., так и на общественные отношения.

Рисунок на камне. Ориньякская культура.

Еще одна теория, а о ней стоит упомянуть, выводит искусство из чувства красоты и эстетизма как-бы присущего человеку органически. На самом же деле в человеке чувство эстетики развивается на протяжении его развития в духовном плане, на почве восприятия совершенства, гармонии и красоты, присущих природе лишь в тот момент, когда человеком начинают воспроизводиться такие природные качества в произведениях собственного труда и во всевозможных формах выражения личных чувств и собственной мысли, т. е. в разнообразных формах уже возникшего искусства. По этому, эстетизм источником искусства являться не может, а искусство, как и природа, в человеке эстетическое чувство развивает самостоятельно.

Вообще, ни каким образом не приходится искусство выводить из какого-либо другого идеологического явления, делать его надстройкой над надстройкой. Искусство имеет общий источник со всеми идеологическими явлениями.

Общим таким источником первобытного искусства в любых его проявлениях является труд и вся трудовая деятельность человека древности. С развитием человека и человеческой общины, с усложнением идеологии этот начальный источник искусства, естественно, становится все более опосредствованным заново появляющимися видами деятельности и человеческих отношений. По существу и своему содержанию искусство первобытности в его всех разнообразных видах представляет не что иное, как форму выражения, соприкасающуюся с деятельностью труда человека, его чувствований, восприятий, настроения и мысли. Данное искусство ни как не является самоцелью, искусством для искусства, а возникает в обществе из потребности человека в общении, стремлении передать свои мысли и чувства.

Первоначальное содержание искусства, его сюжеты и мотивы в свой черед целиком определяются трудом человека в коллективе. С общественным развитием и его отношениями сюда присоединяются во всем их многообразии и во всей той сложности восприятия, чувства, мысли и пр., связанные с личными переживаниями и общественными отношениями человека.

По понятной причине, из разных видов искусства памятники археологии непосредственно сохранили отпечатки исключительно изобразительного искусства.

Памятники раннего палеолита (Шелль, Ашель, Мустье) не обнаруживают никаких признаков наличия изобразительного искусства. Зато вместе с тем подъемом в развитии общества первобытности, который представлен ориньяко-солютрейской стадией, здесь все виды изобразительного искусства появляются сразу. Мы имеем здесь рисунок, который содержит в себе контурное изображение весьма примитивного уровня, путем вырезания или высечения на камне, роге либо кости. Одинаковая примитивность в живописи, ограничивающаяся аналогично контурным наскальным изображением, в черной либо красной краской, нанесенным, по всей вероятности, при помощи пальца. В качестве сюжета преимущественно выступает какой-то вид животного - лошадь, олень, носорог, лев. Обычно дана только голова, редко - вся фигура. Строго реалистичен стиль, что в особенности относится к рисунку.

Рисунок на стене пещеры. Ориньяко-солютрейская культура.

Условные изображения ориньяко-солютрейской эпохи собою представляют ряд точек или линий. Скульптура круглой формы представлена по большей части женскими фигурками, высеченными из камня мягкой породы, известняка, мергеля, реже - из кости мамонта. Редко попадаются мужские фигурки и единичны фигурки животных. Женские фигурки выполнены в манере реализма, тем не менее, иногда туловище вытянуто и значительно подчеркнуты половые признаки. Лицо отсутствует, а руки условны. Изредка фигурка дана в сидячей позе. Обыкновенно высота этих скульптур - пять-десять сантиметров, изредка больше пятнадцати. Прекрасный образец таких фигурок, найденный в Виллендорфе, в Австрии, был прозван «Виллендорфской Венерой». Сходный характер имеют большие рельефные изображения женщины на скалах.

«Виллендорфская венера»

Следом за этими первыми, однако, уже вполне уверенными шагами мадленская культура представляет картину прекрасного расцвета в изобразительном искусстве. Правда, скульптура здесь встречается гораздо реже, причем женские фигурки почти совершенно исчезают; попадаются лишь изображения головы животного. Зато рисунок достигает уже для своего времени поистине замечательного совершенства. Попадаются, конечно, и менее удачные вещи. И здесь сюжетом в большинстве случаев становятся крупные животные - основной объект охоты той поры: бизон, лошадь, олень, изредка - мамонт, носорог, хищники же еще реже. И здесь изображения животных одиночны, композиции очень немногочисленны, иногда группа животных дается путем повторения одной детали, например, стадо оленей изображается в виде ряда ветвящихся рогов. Встречаются изображения рыбы, лосося, щуки, карпа, голавля и др., изредка - птицы. Изображения человека довольно редки, причем эти рисунки всегда менее реалистичны и менее удачны. Изображения растений столь же редки. Особое место в мадленском рисунке за изображениями, представляющими полулюдей-полу-животных.

Значительно выше по сравнению с ориньяко-солютрейским искусством стоит и живопись Мадлена. Это обычно высеченный контур прямо на скале, расписанный красками, белой, красной, желтой и черной, причем красная присутствует в большем объеме. Краски эти, как показали исследования, минеральные, размешанные с жиром или костным мозгом. На мадленских стоянках часто встречаются, очевидно, заготовленные впрок краски в растертом и смешанном виде, найден даже костяной флакон в котором сохранился порошок красной охры. Сюжетом мадленской живописи служат почти исключительно крупные травоядные животные, в особенности бизон и олень, редко - хищники. Размеры изображений по обыкновению весьма велики, доходят до 2,5 м. Судя по тому, что мадленские изображения располагаются преимущественно в глубоких пещерах, надо думать, что работа производилась при искусственном освещении теми жировыми лампами, которые находят на стоянках этой культуры. Встречаются пещеры, представляющие собой целые собрания палеолитической живописи. Живопись и рисунок Мадлена выделяются большим реализмом, в них обнаруживается нередко замечательное знание натуры. Оставаясь по большей части контурным и лишь иногда покрытый штриховкой, мадленский рисунок отлично экспрессивен. В противоположность неподвижности ориньяко-солютрейских изображений, натура в мадленском рисунке наполнена движением, отлично переданы различные позы, особенно удачно - поворот головы.

Рельеф на каменной плите. Ориньякская культура.

Не лишен мадленский рисунок и перспективности. Живопись хорошо передает объем, при этом пластичности достигают распределением светлых и темных тонов; иногда дается красочный фон. На смену неполному изображению натуры в предшествующую смену в Мадлене, и рисунок и живопись дают животное чаще полной фигурой. Наконец, гораздо выше стоит в Мадлене и условный рисунок. Мы встречаем здесь уже либо стилизованное изображение животного, либо свободный орнаментальный мотив, нанесенный на какое-нибудь орудие. На ряде образцов рисунка данной поры прослеживается переход от изображения с признаками реализма к стилизации с орнаментом.

Рисунок на камне. Мадлен.

Не стоит, конечно, преувеличивать художественных достоинств палеолитического искусства. Культурно-историческое его значение состоит, во всяком случае, в том, что перед нами первейшие образцы человеческого творчества в изобразительном направлении.

Произведения ориньяко-солютрейского и мадленского изобразительного искусства можно встретить везде, где мы находим памятники данных культур. Выдающимися памятниками палеолитической живописи являются пещеры: Фон-де-Гом во Франции и Альтамира в Испании. Прекрасные образцы скульптуры дали памятники, найденные на территории России: Гагарино, Костенки, Мальта и др.

Особенное место по сюжету и манере за рисунком, так называемой капсийской культуры (от названия оазиса и города Гафса - римское Капса - в Тунисе). Эта культура, имеющая соответствия с европейскими культурами верхнего палеолита и раннего неолита, распространена в юго-восточной Испании, отчасти в Италии, в Северной Африке, Малой Азии, отчасти на Кавказе. Изображения представляют собой здесь главным образом силуэтный - из черной и красной красок - рисунок на скалах, но не в пещерах, а на открытых местах. Размер обычно небольшой.

Рисунки на стенах пещеры. Мадлен.

Крупнейшее достижение капсийского искусства - кроме изображений одиночных фигур переход к композиции, иногда довольно сложной. Это бытовые картины, сцены охоты, эпизоды войн. Капсийский рисунок чрезвычайно экспрессивен, изображение в основе реалистично, но стремление передать движение ведет к крайней условности.

Бизон со стрелами. Рисунок на скале. Мадлен.

Зато изобразительное искусство раннего неолита в Европе весьма бедно. Надо признать, что после прекрасного, поистине блестящего взлета изобразительного искусства в позднем палеолите, налицо явный спад. В итоге, почти единственными образцами искусства Азиля остаются раскрашенные гальки, на которых красной охрой нанесены условные, не поддающиеся приемлемому истолкованию рисунки или знаки.

В новой направленности развивается изобразительное искусство уже следующих стадий неолита. Встречаются здесь прекрасные образцы круглой скульптуры из дерева, кости и камня. Некоторые петроглифы (наскальные изображения) дают изображения животных и людей реалистические, либо условные. В целом же неолитическое искусство идет по линии декоративной, давая здесь, зато, обилие разнообразных форм. Широким образом проявляется в эту эпоху стремление к украшательству всех вещей, окружающих человека, которые ему служат, вплоть до самых обыденных и незатейливых предметов употребляемых каждодневно, в частности посуду из глины. Подобное украшение формирует орнамент (лат. ornamentum - «украшение»), от самых простых его форм - ямочного, гребенчатого или примитивно-геометрического, до весьма сложного и высокохудожественного, с различными мотивами и сюжетами, разнообразной раскраски. Разнообразным, иногда весьма богатым орнаментом покрываются также одежда, утварь, оружие. Характер декоративности имеют в эпоху неолита скульптура и рельеф. Менгиры, принимая форму человеческих изображений, дают зачатки статуе. Особую форму менгиров представляют собой «каменные бабы» - массивные, обычно высотой до 2 м и больше, статуи с примитивно изваянным лицом и еще более примитивно намеченным туловищем. Статуи эти распространены были широко на территории бывшего СССР, на большом пространстве европейской и азиатской ее частей, в особенности на южной части Европы.

Если мы обратимся теперь к материалу этнографическому, то и здесь встретимся в большинстве с декоративным направлением, дающим довольно много разнообразных форм и нередко, достигающим значительной художественной высоты. Что касается рисунка и живописи, то хотя не мало народностей обнаруживают в этом направлении замечательные способности, за одним исключением мы все же не находим здесь ничего равного либо же вообще подобного искусству Мадлена и Капсы. Исключение это составляют замечательные контурные рисунки и живопись бушменов. Мы видим здесь наскальные и пещерные изображения, сюжетом которых служат животные, птицы, люди, как в одиночку, так и группами. Натура дается в профиль, большей частью в движении. Нередки композиции - сцены охоты, культовые церемонии, военные эпизоды. Как в Мадлене, так и здесь встречаются человеческие изображения с головой животного.

Сцены охоты. Рисунки на скале. Капсийская культура. Восточная Испания.

Бушменская живопись имеет отличии от мадленской тем, что в ней контур раскрашен по поверхности часто произвольно, в два-три цвета, красной, черной, желтой или белой краской. Для раскрашивания бушмены пользовались кистями и каменной палитрой. Изображения отличаются замечательным реализмом, точностью, прекрасной передачей пропорций, экспрессией. Конечно, и здесь не все вещи одинаковы в художественном уровне.

Широкое распространение у массы племен и народностей скульптура, круглая и рельеф. Большей частью она имеет тесные связи с религией и культом, преимущественно довольно примитивна. Но и здесь мы встречаемся с произведениями - и реалистическими, и сугубо стилизованными или фантастическими,- при всем своем своеобразии, при всей своей «экзотичности», отличительными по вкусу и художественному совершенству. Такова в особенности круглая деревянная скульптура негров запада Африки и меланезийцев и декоративный рельеф полинезийцев и индейцев северо-запада Северной Америки, хайдов, тлинкитов и др.

Особой областью проявления изобразительного искусства становятся маски. Происхождение масок относится, по-видимому, к весьма архаическому прошлому: их знают уже весьма отсталые племена. Вместе с тем маска имеет различные истоки: и маскирование под зверя как прием охоты и одна из форм тотемистических процедур, и способ устрашения врага. Маски многих племен и народностей представляют собой нередко замечательные произведения скульптуры и живописи и при присутствующей гротескности без преувеличения являются выдающимися образцами изобразительного искусства.

Археологический и этнографический материал, освещающий ранние проявления изобразительного искусства, оставляет немало пробелов, ставя ряд серьезнейших вопросов. Надо сказать прямо, что и неполнота материала, и не изученность таких вопросов заставляют многие из них оставить открытыми. Мы лишь еще раз вернемся к вопросу о связи искусства первобытности с религией. Мы уже знаем, что религия проникает и в область искусства. Нет поэтому ничего неожиданного в том, что некоторые произведения искусства первобытных на себе носят печать религии, а иногда ею всецело обусловлены. Религиозное влияние сказывается особенно на этапах более поздних в развивающемся первобытном искусстве, а точнее в скульптуре и в орнаменте. Нельзя, однако, везде находить эту обусловленность искусства религией. Кстати сказать, в палеолитической живописи встречаются, очень редко, изображения животного с воткнувшимися в него стрелами. Эти изображения - излюбленный и ставший трафаретным аргумент религиозной теории искусства. Озвучивают, что мы имеем здесь магический прием: путем такого изображения художник имел в виду обеспечение собственной удачной охотой. Но вряд ли можно оспорить и иное толкование данного рисунка, а именно - как довольно реалистическое изображение зверя с попавшими в него стрелами. Столь же часто приводится и другое доказательство. Изображения полу-животных-полулюдей, встречающиеся в палеолитических памятниках и в живописи бушменов, толкуются как изображения колдунов. Но и здесь можно видеть вполне реалистические изображения особого приема охоты с маскировкой под зверя,- приема, широко практикуемого многими племенами, в том числе теми же бушменами.